Lili Boulanger (1893-1918): 100 años de la muerte de un ángel de la música

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“Como amigo de Francia, me gustaría expresar mi asombro de que Lili Boulanger no sea considerada la persona que realmente es, ¡la mejor compositora en la historia de la música!”.

Estas vehementes declaraciones fueron hechas por el director de orquesta Igor Markévitch, que estuvo al frente de la orquesta que realizó el primer registro discográfico de las obras de Lili Boulanger en 1960.

No es el único que ha manifestado una opinión similar al enjuiciar la breve, pero intensa carrera musical de la compositora francesa. Desgraciadamente, esa brevedad fue el fruto lógico de su corta vida. Lili falleció el 15 de marzo de 1918 a los 24 años de edad.

Su corta y dolorosa vida está estrechamente relacionada con la biografía de toda su familia, pero especialmente con la de su hermana mayor Nadia (1887-1979). Y con el Conservatorio de París. A través de su extraordinario talento, pudo alcanzar una gran madurez artística como compositora en el escaso tiempo de su vida.

Lili Boulanger nació el 21 de agosto de 1893. Era parte de la tercera generación de una familia de músicos. La familia Boulanger dominó el Conservatorio de París durante casi dos siglos. La hermana mayor, Nadia Boulanger, permaneció fiel a esta institución hasta su muerte en 1979.

El padre, Ernest Boulanger (1815-1900) fue compositor y director de orquesta y recibió el codiciado “Prix de Rome” a la edad de 19 años, pero luego se dedicó al canto y en 1871 se convirtió en profesor de canto en el Conservatorio de París. Se casó con una de sus alumnas, 43 años más joven, la rusa Raïssa Myschetsky (1858-1935).

Mientras que a su hermana Nadia inicialmente no le gustaba la música. Lili Boulanger empezó a cantar a la edad de dos años y medio. Sin embargo, enfermó de bronconeumonía, de la cual no se recuperó por completo a lo largo de su vida. Las enfermedades infecciosas frecuentes en el tracto gastrointestinal le atormentaron para siempre.

La primera composición de Lili Boulanger fue escrita en 1900, probablemente con motivo de la muerte de su padre. La composición, de la cual solo se quedan bocetos, se llama “La lettre de mort”.

Su primera aparición pública fue el 5 de septiembre de 1901, donde apareció como solista de violín. Además del violín, también tocaba violonchelo, arpa y piano.

En 1909, fue admitida oficialmente en el conservatorio, aunque rara vez se la encontraba allí. Ella se comunicaba por escrito con sus maestros. Lili Boulanger fue una de las primeras alumnas en composición.

En los primeros años de Lili (1910-1911) en el conservatorio, frecuentemente  tuvo que permanecer fuera debido a sus continuos problemas de salud. Desde el año 1912, Lili Boulanger parece haberse centrado específicamente en obtener el prestigioso “Prix de Rome”.

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Nadia y Lili Boulanger en 1913. Fotografía: Agence Meurisse

El primer paso, la admisión oficial a la clase de composición del Conservatorio de París, fue solo una cuestión de forma: su talento, la red de contactos dentro del prestigioso centro y la reputación de sus antepasados ​​allanaron el camino para ella.

Sin embargo, debido a su salud, tuvo que abandonar este objetivo en mayo de 1912. Durante los siguientes seis meses, la enfermedad no le dejó más remedio que tomar un descanso obligatorio.

El año 1913 finalmente le trajo el éxito deseado. Ella ganó el “Prix de Rome” a la edad de 19 años por la cantata compuesta para la ocasión “Faust et Hélène”, siendo la primera mujer en conseguirlo. Con este premio, ahora se la consideraba oficialmente como compositora, era financieramente independiente e inmediatamente firmó un contrato con la editorial Ricordi. Los premiados con el “Prix de Rome” se quedaban en la Villa Medici de Roma para ampliar sus estudios. comenzaron en marzo de 1914 y tuvieron que interrumpirlo en agosto de ese año por el estallido de la Primera Guerra Mundial.

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Lili Boulanger con sus Compañeros en la Villa Medici de Roma (1914)

Desde 1915 en adelante, Lili Boulanger, junto con su hermana, se dedicó a tareas caritativas hasta su muerte, a favor de colegas del Conservatorio reclutados para el frente. Después de un descanso de un año y medio, regresó a Roma en febrero de 1916. Su enfermedad se hizo cada vez más implacable, a menudo atándola a la cama e interfiriendo con su trabajo creativo en Villa Medici. En junio de ese año, regresó a París.

En su trabajo, los acordes oscuros de “Dans l’ inmensa tristesse” reflejan su estado de ánimo en ese momento, que se caracterizó por períodos de depresión severa. En febrero de 1917, abandonó París por orden de su médico, para someterse a una cirugía en Arcachon, cerca de Burdeos, donde ella y su familia tenían grandes esperanzas. Pero el éxito fue de corta duración. Consciente del poco tiempo que le quedaba, Lili Boulanger se esforzó por completar composiciones previamente iniciadas, principalmente las religiosas. A la edad de 24 años, el 15 de marzo de 1918, Lili Boulanger murió de la enfermedad de Crohn (una enfermedad inflamatoria intestinal crónica) y fue enterrada en el cementerio de Montmartre.

Debido a su precaria salud, muchas de las obras de Lili Boulanger solo están disponibles en bocetos, están incompletas o perdidas. De las 64 obras catalogadas, se publicaron 24, 12 no se publicaron, 10 están incompletas o en boceto y se perdieron 18.

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La vida y el trabajo de Lili Boulanger están bien documentados, sobretodo por la información proporcionada por su hermana Nadia. Su trabajo se caracteriza por una profunda religiosidad que probablemente se reafirma por el reconocimiento de la brevedad de su vida acortada por su enfermedad. Al menos 15 de sus 64 obras son religiosas. Otros trabajos transmiten ya en el título un sentimiento bastante pesimista. Su lenguaje musical oscila entre lo tradicional y lo vanguardista, sus obras con orquesta son a veces tremendamente poderosas, en línea con contemporáneos como Igor Stravinsky, y fue una pionera para compositores como Olivier Messiaen y Arthur Honegger.

Entre sus composiciones destacan el Salmo XXIV, Salmo CXXIX (1916), Salmo CXXX  (Du Fond de l’abîme) (1916) y la “Vieille Prière Bouddhique”, que son consideradas sus cuatro obras maestras. Dejó sin concluir la ópera que escribió sobre La Princesse Maleine de Materlinck y, además, de su larga producción también pueden citarse “Pie Jesu”  (1918) y los poemas sinfónicos “D’un Soir Triste” y “D’un Matin de Printemps” (1918).

Lili Boulanger fue una rosa asfixiada por sus propias espinas, pero sin embargo, sus pétalos eran de acero. Y esa rosa nos ha dejado un aroma que ha llegado hasta nuestros días. 100 años después de su desaparición, su recuerdo, y el de su obra, permanece vivo. Alargando perennemente una existencia corta en el tiempo, pero plena y extensa en creatividad y talento.

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Faust et Hélène (1913)

Veille Priére Bouddhique (1914)

Salmo 24 (“La Terre Appartient à l’Éternel”) 1916

Salmo 129 (“Ils M’ont Assez Opprimé dès ma Jeunesse”) (1916)

Saimo 130 (“Du Fond de l’abîme”) 1917

Pie Jesu (1918)

“D’un Soir Triste” / “D’un Matin de Printemps” (1918)

 

Elvis Presley (Aloha From Hawaii) 1973: El Rey Vía Satélite

El 14 de enero de 1973, Elvis Presley hizo historia como el primer artista en solitario en realizar un concierto en vivo transmitido internacionalmente por satélite. “Aloha from Hawaii” supuso un hito en la historia de la televisión y en la propia carrera del rey del rock. Se emitió en más de 40 países de Asia y Europa. En Estados Unidos no se emitió hasta el 4 de abril de 1973 (una versión editada) porque el concierto tuvo lugar el mismo día que la Super Bowl. Las cifras de audiencias se estimaron entre 1 y 1.5 mil millones de espectadores en todo el mundo, más personas de las que vieron al hombre llegar a la luna. Fue el espectáculo de entretenimiento más caro hasta el momento, con un coste de 2,5 millones de dolares.

En julio de 1972, inspirado por una visita reciente del presidente Richard Nixon a China unos meses antes, el manager de Presley, Tom Parker, anunció que habría una transmisión vía satélite mundial desde Hawai para permitir a todo el mundo la oportunidad de ver un concierto de Elvis “ya que es imposible para nosotros tocar en todas las ciudades importantes”.

Parker realizó una conferencia de prensa el 4 de septiembre de 1972 en Las Vegas para confirmar que el concierto, llamado “Aloha From Hawaii”, se emitiría el 14 de enero de 1973. Se informó a la prensa que se esperaba una audiencia de mil millones de espectadores. Para ver el “primer programa de entretenimiento que se emitirá en vivo en todo el mundo”, aunque Parker no tuvo en cuenta el hecho de que muchos países, incluidas partes de Europa y América, no verían el concierto en vivo debido a la diferencia horaria en el momento de la transmisión.  Aloha hunde sus raíces en el programa  “One World”· de 1967, donde los Beatles terminaron el evento televisivo con “All You Need is Love”. Mostró lo que la tecnología podría hacer. Pero “Aloha From Hawaii” fue el primer concierto vía satélite en vivo con un solo artista.

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Elvis Presentando el Concierto en una Entrevista Promocional el 4 de Septiembre de 1972, en el Hotel Las Vegas Hilton. Fotografía: NBC / Getty Images.

Presley llegó a Hawai el 9 de enero, un día después de su 38º cumpleaños, para comenzar los ensayos. El sabía la importancia del evento y, con la ayuda de entrenadores, perdió más de 12 kilos para el evento. Viéndose mejor de lo que había estado en algún tiempo, y siempre con su increible voz, el Rey estaba listo para hacer historia.  

Elvis alquiló la totalidad del último piso del hotel Hilton, y las siguientes noches fueron utilizadas, con todo secreto, para ensayar en el Hilton’s Hawaiian Dome. Los músicos, que llegaron un par de días antes que Elvis, ensayaron durante toda una semana en el Centro Internacional de Honolulu, donde se iba a transmitir el programa.

El evento tuvo un carácter benéfico. Parker recibió una carta del columnista del Honolulu Advertiser, Eddie Sherman. Sherman había leído que no se cobraría nada por la asistencia a los conciertos, en cambio, se pedía una donación para obras de caridad. Le sugirió a Parker que, como Presley había grabado, y aún la interpretaba en los conciertos, la canción “I’ll Remember You “, que había sido compuesta por el músico hawaiano Kui Lee. Las donaciones podrían destinarse al Kui Lee Cancer Fund, que se había establecido después de la muerte del compositor en 1966. Al ver la oportunidad de publicitar la naturaleza caritativa de Presley una vez más, Parker estuvo de acuerdo inmediatamente.

Elvis had just celebrated his 38th birthday on January 8.

Llegada de Elvis a Honolulu. 9 de Enero de 1973

Las entradas para el concierto salieron a la venta el 7 de enero. En ese momento, 4000 de las 6000 entradas ya se habían vendido a través de peticiones por carta. Las 2000 restantes se vendieron el mismo día, y las entradas para el espectáculo del ensayo se pusieron a la venta y se agotaron poco después.

A pesar de que la transmisión se había planeado hasta el más mínimo detalle, surgieron varios problemas durante los días y horas previos al concierto.

El escenario era enorme, construido especialmente para esta ocasión. Exigía tanto espacio que la audiencia tenía que limitarse a 6000 localidades, mientras que la sala normalmente admitía 8400. Por razones de producción, el productor Marty Pasetta había colocado a los músicos de Elvis en un escenario elevado muy por detrás de él, algo que Elvis no aceptó: “Lo siento, señor Pasetta, quiero que mis músicos estén conmigo en el escenario”.

Dos horas antes de que comenzara el espectáculo, las luces de la sala comenzaron a parpadear, desaparecieron y luego regresaron. Se contacto con la Marina y, con las sirenas aullando, acudieron al rescate con equipos auxiliares para mejorar el suministro de electricidad, solo minutos antes de que Elvis subiera al escenario.

Presley grabó un concierto de ensayo el 12 de enero  en caso de que algo saliera mal con el satélite durante la transmisión real. Para ambos espectáculos, Presley estaba vestido con un mono blanco “American Eagle” diseñado por Bill Belew . La transmisión fue dirigida por Marty Pasetta, quien estaba a cargo de dirigir las ceremonias de los Oscar.

Y llegamos a ese 14 de enero de 1973, a una hora tan inusual como las 00,30 A.M., Elvis Aaron Presley entra en el escenario bajo los primeros acordes de “See See Rider”, para desgranar una veintena larga de canciones en la hora que duró el concierto.

El repertorio de aquella noche fue muy variado. Clásicos de sus primeros tiempos como: “Blue Suede Shoes”, “Hound Dog” o “Love Me”. Versiones como “My Way”, donde Elvis vocalmente llegó al infinito. Como con su interpretación absolutamente intimista del “Something” de The Beatles. Y otra mirada a los orígenes del rock & roll con el clásico de  los clásicos; “Johnny B. Good” de Chuck Berry.

Una parte muy importante de su repertorio, sobretodo en los setenta, son las baladas. Canciones como: “It´s Over”, “I Can´t Stop Loving You”, “Il Remember You” o “I´m Lonesome I Could Cry”, están presentes en el set list del concierto.

Pero si hay un momento, podíamos calificar de épico, y que fue el punto álgido de aquella actuación fue: “An American Trilogy”, basada en himnos de la Guerra de Secesión Americana. Logró un climax entre el público cercano al éxtasis, con una interpretación vocal que faltan adjetivos para definirla. Fue unos de esos momentos en que el tiempo parece detenerse. Fue un momento mágico y único.

Y para finalizar, como en todos sus conciertos, la maravillosa balada “I Can´t  Help Falling in Love”.

Después del concierto, sobre las 3:00 de la mañana, los músicos volvieron a juntarse (sin público) para grabar cinco canciones que solo se usarían en la futura emisión en los Estados Unidos. Cuatro de ellas formaban parte de la banda sonora de la película de Elvis “Blue Hawaii” de 1961: “Blue Hawaii”, “Ku-U-I-Po”, “No More”, y “Hawaiian Wedding Song”. La quinta fue una canción del cantautor Gordon Lightfoot, “Early Morning Rain”.

Pero es de justicia señalar que Elvis Presley estuvo arropado en todo momento por un grupo de músicos y coristas extraordinarios, y con los que se sentía muy cómodo: Ronnie Tutt (batería), el estratosférico James Burton (guitarra solista), John Wilkinson (guitarra rítmica), Glen Hardin (teclados), Charlie Hodge (guitarra acústica y coros), Jerry Scheff (Bajo). Los coros de J.D. Sumner & the Stamps Quartet. La voz absolutamente sublime de Kathy Westmoreland. Las extraordinarias coristas The Sweet Inspirations. Y por supuesto, siempre respaldados por la genialidad de la Orquesta de Joe Guercio, con una sección de metales realmente soberbia.

“Aloha From Hawaii Via Satellite”, el doble LP que contenía las 24 canciones interpretadas en el concierto, fue editado rápidamente para que estuviera a la venta a principios de febrero de 1973. El álbum debutó en la lista de álbumes del Billboard el 24 de febrero, y vendió medio millón de copias durante las cuatro primeras semanas.

El LP inmediatamente subió en las listas, alcanzando el nº 1 el 5 de mayo, desplazando al “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd. Se mantuvo en las listas durante 52 semanas, y recibió 5 discos de Platino. Este álbum fue el primer nº 1 de Elvis desde enero de 1965.

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Nota Manuscrita de Elvis con el Listado de las Canciones del Concierto

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Concierto 12/Enero/1973 (Ensayo General y Copia de Seguridad)

Concierto 14/Enero/1973 (Concierto Retransmitido Vía Satélite)

 

 

 

 

Parvathy Baul (20/Febrero/2018)

Martes 20-02-2018. 21 horas

 Teatro el Albéitar ULE

Entradas (6 €): a partir de media hora antes de la actuación en taquilla

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carné Universitario y DNI

Parvathy Baul (nacida en 1976) es una cantante de música folk Baul y narradora india, además es una de las artistas más reconocidas de la música Baul de la India. Se formó bajo la tutela de los gurús como Baul gurus, Sanatan Das Baul, Shashanko Goshai Baul en Bengala. Además ha estado llevando a cabo sus giras de conciertos, tanto en la India como en otros países desde 1995.

Está casada con Ravi Gopalan Nair y basa su residencia en Thiruvananthapuram en Kerala, desde 1997, donde también trabaja como profesora de música en el “Ektara Baul Sangeetha Kalari” una escuela superior de la música Baul.

Baul nació bajo su nombre verdadero de Mousumi parial, en el seno de una familia tradicional bengalí brahmán de Bengala Occidental. Su familia era originaria de Bengala Oriental y luego emigró a Bengala Occidental, después de la partición de la India. Su padre, un ingeniero que trabajó con los Ferrocarriles de la India, estaba interesado por la música clásica de la India. A menudo llevó a su hija diferentes conciertos. Su madre, una ama de casa, era devota del santo místico de Ramakrishna. Debido a la publicación de su padre en diversos lugares de la región, ella creció en Assam, Cooch Behar. Además dio un examen que le permitió pasar de la escuela secundaria a una escuela superior llamado Sunity Academy, en Cooch Behar.

Aunque ella comenzó por actuar en 1995, en 1997 llegó a Thiruvananthapuram en Kerala, para aprender acerca de las tradiciones espirituales y las actuaciones en teatros locales. Ella conoció a Ravi Gopalan Nair, que era un titiritero profesional de Kerala. Aprendió la técnica de los títeres, utilizado el teatro para las actuaciones de Ravi y en el 2000 viajó con él, para presentarse en el Bread and Puppet Theater en Vermont, Estados Unidos. Luego estudio con el creador de Peter Schumann, conocido por sus actuaciones de títeres, en una de las obras de arte en vivo que era adaptada también en los teatros. Antes de esto, ella trabajó también con otra compañía de teatro durante cinco meses, sus actuaciones se llevaron a cabo en la Expo 2000 en Hannover, Alemania. En Thiruvananthapuram, ella se reunió con Abdul Salam, un fakir Kalandar musulmana, que se convirtió en su gurú. Con él encontró su vocación musical y que le enseñó sobre el significado de lo espiritual en la música tradicional.

http://parvathybaul.srijan.asia/

Charles Mingus (The Black Saint and the Sinner Lady) 1963

Charles Mingus, nacido en Arizona en 1922, ha sido uno de los compositores más grandes de la historia del jazz. Un virtuoso del contrabajo, un pianista consumado, y paralelamente: un retador del racismo dentro y fuera del negocio de la música de su tiempo, siendo además un individuo volátil con un temperamento incendiario. Mingus adaptó creativamente las técnicas de compositores del siglo XX como Schoenberg, Bartók y Stravinsky, y lo mezcló con la música blues y gospel de su infancia.

Más de cincuenta años después de su lanzamiento, “The Black Saint and the Sinner Lady” sigue siendo una rareza, incluso dentro de los mejores discos de jazz de su tiempo. Mientras que la escena jazzística de la ciudad de Nueva York a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta vio mucho en términos de experimentación, separando constantemente su producción musical en términos de estructura y armonía desde los cimientos de sus grandes precursores como Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Pero ninguna de las grabaciones de los contemporáneos de Mingus en esta época, o, para el caso, cualquiera de los otros álbumes de Mingus, causaron una impresión  similar a la de este disco.

Fotografía: Don Hunstein

La razón principal de esto es que “Black Saint” escapa a la mayoría de las convenciones estructurales, armónicas y melódicas que uno atribuiría a la música de jazz estadounidense de la época, por ejemplo las del bebop o el cool. El álbum está concebido en parte como un ballet, y cada tema se refiere a una pieza de ese “presunto” ballet. Acaba moldeando una identidad sonora construida sobre un núcleo musical que se establece en la canción de apertura. El ritmo se desarrolla y cambia combinados con cambios en el tempo, intercalado con solos virtuosos y esos motivos más lentos y apasionados que actúan como el alma del álbum.

“The Black Saint and the Sinner Lady” es indudablemente esencial para cualquier persona interesada en el jazz. Y mientras que “Mingus Ah Um” de 1959 tiende a ser aclamado como su mejor trabajo, “Black Saint” es ciertamente el álbum que rompe más con lo establecido. Definido como: “uno de los mayores logros en la orquestación de cualquier compositor en la historia del jazz”. Es festivo, lúgubre, enojado, feliz, y tan complicado y conflictivo como el hombre que lo compuso. “The Black Saint and the Sinner Lady” personifican la sensación de éxtasis y exploración que la mayoría de la música de este tipo pretende engendrar.

Enlace al Álbum

Dogo Spoken Word Show (15/Febrero/2018)

Dogo Spoken Word Show León

Jueves, 15 febrero, 2018 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DOGO vuelve a los escenarios. Justo este año se cumplen 30 años de la edición de su primer disco “Ansia” junto a sus queridos Mercenarios

Muchas cosas han pasado desde entonces: tras unos años de frenética actividad y tres discos memorables vinieron otros tiempos más oscuros e inactivos musicalmente.

Hoy en día Diego Fuentes, Dogo, se encuentra mejor que nunca y ha fijado su residencia en León . Tras alguna aparición esporádica por los escenarios ahora ha montado una banda con la que está dispuesto a sacar brillo a lo mejor de su repertorio. Le acompañan músicos de mala reputación que antes lo han hecho con bandas de la talla de Paul Collins Beat, Peralta, Platillos Volantes, Señor No, o actualmente con Kurt Baker Combo. Precisamente junto a estos últimos pudimos ver a un Dogo en el Monkey Week derrochando carisma, clase y mucho rock & roll caliente.

Esta vez nos presenta el espectáculo  DOGO Spoken Word Show  “Intronautica aplicada”

Pepa Flores Cumple 70 años: La Larga Huida de Marisol

Foto: César Lucas

Fotografía: César Lucas

Hoy 4 de febrero, Marisol (Pepa Flores) cumple 70 años. Si hay un mito que ha perdurado en el tiempo en la cultura popular española, ha sido el de su figura. Quizás ayudó el que se retirara tan pronto, a mediados de los ochenta, de la presencia pública. Desde entonces vive retirada en su Málaga natal, con su pareja, sus perros y como ella misma dice, aprendiendo a quererse a si misma, cosa que nunca consiguió en su etapa artística.

Prueba evidente de la importancia de su recuerdo, es el protagonizar de nuevo la portada de la revista Interviú en su número de despedida, que se ha publicado esta semana. Han recuperado aquella foto mítica, inicialmente publicada en septiembre de 1976, que supuso uno de los símbolos de la naciente transición española. España empezaba a cambiar, pero también Marisol lo estaba haciendo.

Como decíamos, Marisol es un mito, aunque el recuerdo que ha quedado de ella para muchos, puede que se reduzca a las películas que rodó en los sesenta, cuando aquella niña rubia y pizpireta deleitaba a las familias con aquel cine tan meloso. Con ello estaremos obviando la parte más interesante de su carrera. Si hablamos de su faceta musical, la cosa se complica aún más, como mucho se acordarán de “Tómbola”, “Corazón Contento” o “Mami Panchita”, algún iniciado de “Háblame del Mar, Marinero”.

Fotografía: César Lucas

Marisol ha sido una de las mejores voces femeninas de la música popular española; esa voz grave, capaz de transmitir todos los matices posibles al cantar, de una ductilidad asombrosa, con ese “deje” malagueño que salía de vez en cuando a relucir.

Si hay un punto de inflexión musical en la carrera de Marisol, este fue cuando en 1976 Manuel Alejandro le compone el álbum “Hablame del Mar Marinero”. Una Marisol más comprometida e inquieta, inicia una maduración a nivel musical, como ya la había empezado en el cine años antes.

Pero esto no supone despreciar su etapa anterior. Pasados los años de estrella infantil, y llegando la  difícil transición a la edad adulta. Marisol comienza una segunda etapa, que en su parte musical da lugar a un pop de un cierto nivel, a veces demasiado comercial, pero que respaldada por autores como Juan Pardo, Fernando Arbex o Juan Carlos Calderón, completó un catálogo de canciones más que digno.

Fotografía: César Lucas

Pero a mediados de los setenta surge otra Marisol, surge ya Pepa Flores, aunque nominalmente no lo sea todavía. El final de su relación con la familia Goyanes, tanto personal como profesional, se une el conocer e iniciar una relación con el bailarín Antonio Gades. Fruto de todo ello fueron una serie de discos excepcionales que Marisol grabó desde 1976 a 1983, donde en un esfuerzo titánico por huir de su etapa de niña prodigio, y arropada por los mejores compositores de este país, el citado Manuel Alejandro, Luis Eduardo Aute o “Caco” Senante, dejo registradas una serie de canciones, hoy desgraciadamente casi olvidadas, sentidas y profundas, que tendrían que estar esculpidas en mármol en la historia de la música popular española.

Destacar especialmente su álbum de 1979, “Galería de Perpetuas”. Seguramente su mejor trabajo, y el más sentido. El subtítulo ya indica el carácter del disco, “Canciones para Mujeres”. Álbum desgarrador, sin concesiones. Denunciando las mil penurias y abusos que una sociedad machista y despiadada  ha cometido con las mujeres. Las letras del poeta Pedro Cobos, y la música de José Nieto, dan lugar a un disco austero, sin artificios. Donde solo importa la palabra, la denuncia, y en muy pequeñas dosis, la esperanza.

La carrera artística de Marisol, ya Pepa Flores, se cierra a mediados de lo ochenta, cuando rodó su última película, y en su faceta musical, se cerró con una desastrosa gira de dieciséis conciertos, que quedaron en diez, donde el público quería oír “Tómbola” y no “Marinero en Tierra”.

Feliz cumpleaños Pepa, me alegro que seas feliz, ya te iba tocando.

Colores (1968)

Corazón Contento (1968)

Tu Nombre me Sabe a Yerba (1969)

Felicidad (1969)

Aquel Verano (1970)

Ven, Ven (1973)

Mi Propia Ley (1973)

Dile que Vuelva (1976)

Háblame del Mar, Marinero (1976)

Balada Para la Soledad de mi Guitarra (1977)

Ser Gaviota (1978)

Si no te Quisiera Tanto (1978)

En la Bodega del Barco (1979)

La Trenza (1979)

Una Mujer Enamorada (1983)

Ay de Tí, Ay de Mí (1983)

 

 

Brigan (08/Febrero/2018)

Jueves,8 de febrero de  a las 21:00 H.

Teatro el Albéitar

“Rúa San Giacomo”, ideado y grabado entre Galicia y Nápoles, es el fruto de años de investigación, intercambios y largas estancias en tierra ibérica.

“Rúa” – “Via” en gallego y portugués –, toma para Brigan un significado más amplio, ligado al camino. Un recorrido que parte de la propia Via San Giacomo (Santiago) donde está situado el histórico estudio y lugar de nacimiento de la banda.

Una peregrinación musical en la que Brigan han sido protagonistas, logrando encuadrar en este último trabajo una parte del repertorio, historias y músicas que durante los siglos los peregrinos han encontrado en su camino hacia Santiago.

13 piezas, 4 de ellas inéditas, dan vida a “Rúa San Giacomo”, una pequeña antología a caballo entre Atlántico y Mediterráneo, en la que se encuentran y coexisten las sonoridades de la música del Sur Italia con los variados lenguajes y formas musicales del Noroeste ibérico (Galicia, Asturias y Norte de Portugal). Alalás, villanellas, muiñeiras, jotas, tarantellas y cantos de trabajo se funden en un único sonido y lenguaje, el de Brigan.

Enriquece este disco la presencia de numerosos colaboradores, entre los que se encuentran algunos de los máximos exponentes de la escena musical gallega: el violín de Harry.C, de Milladoiro; las voces y panderetas de Xurxo Fernandes y Pandeireteiras sen Fronteiros ; las voces de Immacolata Argiento y Maura Siullo ( FicuFresche ); la gaita gallega de Pablo Carpintero ; la voz de Davide Salvado; la flauta de Xulio Lorenzo y la zanfona de Efrén López Sanz.

Francesco Di Cristofaro – voz, acordeón, flautas, gaitas
Ivan del Vecchio – guitarra, bouzouki, mandolina
Carmine Scialla – guitarra battente, mandolina, bajo
Gabriele Tinto – tambores, percusiones del sur Italia y ibéricas, voz, bajo

Página de Brigan en YouTube

Sid Griffin (06/Febrero/2018)

Martes 6 de Febrero – 21 H.

Teatro el Albéitar

Sid Griffin es miembro de The Long Ryders, una piedra fundamental del Alt-country y un eslabón importante en la cadena de la Americana Music. Actualmente es el líder de The Coal Porters. Se presentará en solitario por primera vez en varios años después de lanzar su muy aclamado álbum, “The Trick Is To Breathe”, que fue el álbum  de Americana del mes de la revista Uncut y apareció en muchas listas Best Of al final del año.

Autor de cuatro libros, entre ellos el best-seller  “Million Dollar Bash: Bob Dylan, The Band y the Basement Tapes”, Sid también escribió las notas del último set  de las legendarias sesiones de 1967 de Dylan. Sid también es visto y escuchado regularmente en la BBC, en el programa Radcliffe & Maconie de BBC6 Music.

Centrándose en el álbum solista de Sid, “The Trick Is To Breathe”, el programa también tendrá temas de sus otros álbumes en solitario y de algunos cortes de The Long Ryders.

Página de Sid Griffin en YouTube