David McWilliams (Days of Pearly Spencer) 50º Aniversario + Otras Versiones

Estamos ante una de las más grandes canciones de la historia. “Days Of Pearly Spencer” es profundamente subyugante, de una delicadeza infinita. En estos días celebramos el 50º aniversario de su publicación. David McWilliams, autor e intérprete de la canción, era un completo desconocido cuando este norirlandés editó con 22 años esta maravilla de pop orquestal. Su secreto fue como trenzó el pop y el folk, a Dylan y a Donovan, con los increibles arreglos orquestales de Mike Leander, cercano a los Beatles.

Dentro de aquel año bendecido por Dios como fue 1967, esta canción se colocó en la conciencia colectiva como la banda sonora del Swinging London junto a “Nights in White Satin” de los Moody Blues y “A Whiter Shade of Pale” de Procol Harum.

Para grabar su primer single, “God and My Country”, McWilliams registró algunas demos en un estudio de grabación de Belfast. En ese momento, El empresario Mervyn Solomon escuchó las cintas de McWilliams y se puso en contacto con su hermano Phil, quien quedó igualmente impresionado por el material. Como McWilliams ya había firmado con CBS, Solomon se ofreció a quedarse con McWilliams. La oferta fue aceptada, y Solomon llevó a McWilliams con él a Londres para grabar la canción.

La canción tenía, según Stuart Bailie de Radio Ulster, un “estilo parpadeante y casi documental” donde llevó a los oyentes a las partes más deterioradas de la ciudad norirlandesa de Ballymena, donde la gente caminaba entre los escombros, derrotados, pareciendo mucho más viejos de lo que eran en realidad. McWilliams dijo que había escrito la canción sobre un hombre sin hogar encontrado en Ballymena. Narraba la vida de un individuo desgarrado por la pobreza y el alcohol. Sin embargo, algunos de los allegados a McWilliams afirmaron que estaba escribiendo sobre dos damas de su ciudad natal.

La grabación fue producida por Mike Leander quien compuso un impresionante arreglo orquestal para la canción. Leander previamente había proporcionado arreglos para discos como “She’s Leaving Home ” de The Beatles y el éxito de Marianne Faithfull “As Tears Go By”. McWilliams había encontrado al productor perfecto para su delicada y sincera composición, así como también para sus guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas y la asociación floreció. 

Para hacer el disco más interesante, la línea de coro tenía una voz distorsionada, como si David estuviera cantando a través de un megáfono, dándole a la canción un extraño “estribillo” telefoneado.

El disco fue lanzado originalmente el 6 de octubre de 1967 como cara B de “Harlem Lady”, pero “Days of Pearly Spencer” recibió una emisión considerable en Radio Caroline, emisora sin licencia de emisión, para algunos directamente una radio pirata, de la cual Salomón era un ejecutivo, y en anuncios en la prensa musical del Reino Unido.

Se publicaron anuncios a doble página en todos los principales periódicos musicales y en la página principal del New Musical Express apareció, definiéndola como  “el single que te hará volar la mente” y el álbum que lo acompaña, “el álbum que hará cambiar el curso de la música”. Los anuncios se repartieron por todas partes, y en 2012 Stuart Bailie de Radio Ulster comentó que “no había forma de escapar de David McWilliams”. Los anuncios de la canción aparecieron incluso en autobuses de dos pisos , pero McWilliams “caminaba por Londres sin dinero en el bolsillo para subir a uno de esos autobuses”, y una publicación puso el costo total de la promoción en cerca de £ 20,000 ( equivalente a £ 330,000 en 2015).

La BBC se negó a emitir el disco, debido a la participación de Solomon en  Radio Caroline, y por lo tanto, el registro no pudo alcanzar en el Reino Unido o la República de Irlanda toda la difusión que hubiera podido tener. En Europa continental, la canción encabezó la lista de singles francesa, fue nº 2 en Bélgica y nº 8 en Holanda. Sin embargo, la canción se volvió a publicar en tres ocasiones distintas y sigue siendo un elemento básico de las estaciones de radio que programan viejos éxitos.

Después de “Pearly Spencer”, David McWilliams publicó algunos discos más con nula repercusión.

McWilliams murió de un ataque al corazón en su casa de Ballycastle en 2002. Tenía 56 años y dejó ocho huérfanos.

Vídeo Original de la Canción

Actuación en la TV Francesa

Actuación en Directo Interpretando la Canción

Otras Versiones

Las versiones de esta canción han sido innumerables. La más exitosa sin duda fue la de Marc Almond a principios de los noventa. Aquí recogemos versiones en varios idiomas, muchas veces cambiando la letra, incluyendo versiones orquestales, y alguna de aficionados como la del irlandés MrWhaps, realmente notable. Hay dos versiones en castellano, la temprana de Los Javaloyas, y la más conocida de Ana Belén “Vuelo Alto de Gaviota” de 1979.

Los javaloyas (Los Días de Pearly Spencer) 1967

Caravelli (Days of Pearly Spencer) 1968

Caterina Caselli (Il Volto Della Vita) 1968

Raymond Lefevre (Days of Pearly Spencer) 1968

The Avengers (Days of Pearly Spencer) 1968

The Grass Roots (The Days of Pearly Spencer) 1969

Ana Belén (Vuelo Alto de Gaviota) 1979

Vietnam Veterans (The Days of Pearly Spencer) 1988

Marc Almond (The Days of Pearly Spencer) 1991

MrWhaps & Winbone (The Days of Pearly Spencer) 2011

 

 

Amateur (27/Octubre/2017)

Viernes, 27 octubre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Amateur es el nuevo proyecto musical de Mikel Aguirre, Cheli Lanzagorta e Iñaki de Lucas, todos ellos miembros del desaparecido grupo donostiarra La Buena Vida además de integrantes y/o colaboradores de algunas de las bandas que han participado activamente en el devenir de la creación musical de Donostia y la escena pop estatal durante las últimas tres o cuatro décadas, con una notable repercusión en los medios y un amplio reconocimiento de público y crítica.

Tras la triste y desafortunada pérdida en 2011 de su compañero y co-autor en La Buena Vida Pedro San Martin, y tras una temporada en dique seco, estos tres donostiarras sintieron la necesidad de retomar viejas costumbres y comenzaron a enredar semanalmente durante los tres últimos años en el estudio de grabación. De ahí surge Amateur, que ahora sale a la luz y se presenta al público como una nueva aventura musical que, partiendo de los planteamientos de su anterior formación —composiciones refinadas con aires vintage, guiños a los clásicos, arreglos orquestales y textos en castellano—, aporta nuevos matices y atmósferas a las canciones que en esta nueva etapa formarán parte de lo que será su primer trabajo discográfico (Debut!).

En la delicada y minuciosa elaboración de Debut! han participado otros notables músicos donostiarras, como Diego Vasallo, Irantzu Valencia, Jaime Stinus o Joserra Senperena entre otros, y a la hora de presentarlo en directo les acompañarán en escena Fernando Neira al bajo, Paul San Martín al órgano Hammond y Joseba Irazoki a la guitarra.

WEB OFICIAL  http://www.amateurmusica.com/

Amateur (Debut!) 2017

 

Thelonious Monk (1917-1982): Centenario del Nacimiento del Gran Improvisador del Jazz

Thelonious Monk

Junto con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, Thelonious Monk fue un elemento imprescindible de la revolución del jazz que tuvo lugar en la década de los cuarenta. El estilo de tocar el piano único de Monk y su talento como compositor lo convirtieron en un líder en el desarrollo del jazz moderno. El pasado 10 de octubre hubiera cumplido 100 años.

Cuando Thelonious Monk comenzó a tocar su música a principios de la década de los cuarenta, sólo un pequeño círculo de músicos de jazz de Nueva York podía apreciar su singularidad. Sus melodías eran angulosas, sus armonías estaban llenas de grupos discordantes, y usaba las notas y la ausencia de ellas de maneras inesperadas. Para la mayoría la música de Monk era: “un desconcertante desconcierto, deliberadamente excéntrico”, como escribió la publicación “Jazz Journal”. El debate sobre su talento y habilidad continuó a medida que pasaron los años, pero finalmente Monk vió reconocida toda la calidad e innovación que su música atesoraba. En el momento de su muerte en 1982, fue ampliamente reconocido como el padre fundador del jazz moderno.

Los aspectos de sus composiciones que alguna vez fueron ridiculizadas ahora se analizan en los colegios y universidades de todo el país. Los pianistas aficionados y profesionales continúan citándolo como una gran influencia en sus estilos. Muchas de sus obras, que tienen más de 60 años, son clásicos del jazz. “Round Midnight” se considera “una de las piezas musicales más bellas y cortas escritas en la América del siglo XX”, como la definió el productor discográfico Orrin Keepnews en “Keyboard Magazine”.

Aunque su carrera fue acosada por obstáculos personales y sociales, Monk siempre creyó en su música. Nunca habló con su público. Raramente concedió entrevistas, prefiriendo dejar que su música hablara por sí misma. Aparte de su esposa y sus dos hijos, su música fue su vida. “Tan absorto estaba en el jazz”, comentó Keyboard, “que caminaba por las calles de Nueva York durante horas o se detenía en una esquina cerca de su apartamento en West 63rd Street, contemplando su paisaje privado y ejecutando nuevas canciones y sonidos a través de su mente. Como él mismo lo explicó sucintamente, “simplemente camino y cavo”.

Debido a que la música de Monk estaba fuera del alcance de la mayoría de los oyentes, los medios tendían a buscar detalles periféricos sobre los que escribir. Tenían mucho material; como escribía el New York Post , Monk era “uno de los grandes excéntricos del jazz”. Durante los conciertos y las sesiones de grabación, se levantaba de su asiento de vez en cuando y empezaba un baile, enfatizando el ritmo que quería que los miembros de su banda siguieran. Con sus sombreros extraños, gafas de sol con marco de bambú y su barba, se convirtió en un tema recurrente para las caricaturas de los suplementos dominicales. Pero la mayoría de los estadounidenses escucharon por primera vez hablar de Monk a principios de los años cincuenta, cuando él y un par de amigos fueron arrestados por supuesta posesión de drogas. Para Monk, fue otro caso de acoso legal que crearía graves obstáculos en su trabajo.

Thelonious Monk nació en 1917 y comenzó a tocar el piano a los cinco años, aprendiendo a leer música viendo a su hermana mientras ella practicaba. A los 11 o 12 años, comenzó a recibir clases; y él acompañó al coro en la iglesia local. Thelonious, un oyente entusiasta, se preocupó por escuchar a todos los músicos que pudo, incluido el famoso pianista James P. Johnson. Era obvio que la música era su destino en la vida.

En 1941, comenzó a trabajar en el ahora legendario Minton’s Playhouse en Harlem, y jugó un papel esencial en el establecimiento del estilo musical que se conoció como bebop. Junto con Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Kenny Clarke y otros, Monk ayudó a dar forma a ese nuevo y emocionante género.

Monk no tenía miedo de arriesgarse. Sus obras son notables por sus elementos disonantes, ritmos inusuales, armonías atípicas. El caso es que Monk fue más allá de bebop, porque estaba interesado en la estructura y no simplemente en el virtuosismo. Desarrolló un estilo de tocar distintivo, bastante percusivo, haciendo pausas durante los solos, aplanando los dedos, a veces usando los codos y dejando notas en los acordes. Como dijo una vez Monk: “El piano no tiene notas equivocadas”.

Cabe señalar que Monk no tuvo mucho éxito crítico o de ventas durante la década de los cuarenta o cincuenta. Sus compañeros reconocieron su prodigioso talento, pero el público permaneció apático. Su esposa Nellie fue su pilar, tanto financieramente, ella trabajó como costurera, y fundamentalmente, su apoyo emocional.

En 1957, Monk publicó “Brilliant Corners”, uno de los álbumes de jazz más importantes de la década de los cincuenta. El tema principal, con Sonny Rollins (saxo tenor), Ernie Henry (saxo alto), Max Roach (batería) y Oscar Pettiford (bajo), es particularmente complejo. Su estructura poco ortodoxa, los cambios de tiempo inesperados y los ritmos sorprendentes hicieron que fuera un desafío grabarlo, necesitando algo así como 26 tomas, pero el resultado es impresionante. Es atrevido, aventurero e innovador. Una obra fundamental para entender la evolución del jazz moderno.

Brilliant Corners (1957)

Hablando de discos, Monk grabó con una verdadera lista de renombrados músicos, incluyendo a Coleman Hawkins, John Coltrane, Sonny Rollins, Max Roach, Philly Joe Jones, Art Blakey, Roy Haynes, Clark Terry, Charlie Rouse o Miles Davis, con quien compartió una tormentosa sesión de grabación el día de Nochebuena de 1954, de la que todavía se habla hoy.

La palabra que se usa con mayor frecuencia para definir a Monk es “excéntrica”. Parece probable que sufrió un trastorno bipolar y se le recetaron medicamentos incorrectos, algo que pudo haber contribuido a su peculiar comportamiento. Es justo decir, que durante la década de los cincuenta lo que se sabía sobre las enfermedades mentales era algo bastante limitado.

Sin embargo, la personalidad pública no necesariamente coincidía con el hombre real, que estaba felizmente casado, era padre de dos hijos y un hombre socialmente comprometido que apoyó varias causas en su comunidad.

Thelonious Monk infundió al jazz y a la música moderna en general, más libertad armónica y libertad de composición, convirtiéndolo en uno de los grandes innovadores musicales. Los últimos años de su vida se vieron afectados por su mala salud, y murió de un accidente cerebrovascular en 1982, de 64 años.

TheloniousMonk

En 1986, se fundó el Thelonious Monk Institute of Jazz en Washington D.C. Una escuela que ofrece educación musical gratuita, una de sus actividades más significativas es el Concurso Internacional de Jazz anual, que promueve los mejores talentos de todo el mundo. El Instituto pretende convertir el jazz en una forma de arte global, que reúne a personas de todos los orígenes.

El singular legado musical de Monk continúa así. Creo que estaría bastante orgulloso de él.

Miles Davis and the Modern Jazz Giants (1959). Grabado en 1954/1956

Misterioso (1958)

Thelonious Monk with John Coltrane (1961)

Monk’s Dream (1962)

Big Band and Quartet in Concert (1963)

Thelonious Monk Quartet (Live in Norway & Denmark) 1966

 

Tom Petty (1950-2017): Adios al Amigo Americano

Ha fallecido Tom Petty, cantante, guitarrista y compositor. Es uno de los nombres esenciales del rock estadounidense, sin embargo era poco conocido en España, donde nunca había tocado en directo y donde su obra siempre ha pasado bastante desapercibida, quedándose en el círculo de los más selectos aficionados.

La historia del rock está llena de músicos que, sin ser necesariamente superestrellas, producen de manera constante canciones y discos que les permiten mantener un recorrido fiel a la esencia de su música, y que se transforman en referencia para cientos de músicos que vienen después. Nacido un lejano 20 de octubre de 1950, Thomas Earl Petty, más conocido como Tom, era uno de esos músicos.

Ya comandando a sus fieles The Heartbreakers, como solista o como miembro de aquel conjunto de luminarias que fueron los efímeros Traveling Wilburys. Tom se destacó por sus canciones llenas de corazón, sus guitarras limpias y luminosas y su voz inconfundible. Compositor de melodías increíbles, especialista en canciones que se te quedan en el alma, Petty es de esos tipos que si te gusta el rock, no puedes dejar de conocer.

Travelling Wilburys: Bob Dylan, Jeff Lynne, Tom Petty, George Harrison y Roy Orbison

La historia de Tom Petty comienza como otras muchas de los años sesenta. A los 11 años, este niño, hijo de un agente de seguros, conoció al personaje que más lo había impactado en su vida: Elvis Presley, quien estaba en Gainsville (Florida), la localidad natal de Petty, para filmar la película llamada “Follow That Dream”. A pesar de que Elvis no dijo mucho, el encuentro marcaría profundamente al joven Petty. Al día siguiente, Tom intercambió su tirachinas por una pequeña colección de discos de Elvis y Little Richard. Petty lo recordaba de esta forma: “Así fue como cambió mi vida. Así fue como puse fin a cualquier posibilidad de hacer cualquier otra cosa que no fuera música en mi vida”.

El siguiente paso lógico sería formar una banda. Comienza tocando en pequeños bares con los Epics, quienes pensaron que su nombre era demasiado cursi y decidieron cambiarlo por Mudcrutch, una banda que para 1975 no había conseguido que el Country Rock que tocaban les abriera el camino del éxito.

Y de este bagaje surgieron los Heartbreakers, banda que desde entonces fueron los fieles escuderos de Petty. Estos se encerraban en un estudio de grabación, donde a puerta cerrada y en un ambiente tranquilo, podían experimentar para crear una música que descubría muchas influencias, las favoritas de los integrantes de la banda. Por eso en sus temas hay sutiles referencias a diferentes artistas y géneros, y que a la vez son imposibles identificarlas con exactitud. Se pueden escuchar trazos del Rock británico, ritmos de música afroamericana, Rock sureño, Folk, el Pop más elegante de los cincuenta y sesenta. Todo se conjunta para darle una voz única a los Heartbreakers capitaneados por Tom.

Tom Petty & The Heartbreakers (Fotografía de Michael Ochs)

Con Petty no se trataba de tener un impacto inmediato y desaparecer, su música requiere algo más de escucha, requiere prestar atención, adentrarse en la historia de sus canciones. Es aquí donde entran en juego las letras de Petty. La profundidad, la capacidad de análisis y descripción de situaciones comunes en apenas unas cuantas y precisas palabras, es algo que no está al alcance de cualquiera y en la trayectoria de Tom Petty fue constante.

Tom Petty es ya un clásico del Rock. Quizás sus últimos trabajos no tuvieran el éxito de antes, pero el sello “Tom Petty” nos aseguraba que tendremos algo de calidad. La grandeza de sus creaciones se mide por su desafío a las modas y tendencias musicales imperantes, era imposible encasillarlo, era simplemente “Tom Petty”.

Tom Petty y los Heartbreakers puede que no fueran el grupo más popular y relevante de los últimos años, pero sí fueron de los más auténticos, honestos y perseverantes que existen, y esas son banderas que no muchos pueden enarbolar.

Here Comes My Girl (1979)

Stevie Nicks & Tom Petty (Stop Draggin’ my Heart Around) 1981

Traveling Wilburys (Handle with Care) 1988

Free Fallin’ (1989)

I Won’t Back Down (1989)

Learning to Fly (1991)

Blue Moon Marquee (18/Octubre/2017)

Miércoles, 18 octubre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Blue Moon Marquee son un dúo de gipsy blues pasado por su propio filtro, provenientes de las Badlands de las praderas de las Montañas Rocosas canadienses. Interpretan canciones propias influenciadas por el blues más primitivo, el folk de raíces, el swing y el ragtime.

A.W. Cardinal, de la etnia Metis de Cree, aúlla con una voz potente y toca la guitarra influenciado tanto por el blues como por el jazz. Jasmine Colette, también conocida como Badlands Jazz, es la sección rítmica que no solo toca el contrabajo sino que, a su vez, toca percusiones con los pies.

Sus fogosas actuaciones y su ardiente química en el escenario son la marca de la casa, y lo que hace al público enloquecer.

En la actualidad están asentados en la Costa Oeste de Canadá, pero han estado de gira constante los últimos 4 años. Fueron la banda canadiense más solicitada para los festivales internacionales de jazz de 2016 en su país Vancouver, Victoria, Toronto, Regina, Edmonton, Ottawa, Saskatoon y Montreal, Lethbridge), y ahora pretender darse a conocer al público europeo.

Web oficial: https://www.bluemoonmarquee.com/

Blue Moon Marquee at the Duncan Showroom (2016)

Ricardo Cantalapiedra (1944-2017): De León al Mundo Pasando por Malasaña

Cantautor protesta, a veces de corte cristiano (el, que bordeaba el ateísmo), seminarista, militante comunista, escritor, periodista, guionista, cantante de boleros, gran jugador de billar… Todas estas facetas o fragmentos del puzzle vital de Ricardo Cantalapiedra, nos ayudan a entender a tan peculiar personaje. Rara avis de la música española, su obra no deja indiferente a nadie. Y aunque fue corta, en el tiempo, su peculiaridad ha hecho que se recuerde hasta el día de hoy.

Fallecido a finales del mes pasado. Ricardo Cantalapiedra nació en 1944, y pudo presumir de amistades tan dispares como Julio Iglesias o Marcelino Camacho. Esto resume a la perfección la evolución constante que supuso su vida.

De monaguillo pasó a entrar en el seminario, que posteriormente abandonó. Estudió Filosofía y Periodismo. De su militancia en organizaciones cristianas de base paso a entrar en el entonces clandestino Partido Comunista de España.

Primer single de Cantalapiedra, Editado en 1968

A partir de 1967, con su traslado a Madrid, Ricardo empieza a componer canciones religiosas. Muchas de ellas fueron cantadas insistentemente a lo largo de los siguientes años en la celebraciones litúrgicas. Esas canciones no pasan desapercibidas. Por esos años se funda el sello discográfico Pax, dependiente de la Iglesia Católica, que le ficha.

En 1968 realiza sus primeras grabaciones con tres singles de corte más social que religioso. Posteriormente grabaría dos LPs que se pueden considerar como lo mejor dentro de la canción cristiana realizada en nuestro país: “Salmos de Muerte y Gloria” (1971) y “El Profeta” al año siguiente (1972). Antes había publicado su disco menos conocido: Once Canciones” (1969), producido por Manolo Díaz. Esta obra sufrió el azote de la censura, a pesar de venir avalada por el sello episcopal.

La acción de la censura, esta es una de las constantes en la carrera de Cantalapiedra de aquellos años. Canciones que se cantaban en las iglesias y luego eran censuradas al publicarse en disco. Momentos tan esperpénticos, como censurarle todas las canciones menos una en un recital en Astorga, y cumplir con lo acordado de cantar durante una hora repitiendo constantemente la única canción autorizada con la complicidad y el regocijo del respetable.

El Profeta (1972)

En 1973 deja a un lado la canción religiosa. Graba con Phillips, y edita: “De Oca a Oca y Canto Porque me Toca”. Álbum producido por  Patxi Andión, en el que disecciona sin piedad la sociedad tardofranquista. En 1975 publica “En Casa de la Maruja”. Es un intento casi imposible de convertirse en un cantautor costumbrista, con letras muchos menos comprometidas.

A partir de aquí, Cantalapiedra inicia una lenta despedida de la canción para volcarse a tiempo completo en su vocación de escritor y guionista. Tendrá un postrero acercamiento a la música a mediados de los noventa, transmutado en Rocky Bolero. Actuando en los garitos de Malasaña, cantando canciones tristes para seducir a mujeres alegres, bajo el manto del humo del tabaco y el tintineo del hielo de los combinados.

Queda el recuerdo de este leones universal. Exegeta de un Dios en el que casi no creía. Cronista de un tiempo pasado, cuyo recuerdo es más lejano de lo que testifica el calendario.

Ricardo Cantalapiedra (Recopilatorio de sus Mejores Temas)

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David Antigüedad (10/Octubre/2017)

Martes, 10 octubre, 2017

Teatro el Albéitar, 20:15 h.

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla

David Antigüedad Mangas es un guitarrista clásico nacido en Salamanca en 1993. Comienza sus estudios de guitarra a la edad de 8 años de la mano de Marcos Martín en el Conservatorio Profesional de Salamanca, terminándolo con Premio Extraordinario a los 18, cuando accede al Conservatorio Superior de Música de Castilla y León con los profesores Hugo Geller y Dimitri van Halderen para realizar Estudios Superiores. Dos años más tarde, en 2013, se le concede una beca Erasmus y se traslada a Maastricht (Países Bajos) para estudiar con el afamado guitarrista Carlo Marchione en el Maastricht Conservatorium, donde obtiene el título de Bachelor con distinción en 2015. Actualmente reside en Zaragoza, donde continúa su formación con los profesores Pedro Mateo González y Àlex Garrobé e imparte clases de guitarra en distintas escuelas de música.

A lo largo de los años, David ha participado activamente en varios festivales y concursos, consiguiendo premios como el 1er Premio en la modalidad juvenil del XII Concurso Internacional de guitarra José Tomás – Villa de Petrer (Alicante, 2013) o más recientemente el 1er Premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España (Sabadell, 2016). Ha ofrecido recitales como solista y de música de cámara en España, Países Bajos y Bélgica. Además de con sus profesores regulares, se ha perfeccionado en cursos y clases magistrales con guitarristas de la talla de Joaquín Clerch, Ricardo Gallén, Carles Trepat, Margarita Escarpa, Leo Brouwer, Raphaella Smits, Zoran Dukic, Judicaël Perroy y Miguel Trápaga, entre otros.

Al margen de la música clásica, toca la guitarra eléctrica en diferentes géneros y está interesado en diversos estilos musicales. En este sentido, aunque de formación autodidacta, también ha recibido clases del guitarrista profesional y músico de estudio Juan Cerro, centrándose en la técnica de la guitarra eléctrica y en el estudio del lenguaje moderno y el jazz.

David toca una guitarra del luthier Casimiro Lozano de 2011.

PROGRAMA

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Sonata en Sol menor para violín solo, BWV 1001(ca. 1720)

Joan Manen (1883-1971)
Fantasía-Sonata, Op. A-22(1929)

Fernando Sor (1778-1839)
Gran Solo, Op. 14 (ca. 1805)

Antonio José Martínez Palacios (1902-1936)
Sonata para guitarra(1933)

Albéniz (Granada) 

Los Cuentos de los Hermanos Gibb: Bee Gees (1967-1972) 2ª Parte

¿Qué sigue a la obra maestra que fue “Odessa” ? Lamentablemente, la actualidad de la banda era otra cuando los Bee Gees registraron su siguiente álbum “Cucumber Castle”. Como se puede ver en la imagen de la portada, Robin se destaca por su ausencia. Los hermanos Gibb acababan de pasar por un bache muy difícil, que había comenzado cuando el álbum “Odessa” fue grabado. La relación de Barry con Robin se había deteriorado dramáticamente a medida que 1969 avanzaba, hasta que los dos ya no podían trabajar juntos. Robin saltó del barco, dejando a Barry y Maurice para llevar el nombre de Bee Gees.

Dado el revuelo que ocasionó la marcha de Robin, es sorprendente que Barry y Maurice lograran sacar un álbum tan bueno. (A propósito, la cubierta ligeramente extraña del álbum se explica por el hecho de que estaba vinculada con un especial de televisión, protagonizada por el comediante británico Frankie Howerd junto a los dos hermanos). Mientras que el álbum sufre de la falta de la voz de Robin y lógicamente, de las armonías logradas entre los tres, las canciones son tan buenas como siempre y Barry y Maurice están en una gran forma compositiva. La producción de “Cucumber Castle” es tal vez menos interesante que en los álbumes anteriores, y el grupo empieza a aumentar el número de  baladas para llenar el álbum, algo que será mucho más pronunciado en los próximos años.

Pero hay algunas canciones muy destacables:  “Then You Left me” y “I Was The Child” son grandes canciones de amor en la tradición clásica de Bee Gees. La balada orquestal de corte country “Don’t Forget to Remember” es uno de los grandes clásicos del grupo y llegó al nº 2 de las listas. “The Lord” es una canción divertida sobre el tema de la religión, con un gran trabajo de guitarra, como en la canción de Maurice “My Thing”. Algunas canciones no impresionan en una primera escucha, pero temas como “Turning Tide” van adquiriendo un sabor realmente delicioso.

Cucumber Castle (1970)

“2 Years On”. Este es el primer álbum que los Bee Gees hicieron juntos después de su traumática separación en 1969. Habían transcurrido dieciocho meses y decidieron que había llegado el momento de volver a intentarlo todos juntos. Los Bee Gees han tenido varios años viviendo en una especie de montaña rusa, en los que han sufrido tragedias, rupturas matrimoniales, problemas internos y problemas con los manager o con compañías discográficas. Y en casi todos los casos la música que produjeron no fue afectada o se benefició de la experiencia. Este no es el caso.

Está claro que al escuchar este álbum, los hermanos Gibb no habían engrasado su nueva convivencia juntos. Muchas de las canciones están escritas por un solo miembro, y el álbum carece de la cohesión de la mayoría de sus otros álbumes. De hecho, es casi como cuatro álbumes diferentes.

Cuando los tres hermanos se unen, en “Man for All Seasons”, “Back Home” y “Lonely Days”, suenan mucho mejor. Aunque ‘Lonely Days’ se convirtió en su mayor éxito en Estados Unidos hasta la fecha y encabezó un corto período de éxito allí, paralelamente en Reino Unido su éxito comenzó a desvanecerse.

2 Years On (1970)

Cara a su siguiente álbum, “Trafalgar”, Los Bee Gees están trabajando mucho más cohesionados después de 2 años agitados. Contiene un sonido más suave de lo que estábamos acostumbrados en anteriores trabajos, y ahora toman menos riesgos musicalmente. Pero también es un grupo que parece ser capaz de escribir sin esfuerzo canciones intemporales.

La primera canción, “How Can You Mend a Broken Heart”, se convirtió en el primer número uno en los EE.UU. del grupo, pero una vez más sus ventas se deterioraron en el Reino Unido. Y como en el álbum anterior, las canciones de Barry (“Israel”, “The Greatest Man in the World” y “Don’t Wanna Live Inside Myself”) son creaciones agradables y melodiosas, pero tienen poco peso. Barry realiza una fantástica actuación vocal en “Israel”, y la canción suena digna, pero una mirada más cercana revela algunas letras muy flojas. Maurice suministra un par de temas. (“It’s Just the Way’ y “Trafalgar” que cuentan con interesantes introducciones de guitarra. No hay ninguna aportación de Robin en solitario.

Este álbum funciona mucho mejor cuando los hermanos escriben y interpretan juntos. “Dearest” y “Remembering” son melodías muy tristes, pero ilustran que los Gibb siguen persiguiendo los temas de la desesperación y la muerte. “When Do I” es una joya de canción, mostrando el rango vocal de Robin, pero en este disco han dejado lo mejor para el final. “Walking Back To Waterloo” demuestra que están en su mejor momento al escribir y armonizar juntos. Esta canción es excitante, y las letras son adecuadamente enigmáticas, al igual que las mejores canciones de los Bee Gees, para que el oyente pueda interpretarlo como quiera.

Trafalgar (1971)

“Tuve una fiesta y nadie vino”, dice una de las canciones del que podíamos considerar el último álbum de la etapa clásica de los Bee Gees.. Eso realmente resume el excelente “To Whom It May Concern”. Los Bee Gees estaban volviendo a lo que hacen mejor, y claramente disfrutando, pero el álbum fue ignorado en gran medida.

Este es el primer trabajo en la década de los setenta donde los Bee Gees realmente encontraron su inspiración de nuevo. Lograron encajar todo en este disco: melodías inolvidables, nuevas ideas, armonías maravillosas, algunos solos sorprendentes, algunas letras genuinamente extrañas y alguna experimentación muy sorprendente.

El álbum generó un éxito como single en el Reino Unido, el realmente esplendoroso “Run to Me”, aunque no dominó las listas de singles de la misma manera que muchas de sus grabaciones de los sesenta. Y entonces el álbum fue olvidado. Pero podría haber habido más éxitos si el público aparentemente no hubiera empezado a cansarse de los tres hermanos y trasladase su atención a nuevos artistas. “Sea of ​​Smiling Faces” es al menos tan bueno como “Run to Me”, así como “Alive”. El más rockero “Bad Bad Dreams” y armonizan juntos de una manera celestial en “We Lost the Road”. “Paper Mache Cabbages and Kings” desafía cualquier categorización. Maurice contribuye con “You Know It’s for You”, un pedazo de algodón de principios de los setenta, que suena bastante anticuado ahora. Pero en ‘Sweet Song of Summer’, en el que Maurice experimenta con el sintetizador Moog, los Bee Gees crean una pieza perturbadora que termina el álbum de una forma magistral.

To Whom It May Concern (1972)

Este álbum cierra la etapa más desconocida para el gran público del grupo, y seguramente la más interesante. Poco después se produjo el giro hacia la música soul, estableciendo en Miami su cuartel general, y su irrupción en la música disco.

Ya eran otros cuentos los que nos narraban los hermanos Gibb, de una gran calidad, pero sin esa magia que tuvieron sus primeras grabaciones. Si no las conocen, serán todo un descubrimiento.

Los Bee Gees con su Manager Robert Stigwood

Canciones Destacadas (1970-1972)

Don’t Forget To Remember (1970)

I.O.I.O. (1970)

Lonely Days (1970)

How Can You Mend a Broken Heart? (1971)

Trafalgar (1971)

When Do I (1971)

Walking Back to Waterloo (1971)

Run to Me (1972)

Alive (1972)

Sea of Smiling Faces (1972)

Never Been Alone (1972)