A finales de los años sesenta el rock llegó a su mayoría de edad. Fue el momento de plantearse metas más ambiciosas, no solo era la forma musical de expresión de toda una generación, además había llegado el momento de crear obras más complejas, con una linea narrativa a lo largo de las composiciones. Habían llegado las óperas rock.

Aunque siempre se ha considerado “Tommy” (1969) de The Who, como la que dio el pistoletazo de salida, un año antes, The Pretty Things, de reciente visita a nuestra ciudad, con su “S.F. Sorrow”, donde se habla de la vida de Sebastian. F. Sorrow, desde su llegada al mundo, pasando por diferentes etapas de su desoladora existencia, se puede considerar realmente la primera ópera rock.

Jesus Christ Superstar, probablemente más que ninguna otra, se merece el calificativo de auténtico exponente de ese género revolucionario llamado ópera rock. En esta obra, nacida de las mentes de Tim Rice y Andrew Lloyd Webber, encontramos los parámetros que debería seguir toda composición para poder llegar a ser catalogada como ópera rock: mucha teatralidad, pasajes que se repiten a lo largo del libreto, una historia conceptual o el uso de instrumentos eléctricos para la ejecución de la misma.

Andrew Lloyd Webber (Música) y Tim Rice (Letrista)

Esta obra narra los siete últimos días de la vida de Jesucristo, desde su entrada en Jerusalén hasta su crucifixión. Se adentra además en la psicología de Jesús desde el punto de vista de su discípulo Judas Iscariote, quien es retratado como una figura trágica y descontenta con la dirección que ha tomado la doctrina de su maestro, y plantea un enfrentamiento político y personal entre los dos que no está reflejado en la Biblia. Durante el desarrollo de la trama se presentan numerosos anacronismos intencionados, como actitudes y sensibilidades contemporáneas, argot en las letras de las canciones o alusiones irónicas a la vida moderna.

“Jesus Christ Superstar” fue concebida y escrita por sus autores entre 1968 y 1969. Aunque la intención inicial tanto de Lloyd Webber como de Tim Rice era llevar la obra a los escenarios, no encontraban quien la quisiera producir, de manera que, al contrario de lo que es habitual, grabaron el álbum antes de que el musical se representara en un teatro. El doble álbum, editado en 1970, se convirtió inmediatamente en un gran éxito de ventas.

Grabado en forma de álbum conceptual con Ian Gillan (vocalista de Deep Purple) como Jesús, Murray Head como Judas e Yvonne Elliman como María Magdalena. En el disco también tomaron parte Mike d’Abo (líder de Manfred Mann) como Herodes y el cantante de glam rock Gary Glitter (acreditado como Paul Raven) en el papel de uno de los sacerdotes, además de una orquesta sinfónica de 56 miembros y 6 músicos de rock. La grabación consiguió llegar al primer puesto del Billboard en dos ocasiones. Las canciones “Superstar” (interpretada por Murray Head y The Trinidad Singers) y “I Don’t Know How to Love Him” (interpretada por Yvonne Elliman) fueron publicadas como singles y se convirtieron en grandes éxitos.

Enlace a la Grabación Original de la Obra (1970)

Tras la publicación del disco, varias producciones no autorizadas de la obra comenzaron a proliferar, desde versiones en concierto a puestas en escena completas, provocando demandas por parte de los autores que acabaron con el cierre de todos estos montajes ilegales y convirtieron a Jesucristo Superstar en un referente en la ley de derechos de autor. El 12 de julio de 1971 se celebró el primer concierto oficial ante 13.640 personas en el Civic Arena de Pittsburgh, con Jeff Fenholt como Jesús, Carl Anderson como Judas e Yvonne Elliman como María Magdalena, para después embarcarse en un tour por 54 ciudades estadounidenses. La extraordinaria acogida de estos primeros conciertos hizo que otras dos compañías saliesen a la carretera ese mismo año, coincidiendo tres giras recorriendo el país simultáneamente.

Debido a que el álbum había funcionado mejor en Estados Unidos que en el Reino Unido, se decidió que la première mundial de “Jesucristo Superstar” tuviese lugar en Broadway, donde se estrenó el 12 de octubre de 1971 en el Mark Hellinger Theatre, producido por Robert Stigwood. A pesar de recibir críticas tanto positivas como negativas, el montaje obtuvo un gran éxito de público (las 724 representaciones durante las cuales se mantuvo en cartel la obra se distribuyen en 13 funciones previas y 711 funciones regulares). Sin embargo, Lloyd Webber nunca estuvo satisfecho con esta producción, que él mismo no duda en calificar de “horrible”. Según el compositor británico, esta es la razón de que ninguna de las siguientes producciones de Jesus Christ Superstar en el resto del mundo tomaran como referencia esta producción original.

Fragmentos de la Obra Representados en la Entrega de los Premios Tony (1972)

Aunque la acogida inicial del álbum en Reino Unido había sido más bien tibia, el triunfo de la representación en Broadway allanó el terreno para su debut en Londres, que tuvo lugar el 9 de agosto de 1972 en el Palace Theatre del West End, con una producción diferente y algo más pequeña. El éxito fue aún mayor que en Estados Unidos, alcanzando las 3.358 funciones durante los 8 años que se prolongaron las representaciones. A pesar de que posteriormente su récord ha sido batido por otros títulos, el 3 de octubre de 1978 Jesucristo Superstar se convirtió en el musical de mayor permanencia en cartel en la historia de Londres al superar a Oliver!.

Como curiosidad reseñar, que en la producción original de Suecia, estrenada el 18 de febrero de 1972 en el Scandinavium de Gotemburgo, contó con Agnetha Fältskog, componente de ABBA, como María Magdalena.

Vart Skall Min Kärlek Föra

Nu Ska Du Bli Stilla

En 1972 se realiza también el montaje francés de la obra, donde destaca sobre todo, la cantante que asumió el personaje de María Magdalena. Anne Marie David ganó un durísimo casting en el que se presentaron más de 600 jóvenes. Se trata de una interpretación donde se requiere una gran voz y Anne-Marie era un portento en eso. Las tablas que adquirió gracias a este musical, le sirvieron para afrontar extraordinariamente los directos. Los críticos musicales la consideran como una de las mejores interpretaciones del papel de María Magdalena, internacionalmente hablando.

El tema “Chanson de Marie Madeleine”, adaptación realizada por Pierre Delanoë del tema “I Don’t Know How to Love Him” del musical, fue un rotundo éxito de la artista, que supuso su lanzamiento definitivo, culminado el año siguiente ganando el Festival de Eurovisión representando a Luxemburgo.

Anne Marie David (Chanson de Marie Madeleine) 1972

Versión Francesa de la Obra (Reparto Original) 1972

En 1973, “Jesucristo Superstar” fue adaptado a la gran pantalla bajo la dirección de Norman Jewison, convirtiéndose en la octava cinta más taquillera de ese año a pesar de las críticas de algunos sectores religiosos. La película se rodó en Israel y en otras localizaciones de Oriente Medio. El film, algo lastrado en la actualidad por una desbordante estética hippy, se beneficia de las desgarradas interpretaciones y de las privilegiadas y potentísimas voces de Ted Neely como Jesús, de Carl Anderson como Judas, de Yvonne Elliman como María Magdalena y de Barry Dennen como Poncio Pilatos. Los únicos vocalistas del álbum original que repitieron sus personajes en la adaptación cinematográfica fueron Yvonne Elliman (María Magdalena) y Barry Dennen (Pilatos), tras haberlos interpretado también en la producción original de Broadway y en su correspondiente grabación en disco.

Es posible que, como película, “Jesucristo Superstar” no sea una obra maestra. Es posible que la dirección de Norman Jewison sea un poco torpe, como se ve cuando abre los planos. Pero es que con esa maravilla de banda sonora (es decir, de guión, porque el 100% de los diálogos son cantados), ya no le hace falta nada más para resultar mítica y extraordinaria. Todos los actores son magistrales cantantes, y expresan tanto con la voz y los gestos que tampoco importa que algunos, como el propio Ted Neely, sean algo inexpresivos.

Cantaba Mercedes Sosa “Si se calla el cantor calla la vida”. Nada más apropiado para expresar el sentimiento que deja la noticia de la muerte de Leonard Cohen. Cohen dio voz al desarraigo, la frustración de la vida que te ahoga con la soga del aburrimiento, al amor posible e imposible.

Con el bailamos un Vals a la sombra de La Alhambra, conquistamos Manhattan y luego Berlín, nos hicimos partisanos, soñamos con Suzanne. Cohen fue cambiando nuestras vidas al ritmo de su voz cambiante. De aquella voz dulce como un vino blanco, fresco y joven, pasamos a un tinto añoso, rugoso, lleno de matices.

Cohen, un estilo en si mismo, porque es inclasificable más allá de la manida etiqueta de cantautor. Nació en Montreal en 1934, en una familia de ascendencia judía, comenzó a interesarse al poco tiempo en la poesía de Federico García Lorca y durante su adolescencia, aprendió a tocar la guitarra y formó “The Buckskin Boys”, un grupo de country-folk. Aunque comenzó tocando una guitarra acústica, pronto pasó a tocar una guitarra clásica tras conocer a un joven guitarrista español que le enseñó “unos cuantos acordes y un poco de flamenco”.

Pero fue en la literatura donde Cohen empezó a desarrollar su talento. Publicó sus primeros poemas en marzo de 1954, carrera literaria que continuaría en los siguientes años, alternando la poesía con la narrativa.

En 1967, decepcionado por su falta de éxito como escritor, Cohen se trasladó a los Estados Unidos para comenzar una carrera como cantautor folk. Su canción “Suzanne”, fue un notable éxito de la mano de Judy Collins, y durante muchos años fue su canción más versionada. Tras tocar en varios festivales de folk, ganó la atención de John H. Hammond, representante de Columbia Records que años antes fichó para la compañía a Bob Dylan.

Cuando llega el momento de componer las canciones de su primer álbum, el trabajo está ya medio hecho: Cohen sólo tiene que desarrollar la melodía propia de los poemas que escribe y trasladarlos hacia el medio musical. El resultado es majestuoso, brillante. “Songs of Leonard Cohen” no es un disco revolucionario o innovador, es sólo condenadamente especial.

Songs of Leonard Cohen (1967)

Las canciones en este álbum transmiten una extraña calidez, una belleza atemporal que huele y suena a pura poesía, como si la experiencia abstracta de leer unos versos se hubiera embotellado para el disfrute de todos. Mucho de lo hermoso del disco viene de la contribución musical del productor John Simon, pero no nos engañemos, son las letras de Cohen las que ascienden sobre la música y las transforman en experiencias espirituales, únicas.

En 1971 edita “Songs of Love and Hate”, donde la estética musical “coheniana”, en toda su expresión de austeridad y densidad, se destila en este álbum grabado en un período difícil, envuelto en depresiones. La voz monótona, de letanía, en contraste con unos ansiosos acordes de guitarra, advierte de las visiones de desolación en la primera pieza, “Avalanche”. Pero incluso el Cohen más severo y desesperanzado, sumido en un sofocante “Via Crucis” interior, se aferra a la belleza en las luminosas “Famous Blue Raincoat” y “Joan of Arc”, entre metáforas inquietantes no siempre descifrables.

Songs of Love and Hate (1971)

Después de una periodo esplendoroso y de una tacada de discos maestros, Cohen en “New Skin for the Old Ceremony” de 1974, empieza a despegarse del folk para enriquecer sus composiciones, dibujar nuevos paisajes melódicos anudados a violas y mandolinas y lanzarse al campo de batalla del amor con canciones de altura como “Who by the Fire”, “Field Commander Cohen” o “Chelsea Hotel No.2, en la que rememora su breve relación con Janis Joplin.

New Skin for the Old Ceremony (1974)

“Death of a Ladies´ Man” es un disco distinto de Cohen, que horrorizó a muchos fans por los frondosos arreglos de la producción de Phil Spector. Con el tiempo, se ha ido erigiendo en una obra extrañamente fascinante, de una decadente y retorcida belleza. El control de Spector sobre la grabación, con maneras intimidantes, incluido un uso disuasorio del revólver, dio un brillo inédito a piezas como “True Love Leaves no Traces”, “Paper Thin Hotel” o ese “Memories” que suena como si Cohen cantara el pop fresco de aquellas bandas de chicas de principios de los sesenta.

Death of a Ladies’ Man (1977)

Asceta y espartano, Cohen se desmarca en “Various Positions” de 1985 con una nueva colección de salmos contemporáneos que miran de reojo al pop y se acomodan en esa voz cavernosa y en permanente fundido en negro. Aquí está, entre algodones y amagos de sintetizador, ese “Hallelujah” que han hecho suyo infinidad de artistas, pero también pequeñas maravillas como “Dance me to the End of Love” o “If It Be Your Will”. Bendita madurez.

Various Positions (1985)

En 1988 publica “I’m Your Man”. Un disco soberbio en el que no sobra nada. Rodeado de sintetizadores, la voz de Cohen renace más contundente que nunca para exhibirse como un casanova envejecido que ajusta cuentas consigo mismo y trata de disculpar tantos pecados cometidos. De la robusta y contundente “First We Take Manhattan” a esa delicada “Tower of Song”, dedicada a Hank Williams, pasando por el homenaje a Lorca en “Take This Waltz” a los aromas intensos de “Everybody Knows”, la exhibición es total, dando un contrapunto irónico a canciones con mensajes poderosos, a veces apocalípticos. En su perverso equilibrio de ligereza y gravedad.

I’m Your Man (1988)

En “The Future” (1992), el sarcasmo de “I’m Your Man” es aplastado por la voz de alarma que abre el disco: “He visto el futuro, hermano, es un crimen”, canta, advirtiendo del rumbo que la humanidad tomará tras la caída, aparentemente feliz, del muro de Berlín. Disco de imágenes visionarias, que expresa una angustia más global que íntima a través de un lenguaje musical un poco más clásico que en el trabajo anterior y que, a través del escepticismo y el terror, deja piezas majestuosas como “Waiting for the Miracle”, “Anthem’ y ‘Closing Time”.

The Future (1992)

Tras sus años de retiro en el monasterio budista de Mount Baldy, California. En 2001 Cohen dio señales como creador en este disco de título desmotivado, donde compartió tareas compositivas con su veterana cómplice y corista Sharon Robinson. No hay que fiarse de las apariencias: en esta obra discreta hay un Cohen líricamente destilado y musicalmente conmovedor, que cultiva la canción pop adulta de sencillo acabado y desplaza su mirada desde los abismos emocionales de “A Thousand Kisses Deep” al paisaje hedonista de “Boogie Street”

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Ten New Songs (2001)

La última etapa de Cohen, esa página que añadió por estrictos motivos económicos, ha dejado trabajos de altura como “Popular Problems”, acaso el más inspirado de todos los discos que grabó tras su regreso a los escenarios en 2008. El crepúsculo empieza a asomar la cabeza y la oscuridad gana terreno, pero Cohen se resiste a dejar escapar la belleza y la rodea de voces arenosas, lamentos servidos entre cuerdas y pinceladas de blues con la que se revela como una suerte de versión amable de Tom Waits.

Popular Problems (2014)

La atmósfera que rodea el decimocuarto disco de estudio de Leonard Cohen fue premonitoria. Recuerda al testamento sonoro de Bowie, “Blackstar”. La voz de Cohen suena más profunda que nunca, y sus letras huelen a despedida. Son nueve canciones de un hombre sabio, desencantado, nostálgico, cansado, pero en paz consigo mismo y con el mundo.

En “You Want it Darker”, primer single que da título al álbum, y el tema más dramático del mismo. “Estoy listo, mi Señor”, repite en esta especie de réquiem de casi cinco minutos, con el acompañamiento del lúgubre coro de la Sinagoga Shaar Hashomayim. “Un millón de velas están quemándose pidiendo la ayuda que nunca llegó”. Nos encontramos con el Cohen más espiritual, dirigiéndose a lo más profundo del alma humana.

You Want it Darker (2016)

Definido por el crítico Bruce Eder como “uno de los cantantes y compositores más fascinantes y enigmáticos de finales de los sesenta”. Cohen es eso y mucho más, son las palabras que caen sobre nosotros como hojas en otoño o la fina lluvia que nos empapa cada vez que le escuchamos. Escúchenle y cálense hasta los huesos.

Discurso en la Entrega del Premio Príncipe de Asturias de las Letras (2011)

El viernes próximo, The Pretty Things visitan León, actuando en nuestra Universidad. Aparte de la entrada informando de su actuación, no podíamos dejar de hacer referencia a este disco imprescindible de ellos, “S.F. Sorrow”, que no se si será su mejor álbum, pero sí desde luego, el más influyente de todos.

Admiradores declarados de Bo Diddley, estos ingleses nos ofrecen una versión despiadada de la psicodelia, que entonces dominaba la escena. Este álbum sorprende por sus armonías vocales hipnotizantes, sus psicodélicas canciones folk-blues y una potencia eléctrica que por momentos nos transporta al hard-rock de los años que estaban aún por venir. Las sorpresas se suceden una tras otra sin dar un solo respiro al sorprendido oyente, que disfruta con la perfecta ejecución de guitarras y bajo y el buen trabajo de batería, percusiones exóticas y teclados, imprimiéndole esa sensación mística tan característica de la era lisérgica. Todo eso mientras nos cuentan las andanzas del solitario Sebastian F. Sorrow.

Producido por Norman Smith (que venía de trabajar con The Beatles en su primera época) y grabado en los estudios Abbey Road. “S.F. Sorrow” nunca gozó del reconocimiento que merecía; posiblemente debido al poco apoyo que recibió la banda por parte de la industria, concentrada entonces en difundir a grupos como Pink Floyd, que preparaba la salida de su segundo álbum “A Saucerful of Secrets”. Además, el álbum fue lanzado en la misma semana que The Beatles sacaba su “White Album” y The Kinks publicaban su  “The Kinks Are the Village Green Preservation Society”. Así y todo, este trabajo ha envejecido de manera brillante y ocupa su merecido lugar dentro de las grandes joyas perdidas del rock.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO + EXTRAS

MacArthur Park es un parque de la ciudad de Los Ángeles, llamado así en honor del general Douglas MacArthur. Pero es conocido sobretodo por ser el título de una canción, tan odiada como amada, que compuso el gran Jimmy Webb a finales de los años sesenta.

Jimmy Webb fue autor de una lista mareante de grandes éxitos para multitud de artistas. Muchas de esas canciones se han convertido en clásicos inmortales de la música popular moderna.

La inspiración para “MacArthur Park” fue la relación y la posterior ruptura entre Webb y una mujer llamada Susan Horton. En este parque, que da nombre a la canción,  fue donde los dos de vez en cuando se reunían para el almuerzo y allí pasaron los momentos más agradables juntos. En esa época (mediados de 1965), Horton trabajaba en una empresa cuyas oficinas estaban ubicadas justo al otro lado del parque.

Richard Harris y Jimmy Webb

La canción fue grabada por primera vez por el gran actor irlandés Richard Harris. Este conoció a Webb en una recaudación de fondos en Los Ángeles a finales de 1967. Webb había sido invitado para proporcionar el fondo musical a la fiesta. A bocajarro, Harris (quien acababa de protagonizar la película “Camelot” ) le sugirió que quería sacar un disco. Webb no se lo tomó muy en serio hasta que más tarde recibió un telegrama de Harris, pidiendo que se viniera a Londres para comenzar el proyecto. Después de escuchar de forma exhaustiva todas las composiciones de Webb, Harris selecciona “MacArthur Park” para su debut en la música pop como parte de su disco “A Tramp Shining” (su  primer álbum como vocalista).

De “MacArthur Park” destacan varios puntos interesantes. El más notorio de ellos es su duración de casi ocho minutos, algo que resultaba, resulta, muy inusual en una canción pop. Otro detalle es su estructura musical, que contiene gran cantidad de variaciones, acabando por convertirse en una especie de “canción de canciones” y en todo un reto para el vocalista que quiera interpretarla.

Pero lo que más llama la atención es su letra. Podríamos considerar a “MacArthur Park” como una pieza surrealista, puesto que está llena de metáforas, de frases totalmente fuera de lo común, con extrañas alegorías, que dan lugar a un curioso debate sobre mensajes ocultos, pero que suponen un exquisito y delicado aporte a la historia de la canción, que habla de amores, del paso del tiempo y los desengaños. El patetismo absoluto, el lamento, y en definitiva, la fuerte carga emotiva de la canción han cautivado a miles de personas a lo largo del tiempo. Es una joya absoluta, la mejor muestra del pop orquestal o pop barroco como lo denominan algunos críticos.

Richard Harris (MacArthur Park) 1968

La profunda voz de Harris dió al tema un aura realmente íntimista que lo convirtió en un clásico y en una de las mejores composiciones de finales de los sesenta. La canción destrozó las listas de éxitos en Inglaterra y Estados Unidos, en donde estuvo a punto de llegar a la primera posición de Billboard.

Diez años después sería versionada por Donna Summer, convirtiéndose quizá en la versiòn más famosa de la canción y que supuso un éxito internacional de la cantante.

Summer interpretó “MacArthur Park” durante los conciertos del Once Upon a Time Tour, en un medley titulado “MacArthur Park Suite”. Una de las presentaciones fue grabada y lanzada dentro del álbum “Live and More”, en el cual la canción tiene una duración de ocho minutos y cuarenta segundos, pero fue editada para ser lanzada como sencillo dejándola en menos de cuatro.

“MacArthur Park” se convirtió en el primer sencillo nº 1 de la artista en los Estados Unidos, manteniéndose en esa posición durante tres semanas. Además, Summer fue nominada a un Grammy en la categoría de mejor interpretación femenina de pop.

Donna Summer (MacArthur Park) 1978

“MacArthur Park”, ha sido grabada por muchos otros intérpretes y grupos (se tiene constancia de más de 50 versiones). A parte de la versión de Donna Summer, Infinidad de artistas han versionado el tema, como el pianista Floyd Cramer, Tony Bennett, Frank Sinatra, The Four Tops, Waylon Jennings (con una maravillosa versión country del mismo), Andy Williams, Lisa Minelli o Sammy Davis.

Waylon Jennings (1976)

The Four Tops (1969)

Glen Campbell (1970)