Heaven & Earth (Refuge) 1973

“Nuestra música realmente tiene una vida propia. En 1972 nos ofrecieron la oportunidad de grabar nuestra música, que fue publicada como el álbum “Refuge” en 1973. Vendimos 10.000 álbumes ese año y tuvimos muchas actuaciones deliciosas ante nuestros fans. Posteriormente ambas tomamos otras direcciones antes de poder publicar nuestro segundo álbum. A lo largo de los años, nuestros fieles seguidores han mantenido nuestra música viva y finalmente han dado a nuestra música un género propio, “Psychedelic Folk”. Tal vez estábamos justo por delante de nuestro tiempo”

Con estas palabras define Jo D. Andrews, integrante de este maravilloso dúo junto con Pat Gefell, la historia de su primer y único álbum editado en 1973. 

Hay una belleza inocente en esta música. Las canciones hablan de las experiencias de Heaven & Earth como dos mujeres jóvenes que viven y viajan juntas. Las historias que cuentan son acerca del amor, la amistad, la libertad y una búsqueda del sentido de la vida. Es intemporal por completo, de una frescura eterna. Captura el tiempo y lo deposita en  el alma de todo el que lo escucha.

A principios de los años setenta, Jo y Pat coinciden como compañeras de piso en Nueva York. Encontraron un apartamento en el Upper West Side de Manhattan frente a Riverside Drive. Las dos mujeres trabajaron como camareras, modelos y cantantes para pagar su alquiler. Una noche, cuando ambas estaban en casa pasando una mala racha económica, escribieron su primera canción juntas. A partir de ese momento, esa composición fue el comienzo de Heaven & Earth, aunque todavía sin darse ese nombre.

Como cantantes y compositoras se convirtieron en parte de una contracultura, que inocentemente creía que si la gente se concentraba en el amor, la compasión por sus semejantes y la búsqueda de la libertad para todos, podría haber paz en la tierra. Como compañeras de habitación tenían muchas oportunidades para discutir sus creencias e ideas. Ambas habían sido influenciadas por la política de la época y se sintieron profundamente conmovidas por los acontecimientos más importantes del mundo: la Guerra de Vietnam, la liberación de las mujeres, el movimiento por los derechos de la población homosexual, el racismo y los asesinatos de las figuras políticas clave de su generación. Su música comenzó a reflejar algunas preguntas serias: “¿Qué hay del amor? ¿Por qué no podemos llevarnos bien?.

En 1971, tanto Pat como Jo D. se habían casado y en 1972, nombraron a su dúo, Heaven & Earth. Ese año el dúo comenzó a mostrar su material original actuando como teloneras de otra banda de gira por el país. Dick Shory, de Ovation Records, las escuchó en Chicago y llamó a su habitación del hotel para preguntar si tenían contrato con alguna discográfica. Y si no, ¿estaban interesadas ​​en hacer un álbum con el?. Al principio, Pat y Jo D. pensaron que era una broma, pero Dick insistió en que tomaran su número, y después de hablar de ello, las dos mujeres decidieron involucrar al esposo de Jo D., el arreglista George Andrews, en el proyecto.

Dick y George coprodujeron el álbum, con el título de “Refuge” y George escribió todos los arreglos. El álbum fue grabado en sonido cuadrafónico e inicialmente la respuesta fue muy buena en colegios, universidades y estaciones locales de televisión y radio en todo el país.los oyentes les encantó, pero sus representantes y distribuidores no supieron cómo promocionar el dúo. ¿Qué eran de todos modos, folk, pop, algo intermedio?.

Sin respaldo sustancial y sin dinero, el camino se puso muy cuesta arriba para ellas. Mientras viajaban para promocionar el álbum, empezaron las disensiones entre ellas y los que las rodeaban. Estaban en sus veinte años y sin embargo la alegría de ese momento estaba disminuyendo. El glamour de “estar de gira” las llenaba cada vez menos. Como resultado, cuando las dos regresaron a Nueva York, ambas mujeres tuvieron un mayor aprecio por el “hogar dulce hogar”. Era tan bueno estar en su propio barrio cantando y actuando.

Durante este tiempo, el padre de Jo, que había sido un mentor y padre para ambas mujeres, falleció. Jo D. y Pat eligieron pasar los últimos meses de su vida con él, en lugar de regresar a Chicago para grabar su segundo álbum. Durante los últimos meses de Clyde el dúo decidió que no iban a seguir con Ovation Records. A pesar de que les encantó el proceso de escritura y grabación en el estudio, la promoción de sus álbumes y la gira sin el apoyo de su compañía discográfica las decepcionó profundamente.

Cielo y Tierra Fotos - performance 2

El tiempo pasó, y unos treinta y cinco años más tarde, y gracias a  Internet, la música de Heaven & Earth comenzó a ser reproducida en la web por sus fans. Lion Productions dio un salto en el vacío y decidió lanzar el álbum como una reedición de CD con abundantes bonus tracks y abundante material gráfico. También lo editó en formato vinilo con una edición limitada a 750 copias. Yo soy uno de esos 750 afortunados que podemos disfrutar de este álbum mágico en formato analógico.

Cuando Heaven & Earth se rompió en 1974, nunca imaginamos que habría una reedición de nuestro álbum “Refuge”, unos treinta y cinco años después. A decir verdad, nunca nos planteamos ser Nº 1, o cual sería el camino que seguiríamos al encontrarnos fortuitamente las dos en el verano de 1969. Llámelo karma, destino, lo que usted eliga. Para nosotros esa reunión fue una bendición más allá de toda medida”.

“Refúgiense” en el. No se arrepentirán.

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Germán Díaz (28/Enero/2017)

Sábado, 28 enero, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €) : a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

GERMÁN DÍAZ

Nace en 1978 en Valladolid, donde realiza estudios de guitarra clásica y Filología Clásica en la Universidad de Valladolid así como el Curso de Postgrado “Especialista Universitario en Estudios sobre la Tradición”.

Estudia zanfona con Rafael Martín, Pascal Lefeuvre, Laurent Tixier, Isabelle Pignol, Gilles Chabenat, Nigel Eaton, Patrick Boufard, Laurence Bourdin, Valentin Clastrier, etc…

Ha actuado por todo el mundo (Colombia, Brasil, Argelia, Rusia, Francia, Italia, Portugal, España, Austria, Bélgica, Alemania, Bulgaria, Marruecos, Eslovenia, Finlandia, Suiza, Paises Bajos, Noruega, Moldavia, Ucrania…) en prestigiosas salas y festivales como el Teatro Real de Marrakech, ConcertGebaum de Amsterdam, Universidad de Colombia, Reales Alcázares de Sevilla, Odessa Jazz Carnival -Ucrania-, Casa de los arquitectos de Moscú, Amuz -Amberes-, Stans Music Festival -Suiza-, Storas Festival -Noruega-, European Jazz Night Festival -Oslo-, UER Festival -Finlandia-, Ethno Jazz Festival -Moldavia-, centro Kulturbrauerei -Berlin-, Nits de Música de la Fundació Miró -Barcelona-…

Ha colaborado con numerosas formaciones e intérpretes como Rao Trío, Viellistic Orchestra, Wafir Shekeldin Gibril, Pascal Lefeuvre, Valentin Clastrier, Joaquín Saura, Quarteto Medieval de Urueña, Paolo Angeli, Tasto Solo…

Perteneció a la mítica Viellistic Orchestra, Orquesta de zanfonas asentada en Francia. Este proyecto desapareció en 2004, y Germán, formó un dúo con el director artístico de la Orquesta, Pascal Lefeuvre, y cofundó el Symphonía Quartet, cuarteto ibérico de zanfonas, junto a Rafael Martín, Marc Egea y Pascal Lefeuvre.

En 1999 fue galardonado con el premio Racimo de Oro de la música por su labor de recopilación y difusión de la música tradicional.

En 2004 creó su propia discográfica, Producciones Efímeras, junto a Fernando Fuentes, en la que se ha dado una especial atención a proyectos de zanfonistas como Marc Egea o Matthias Loibner.

En 2005, fue elegido para representar a Castilla y León en la edición del PopKomm de Berlín, la más importante feria discográfica del mercado centroeuropeo.

En 2006, fue elegido para representar a España, en la edición número 27 del Festival de la Unión Europea de Radiodifusión (UER), la entidad que aglutina a todas las emisoras públicas del continente, celebrado en Finlandia.

En noviembre de 2008, RNE clásica, le dedicó un programa sobre la zanfona, en directo desde la Fundación Juan March de Madrid.

En 2009 fue elegido por la Embajada Española para representar a nuestro país en el prestigioso European Jazz Nights, en Oslo.

Su disco Músicas populares de la Guerra Civil -dúo de zanfona y guitarra- , en colaboración con Antonio Bravo, fue elegido como segundo mejor disco del año 2009 por Cuadernos de Jazz, y mejor disco internacional por la veterana revista japonesa Jazz Tokio.

BRIGADA BRAVO & DÍAZ

Músicas populares de la Gran Guerra

El nuevo proyecto de la Brigada Bravo & Díaz se basa en la música popular de la 1ª Guerra Mundial. Buscando información sobre registros fonográficos, encontramos una colección interesantísima en la biblioteca de Santa Bárbara, de la Universidad de California. Están digitalizando miles de cilindros antiguos de cera y haciendo ciertos playlist con todos estos temas. Una de las temáticas en donde han recogido 116 canciones, de las que hasta ahora han digitalizado, es la música popular de la 1ª Guerra Mundial, y hemos tomado esas canciones para hacer nuestro nuevo proyecto discográfico.

Brigada Bravo & Díaz (Músicas Populares de la Gran Guerra) 2016

Brigada Bravo & Díaz (Oh! Frenchy) 2016

Sharon Van Etten (Tramp) 2012

Siguiendo con el repaso a los fondos de la colección Manuel Tejada, generosamente donada a la Universidad de león, hoy presentamos a la cantautora Sharon Van Etten. Ella tiene el tipo de biografía que viene a la mente cuando las estrellas del pop cantan sobre los amantes despreciados y los años perdidos. Finalizada la escuela secundaria, se trasladó a Tennessee para asistir a la universidad estatal, y después de un año finalmente se dio cuenta de que no era para ella y abandonó. En algún momento del camino, cayó en una relación con un novio que pronto se volvió controladora. Junto con otros abusos, él repetidamente denigra sus intentos de escribir canciones, eran demasiado personales según el. Después de cinco años de soportarlo, ella finalmente abandona Tennessee y a su novio en medio de la noche y regresa a casa con sus padres ya separados.

Cuatro álbumes en una carrera haciendo lo que le dijeron que no podía, la norma inflexible que Van Etten se permite en su música es mantenerla resueltamente autobiográfica. “Tramp”, al igual que sus dos discos anteriores, es un humilde álbum sobre los amores perdidos, marcados por la duda, la ira que se va diluyendo y otras cicatrices invisibles. La composiciones de Van Etten se definen con detalles elípticos, cotidianos, ambiguos, fantasmas de relaciones anteriores y suspiros del pasado. En “Tramp”, Van Etten está dispuesta a proyectarse a sí misma, no como una víctima vulnerable o una heroína invencible. En “Serpents” ella lucha contra una pareja abusiva (“Serpents in my mind / Looking for your crimes”), mientras que en “We Are Fine” describe un ataque de pánico con detalles impresionistas: “Tratar de respirar, la cabeza entre mis rodillas / Tome mi mano y exprima, diga que estoy bien “.

Ayudando a “Tramp” a recorrer ese variado terreno, contiene un sonido cuidadosamente desarrollado alrededor de las confesiones de Van Etten con una voz ahogada en el humo de sus recuerdosEn “Tramp”, el productor Aaron Dessner ayuda al álbum a ganar cercanía y habita en el disco un sonido contundente y crudo que elimina la distancia entre el oyente y su protagonista.

El tema que lo abre, “Warsaw”, encrespa la letra “Quiero estar encima de ti” encima de la guitarra eléctrica dentada, mientras que un disparo de voz ofrece curvas anhelantes y chispas distorsionadas, que gradualmente crecen de una manera que impulsa el sentimiento de anhelo en las palabras. “Give Out” es impulsado por un estrépito acústico, trémulo, con una energía nerviosa, mientras que las líneas bluesy de la guitarra se cruzan y se superponen, la voz de Van Etten se abandona a las promesas y el peligro de “los ojos en el fondo de la habitación”. Mientras en “I’m Wrong” pregunta: “Dime que valgo todas las millas que señala tu coche / Dime que estoy equivocada”.

En “Tramp” no hay una gran ruptura con el trabajo pasado de Van Etten, e, ignorando los adornos del álbum, ella vuelve sobre todo a viejos sonidos y estilos. Sin embargo, es un álbum impresionantemente vívido, lleno de la materia desagradable de las relaciones fallidas que se encuentra en la nebulosa entre la autobiografía y el arte. Más que esa sorprendente historia vivida, es un disco que se define por resonancias y cosas a menudo muy pensadas, pero que rara vez han sido tan bien reflejadas. Van Etten ha creado un trabajo que vale la pena escuchar, aunque hablé del gastado tema de caer dentro y fuera del amor. Como resume en “Ask”, a veces “duele demasiado para reírse de ello”.

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La Música de Serguéi Prokófiev en el Cine de Serguéi M. Eisenstein (Alexander Nevsky / Ivan el Terrible)

¿Qué pasó cuando el mayor compositor de la Unión Soviética y su más grande cineasta se unieron para producir dos obras maestras?.  “Alexander Nevsky” e “Iván el Terrible” permanecen entre los ejemplos más grandes en el cine de la síntesis de la imaginería visual y de la música. Haber conseguido hacer películas tan extraordinarias bajo el ojo atento de Stalin, era un logro en sí mismo. El hecho es que la colaboración entre Eisenstein y Prokófiev, sorprendió en su sincronía.

Cuando unieron por primera vez sus fuerzas en 1937, tanto Eisenstein como Prokófiev habían sido acusados ​​de “tendencias formalistas”. A finales de 1932, el lema “Realismo socialista”, una frase atribuida a Stalin mismo, era de obligado cumplimiento en las artes. El realismo socialista tenía una antítesis perfecta: el formalismo, en otras palabras, el arte experimental o moderno.

Prokófiev, que había vivido en el extranjero desde 1917, con sólo unas pocas visitas a su país, decidió establecerse permanentemente en Moscú en 1936. Su lenguaje musical durante su larga ausencia, nueve años de los cuales se pasó en París, estaba marcado por cambios tonales irregulares, armonías agresivas, humor y sátira mordaz. Se había desilusionado cada vez más de lo que le parecía la naturaleza artificial de la música contemporánea en Europa occidental, y era más consciente de los lazos que lo unían a su país natal y las posibilidades que se le prometió como compositor. Más adelante escribió: “la virtud cardinal (o el pecado, si te gusta) de mi vida ha sido la búsqueda de un lenguaje musical propio. Detesto la imitación. Detesto los métodos simplificados. Siempre quiero ser yo mismo “. Cómo iba a descubrir, la Unión Soviética no era el clima ideal en el que un artista “original” podía prosperar.

Prokófiev con su Mujer, la Española Carolina Codina, y sus Hijos Oleg y Sviastoslav

Eisenstein, una figura cosmopolita como Prokofiev, había regresado a la Unión Soviética en 1932, después de tres años en el occidente capitalista. Había estado en París, Berlín, Nueva York y Hollywood antes de embarcarse en sus condenados intentos de completar “Que viva México!”. Desde su regreso a casa, Eisenstein era persona non grata, y se le impidió hacer películas. Su único intento había sido abortado y aparentemente destruido. Sin embargo, se le ofreció la posibilidad de hacer un film entorno a Alexander Nevsky, el santo-héroe de la Rusia del siglo XIII, rodeado por agentes y colaboradores del KGB celosos guardianes de la política del Partido.

Serguéi M. Eisenstein dirigiendo “El Acorazado Potemkin” (1925)

Aunque estilísticamente es mucho menos experimental que su trabajo anterior, “Alexander Nevsky” tiene lo que Eisenstein llamó una “estructura sinfónica”, derivada de su estrecha colaboración con Prokófiev. El compositor dio la bienvenida a la oportunidad de trabajar en la partitura de una película. Había pasado algún tiempo en los estudios cinematográficos de Hollywood, haciendo un cuidadoso estudio de la técnica de las bandas sonoras cinematográficas, con la idea de aplicarlas a su trabajo en el cine soviético.

“El cine es un arte joven y muy moderno que ofrece nuevas y fascinantes posibilidades al compositor”, comentó: “Estas posibilidades deben ser utilizadas. Los compositores deben estudiarlas y desarrollarlas, en lugar de simplemente escribir la música y luego dejarla a merced de la gente del cine”.

Eisenstein, que aún no había hecho una película sonora, ya se había inspirado en el uso del sonido en los dibujos animados de Walt Disney. “La contribución más interesante y valiosa de Disney ha sido su habilidad para superponer el “dibujo” de una melodía sobre un dibujo gráfico”. Fue la habilidad de Disney de sincronizar imagen y sonido, lo que él y Prokófiev intentaron emular en “Alexander Nevsky” e “Iván el Terrible”.

Serguéi M. Eisenstein y Walt Disney

Para la elaboración de la banda sonora de la primera, Prokófiev miraría los planos filmados, anotaría el tiempo de cada secuencia, y luego saldría alrededor de medianoche, prometiendo entregar la música correspondiente a lo filmado al mediodía al día siguiente. Fiel a su palabra, llegaría puntualmente con la música que armonizaba perfectamente con las imágenes que había visto. Para algunas secuencias, el compositor componía en cuestión de días, basándose simplemente en los bocetos y las ideas habladas con Eisenstein.

Cuando se trató de grabar la banda sonora, Prokófiev participó activamente en todas las etapas, experimentando con distorsiones dramáticas del micrófono y utilizando percusiones de elementos inverosímiles. Eisenstein explicó: “Hay secuencias en las que los sonidos de la película fueron montados en una pista de música previamente grabada”.

Naturalmente, “Alexander Nevsky”, un film patriótico que representaba la derrota de los invasores teutónicos, fue retirado de la distribución después de que el infame Pacto Molotov-Ribbentrop se firmara el 23 de agosto de 1939, sólo se volvió a mostrar apropiadamente cuando los nazis invadieron Rusia dos años después. De repente, los malos que se habían convertido en los buenos eran los malos de nuevo.

Fotograma de “Alexander Nevsky”

Sergei Eisenstein llamaba a “Iván el Terrible” su “nota de suicidio”. La primera parte ganó el codiciado Premio Stalin, sin embargo, la segunda parte fue prohibida su distribución, y la tercera parte fue prácticamente destruida por los funcionarios soviéticos. Más de 70 años después, “Iván el Terrible” sigue siendo la película de Eisenstein más controvertida e, inexplicablemente, menos conocida habida cuenta de la participación en la película de Serguéi Prokófiev.

Esta Película  era una aventura arriesgada, por decirlo suavemente. Aunque el compositor y el director habían logrado ganar la aprobación de Stalin con su primera colaboración, “Alexander Nevsky” (1938), el exilio de 18 años autoimpuesto de Prokófiev y el constante escrutinio de Eisenstein por funcionarios soviéticos les hacen un blanco fácil. Y la idea de filmar un drama histórico que detalla el reinado sangriento del zar Iván IV (1530-1584) que llevaba semejanzas asombrosas con  el líder soviético se podría interpretar como arriesgado en el mejor de los casos.

Eisenstein escribió el guión rápidamente, en sólo cuatro meses, pero después de que Hitler invadió Rusia en junio de 1941, tuvo que trasladar sus operaciones de Moscú a Alma-Ata, la capital de Kazajstán. Prokófiev se le unió en junio de 1942 para comenzar a trabajar en la partitura.

Fotograma de “Ivan el Terrible” 

Con una cierta inspiración wagneriana, el enfoque de Eisenstein hacia “Iván el Terrible” ha recibido a menudo la etiqueta de “operística”. “Iván el Terrible” parece tanto un ballet como una ópera (o un espectáculo kabuki) como una película. Además de su música incidental, la partitura de Prokófiev lleva su propio sello operístico, con coros cantados, cantos e himnos de la liturgia ortodoxa rusa, y canciones basadas en la música popular del país.

En 1946, al éxito de la primera parte, se añadió la concesión del Premio Stalin. Eisenstein no tenía ni idea de la amarga lucha que comenzaba contra dos enemigos: Stalin y la Muerte. Pocos meses después, Stalin vio la segunda parte de “Iván el Terrible” y no le gustó. Hay quienes creen que la razón de su aversión fue que, a medida que se desarrollaba la historia, los actos de crueldad del zar en nombre de una Rusia unificada se acercaban incómodamente a su propia acción de gobierno. Como resultado, la segunda parte de la película fue archivada y autorizada su visión 10 años después de la muerte de Eisenstein de un ataque al corazón el 11 de febrero de 1948, menos de un mes después de su 50 cumpleaños.

En la posguerra, la música de Prokófiev se veía como un grave ejemplo de formalismo y se calificó de “antidemocrática”. Con muchas obras prohibidas, la mayoría de los directores de conciertos y de teatro entraron en pánico y no programaron su música, dejándole en graves dificultades financieras. Irónicamente, Prokófiev murió de una hemorragia cerebral a la edad de 61 años el 5 de marzo de 1953, el mismo día en que se anunció la muerte de Stalin.

Alexander Nevsky (Saint Petersburg Philharmonic Orchestra) Dir. Yuri Temirkanov

Ivan el Terrible (Orquesta RTVE) Dir. Adrian Leaper

Mohama Saz (13/Enero/2017)

Viernes, 13 enero, 2017 – 21:00 H.

Teatro El Albéitar ULE

Entradas (8€): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

Mohama Saz, es una banda compuesta por: Adrián Ceballos: batería y voz (RIP KC, Javier Colis, Melange), Javier Alonso: Baglama Saz y voz (RIP KC, Novak, Richard Hell), Arturo Pueyo: clarinete y saxo (Groovin ‘Santa) y Sergio Ceballos: bajo y voz (RIP KC, Kropotkin Revival, Melange).

Durante el verano de 2014 el grupo comenzó a improvisar utilizando instrumentos descubiertos durante una breve estancia en Turquía, naciendo así el sonido de Mohama Saz. Toda una experiencia.

Con influencias tan dispares como Erkin Koray, Triana, Sun Ra, John Coltrane, Goat, Tinariwen o Baba Zula, la música de Mohama Saz se presenta como una explosión de sonidos, desde la psicodelia al jazz, del rock a las músicas del mundo, o siendo exquisitos, del espagueti western Otomano al trance Sufí. Todo ello enriquecido con los sonidos y los ritmos de la Europa oriental, principalmente Turquía, utilizando instrumentos como el clarinete o el baglama turco. Pero ojo, esto no es fusión, es Mohama Saz.

“More Irán” es su primer álbum, editado por Influx Records:  https://mohamasaz.bandcamp.com

Baklawa: https://www.youtube.com/watch?v=GO6wwtVkG1Y
Sala El Sol: https://www.youtube.com/watch?v=rjvet4HC9aU
Recuerdos de una Noche: https://www.youtube.com/watch?v=vIHQuqiGbO0

Fremde Dúo (12/Enero/2017)

Jueves, 12 enero, 2017 – 20:15 H.

Teatro El Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla

Fremde Dúo: Valentina Casades (arpa), Cristian Palau (trompa) – Juventudes Musicales de España

Canciones sin palabras

Arpa y trompa, dos instrumentos bien contrastados, se reúnen en un sonido común de la mano de FremdeDúo, dueto musical integrado por Valentina Casades, arpa, y el solista de la Ópera de Hamburgo, Cristian Palau. El programa explora el repertorio propiamente escrito para la formación así como transcripciones hechas por los mismos intérpretes.

Valentina Casades (Valencia, 1990). Comienza sus clases de arpa en el C.P.M. de Valencia con la profesora Elena Arana Savarain, y finaliza el Grado Medio con Ana Martínez Cano. Finaliza sus estudios de Grado Superior en el Centro Superior de Estudios Musicales “Musikene”, País Vasco, habiendo estudiado con Elisabeth Collard, Frederique Cambreling y Christine Icart. En la actualidad realiza un máster en la especialidad de arpa en la Hochschüle für Musik und Darstellende Kunst, en Frankfurt am Main, con la profesora Françoise Friedrich, y es academista de la Deutsches Nationaltheater und Staatskapelle de Weimar.

Ha recibido clases de perfeccionamiento de las arpistas Mikaela Granados, Gabriella Dall’Oglio, Celine Landelle, Cathrin Williams, Magdalena Barreda, Cristina Montes, Sandrine Chatron, Marie Pierre Langlamet, Fabrice Pierre, entre otros. Ha sido becada durante los cursos 2011-2012 y 2013-2014 por la fundación JONDE-BBVA para el desarrollo de sus estudios musicales.

Ha colaborado con diversas orquestas, destacando la Orquesta Sinfónica de Castellón, el Grupo Instrumental de Valencia, la Orquesta Sinfónica de Euskadi, y Theater Nordhausen/LOH Orchester Sondershausen. Fue miembro titular de la Joven Orquesta de la Comunidad Valenciana, de la Joven Orquesta Iberoamericana (bajo la dirección de Gustavo Dudamel), y de la Joven Orquesta Nacional de España (2009 – 2014). Ha realizado recitales en el Palau de la Música de Valencia los años 2006, 2007 y 2008; así como en el Palacio Miramar de San Sebastián el año 2013. Entre sus actuaciones como solista destacan el concierto para arpa y orquesta de G.F.Haendel (2007), las “Danzas Sacra y Profana” (2013) y el “Concierto para flauta y arpa” de W.A. Mozart.

Obtuvo el 1º premio y el premio especial “Victor Salvi” en las ediciones de 2005, 2006 y 2008 del concurso “Arpa Plus” para estudiantes de arpa; así como el 1º premio en la edición de 2013 del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España.

Cristian Palau comienza las clases de trompa con Lluís Llopis en la Escola de Música Municipal de Vilafamés, finaliza el Grado Medio con Javier Navarro en el Conservatorio Profesional de Castellón y cursa el Grado Superior bajo la tutela de Juan José Llimerá, en el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia. Luego se traslada a Maastricht  (Holanda) donde finaliza sus estudios de Máster “Cum  Laude” de la mano de Will Sanders en el Conservatorium Maastrich. Ha sido becado por la Fundación BBVA-JONDE durante los años 2012/13 – 2013/14.

Como solista ha ganado diversos premios como el primer lugar del Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes “Ciutat de Xàtiva” (2011), y el primer lugar y premio extraordinario en el “XIV Concurso de Música de Benidorm” (2012). Además, ha interpretado con la Orquesta de Valencia el “Concerto à sept instruments à vents, timpani et cordes” de Frank Martin.

Ha sido miembro de la Academia de la Royal Concertgebouw Orchestra (2013 – 2014), Gustav Mahler Jugendorchester, Europen Union Youth Orchestra, Joven Orquesta Nacional de España, Joven Orquesta de Holanda y Schleswig-Holstein Musik Festival Orchestra. Colabora a nivel europeo con numerosas orquestas, destacando: Royal Concertegebouw Orchestra, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Radio Kamer Orkest, Noord Nederlands Orkest, Orquesta Nacional de España, Holland Symfonia (Orquesta del Ballet Nacional de Holanda), ORCAM (Orquesta de la Comunidad de Madrid), Het Gelders Orkest, Limburgs Symfonie Orkest i la Camerata Royal Concertgebouw Orchestra.

Ha sido trompa solista en la Deutsches Nationaltheater und Staatskapelle de Weimar, y desde el 2016 es trompa solista en la Philharmonisches Staatsorchester Hamburg.

Programa
Lied para trompa y arpa (arr. para arpa) op. 28…..…………………………. L. Sinigaglia
Fantasia en do m para arpa sola, op. 35.………………………………………….. L. Spohr
Sonata para trompa y arpa, op. 94 …………………..…… ….…………………J. Koetsier
I. Allegro
II. Larguetto
III. Allegro vivace
3 Romanzen op. 94 (arr. para trompa y arpa)………………………………. R. Schumann
I. Nicht schnell
II. Einfach, innig
III. Nicht schnell
Viejo Zortzico ……………………………………………………………………………….J. Guridi
11 piezas op. 35, (arr. trompa y arpa)……………………………………………… G. Glière
6. Romanza
7. Vals triste
11. Intermezzo

R. Schumann, Romance No 1, Op. 94

 

Esteban Belinchón (11/Enero/2017)

Miércoles, 11 enero, 2017 – 20:15 H.

Teatro El Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de media hora antes en taquilla

JUVENTUDES MUSICALES

Esteban Belinchón violonchelista residente en Viena, se especializa en interpretación de música contemporánea con el prestigioso grupo Klangforum Wien en el estudio PPCM (Performance Practice in Contemporary Music) de la Universität für Musik und Darstellende Kunst Graz (KUG). El instituto de composición de la KUG es uno de los centros de vanguardia musical de referencia en Europa. Allí ha tenido oportunidad de trabajar tanto con jóvenes compositores como con nombres consagrados de la talla de Tristan Murail, Francesco Filidei, Gerd Kuhr, Klaus y Bernhard Lang, Georg Friedrich Haas o Beat Furrer entre otros.

Esteban Belinchón ha participado en numerosos cursos de perfeccionamiento de violoncello y música de cámara, con maestros de reconocido prestigio como Yehudi Hannani, Martin Hornstein, Rudolf Leopold, Angel Luis Quintana y ha recibido clases magistrales de Philippe Müller, Wolfgang Boettcher, Peter Bruns, Ferenc Rados, Gerhard Mantel, entre otros.

Ha sido galardonado en distintos premios y becas como Martha-Debelli Stipendium, Graz, la Beca del Auditorio Ciudad de León o el Concurso de Jóvenes Interpretes de Castilla y León, a través del cual toca como solista con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León en 2003.  En Austria ha colaborado habitualmente con distintas formaciones de cámara y orquestales como la Kammerorchester con Fuocco Graz, Ambassade Orchester Wien, Klangvereinigung Orchesters des Opern Festspiel Gars am Kampf o Vienna Classical Players y grupos de música contemporánea como KUG Ensemble für Neues Musik, Schallfeld Ensemble o Scene Instrumental.

VIOLONCELLO SOLO

Esta propuesta musical no es solo una visión moderna y actualizada de uno de los instrumentos referentes dentro de la tradición musical occidental desde el s.XVI sino también una pequeña muestra del despliegue sonoro, acústico y expresivo del que es capaz el violoncello. Con el desarrollo del repertorio que se ha realizado desde los años 50 del s.XX hasta la actualidad el violoncello ha evolucionado de una manera sorprendente. La técnica moderna del instrumento ha demostrado una versatilidad y rango acústico extraordinario. Los compositores del s.XX nos han descubierto tal universo musical que se ha producido una revolución en la manera de abordar el instrumento lo que nos obliga a revisar todos los conceptos técnicos tradicionales.

Pression de Lachenmann es el manifiesto de su música concreta instrumental, una exploración de las cualidades inmediatas del sonido, una revolución tanto en el sistema de notación, usando la partitura como un mapa de acciones, como en la exhaustiva exploración acústica del instrumento. Sciarrino despliega un original universo sonoro inspirado en los fenómenos acústicos de la naturaleza en Ai Limiti della Notte. Utilizando armónicos y trémolos juega en el umbral de la percepción y se sitúa en la difusa barrera del límite entre el ruido y el sonido. Feldman y Haubenstok-Ramati en el ámbito del uso instrumental convencional utilizan, cada uno de manera distinta, sistemas de construcción abierta dejando elementos formales indeterminados a elección del intérprete de tal manera que cada interpretación resulta en una versión única, efímera e irrepetible.

PROGRAMA

Roman Haubenstok-Ramati
Cello Sonata (1970)

Helmut Lachenmann
Pression für einen Cellist (1970)

Rebecca Sunders (1967)
Solitude (2013)

Lorenzo Troiani (1989)
Notturno (2016)

Roman Haubenstok-Ramati
(*1919 +1994) Konstellationen

https://soundcloud.com/esteban-belinchon

Rick Parfitt (1948-2016): Adiós a un Obrero del Rock

Este aciago 2016 se cerró con otra gran pérdida para la música popular. Rick Parfitt, miembro fundador y guitarrista de Status Quo, falleció el pasado día 24 de diciembre a los 68 años de edad.

Quizás no era una figura muy popular, ni ha tenido la repercusión mediática de otros fallecidos el pasado año, que con menos méritos, se han ido en loor de multitudes. Parfitt fue corresponsable, junto a Francis Rossi, de un sonido genuino como pocos, el de Status Quo. Ese rock con reminiscencias boogie-woogie, que sobrevivió a los cambios de las modas musicales y los convirtió en uno de los mejores grupos de su generación.

Richard John Parfitt nació en Woking, Surrey el 12 de octubre de 1948. Comenzó a tocar la guitarra cuando tenía 11 años y dejó el colegio a los 15 para comenzar a actuar por unas pocas libras que, según sus biógrafos, servían en su mayor parte para financiar el alcoholismo de su padre.

Conoció a Francis Rossi en 1965, cuando ambos tocaban con sus respectivos grupos ante campistas de vacaciones en la costa suroeste de Inglaterra.

Dos años después Parfitt, junto con Rossi, Alan Lancaster, John Coghlan y Roy Lynes se unieron para formar Status Quo, que alcanzó su primer éxito en 1968 con “Pictures of Matchstick Men”. Trabajo totalmente influenciado por el movimiento psicodélico de la época, ocupó el número siete en las listas británicas.

Pictures of Matchstick Men (1968)

Pero la banda se estaba desilusionando con la dirección que estaban tomando. Abandonaron sus ropas floridas, y se establecieron en un estilo más tradicional del rock.

Hasta 1972 pasaron por una especie de travesía del desierto. Ese año fueron fichados por Vértigo, editaron “Piledriver”, despegue de su éxito comercial y considerado como el álbum que definió por completo el sonido de la banda; una fluctuación entre el hard rock y el boogie rock. Este disco incluía el single “Paper Plane”, uno de sus clásicos. En una entrevista en 2014, Parfitt dijo del álbum: “Me encanta cada canción de ese álbum”.

 Paper Plane (1972)

En noviembre de 1974 publicaron el sencillo “Down Down”, que logró el primer puesto en el Reino Unido y que sirvió de promoción para el disco “On the Level”, que salió a la venta en febrero de 1975 y que se convirtió en una de sus producciones más exitosas de los años setenta.

Down Down (1974)

En noviembre de 1977 pusieron a la venta “Rockin’ All Over the World”, que se convirtió en uno de sus álbumes más vendidos en el mundo con más de 7 millones de copias comercializadas hasta 1997. Un año más tarde lanzaron “If you Can’t Stand the Heat”, que mantuvo el éxito comercial de sus predecesores, ya que se ubicó en los top 20 de varios países europeos. En octubre de 1979 publicaron su duodécimo álbum de estudio “Whatever You Want”, que como se esperaba, fue un gran éxito en el Reino Unido ya que logró el tercer puesto en la lista inglesa y recibió el disco de oro en su propio país, solo un par de días después.

Whatever you Want (1979)

Con la llegada de la década de los ochenta y con la publicación de “Just Supposin” y “Never Too Late” la banda decidió dar un cambio en su sonido, alejándose del hard rock hacia un rock más comercial e incluso adoptaron algunos elementos de la new wave. A pesar de ello lograron mantener su éxito en su propio país, ya que ambos se posicionaron en los top 5 de las listas Británicas.

What you’re Proposing (1980)

Por aquel entonces comenzaron aparecer las primeras fricciones de los miembros de la banda.  Esto supuso el fin de la formación clásica llamada “the frantic four”.

A principios de 1986, anunciaron a John Edwards y Jeff Rich como nuevos integrantes en reemplazo de Lancaster y Kircher, respectivamente.

A fines de agosto del mismo año publicaron, “In the Army Now”, que logró un relevante éxito debido al éxito de tres sencillos, de los cuales destacó la canción homónima. Dicho tema logró gran aceptación en varios países europeos e incluso su significado revolucionó a los jóvenes soviéticos, quienes la utilizaron como himno ante la rígida política de ese país. Esto provocó que cuando la banda se presentó en dicho país en 1988, durante 14 noches en el Estadio Olimpiski de Moscú, las autoridades soviéticas controlaron cada uno de sus conciertos, ante la posible revolución de los jóvenes moscovitas.

In the Army Now (1986)

Parfitt fue pieza fundamental de una banda, que alejada de flashes mediáticos y apariciones en las revistas del corazón, marcó con su honestidad y sin artificios, una época que ya no volverá. Parfitt fue un músico fiel a sí mismo, sincero y consecuente. Un auténtico “obrero” del rock, donde más que modas pasajeras y los éxitos puntuales, hubo un trabajo callado y exigente.

Status Quo (Live at Wembley Arena) 2013

Faith Hill (Joy to the World) 2008

Trabajando con los productores Dann Huff y Byron Gallimore, el ingeniero Allen Sides y el ganador del Grammy, David Campbell, Faith Hill elaboró un maravilloso álbum dedicado a la Navidad con “Joy to the World”, con un sonido fresco, pero anclado en la tradición. Es un hermoso homenaje tanto al espíritu como a la música de Navidad, que rinde homenaje a los clásicos.

Grabado en un período de dos años, el álbum cuenta con clásicos reelaborados junto con la única canción original en el disco, que se editó  como sencillo, “A Baby Changes Everything”. Los arreglos son diversos. De la orquestación a ritmo de las clásicas Big Bands en algunas canciones como “Santa Claus Is Coming To Town”, “Winter Wonderland” y “Holly Jolly Christmas”, al canto a cappella de “The Little Drummer Boy” y la fidelidad a la tradición de “Away In A Manger”. El disco comienza con “Joy To The World”, y dice Hill, “Desde la primera nota que escuchas, quería que fuera alegre. Quería darle (al oyente) la impresión de lo que significaba la canción antes de pronunciar una palabra”. A día de hoy, el álbum lleva vendidas más de 760.000 copias en Estados Unidos.

A mediados de la pasada década, Faith pasó gran parte de su tiempo en una gira. Soul2Soul II de 2006 y el Soul2Soul Tour 2007, que hizo con su esposo Tim McGraw, fue y sigue siendo la gira por Estados Unidos que más ha recaudado. Fue elegido por el Pollstar Magazine “Major Tour of 2006” superando a  Madonna y a los Rolling Stones. Con la conclusión de la gira en 2007, obtuvieron la mayor recaudación en una gira en la historia de la música country.

La carrera de Faith Hill incluye cinco premios Grammy y muchos otros premios, la venta de más de 30 millones de álbumes y singles. Pero quizás el más impresionante de todos los logros, es que Faith Hill es la única artista femenina en conseguir llegar con tres álbumes consecutivos suyos directos al nº 1 en la lista Billboard. Con una voz absolutamente conmovedora y poderosa, simplemente no hay duda de que Faith es una de las mejores vocalistas de su generación.

Joy to the World

What Child is This?

Santa Claus is Coming to Town

Little Drummer Boy

Oh Come All Ye Faithful

Holly Jolly Christmas

Away in a Manger

Oh Holy Night

Winter Wonderland

Silent Night

A Baby Changes Everything