Mocedades: Las Canciones de una Vida, Una Vida Hecha de Canciones

Mocedades compartirá escenario junto a la Orquesta Sinfónica Ciudad de León, el día 7 de abril en el Auditorio de la ciudad dentro de la gira “Mocedades Sinfónico”, con la que el veterano grupo vasco está recorriendo América y España. No haría falta esta excusa para hacer una semblanza de esta auténtica institución de la música española, pero su visita nos da la oportunidad de hacerlo.

Corría el año 1967. En Bilbao, tres hermanas, Amaya, Izaskun y Estíbaliz, organizaban festivales en colegios y las tres interpretaban temas de la música que más les gustaba, Amaya tocaba la guitarra y sus hermanas le hacían las voces. Un día, en la inauguración de la Tuna de Ingenieros, conocieron a unos chicos. Sergio, Javier, José y Rafa. De ahí surgió una amistad y un proyecto. Decidieron unirse para formar un grupo musical que en principio se llamó “Voces y Guitarras”. Así pasaron un año actuando cerca de su lugar de origen, hasta que a través de un tío de los Uranga, unas cintas fueron distribuidas en Madrid a varias discográficas, y más concretamente, una de ellas a Juan Carlos Calderón que trabajaba en Zafiro.

Calderón y otro productor más, viajaron a Bilbao a escuchar a esos chicos. Ellos interpretaron una canción de Peter, Paul and Mary, “La guerra cruel” y esa canción fue la que motivó que Juan Carlos Calderón quedará fascinado y decidiera trabajar con ellos, bajo el nombre de Mocedades. Calderón se convirtió en su compositor y productor durante más de 11 años.

Eres tu (versión 2015)

Mocedades con Juan Carlos Calderón

Mocedades empezó con ocho componentes y ha tenido varios cambios de personal a lo largo de su historia. Los primeros dos discos grabaron los ocho componentes originales: los hermanos Uranga (Amaya, Estíbaliz, Izaskun y Roberto), los hermanos Blanco (Rafael y Sergio), José Ipiña y Francisco Panera. A finales del año 1970 se marcharon José Ipiña y Francisco Panera y entró Javier Garay. En el año 1972 dejaron el grupo Estíbaliz y los hermanos Rafael y Sergio Blanco y se incorporó en él nuevamente José Ipiña y entró Carlos Zubiaga. Con esta formación de “los seis históricos” de Amaya, Carlos, Izaskun, Javier, José y Roberto llegaron sus mejores éxitos.

Formación Inicial de Mocedades

Comenzaron a tener sus primeros éxitos en 1969, el primero de ellos “Pange lingua”, canto litúrgico arreglado por Juan Carlos Calderón. Años después llegaría “Eres tú, con el que representaron a TVE en el Festival de Eurovisión de 1973, consiguiendo la segunda posición con 125 puntos, la puntuación más alta conseguida en todas las ediciones del festival por España. Sin embargo, la repercusión de esta composición vendría un año más tarde cuando llegó al nº 9 en la lista de éxitos en Estados Unidos. Aún hoy su canción eurovisiva, que tuvo versión, además de en castellano, en inglés, francés, alemán e italiano, y años después también en euskera es un símbolo en la historia de la música española.

Aparte de con “Eres tú”, consiguieron copar las listas de éxitos en Hispanoamérica y España con temas como “Tómame o déjame”, “La otra España”, “Secretaria”, “Sólo era un niño”, “¿Quién te cantará?” y “El vendedor”. A finales de los setenta finalizan su relación contractual con Zafiro, y por consiguiente su relación artística con Juan Carlos Calderón.

En el año 1980 firmaron contrato con la CBS y trabajaron siete años con Oscar Gómez como productor, teniendo nuevamente éxitos como “Amor de Hombre” (del que se vendieron en unos meses más de 500.000 copias sólo en España), “Maitechu Mía” (con Plácido Domingo), El álbum “15 Años de Música” (disco en directo que nuevamente fue récord de ventas en España y América), “Colores” (cantado con su compositor, Donovan, en castellano e inglés), Sobreviviremos, etc. Mocedades ha grabado en varios idiomas: castellano, euskera, inglés, francés, alemán, italiano, portugués y latín, pero sus grabaciones se han conocido y vendido en todo el mundo en lengua castellana.

En 1992 concluyeron con “Íntimamente” el contrato discográfico, que no fue renovado. Después, en 1995, con otra discográfica llamada DiscMedi grabaron el disco “Suave luz”. En 1997 se publicó en Walt Disney Records “Mocedades Canta a Walt Disney”, el que supuso el disco número 21 de la formación, el 20 en estudio. En el año 2007 publican “Mocedades canta a Juan Luis Guerra”, que solo sale a la venta en Hispanoamérica y permanece inédito en España.

Actualmente existen dos formaciones que se denominan Mocedades. Esta extraña situación es fruto de las desavenencias de los únicos miembros originales que quedaban en el grupo, Izaskun Uranga y Javier Garay. Comencemos por señalar que la Oficina de Patentes y Marcas tiene registrada la denominación Mocedades a nombre de Amaya, sus hermanos Roberto e Izaskun, Javier Garay, José Ipiña y Carlos Zubiaga. Los seis “históricos” del grupo. Como decíamos, Izaskun Amaya y Javier Garay son los que lideran esos dos grupos Mocedades en liza. Sostienen que, tanto uno como otro, conservan los mismos derechos para usar ese nombre. No ha habido manera de que se sentaran a discutirlo y a llegar a un acuerdo.

La formación que actuará en León es la liderada por Izaskun Uranga.

Pange Lingua (1969)

Eres Tú (1973)

Tómame o Déjame (1974)

Secretaria (1975)

Sólo Era un Niño (1977)

¿Quién te Cantará? (1978)

Amor de Hombre (1982)

Maitechu Mía (1983) con Plácido Domingo

Sobreviviremos (1987)

Mocedades (A su Aire) TVE: 20/Agosto/1974

Mocedades (15 Años de Música) 1984. Concierto en TVE

Quinteto Enara (31/Marzo/2017)

QUINTETO ENARA

Vientos

Viernes, 31 marzo, 2017 – 20:15 H.

Teatro el Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en la taquilla del Teatro.
Conciertos A.I.E. clásicos

El Quinteto de viento Enara, ganador del tercer premio en el prestigioso Concours International de Quintete à vent Henri Tomasi de Marsella en 2015, se ha consolidado como una formación joven y de calidad en el panorama musical europeo.

Fundado en 2008, ha conseguido numerosos premios; segundo premio en el II Concurso Nacional de Música de Cámara de Montserrat (Valencia) en 2014, tercer premio en el XVI Certamen Internacional de Jóvenes Intérpretes Pedro Bote (Badajoz), segundo premio en el XI Concurso de Música de Cámara Ecoparque de Trasmiera (Santander), primer premio en el VII Concurso de Cámara Luis Blanes (Valencia) en 2012, y mejor agrupación camerística del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid consecutivamente desde 2009 hasta 2011. Actualmente combinan su agencia camerística con su actividad como quinteto solista de la Orquesta Filarmónica de España y una intensa labor pedagógica con la compañía música-teatral Pyel, habiendo estrenado en 2016 una novedosa versión del cuento El Principito, en la que el Quinteto une narración, música e imagen.

En 2012 son becados por la Fundación Albéniz y la Consejería de Educación de la Comunidad de Madrid para realizar estudios en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, perteneciente a la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Anteriormente, en 2010, fueron becados por la Academia Europea de Música y Arte de Montepulciano, recibiendo clases de especialización camerística en Italia.

Han recibido clases y directrices de maestros como Hansjörg Schellenberger, Klaus Thunemann, Jacques Zoon, Eduard Brunner, Timothy Jones, Matthias Racz, Kennedy Moretti, Álvaro Octavio, Manuel Angulo, Esteban Algora, Ramón Ortega, Pirmin Grehl, Michael Hasel, Jesús Amigo, Dolors Chiralt, Andrés Zarzo, Enrique Abargues o Michael Niesemann.

Destacan sus actuaciones en el Ciclo “El Primer Auditorio” de la Fundación Più Mosso en el Auditorio Nacional estrenando Don Op. 34 de Sebastián Mariné, 62º Festival Internacional de Santander, el IV Festival Fundación Monteleón de Música de Cámara, el XXVI Festival Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid, el Día de la Música en distintas ediciones en RNE Radio Clásica y en el Auditorio Nacional de Música, el IV Verano Cultural Langa de Duero, el I Festival Joven de Música Clásica de Madrid, el Festival de Las Noches del Olivar, el IV y V Festival Internacional de Música Villa de Medinaceli, el Beethovenfest Bonn (Alemania), y la 4ª Semana Internacional de Conservatorios Europeos en representación de España en Italia y Alemania.

Buscando la fusión de distintas artes con la música, han intervenido en el espectáculo de danza, música y cata de vinos Maridaje Sonoro en la Sala Roja de los Teatros de Canal. En este teatro actúan en múltiples ocasiones, destacando programaciones como la del Ciclo Ibercaja de Música de la JORCAM en la Sala Verde. En la misma línea de trabajo, comparten proyectos con grandes agrupaciones, estrenando en 2014 Suite Gaceta de Ignacio Durán para Quinteto de Viento y Coro en el Auditorio Nacional de Música junto con el Joven Coro de la Comunidad o interpretando la Sinfonía concertante para quinteto de viento y orquesta Op. 36 de P. J. von Lindpaintner, acompañados por la Joven Orquesta Juan Crisóstomo Arriaga.

QUINTETO ENARA

– Laura Dudley Lorente, flauta

– Valle González Martín, oboe

– David Mora Mora, clarinete

– Roberto Sánchez Aparicio, trompa

– Borja Ocaña Ferrer, fagot

PROGRAMA

Salvador Brotons: Essentia Vitae, Op. 80 para Quinteto de Viento
I. Tierra
II. Aire
III. Agua
IV. Fuego
V. Vida

Henri Tomasi: Cinq danses profanes et sacrées pour quintette á vent
I. Danse agreste
II. Danse profane
III. Danse sacree
IV. Danse nuptiale
V. Danse guerrière

Carl Nielsen: Wind Quintet, Op. 43

I. Allegro ben moderato
II. Menuet
III. Prelude. Adagio
IV. Theme and variations. Un poco andantino

Página en YouTube del Quinteto

Chuck Berry: Adiós al Profeta del Rock & Roll (1926-2017)

“Si quisieran darle un nuevo nombre al rock and roll, podrían llamarlo Chuck Berry”, dijo John Lennon con didáctica y meridiana claridad. Berry no se consideraba el inventor del género. A menudo insistía en que no había nada nuevo bajo el sol musical, y que todo lo que hizo fue combinar influencias de los más variados estilos. Pero cualquier cocinero sabe que las proporciones y el método de cocinar es tan importante como los ingredientes, y la fusión de R & B, blues, jazz y un toque country de Berry puso los cimientos del género que cambió la música del siglo XX.

Berry fue el primer héroe de la guitarra. El desempeñó un papel decisivo en la definición de las seis cuerdas como instrumento definitivo del rock and roll. Berry resumió que su estilo instrumental era simplemente una amalgama de sus influencias.

Berry creó un estilo que alimentaría a otros artistas. Es difícil imaginar dónde estarían Keith Richards o Steve Jones sin el ejemplo de Chuck. Y ver como tocaba Berry era casi tan emocionante como oírle; En sus manos, su Gibson era un personaje más en escena, mientras lo sacudía de un lado a otro, te apuntaba como con un rifle o fingía que era su amante.

Frente a la alegría e ingenio de la música de Chuck Berry, su figura humana era más complicada. Berry nació en St Louis, Missouri, el 18 de octubre de 1926. Sus padres eran nietos de esclavos, y aunque su madre había podido estudiar y su padre dirigía un negocio de construcción mientras servía como diácono en una iglesia Baptista, esto no le libró del ambiente que lo rodeaba. Viviendo en el sur en un momento en que la segregación estaba a la orden del día, el racismo era un hecho diario, y el linchamiento era una realidad preocupante.

El joven Chuck Berry era brillante, ambicioso y talentoso, pero también tenía una mente independiente y era muy impulsivo. Berry abandonó la escuela cuando tenía 17 años, y en 1944, partió en un viaje por carretera a California con algunos amigos que se convirtieron en una mala compañía, siendo cómplice de varios robos. Chuck estuvo tres años en un reformatorio de Missouri para Jóvenes. Cuando fue liberado, Berry parecía dispuesto a aceptar cualquier trabajo que pudiera conseguir: la construcción, fotografía o peluquería. Pero mientras actuaba en programas de nuevos talentos, desarrolló un gusto por hacer música y tomó la guitarra. En 1951, un viejo amigo, Tommy Stevens, invitó a Berry a unirse a su banda. Su grupo pronto atrajo a seguidores fieles, y en 1952, Berry se unió al Sir John Trio, un combo de San Luis con el pianista Johnnie Johnson y el batería Ebby Hardy.

Trabajando con Johnson, Berry creó el estilo que se convertiría en su firma, aunque muchos han sugerido que tomó prestado más de Johnson de lo que estaba dispuesto a admitir. En 1955, Berry conoció a Muddy Waters, el icónico bluesman, y Waters sugirió que debería ponerse en contacto con Chess Records, el sello de Chicago que acogió a algunos de los grandes nombres del blues. Después de escuchar una cinta casera que Berry envió a Chess, la discográfica lo invitó a Chicago a grabar un disco. Unas semanas más tarde, “Maybellene” fue un éxito masivo, y Chuck empezaba a andar su camino.

Chuck Berry (Maybellene) 1955

Siguieron otros éxitos, entre ellos “Roll Over Beethoven”, “Rock & Roll Music” y “Sweet Little Sixteen”. Pero si hay una canción que representa el legado de Berry, es sin duda “Johnny B. Goode”. La historia de un niño campesino al que su madre le dice que va a ser una estrella, fue la canción de Berry, la narración arquetípica de los aspirantes a rockeros y una de las grabaciones más excitantes de la historia de la música. Berry apenas puede contenerse mientras las palabras se apresuran en su boca (“En lo profundo de Louisiana cerca de Nueva Orleans / Camino de vuelta en el bosque entre los árboles de hoja perenne”) y un aguacero de guitarra, batería y teclados amplifica cada llamada de “Go, Johnny Go!”.

Chuck Berry (Johnny B. Goode) 1958

La creciente carrera musical de Berry volvió a descarrilarse en 1961, cuando fue condenado bajo la Ley Mann por transportar ilegalmente a una mujer a través de varios estados con “propósitos inmorales”. Tres años antes, en 1958, Berry había abierto el Club Bandstand en el distrito comercial, predominantemente blanco, del centro de St. Louis. Al año siguiente, en una estancia en México, había conocido a una camarera de 14 años de edad, y a veces prostituta, y la trajo a St. Louis para trabajar en su club. Sin embargo, él la despidió sólo semanas más tarde, y cuando ella fue arrestada por prostitución, presentaron cargos contra Berry que terminaron con una condena de 20 meses en la cárcel. Este segundo juicio y la condena resultante de dos años lo dejaron profundamente amargado.

Su liberación coincidió con el renacimiento de R & B en Gran Bretaña. Con su material siendo versionado por bandas como The Beatles y Rolling Stones, su trabajo fue descubierto por una nueva generación.

Siguieron giras exitosas. Él anotó algunos éxitos más como la atípica “My Ding-a-Ling”, de 1972, repleta de doble sentido.

Chuck Berry (My Ding-a-Ling) 1972

Chuck Berry estaba emocionando al público con sus actuaciones en vivo. Su marca registrada fue su “paseo del pato”, un movimiento que hacía agachado durante sus solos de guitarra.

Fuera del escenario, podría ser un personaje espinoso, ejemplificado en la película de 1987 “Hail! Hail! Rock & Roll” que incluyó una gira con una banda de acompañamiento organizada por el devoto Keith Richards de los Rolling Stones. Esta película fue diseñada para honrar a Chuck Berry, pero al final, el mensaje más obvio era que Chuck no necesitaba la validación de nadie, considerando que él es la figura más importante e influyente en el rock & roll

Keith Richards con Chuck Berry

En 1996, volvió a las actuaciones en vivo con un show en un club nocturno de St. Louis, “Blueberry Hill”, y terminó haciendo 209 conciertos en ese lugar antes de rendirse en octubre de 2014.

En su 90 cumpleaños, en octubre pasado, Berry anunció que lanzaría un nuevo álbum en 2017, titulado simplemente “Chuck”. A pesar de la muerte de Berry el pasado sábado 18 de marzo, su familia ha anunciado que el álbum se publicará en junio, y una canción del álbum, “Big Boys”, ya se conoce. Con una melodía y una línea de guitarra que recuerda sus éxitos de los años cincuenta. El tema apenas suena como el trabajo de un hombre de noventa años, es inteligente, animado y juguetón, como una canción de Chuck Berry debe ser. No se si el álbum va a estar a la altura del primer single, pero con “Big Boys” tenemos un recordatorio de que Berry todavía suena tan fresco como hace sesenta años.

Chuck Berry (Big Boys) 2017

Chuck Berry (Live at BBC Theatre) 29/03/1972

Rodrigo Cuevas (23/Marzo/2017)

RODRIGO CUEVAS

FOLK CONTEMPORÁNEO

Jueves, 23 marzo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

ENTRADAS:  10 €

Anticipadas:

http://www.elcohete.com/entradas/

Cervecería La Céltica / Music Center León

Taquilla: Media hora antes del concierto en taquilla

Comunidad Universitaria: 50 % de descuento (previa presentación del carnet universitario y DNI  (solamente venta en taquilla)

Cabe decir que no hay antídoto ni neutralidad ante el mayor tsunami que atraviesa la música asturiana en mucho tiempo, quizá desde que se nos fuera el añorado Tino Casal.

Rodrigo Cuevas, Oviedo 1985,  es un artista total. Total porque su estrella brilla populista y por entre los arrabales de la contracultura, total porque su autenticidad desenmascara a cualquier tipo de impostura.

¿Que cómo se puede conquistar a la vecina del quinto mientras que se enamora al hipster, se eclipsa al parado de larga duración y se angeliza a la draq queen? ¿Qué cómo es posible conectar con el último madreñero y con la moza que iba para punk? Porque estas cosas no atienden a razón, porque estas son las cosas del querer.

Rodrigo Cuevas es cantante, compositor, acordeonista y percusionista. Difícil hallar equivalente cuando sus intereses artísticos apuntan a ramo de flores de colores.

Decíamos que es un artista total que cuenta con formación musical académica: grado medio de piano y estudios de tuba en el Conservatorio de Oviedo, tres años de Sonología en Barcelona.

Rodrigo Cuevas nos propone una revisión folk bien humorada y cableada a la raigambre con un discurso incasto, lúcido y sexy que nos hace romper las lindes de la corrección.

Rodrigo Cuevas nos hace reír con su desparpajo de insolente candidez porque, de tan real, pareciese alucinado.

Decimos que lo suyo, que su música, es synth folk, es tonada glam y es cabaret underprao. Y decimos bien porque hay mucho de sincretismo musical en su abanico de sabores, de afluentes, de resonancias y de querencias.
Es muy cierto que el folk asturiano necesitaba de un revulsivo como este. Y es que hacía siglos que no se hablaba tanto de tonada ni de madreñas, de si sí o de si también.

Aunque lo verdaderamente innegable es que se cuentan por cientos de miles de reproducciones sus apariciones televisivas -en Cantadera y en Pieces de TPA, en Hable con Ellas de T5, en Luar de TVGA, etc.- así como de sus vídeos, y, entre ellos, el más reproducido, el auténtico fenómeno viral es Verdiciu.

Yo soy la maga es el título de su primer álbum, un trabajo editado en el año 2012 que ya apuntaba algunas de las intenciones sonoras y estéticas que hasta hoy ha seguido explorando el artista: revisitación, puesta al día, traslación a lo contemporáneo de un patrimonio cultural y musical extremadamente rico, el de la música folk, el de la tradición.

Su más reciente lanzamiento discográfico es un EP de cuatro temas titulado Prince of Verdiciu, editado por Aris Música y grabado por Sergio Rodríguez en Tutu Estudios. Incluye 4 manzanazos como cuatro soles (Verdiciu, Xilguerín Parleru, El Toro Barroso y ¡Viva Grecia!). Entre las colaboraciones musicales destacamos a Celerina Sound System y a Rubén Bada.

http://www.elcohete.com/RodrigoCuevas.htm

Verdiciu (2016)

Las Neuronas Encantadas. El Cerebro y la Música (Pierre Boulez, Philippe Manoury & Jean-Pierre Changeux)

¿Es posible establecer la conexión entre el cerebro y la belleza? ¿Cómo pueden ayudar las neurociencias a comprender ese expresión tan singularmente humana como es la música? ¿Los avances científicos pueden explicarnos algo tan complejo como la creación artística? ¿Cómo interaccionar moléculas, sinapsis y neuronas en los procesos de percepción de lo bello?

Esto libro nos sumerge en el fascinante y desconocido proceso de la creación musical. Para ello, pone a conversar a música y neurociencia de la mano de Pierre Boulez- uno de los grandes compositores de nuestro tiempo-, Philippe Manoury y el neurobiólogo Jean-Pierre Changeaux.

De Bach a Stravinsky, de los pitagóricos a Leibniz, este diálogo, cercano y apasionado, nos conducirá por los caminos que ha ido iluminando la filosofía, la biología o la antropología en torno a la creación artística y la expresión musical. Desde los procesos psíquicos que nos llevan a buscar y a crear la belleza, hasta elucidar qué mecanismos mentales se activan en el cerebro de un músico cuando compone una partitura.

Quedan todavía muchas incógnitas por desvelar, pero las indagaciones de estos tres autores nos arrojan mayor luz sobre esta faceta tan universal, compleja e inexplorada en el ser humano.

“Un neurobiólogo y dos compositores intentan captar los procesos cerebrales que derivan de la creación musical. Página tras página, los tres ilustres personajes buscan aclarar este misterio y desvelan al mismo tiempo los últimos avances conseguidos por la ciencia del cerebro y la musicología. Este trío excepcional ha aceptado el peligroso reto que implica la confrontación de universos y disciplinas diferentes, con el fin de explicar los procesos biológicos, neurológicos e intelectuales que entran en acción cuando se crea una obra musical.” (Lire, Françoise Monier)

ENLACE AL REGISTRO DEL LIBRO EN EL CATÁLOGO DE LA ULE

The Velvet Underground & Nico: 50º Aniversario

¿Qué más se puede decir sobre el primer álbum de The Velvet Underground, “The Velvet Underground & Nico”, que no haya sido dicho ya incontables veces en el pasado, por músicos, melómanos y miles de críticos de rock?. Usted probablemente ha encontrado muchas citas sobre esta banda.Y aunque nunca haya escuchado el álbum, probablemente ha escuchado versiones de sus canciones de REM, Nirvana y David Bowie, y gente como Bono describiendo los méritos de los Velvets. Además, ha visto la famosa cubierta de Andy Warhol. Todo es suficiente para hacer pensar: ¿cuál es la razón de todo ello?

El hecho es que, The Velvet Underground eran, y siguen siendo un gran negocio. De hecho, aparte de Los Beatles, ninguna banda en la historia del rock and roll ha tenido más influencia sobre las bandas posteriores que los Velvets, y esa influencia ha durado más de 40 años, ayudando a evolucionar a gente como David Bowie, Roxy Music, The Sex Pistols, U2, Joy Division, New Order, REM, Nirvana, y más recientemente, The Strokes. The Velvet Underground sólo lanzó cinco álbumes, pero cubren casi todas las facetas del rock, tanto musical como temáticamente: rock and roll como expresión artística, experimentación, catarsis, redención y celebración. Sencillamente fue el nacimiento del rock alternativo.

The Velvet Underground en 1967: Nico, Maureen Tucker, Sterling Morrison, Lou Reed y John Cale

“The Velvet Underground & Nico” nos llevan a un acuerdo de drogas en Manhattan (” I’m Waiting for the Man “), nos arrastra a una habitación oscura donde una chica con botas de cuero está azotando a un hombre arrodillado con un cinturón (“Venus in Furs”), y nos permite ver una jeringa que entra en un brazo en tiempo real (“Heroine”). Condenado en 1967 por romper todos los tabúes con sus letras, este álbum fue una víctima de una concatenación de desgracias: pérdidas de las cintas con el máster de la grabación, recortes presupuestarios, distribución insignificante, nula presencia en los medios. Pero estoicamente sobrevivió a todas estas adversidades

Posteriormente “The Velvet Underground & Nico” disfrutaba de un reconocimiento póstumo. El álbum siempre ha resistido los intentos de imitarlo. La música es demasiado idiosincrásica para ser el modelo de cualquier grupo en cualquier época. Las atmósferas de las canciones son demasiado matizadas, demasiado retorcidas: la delicada paranoia (“Sunday Morning”), la tragedia heladora (“All Tomorrow’s Parties”), para que otra banda sea capaz de crearlas. La idea de Lou Reed y John Cale al crearlo es observar a la gente. Nadie es condenado por sus actos. El oyente se debe presentar con una mente abierta. Y así, medio siglo después, “The Velvet Underground & Nico” todavía atrae a los visitantes a su museo amoral.

Pero al margen del aspecto musical, hay que destacar el carácter icónico de su cubierta debido al diseño realizado por Andy Warhol. Las primeras copias del álbum invitaban al propietario a “Peel slowly and see” (Pelarlo lentamente y ver); pelando el plátano se podía observar otro de color carne, eminentemente fálico, por debajo. Una máquina especial fue necesaria para la elaboración de estas carátulas (una de las causas de la demora de la salida de esta producción), pero la discográfica pagó los costes añadidos pensando que cualquier cosa que estuviera vinculada a Warhol elevaría las ventas del álbum.

La modelo alemana Christa Päffgen (Nico), apadrinada por Warhol

En pocas palabras, no puede llamarse a sí mismo un fanático del rock, a menos que posea este disco. Puede cambiar su vida, o puede que no, pero le garantizo que escuchará la música de manera diferente después de oírlo.

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The Downtown Alligators (16/Marzo/2017)

THE DOWNTOWN ALLIGATORS (Blues, rhythm & blues)

Jueves, 16 marzo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

The Downtown Alligators comienzan su andadura en 2007 dando conciertos por Madrid y alrededores. Sus directos son enérgicos, dinámicos y muy divertidos; en ellos tocan temas de sus grandes influencias, Freddie King, Little Milton, Ike and Tina Turner y algunos temas propios. Al poco graban un disco y quedan finalistas en el primer concurso nacional de música negra del Festival Enclave de agua y comienzan a actuar por toda la península.

Su segundo disco cuenta con colaboraciones de algunos de los mejores bluesmen de la escena nacional, como Tonky de la Peña, Marcos Coll ó Ñaco Goñi, y es radiado con frecuencia en varios programas de Radio3. Tocan en festivales en Cáceres, Jaén, Segovia, Mallorca, Gijón…, y se convierten en habituales de las mejores salas de Madrid, como la Coquette, el Junco o el desaparecido Beethoven Blues Bar. En una de estas salas, el Bogie Jazz, graban su tercer disco, en directo y sin añadidos.  También son incluidos en el primer cd editado por la Sociedad de Blues de Madrid y en el segundo volumen del Blues con los colegas de Ñaco Goñi.

A principios de febrero de 2016 sacan su cuarto cd, The Official Bootleg, grabado también en directo, esta vez en el III Festival Cotton and Blues, en Sevilla.

The Downtown Alligators son:

Carlos García, guitarra y voz

Luis Resina, guitarra

Jorge Lera, armónica

Adolfo Carrera, bajo

Luis Maldonado, batería

THE DOWNTOWN ALLIGATORS (LISTA DE REPRODUCCIÓN))

Norah Jones (Come Away with Me) 2002

En los últimos años, la cantante, la vocalista femenina, ha tenido un regreso significativo. En el mundo del jazz, parece que casi todos los álbumes vocales que están siendo editados son por una cantante. El éxito de Diana Krall, y la reciente sensación creada por Jane Monheit han ayudado a allanar el camino para una oleada de valiosas vocalistas de jazz.

Norah Jones realizó un debut discográfico impresionante en 2002 con “Come Away With Me”. Al igual que Jane Monheit, Norah Jones debutó muy joven, con 22 años. A diferencia de muchos de los cantantes de jazz que han surgido, Norah hace material principalmente nuevo, incluyendo un par de canciones que ella escribió, pero la mayoría de su álbum consiste en canciones escritas por los miembros de su banda.

Norah Jones es hija de Ravi Shankar, el gran patriarca de la música hindú y quien la popularizó en occidente. Nació en Nueva York, pero cuando tenía cuatro años, se mudó con su madre a Texas, cerca de Dallas, y absorbió el contenido de la colección de discos de su madre, incluyendo una caja de grabaciones de Billie Holiday.

Después de graduarse de la escuela secundaria, se matriculó en el programa de música de la Universidad Estatal del Norte de Texas, con especialización en piano de jazz. En 1999, marchó a Nueva York para una estancia durante el verano. Viviendo el ambiente del Greenwich Village, decidió no volver a la universidad, permaneciendo en Nueva York y absorbiendo y formando parte de la escena musical de la ciudad. Ella cantó con una banda llamada Wax Poetic y también formó su propio grupo, consiguiendo un contrato con la etiqueta de jazz Blue Note Records. También apareció en el disco del guitarrista Charlie Hunter, “Songs from the Analog Playground”.

Para su debut, el legendario productor Arif Mardin, conocido por su trabajo con Aretha Franklin en la década de los sesenta, fue reclutado, pero el disco fue grabado con la propia banda de la Norah, en lugar de con músicos de estudio. Mardin realizó una producción inmaculada del disco.

Mientras que el jazz es claramente una gran influencia para la Norah Jones, “Come Away with Me” no es realmente un álbum de jazz. Hay solamente una melodía que se podría describir como estándar de jazz, el resto de los ingredientes musicales vienen tanto del soul como del country. Norah es una buena pianista, y toca en todos los temas menos en una pieza, pero este es un álbum muy orientado a la guitarra, con la guitarra acústica probablemente siendo la voz instrumental principal. Y el guitarra en su banda es Jesse Harris, quien escribió o co-escribió cinco de las catorce canciones del disco. También aporta canciones el bajista Lee Alexander. Completando su banda está Adam Levy en la guitarra eléctrica y Dan Reiser en la batería, aunque el destacado batería de jazz Brian Blade se escucha en varias pistas.

Uno de los aspectos más atractivos de este álbum es su ambiente relajado e íntimo. Con un productor como Mardin a bordo, el disco está claramente dirigido a un público más amplio que el simple aficionado al jazz, con más canciones orientadas al pop, dentro de un trabajo notablemente ecléctico.

Norah Jones tiene una voz que desmiente su edad. También es evidente que ella ha escuchado a Patsy Cline, así como a Billie Holiday. Es una respetable pianista que demuestra versatilidad y comprensión de los principios del buen acompañamiento vocal. La combinación de las letras y el sonido íntimo que se logra, hace de este disco una grabación distinta y al instante atractiva.

El álbum fue un éxito enorme, vendiendo aproximadamente 22 millones de copias en todo el mundo y ganando 8 premios Grammy, incluyendo “Mejor grabación”, “Mejor canción” y “Mejor álbum”. Es el álbum de estudio (no recopilatorio) más vendido del siglo XXI hasta el momento.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

Mike Sánchez (09/Marzo/2017)

MIKE SÁNCHEZ

Blues, rhythm & blues, boogie, rock & roll

Jueves, 9 marzo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

MIKE SÁNCHEZ

Desde que formase Big Town Playboys en Londres en la década de los 80´s Mike Sánchez ha tocado, girado y grabado con artistas como Eric Clapton, Robert Plant (en el concierto de reunión de Led Zeppelin en el O2 Arena fue Mike Sanchez quien cantó la primera canción), Jeff Beck (con él grabó un disco homenaje a Gene Vincet), Bill Wyman (artista con el que se ha subido decenas de veces al escenario siendo miembro fijo de Bill Wyman’s Rhythm Kings), Imelda May (antes de debutar en Universal la vocalista grabó Almost Grown, disco de duetos con Mike Sanchez) o Albert Lee (responsable de las guitarras de So Many Routes, último lanzamiento del cantante y pianista).

Mike Sanchez es reconocido especialmente por sus shows en directo en los que tocando y cantando Boogie Woogie y Rock and Roll nunca deja a nadie indiferente. Prueba clara es lo que dicen de él artistas tan bien consagrados como estos:

“Predicando con sudor y trabajo desde su Iglesia de 88 teclas es admirado y respetado por todos los que le precedieron”, Robert Plant

“Es nuestro Little Richard con una pequeña dosis de Jerry Lee Lewis”, Jeff Beck

“Magia en el escenario”, Bill Wyman

“Un artista innato”, Imelda May

“Las personas que le ven nunca le olvidan”, Albert Lee

Mike Sanchez (Live at Vintage Roots Festival) 2013

Jethro Tull (Thick as a Brick) 1972

En 1971, el grupo de rock británico Jethro Tull tuvo su mayor éxito en todo el mundo con el LP “Aqualung”, que los críticos describieron como un álbum conceptual sobre la religión, a pesar de que el líder Ian Anderson negó que el disco estuviera destinado a ser como las clásicas Suites del rock progresivo que se habían hecho cada vez más populares a principios de los setenta.

El mito dice que Anderson estaba enojado por este error: “No estoy enojado, no”, explicaba casi cuatro décadas después. “En realidad estaba ligeramente irritado e  irónicamente divertido”. Por mucho que insistiera en que “Aqualung” no era un álbum conceptual, los medios de comunicación todavía persistían en tratarlo como tal. Parecían creer que todo el disco era una crítica de la religión: “La verdad era que tres o cuatro canciones estaban vinculadas a cuestionar la naturaleza de la religión. Pero el resto eran canciones independientes”. Así que, con este panorama pensó: “OK, no sólo vamos a hacer un álbum conceptual real, sino que vamos a hacer que sea la madre de todos los álbumes conceptuales”.

Entonces Anderson decidió expresar sus sentimientos acerca de los álbumes conceptuales y del prog-rock en general a través de la parodia, grabando un álbum llamado “Thick as a Brick”. Vendió millones de copias, pero su ingenio es tan seco y tan sutil que muchos no se dieron cuenta de  la broma.

Jethro Tull en 1972. Ian Anderson es el 2º por la Izquierda.

La piedra angular de la obra fue un poema, escrito presuntamente por Gerald Bostock, un niño de 8 años de edad, reciente ganador de un premio de poesía que le es retirado cuando se comprueba que ha dejado embarazada a una chica de 14 años. Sin embargo, este es un personaje totalmente ficticio, creado por Anderson. A pesar de los intentos a lo largo de los años de descubrir la verdadera identidad del niño poeta, la verdad es que Bostock no tiene conexión con nadie del pasado de Anderson.

“Si, hay un elemento autobiográfico en lo que escribí. Cuando era niño, yo era un poco rebelde. La mayoría de mis compañeros aspiraban a ir a la escuela primaria, convirtiéndose luego en parte de la sociedad más convencional. Eso nunca me atrajo. Yo era el tipo de niño que le gustaba pasar el tiempo observando la vida  y luego analizándola. También me encantaron las historias de ciencia ficción de la época (la década de los cincuenta), porque hablaban de un futuro diferente y emocionante. Así pues, dibujé esto para el carácter de Gerald Bostock. Pero él mismo es una ficción”.

Finalmente, en diciembre de 1971, la banda entró en los Morgan Studios en el noroeste de Londres y, bajo la producción del propio Anderson, grabó el álbum (que es una composición dividida en dos movimientos) durante un período de quince días, incluyendo el Mezcla.

Las cubiertas y el interior del disco de vinilo fueron diseñados imitando un diario de un pequeño pueblo, el “St. Cleve Chronicle & Linwell Advertiser”, en el cual se incluye la letra de la canción y diversas noticias y pasatiempos típicos de un periódico local. Algunas de las noticias, creadas por Anderson, son absolutamente delirantes. Es recordado el pasatiempo de unir los puntos, dando como resultado una mujer desnuda.

Musicalmente, “Thick as a Brick”es una joya de una belleza imperecedera, sencilla y compleja a la vez (el propio Anderson admitía que le resultaba más fácil componer una obra así que un conjunto de canciones al estilo convencional), y por supuesto, una de las más grandes obras de la historia del Rock.

“Solo en los últimos tiempos he apreciado la complejidad de la música”, admite Anderson. El álbum consta de una sola canción que ocupa todo el disco, dividida en dos partes a causa de las limitaciones del vinilo original. A pesar de lo larga que pueda parecer, la atención en ningún momento decae. Cada nueva parte que suena es vigorosa, capta nuestra atención y nos introduce en el siguiente segmento. Destacable en este álbum es posiblemente la repetición. Pequeñas variaciones que permiten darle un nuevo énfasis emocional a cada momento y una perspectiva diferente a la estructura.

La estructura musical de varias de las partes que van emergiendo cíclicamente es más propio de una sinfonía clásica que del rock. El número de instrumentos que van interviniendo a lo largo de todo el disco de 43 minutos se hace incontable, incluyendo, aparte de los instrumentos tradicionales del rock, xilófonos, órgano Hammond, violines e, inevitablemente, la flauta de Anderson; sin embargo, este disco, a diferencia de los anteriores, incluye como instrumento principal los teclados.

A base de querer parodiar y mostrar los excesos del rock progresivo, Ian Anderson creó uno de los álbumes fundamentales del género.

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