150º Aniversario del Nacimiento de Enrique Granados (1867-1916): Cuando el Piano Habló Español

Pantaleón Enrique Costanzo Granados y Campiña fue un eminente compositor neorromántico. A menudo es aclamado como uno de los representantes más importantes del nacionalismo musical español. También fue un talentoso pintor siguiendo la huella de Goya. Modeló gran parte de su obra inspirado por la música popular española durante su corta pero brillante carrera. Siguiendo las huellas de Chopin, Granados permaneció dedicado casi exclusivamente al piano a lo largo de su vida. A menudo referido como “el Chopin español”, su música exuda verdad, pasión y ternura. El gran éxito de Granados fue su suite “Goyescas”, que compuso alrededor de 1911 en la que la influencia de las pinturas de Francisco de Goya es bastante evidente. 

Nacido en Lleida, el 27 de julio de 1867, Enrique Granados era hijo de Calixto Granados, un cubano capitán del ejército español, y Enriqueta Campiña. Durante su infancia, su familia se trasladó a Barcelona donde estudió piano. En Barcelona aprendió música de destacados artistas como Francisco Jurnet y Joan Baptista Pujol. En 1887 se fue a París para estudiar. Aunque sus aspiraciones de hacerlo en el Conservatorio de París fueron frustradas, consiguió tomar lecciones privadas con uno de los profesores del conservatorio, Charles-Wilfrid de Bériot, cuya madre, la famosa soprano María Malibran, era también de ascendencia española. Bajo la tutela de Bériot, los talentos de Granados en la improvisación fueron grandemente fomentados. Sus estudios con Felip Pedrell también jugaron un papel clave en el pulido de los talentos musicales de Granados. En el año 1889, regresa a Barcelona para seguir una carrera como compositor.

Después de llegar a Barcelona, ​​realizó muchos conciertos de música de cámara con amigos cercanos como Pau Casals, Jacques Thibaud, Mathieu Crickboom, Emil von Sauer y Camille Saint-Saens. De 1895 a 1898, varios de sus trabajos de la etapa fueron premiados. Granados fundó y dirigió la sociedad de conciertos en Barcelona en 1900, llamada Sociedad de Conciertos Clásicos, que no duró mucho tiempo. Junto con Pedrell, Granados fundó la Academia Granados, una escuela para enseñar el arte del piano en 1901 y dirigió la academia hasta su muerte. Allí surgirán figuras tales como Alicia de Larrocha, Rosa Sabater o Conchita Badía.

Enrique Granados estrenó su suite para piano “Goyescas”, y esta obra fue muy aclamada y se convirtió en una de sus obras maestras. Se trata de un conjunto de seis piezas basadas en pinturas de Goya. Abrumado por el gran éxito de este trabajo, decidió ampliarlo. En 1914, de hecho, escribió una ópera basada en el tema. Lamentablemente, tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, el estreno europeo tuvo que ser cancelado. Alrededor de un par de años más tarde, se realizó por primera vez en Nueva York el 28 de enero de 1916, lo que le valió muchos admiradores. Fue invitado a realizar un recital de piano para el presidente Woodrow Wilson poco después. Justo antes de salir de Nueva York, Granados hizo rollos de música de piano grabados en vivo para el sistema “Duo-Art” de la Compañía Aeolian, todos los cuales sobreviven y se pueden encontrar en los archivos incluso hoy. Resultaron ser sus últimas grabaciones.

Enrique Granados y su Esposa Amparo

Debido a la invitación de dar un recital para el Presidente Wilson, Enrique perdió su barco de vuelta a España. En consecuencia, tuvo que tomar un barco a Inglaterra, donde abordó el transbordador de pasajeros Sussex para Dieppe, Francia. En su camino a través del Canal de la Mancha, el Sussex fue torpedeado por un submarino alemán, como parte de la política alemana de la guerra submarina sin restricciones durante la Primera Guerra Mundial. Cuando Granados vio a su esposa Amparo, que se hundía en el mar a cierta distancia, saltó de su bote salvavidas y se ahogó.

Enrique Granados se constituye como una de las piezas fundamentales en la Historia de la Música española, destacando sus virtudes como intérprete, pedagogo, fundador de sociedades musicales y compositor, vertebrando su estética musical en torno al Romanticismo, al nacionalismo español, impregnándolos de su inteligencia, sensibilidad e intuición a la hora de afrontar su discurso musical.

Suite Goyescas

Doce Danzas Españolas

 

 

 

1967: El Verano del Amor. If You’re Going to San Francisco

Paz, amor, felicidad y música maravillosa. 1967 fue una potente mezcla de cambio cultural, cuestionamiento político y liberación personal, que resultó en una migración masiva de jóvenes a San Francisco. La ciudad era un centro de exploración psicodélica, centrándose alrededor del distrito de Haight-Ashbury, donde bandas y artistas como Grateful Dead, Jefferson Airplane o Janis Joplin, marcaron el camino a seguir. El Monterey Pop Festival de Junio fue el pináculo del verano, reuniendo a decenas de miles de personas durante tres días de música.

En el otoño, todo había cambiado y un lado oscuro distorsionó las aspiraciones esperanzadas de los hippies. El movimiento se había convertido en un espectáculo mediático y cada vez más  desordenado. San Francisco estaba repleta de traficantes y adolescentes fugitivos, y la escena de Haight-Ashbury se deterioró debido a la sobrepoblación, la falta de vivienda y el crimen. Al darse cuenta de que la paz y el amor no podían sostenerlos para siempre, la mayoría de los hippies finalmente tuvieron que volver a la universidad o conseguir un trabajo, aunque algunos encontraron maneras de continuar sus estilos de vida alternativos en casa o en el extranjero. Para la mayoría, sin embargo, el sueño utópico había llegado a su fin.

Y ese verano, tal vez más que cualquier otra época antes o después, tenía su propia banda sonora. En la vanguardia, creando el San Francisco Sound, que evolucionó a partir de bandas locales como Grateful Dead y Jefferson Airplane, y cambió para siempre el rostro del rock & roll. El estilo, sumamente colorido, era salvajemente improvisado y pesadamente psicodélico.

Fue un fenómeno fugaz, pero creó una cultura alternativa que sacudió los cimientos del orden establecido en occidente. La música fue una de sus señas de identidad. Quedan aquí los recuerdos musicales de aquella época, de cuando todo parecía posible, de aquella generación que pensó cambiar el mundo con flores en el pelo.

Scott McKenzie (San Francisco)

Jefferson Airplane (White Rabbit)

The Association (Windy)

The Mamas & The Papas (Creeque Alley)

Strawberry Alarm Clock (Incense & Peppermints)

The Electric Prunes (I Had Too Much To Dream Last Night)

The Jimi Hendrix Experience (Purple Haze)

Grateful Dead (The Golden Road To Unlimited Devotion)

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Janis Joplin (Ball and Chain)

The Beatles (All You Need Is Love)

 

 

 

50º Aniversario de la Muerte de John Coltrane: Fe, Esperanza y Jazz

Aunque han pasado ya cincuenta años desde que el 17 de julio de 1967 falleciese el saxofonista John Coltrane a los 40 años de edad, su figura sigue siendo una de las más importantes en la actualidad en el mundo del jazz. Su influencia ha sido decisiva en la mayoría de los músicos que han venido tras él, e incluso, en la propia concepción del jazz. Aparte de las discusiones sobre cuál de las fases de su carrera es más interesante o sobre cuál es su mejor disco, entre los aficionados una de las preguntas recurrentes es hacia dónde habría evolucionado su música (y con ella el jazz) si no hubiera fallecido a una edad tan temprana.

John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926, en Hamlet, Carolina del Norte. La primera influencia musical de Coltrane fue su padre, sastre y músico a tiempo parcial. John estudió clarinete y saxofón alto cuando era joven y luego se mudó a Filadelfia en 1943. Allí continuó sus estudios en la Ornstein School of Music y los Granoff Studios. Fue reclutado en la marina en 1945 y tocó con una banda de su unidad hasta 1946; Él cambió al saxo tenor en 1947. A finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, él tocó en salas de conciertos y en las grabaciones con músicos tales como Eddie Vinson, Dizzy Gillespie, Earl Bostic y Johnny Hodges. El primer solo grabado de Coltrane puede ser escuchado en “We love to boogie” de Gillespie (1951).

Coltrane llegó a la cumbre cuando se unió al quinteto de Miles Davis en 1955. Su abuso de las drogas y alcohol durante este período condujo a la falta de fiabilidad, y Davis lo despidió a principios de 1957. Limpio de sus adicciones, se embarcó en un período de seis meses con Thelonious Monk y comenzó a hacer grabaciones bajo su propio nombre, como el soberbio “Blue Train”, grabado en el estudio de Rudy Van Gelder para la Blue Note. En cada nuevo trabajo, demostró un nuevo nivel de disciplina técnica, así como una mayor sofisticación armónica y rítmica.

John Coltrane y Miles Davis (1960)

Durante este período, Coltrane desarrolló lo que llegó a ser conocido como sus “capas de sonido” su particular estilo improvisando, como describe el poeta LeRoi Jones: “Las notas que “Trane” estaba tocando en el solo se convirtieron en algo más que una nota tras otra. Las notas llegaron tan rápido y con tantos matices que tuvieron el efecto de que tocaba los acordes con rapidez, pero de alguna manera articulaba por separado cada nota en el acorde y sus vibrantes subtonos”. La cascada de notas durante sus poderosos solos mostró su virtuosismo con progresiones de acordes, culminando en la virtuosa interpretación del álbum “Giant Steps” (1959).

El tono de Coltrane en el saxo tenor era enorme y oscuro, con definición clara y cuerpo completo, incluso en los registros más altos y más bajos. Su estilo vigoroso e intenso era original, pero las huellas de sus ídolos Johnny Hodges y Lester Young se pueden distinguir en su fraseo, en el que el instrumento se desliza de nota en nota sin pausas discernibles. De Monk aprendió la técnica del Multiphonic, por el cual un intérprete puede producir múltiples tonos simultáneamente usando una embocadura relajada (es decir, posición de los labios, lengua, y dientes), presión variada, y una digitación especial.

Coltrane regresó al grupo de Davis en 1958, contribuyendo a desarrollo del conocido como “jazz modal”, cuya culminación fue “Kind of Blue” (1959), considerado como un ejemplo esencial del jazz moderno de los años cincuenta. Davis en este punto estaba experimentando con modos, es decir, patrones de escala distintos de mayor y menor.

John Coltrane, Julian “Cannonball” Adderley, Miles Davis y Bill Evans durante la grabación de “Kind of Blue” (1959)

Después de terminar su asociación con Davis en 1960, Coltrane formó su propio cuarteto, con el pianista McCoy Tyner , el contrabajista Jimmy Garrison, y el batería  Elvin Jones. En este momento Coltrane comenzó a tocar el saxofón soprano además del tenor. A lo largo de la década de los sesenta, Coltrane se centró en la Improvisación. Al mismo tiempo, su estudio de las músicas de la India y África afectó a su acercamiento al saxofón soprano. Estas influencias, combinadas con una interacción única con los tambores y el constante ritmo del piano y el contrabajo, hicieron del cuarteto de Coltrane uno de los grupos de jazz más destacados de los años sesenta. La esposa de Coltrane, Alice (también músico de jazz y compositor), tocó el piano en su banda durante los últimos años de su vida.

Durante el corto período comprendido entre 1965 hasta su muerte en 1967, el trabajo de Coltrane se expandió en una improvisación colectiva y libre basada en escalas preestablecidas. Fue el período más radical de su carrera, y sus experimentos vanguardistas dividieron a críticos y público.

El trabajo más conocido de Coltrane abarcó un período de sólo 12 años (1955-67), pero, debido a que grabó prolíficamente, su desarrollo musical está bien documentado. Su estilo temprano relativamente melódico se puede escuchar en los álbumes de Davis grabados para las etiquetas Prestige y Columbia durante 1955 y 1956. La unión con Thelonious Monk revela el crecimiento de Coltrane en términos de técnica y sentido armónico, una evolución más marcada de los álbumes de Davis “Milestones” y “Kind of Blue”.

Grabación de “A Love Supreme”. Diciembre 1964

La mayoría de los primeros álbumes en solitario de Coltrane son de una altísima calidad, particularmente el mencionado “Blue Train” (1957), quizás el mejor ejemplo grabado de su primer estilo, el hard bop. Grabaciones de finales de la década, como Giant Steps (1959) y “Mt Favorite Things” (1960), ofrecen la evidencia de su virtuosismo. Casi todos los álbumes que Coltrane grabó durante los primeros años se clasifican como clásicos; “A Love Supreme” (1965), un álbum profundamente personal que refleja su compromiso religioso, es considerado como su obra maestra, y una pieza fundamental en la evolución del jazz. Sus últimas incursiones en el jazz de vanguardia, están representadas por “Ascension” y “Meditations”  (ambos de 1965), así como varios álbumes publicados póstumamente.

El álbum “Blue Train” será objeto de una entrada monográfica, con motivo del 60º aniversario de su publicación.

Blue Train (1957)

Giant Steps (1959)

My Favorite Things (1961)

Impressions (1963)

A Love Supreme (1965)

Meditations (1966)

Jazz entre Amigos (TVE) Monográfico Dedicado a John Coltrane

30º Aniversario de Naxos: La Revolución en la Música Clásica

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Naxos fue creada en 1987 como una etiqueta de música clásica de bajo presupuesto, ofreciendo CDs al precio de un vinilo, en un momento en que los CDs costaban cerca del triple que un LP. La atención se centró en la grabación de un repertorio estándar con sonido digital. Desde estos humildes comienzos, Naxos se convirtió en una de las principales etiquetas clásicas del mundo, grabando una amplia gama de repertorio con artistas y orquestas de más de 30 países.

Naxos estrena alrededor de 200 nuevos títulos por año, ofreciendo muchas grabaciones de estreno mundial, pero también parcelas de enormes obras completas como la música de piano de Liszt y las sinfonías de Villa-Lobos. El catálogo de Naxos ahora consta de más de 9.000, grabado por artistas y orquestas consagrados, ganadores de premios y jóvenes estrellas en ascenso. El sello presenta muchas series dirigidas a mercados nacionales específicos, aunque ninguno más importante que sus “American Classics”, cuyos compositores, orquestas, directores, solistas y productores han ganado 19 premios Grammy.

Paralelamente al crecimiento de la etiqueta, Naxos construyó una infraestructura mundial para su propia marca y para la mayoría de las otras etiquetas clásicas independientes. Ofrece a estas discográficas una amplia gama de servicios que van desde la distribución y logística física y digital, hasta la comercialización y promoción, la concesión de licencias y la administración y la recaudación de derechos discográficos. Naxos también ha traído un número de etiquetas clásicas independientes bajo su paraguas que les ofrece su infraestructura mientras que mantiene su independencia artística. Entre estas etiquetas se encuentran Capriccio, Dynamic, Ondine, Orfeo y otras 13.

Klaus Heymann (Fundador de Naxos)

Naxos es también el líder de la industria en la presentación digital de la música clásica. En 1996, hizo que los catálogos completos de Naxos y su marca hermana, Marco Polo, estuvieran disponibles para streaming, las primeras marcas en la historia de la industria para hacerlo. En 2002, la compañía lanzó Naxos Music Library, la primera plataforma de streaming de suscripción de la industria, cuatro años antes del lanzamiento de Spotify. Desde entonces, se lanzaron plataformas de streaming para el jazz, la world music y las producciones audiovisuales.

Las bibliotecas en línea de Naxos son utilizadas por miles de instituciones educativas y profesionales de todo el mundo. Ofrecen no sólo escuchar música, sino también una amplia gama de material de referencia, incluyendo un diccionario de música interactiva. Más allá de estas bibliotecas, Naxos ha hecho grandes inversiones en la educación musical que van desde libros con CD a libros electrónicos y aplicaciones. “My First Classical Music Book” se ha publicado en 10 idiomas y la aplicación basada en el libro ha sido una de las más exitosas de la música clásica. La Universidad de León también ofrece este fabuloso recurso, dentro de su catálogo de recursos electrónicos.

Enlace a Naxos en el Catálogo de la ULE

El Naxos Music Group celebrará el 30 aniversario con eventos en Munich y Londres, incluyendo un concierto de gala en la Capilla de la Corte en Múnich con los artistas de Naxos: Boris Giltburg, Tianwa Yang y Gabriel Schwabe.

En el evento de Munich, Klaus Heymann, fundador de Naxos, recibirá el Premio de Logros Especiales de los Premios Internacionales de Música Clásica (ICMA) otorgado el 1 de abril de 2017. El presidente de ICMA, Remy Franck, comentó: “Klaus Heymann ha cambiado la Industria y sin él nunca habría logrado la dinámica que tiene hoy, a pesar de todos los problemas que pudieran existir, debido a su visión, su increíble eficiencia y su profundo amor por la música, se convirtió en el principal actor de la industria”.

Un set de edición limitada con 30 CDs, seleccionados del extenso catálogo de Naxos, fue lanzado en todo el mundo en abril. Ofrece grabaciones emblemáticas de los 30 años de historia de la etiqueta.

Canal de Naxos en YouTube

25 Años sin Camarón (1950-1992): La Leyenda del Tiempo

Hoy se cumplen 25 años de la muerte de Camarón. 25 años sin una de las figuras fundamentales, no solo del flamenco, sino de la música en general.

Camarón conjugó innovación, tradición, talento y esfuerzo, instinto y reflexión: un adelantado a su tiempo que sabía que el flamenco está vivo y que evoluciona, pero sin perder en ningún momento su raíz. Si hay un artista que ha contribuido en gran medida a esta difusión del flamenco, a su conocimiento y a su acceso a nuevos públicos y escenarios, ese fue José Monje Cruz, Camarón de la Isla.

Un cantaor que marcó un antes y un después en la historia de este arte. Su recuerdo, 25 años después de su fallecimiento, sigue siendo cercano y vigente, tanto que sigue atrayendo a muchos aficionados a los lugares señeros de su biografía, situados en San Fernando, localidad que llevó como insignia en su nombre artístico.

Hay muchas maneras de rendirle homenaje. Pero recordar lo que supuso su figura en el, a veces, anquilosado mundo del flamenco y lo revolucionario de su cante, es la mejor manera de homenajearle, Hubo un antes y un después, hubo un punto de inflexión, y fue Camarón. Y lo fue sobre todo por un  álbum: “La Leyenda del Tiempo”. Uno de los mejores discos creados en este país. Un trabajo ignorado en su día, pero que como en otros muchos casos, el paso de los años no ha hecho sino reivindicarlo, hasta ser reconocido como uno de los dos o tres mejores discos de la historia de la música española.

Antonio Sánchez Pecino, padre de Paco de Lucía, fue el descubridor de Camarón y ejerció de productor al principio de su carrera. Hablar de producción en el flamenco tradicional de aquella época, es una guitarra y palmas. Camarón se sentía atascado artisticamente, quería evolucionar. Estaba fascinado con los innovadores arreglos de los primeros trabajos de Lole y Manuel.

Ricardo Pachón, productor de Lole y Manuel, hace una selección muy acertada de diversos textos de Federico García Lorca que musicaliza y presenta a Camarón, después de que este le hubiera dicho que no tenía ninguna canción de momento para su nuevo disco. Pero que José Monge dijera que no tenía ninguna canción, no significaba que no tuviera ninguna idea, tenía muy claro que quería hacer algo diferente, que quería salir de los estándares del flamenco (voz, guitarra y palmas) y abrir un nuevo horizonte.

Camarón y Ricardo Pachón

Ricardo Pachón fue el productor visionario que descubrió y grabó algunos de los mejores artistas del rock underground andaluz, especialmente sevillanos. Su figura, junto con la de Gonzalo García Pelayo, es fundamental para entender la evolución del rock español de los setenta.

Si esto fuera Estados Unidos, el chalet de Ricardo en Umbrete sería un centro de peregrinación. Los apasionados de la fusión flamenca se acercarían al lugar y, conteniendo la respiración, pisarían arrobados el suelo que pisaron Camarón, Lole y Manuel, los Pata Negra o Kiko Veneno, en la época más inspirada de sus vidas creativas. Allí Camarón desarrolló esta obra maestra, muy bien acompañado. Nunca se ha juntado tanto talento en este país para realizar un disco.

Camarón y Ricardo Pachón juntaron a un conjunto de músicos de tan difícil gobierno como rebosante genialidad. Estos imprimieron a la grabación el carácter revolucionario que todavía hoy desprende, acompañando la voz flamenca de Camarón con guitarras y bajos eléctricos, batería y percusión latina, sitar y saxofón. Una “maná de locos”, como los definió Tomatito, compuesta por personajes como Raimundo y Rafael Amador, el propio Tomatito, Juan el Camas, Jorge Pardo, Rubem Dantas, Manolo Rosa, Rafael y Manuel Marinelli, Pepe Roca, Gualberto García, Kiko Veneno…

Ricardo Pachón, Camarón y Raimundo Amador durante la grabación de "La leyenda del tiempo", Madrid, 1979. Foto de Mario Pacheco

Ricardo Pachón, Camarón y Raimundo Amador durante la grabación de “La leyenda del tiempo”. Foto de Mario Pacheco

Ricardo Pachón siempre cita el disco “Sabicas, Rock Encounter with Joe Beck” (1970), como aquel que le sirvió de inspiración y de modelo para investigar y profundizar las posibilidades de fusión del flamenco con el rock y el blues. Sabicas, recordemos, era un guitarrista flamenco exiliado, que por aquel entonces residía en EEUU, y que se convirtió en el maestro de la nueva generación de guitarristas comandados por Paco de Lucía.

“La Leyenda del Tiempo” presenta canciones flamencas de estilo tradicional como “Romance del Amargo” y “Homenaje a Federico”. Otras piezas como ‘La Leyenda del Tiempo’ y ‘La Tarara’ cuentan con solos de piano eléctrico y sintetizador de Manuel y Rafael Marinelli y guitarra eléctrica de Pepe Roca, los tres miembros de la banda de rock andaluz Alameda. Y por supuesto, “Volando Voy” de Kiko Veneno, La canción más conocida del álbum.

El último corte, la sobrecogedora “Nana del Caballo Grande”, cuenta con Camarón acompañado por Gualberto en el sitar. Gualberto es una leyenda de la música underground andaluza (fue miembro de Smash). Sus discos en solitario, especialmente “Vericuetos” son grabaciones imprescindibles. 

“La leyenda del Tiempo” marcó un antes y un después en la música española. Abrió el camino de la renovación y la fusión en el flamenco, después tantas veces trillado tanto para bien como para mal. Sentó las bases incluso para su internacionalización. Y si a día de hoy, multitud de especialistas consideran a Omega, disco que en 1996 grabara el llorado Enrique Morente junto a Lagartija Nick, una de las cimas de la historia musical española, quizás no venga mal recordar que posiblemente aquel no hubiera sido posible, sin que unos años antes Camarón y Ricardo Pachón unieran su talento para dar forma a “La leyenda del Tiempo”.

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

Camarón Interpretando el Tema Central del Álbum en TVE

“Tiempo de Leyenda”. Documental Coproducido por TVE en 2009 sobre la Grabación del Álbum