Rick Wakeman (The Six Wives of Henry VIII) 1973

Rick Wakeman, seguramente el mejor teclista de la historia junto con Keith Emerson, sorprendió al mundo con esta personalísima visión de la agitada vida sentimental del rey Enrique VIII.

Wakeman se había incorporado en agosto de 1971 a la banda de referencia dentro del rock progresivo, Yes. Con ellos grabó el álbum “Fragile” a finales de ese año. A principios de 1972, Yes recorría América para promocionar dicho trabajo. En una escala en Richmond, Virginia, Rick Wakeman estaba curioseando en una librería del aeropuerto. Compró cuatro libros, uno de ellos era “La vida privada de Enrique VIII” de Nancy Brysson Morrison.

En el vuelo subsiguiente de Richmond a Chicago, Rick comenzó a leer el libro sobre Enrique VIII. Cuando llegó a la parte dedicada a Ana Bolena, Rick recordó una grabación que había hecho en 1971. Desde entonces no había hecho nada con esa música. Después de grabarla, Rick había estado luchando por encontrar letras para acompañarla. Siendo la época del álbum conceptual, lo que estaba buscando, era un tema que pudiera narrar a través de la grabación. Ya lo había encontrado.

De repente, todo cobró sentido. Las notas que Rick recordó sobre Ana Bolena en el vuelo a Chicago fueron solo el comienzo. Durante las siguientes semanas y meses, ya fuera en su casa o estando de gira, Rick se centró en cada una de las seis esposas de Enrique VIII. Todo ello dio lugar a un álbum único: “The Six Wives of Henry VIII”.

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La grabación del álbum tuvo lugar entre febrero y octubre de 1972. La discográfica A&M Records le dio a Rick un adelanto de 4.000 libras para la grabación. Eso no daba para mucho. Afortunadamente, Rick era un multiinstrumentista, que además podía confiar en la ayuda de los miembros de Yes y en su anterior banda, The Strawbs.

En “The Six Wives of Henry VIII”, Rick tocó sintetizadores Minimoog y ARP, Mellotron, órgano Hammond, un órgano de iglesia, piano eléctrico, piano de cola y clavicémbalo. Acompañando a Rick, quien produjo el álbum, estaban algunos de los mejores músicos de los primeros años setenta.

Entre la banda de Rick estaban lo que solo se puede describir como la realeza del rock progresivo. Esto incluyó la sección rítmica de Yes, los bateristas Bill Bruford y Alan White, y el bajista Chris Squire, además del guitarrista Steve Howe. A ellos se unieron el bajista de The Strawbs Chris Cronk y Dave Cousins, quien tocó el banjo eléctrico. Estos fueron solo algunos de los músicos que tocaron en la grabación del disco.

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Aspecto habitual de Rick en aquella época. Adornado con una larga capa dorada

Una vez que se grabaron las seis pistas, el costo del álbum había aumentado a 25.000 libras. El adelanto de A&M Records estuvo muy lejos de cubrir el costo del álbum. Rick necesitaba que fuera  un gran éxito.

De todas formas, no había mucha gente en A&M Records entusiasmada con el proyecto. En privado, el personal de la discográfica se refirió a “The Six Wives of Henry VIII” como “unsellable” (invendible). Consideraron que era improbable que un álbum instrumental de rock progresivo se vendiera bien. Por esa razón, solo se editaron 12.500 copias del disco antes del lanzamiento. Qué equivocados estaban.

Tras el lanzamiento del álbum, el 23 de enero de 1973, este encabezó las listas de éxitos en cuatro países. Alcanzó el número siete en Gran Bretaña, y el número treinta en las listas del Billboard 200 en los Estados Unidos. Esto dio como resultado que obtuviera el certificado de disco de oro en Estados Unidos. Sin embargo, las cosas mejorarían aún más para Rick Wakeman.

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En julio de 1973, “The Six Wives of Henry VIII” recibió el certificado de platino y vendió dos millones de copias. Finalmente, ha vendido más de quince millones de copias. Cuando 1973 llegó a su fin, la revista Time lo nombró como el mejor álbum del año. Desde entonces, ha alcanzado el estatus de clásico. Lo que se describió como un álbum de rock progresivo “invendible” ahora se considera uno de los mejores ejemplos del género. No es de extrañar.

Rick Wakeman lleva el rock progresivo en una nueva dirección. Para hacer eso, combina varios géneros musicales e instrumentos. Los elementos del rock se combinan con música clásica, folk, jazz. A veces, cuando escuchas los sintetizadores, incluso hay una influencia del funk. Otra influencia musical clara es la música religiosa.

Es audaz, dramático, enérgico, etéreo, extravagante y espiritual. Estas son solo algunas de las palabras que describen a este trabajo imprescindible. Rick Wakeman, un verdadero pionero musical, rió el último, cuando lo que muchos consideraron el patito feo del Prog Rock, “The Six Wives of Henry VIII”, se convirtió en el más bello de los cisnes.

Catherine of Aragon

Anne of Cleves

Catherine Howard

Jane Seymour

Anne Boleyn

Catherine Parr

 

Claude Debussy (1862-1918): El Sonido de la Modernidad

Claude Debussy completed only one opera

Fotografía: Getty Images

Manuel de Falla consideró a Claude Debussy como el “creador de la música nueva”, en la carta de pésame que envió a su esposa tras la muerte del músico francés en 1918. La definición fue la más precisa que se le dedicó al compositor, que desarrolló una forma totalmente nueva de entender el lenguaje musical, a través de un sonido revolucionario, una huella que acabaría impregnando la historia de la música en los siglos XIX y XX.

Claude Debussy, (nació el 22 de agosto de 1862, en Saint-Germain-en-Laye, y falleció el 25 de marzo de 1918 en París). Por tanto, se cumplen 100 años del fallecimiento de este compositor francés, cuyas obras fueron una fuerza seminal en la música del siglo XX. Desarrolló un sistema muy original de armonía y estructura musical que expresaba en muchos aspectos los ideales a los que aspiraban los pintores y escritores impresionistas y simbolistas de su tiempo.

Debussy mostró muy pronto sus capacidades para la música. Fue alentado por Madame Mauté de Fleurville, quien pretendía haber sido discípula de Chopin. Madame Mauté lo preparó durante un año para afrontar los exámenes de acceso al conservatorio de París, que Debussy aprobó con brillantez y al que se incorporó el 22 de octubre de 1872, donde estudió piano y composición. Debussy fue experimental desde el principio, favoreciendo disonancias e intervalos que no se enseñaban en la Academia. Al igual que Georges Bizet, fue un brillante pianista, que podría haber tenido una carrera profesional si lo hubiese deseado.

Claude Debussy alrededor de 1885

La juventud de Debussy navegó en circunstancias de gran turbulencia. Mientras vivía con sus padres en un suburbio pobre de París, inesperadamente quedó bajo el patrocinio de una millonaria rusa, Nadezhda Filaretovna von Meck, quien lo contrató para tocar duetos con ella y sus hijos. Viajó con ella a sus residencias palaciegas en toda Europa durante las largas vacaciones de verano en el Conservatorio. En París, durante este tiempo, se enamoró de una cantante, Blanche Vasnier, la hermosa joven esposa de un funcionario parisino, embarcándose juntos en un romance que duró ocho años; ella inspiró muchas de sus primeras obras. Está claro que fue desgarrado por influencias de muchos tipos; estos años tormentosos, sin embargo, contribuyeron a la sensibilidad de su estilo inicial.

Este estilo temprano está bien ilustrado en una de las composiciones más conocidas de Debussy, “Clair de lune”En 1884 ganó brillantemente el Grand Prix de Roma con la cantata “L´Enfant prodigue” (El niño pródigo).

Como poseedor del Grand Prix, Debussy ganó una estancia de tres años en Villa Medici en Roma, donde, bajo unas supuestas condiciones ideales, debía continuar con su trabajo creativo. Sin embargo, la mayoría de los compositores a los que se les otorgó esta beca, encontraron fastidiosa la vida en este magnífico palacio renacentista y ansiaban regresar a un entorno más simple y familiar. Debussy finalmente huyó de Villa Medici después de dos años y regresó con Blanche Vasnier en París.

Otras mujeres también se relacionaron con él en sus años de juventud. En esa época, Debussy vivió una vida de extrema dispersión. Una vez, una de sus amantes, Gabrielle (“Gaby”) Dupont, amenazó con suicidarse. Su primera esposa, Rosalie (“Lily”) Texier, una modista, con quien se casó en 1899, se pegó un tiro, aunque no fatalmente, y, como es a veces el caso en los artistas de intensidad apasionada, el mismo Debussy estaba obsesionado por pensamientos de suicidio.

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Debussy con su Primera Esposa Lily

La principal influencia musical en el trabajo de Debussy fue el trabajo de Richard Wagner y los compositores rusos Aleksandr Borodin y Modest Mussorgsky. La idea de Wagner de “Gesamtkunstwerk” (“trabajo de arte total”) alentó a los artistas a refinar sus respuestas emocionales y a exteriorizar sus estados de ánimo y sueños ocultos. Con este espíritu, Debussy escribió el poema sinfónico “Prélude à l’après-midi d’un faune” (1894). En otras de sus primeras obras, Debussy muestra su afinidad con los pintores prerrafaelistas ingleses; la más notable de estas obras es “La Damoiselle élue” (1888), basada en “The Blessed Damozel‎” (1850), un poema del poeta y pintor inglés Dante Gabriel Rossetti.

En el transcurso de su carrera, Debussy estaba constantemente abriendo nuevos caminos. Las exploraciones, sostenía, eran la esencia de la música; ellas eran su pan y vino musical. Su única ópera completa, “Pelléas et Mélisande” (1902), demuestra cómo la técnica wagneriana podría adaptarse para retratar a sujetos como las figuras de una pesadilla, que estaban condenadas a la autodestrucción. En su trabajo, como en su vida personal, estaba ansioso por reunir experiencias de todas las regiones que la imaginación podía explorar.

En 1905 nació la hija de Debussy, Claude-Emma. Se había divorciado de Lily Texier en 1904, y posteriormente se había casado con la madre de su hija, Emma Bardac. Repelido por los chismes y escándalos que surgieron de esta situación, buscó refugio por un tiempo en Eastbourne, en la costa sur de Inglaterra. Para su hija, apodada Chouchou, escribió la suite para piano “Children’s Corner” (1908). La espontaneidad de Debussy y la naturaleza sensible de su percepción, facilitaron su aguda visión de la mente infantil.

Debussy et sa fille Claude-Emma (Chouchou), en 1909

Debussy y su Hija Claude-Emma (Chouchou) en 1909. Fotografía: Getty Images

En 1908, la familia se mudó al Bois de Boulogne. Pero la felicidad dura poco: entre la mala salud y las dificultades financieras, el compositor tiene un triste final. Debussy padece cáncer y Chouchou solo tiene 12 años cuando su padre desaparece en 1918. En una carta que le envía a su medio hermano Raoul, ella escribe: “Ahora es de noche para siempre. ¡Papá está muerto! (…) ¡ Y estar sola para luchar contra el dolor inevitable de mamá es realmente atroz!”. Un año después, la niña muere a su vez, arrastrada por la difteria.

En sus últimas obras, la piezas para piano “En blanc et noir”, (1915) y en los “Douze Etudes” (1915), Debussy se había diversificado en modos de composición que luego se desarrollarían en los estilos de Stravinsky y el compositor húngaro Béla Bartók. Es seguro que habría participado en los principales movimientos de los años posteriores a la Primera Guerra Mundial, si su vida no hubiera sido truncada tan trágicamente por el cáncer.

La música de Debussy marca el primero de una serie de ataques contra el lenguaje tradicional del siglo XIX. La construcción orquestal, con sus rígidos apartados de tipos de instrumentos, se ve socavada o dividida por Debussy. En última instancia, cada instrumento se convierte casi en solista, como en un vasto conjunto de música de cámara. Finalmente, Debussy aplicó un enfoque totalmente novedoso al piano.

“La música comienza donde el habla es incapaz de expresar, la música está hecha para lo inexpresable.” Claude Debussy

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Caricatura de Debussy (Jean Dulac) 1912

Clair de lune (1882)

L’Enfant Prodigue (1884)

Printemps (1887)

La Damoiselle Elue (1888)

Prélude à l’après-midi d’un faune (1894)

Pelléas et Mélisande (1902)

La Mer (1905)

Children’s Corner (1908)

En Blanc et Noir (1915)

Douze Etudes (1915)

Les soirs illumines par l”ardeur du charbon (1917)

 

 

 

Polaroids (23/Marzo/2018)

23-03-2018 – 21 horas

Teatro el Albéitar ULE

 

La banda leonesa presenta  por fin su trabajo grabado en los míticos estudios Abbey Road de Londres a finales del pasado mes de diciembre, lo que les ha convertido en el primer grupo de la comunidad autónoma en grabar en los estudios más importantes del planeta.

Grabado a caballo entre  Londres y España, “Los Territorios Soñados” es un auténtico tour de force para la banda, en el que se despliega de manera exquisita las amplias influencias musicales  del quinteto (desde el britpop de los 90 con ecos a The Verve, Oasis o Travis hasta  el folk más íntimo y acústico de los primeros discos de Bon Iver o  Mumford and Sons).

Distribuido conceptualmente en dos caras -Cara A: Londres, Cara B: León-  el álbum contiene 11 temas producidos por Juan Marigorta (Quique González, Fabián) y Pepe López (Pájaro Sunrise), y cuenta además con la colaboración de los ingenieros de sonido Chris Bolster (Paul McCartney, Oasis, Foo Fighters, Coldplay) y Stefano Civetta (PJ Harvey, Ed Sheeran, Bruno Mars).

El concierto de presentación tendrá lugar en el Teatro Albéitar de León, y durante el mismo se proyectarán imágenes de la grabación en Londres y el videoclip de adelanto del single “Los territorios soñados”, dirigido por Juan Marigorta.

Los Territorios Soñados (2018)

http://polaroidsmusic.com/

Gazal (22/Marzo/2018)

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22-03-2018 – 21 horas

Teatro el Albéitar ULE

 

Gazal Musica Poesía Española

Gazal Musica Poesía es un dúo musical que crea canciones con poesías de todas las épocas y autores. El canto y la guitarra de Diana Trigueros (Madrid) y las flautas irlandesas de Ignacio Martínez (León), además de los tambores y panderos, acercan el sentido y la sensibilidad de la poesía a todos los públicos.

Presentan el disco Mil Caballitos Persas, con poesías de Federico García Lorca.

www.gazalmusicapoesia.com

Pioneras del Rock Femenino (II): Birtha (1968-1975)

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Birtha: Rosemary Butler (Bajo), Shele Pinizzotto (Guitarra), Olivia “Liver” Favela 
(Batería) y Sherry Hagler (Teclados)

Continuamos la serie de entradas dedicadas a las pioneras del rock femenino, y lo hacemos con la otra gran banda, junto con las ya comentadas Fanny, que empezó a romper barreras en el acceso de la mujer al testosterórico mundo del rock.

Provenientes de Los Ángeles, Rosemary Butler (bajo) y Shele Pinnizotto (guitarra) se conocieron en la escuela donde formaron su primera banda The Rapunzels. Posteriormente, Rosemary se unió a los Ladybirds, que telonearon a The Rolling Stones en 1965, mientras que Shele consiguió un trabajo en un estudio de grabación. En 1967 volvieron a unirse junto con Sherry Hagler (teclados) y más tarde se unieron a la extraordinaria batería “Liver” Favela. Birtha tocaron durante cuatro años en la costa oeste antes de firmar su primer contrato discográfico. Durante sus actuaciones probaron su propio material, mientras versionaban temás de la  Motown y temas rock.

En noviembre de 1971, el rock blues de la banda Fanny despega con su single de éxito “Charity Ball”. La discográfica ABC Dunhill vio su oportunidad, y rápidamente firmó un contrato con ellas. Birtha nunca obtuvo el mismo éxito comercial que Fanny, aunque ambas se comercializaron con la misma etiqueta de Hard Rock.

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Birtha (1972)

En 1972 graban su primer trabajo, que fue producido por el productor de Steppenwolf, Gabriel Mekler, cuyas buenas credenciales definitivamente funcionaron en beneficio de la banda. Este álbum es una patada de sonido gigantesca, y puede que sea el disco más poderoso y versátil jamás creado por una banda de chicas. Tienen el mismo tipo de ritmo que los Grand Funk Railroad. Funk pesado y guitarras cargadas de blues con voces cristalinas, grandes armonías y todo ese sonido americano de la época. Siempre son impulsadas ​​por el bajo de Rosemary, que tiene ese profundo zumbido que realmente perimetra toda la energía que sale de las canciones. Estas chicas son rockeras muy serias. Pero en mi opinión, la “culpable” principal del sonido Birtha es “Liver” Favela. Con una fuerza indomable ella es, con mucho, la baterista femenina más salvaje que haya existido.

En 1973, graban en los Crystal Studios de Hollywood, su segundo álbum, “Can’t Stop the Madnes”, que fue producido por Christopher Huston. Cada miembro canta en una o más pistas de este álbum. Es inferior a su anterior trabajo, pero más variado. Pasamos de brillantes y melódicos pedazos del mejor pop, a una crudeza no muy diferente a la de los Stones de aquellos años.  Se sentían más cómodas en el estudio, y no les importaba lo que la gente pensara, esta vez el énfasis no estaba tan singularmente centrado en superar la competencia masculina. Eso le dio a la banda espacio y la voluntad de intentar un ataque más diversificado con varias canciones que reflejaban una sensación mucho más abierta y comercial.

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Can’t Stop the Madness (1973)

La banda no paró de actuar, y estuvo de gira más de 250 días, incluyendo conciertos en Europa (fueron teloneras de los Kinks en el Reino Unido). Actuaron con bandas como Fleetwood Mac, Alice Cooper, Poco, Cheech & Chong, BB King, Three Dog Night, James Gang, etc… La banda se separó en 1975.

Pero Birtha no obtuvo el éxito comercial que merecían como músicos. ¿Adelantadas a su tiempo?, seguramente. De todas formas, el mayoritario público masculino no estaba preparado para asumir el mensaje de sus letras, reclamando su libertad, y hablando explícitamente de su sexualidad.

Los álbumes de Birtha siguen sonando geniales y se escuchan de un tirón, a pesar del hecho de que han pasado más de 40 años desde sus primeros lanzamientos. Sus canciones, muy sinceras y sentidas, todavía se consideran uno de los mejores ejemplos del rock de los años 70, a pesar del hecho de que el éxito comercial no las acompañara.

Actuación en la TV Británica (24/4/73)

 

Corey Harris (15/Marzo/2018)

15-03-2018 – 21 horas

 Teatro el Albéitar ULE

 

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

 

Harris nació en Denver, Colorado, el 21 de febrero de 1969, y comenzó a tocar la guitarra a los 12 años, después de escuchar los discos de Lightnin ‘Hopkins de su madre. Tocó en una banda del rock & roll en la escuela secundaria, y desarrolló sus habilidades de cantante en su iglesia. Hizo estudios universitarios en el Bates College en Maine (donde se especializó en antropología). Después Harris viajó a Camerún para estudiar la lingüística africana; durante su estancia allí, absorbió toda la música africana posible, dejándose seducir por sus complejos polirritmos. Después de regresar a los Estados Unidos, Harris enseñó inglés y francés en Napoleonville, Louisiana, y durante su tiempo libre tocó en los clubes, cafés y esquinas de la cercana Nueva Orleans.

Alcanzó una cierta reputación local que le ganó un contrato con Alligator Records. En 1995, Alligator lanzó el álbum de debut de Harris, “Between Midnight and Day”, solo con su guitarra que ilustró su dominio de diversas variaciones en el estilo Delta blues. El álbum incluía versiones de Sleepy John Estes, Fred McDowell, Charlie Patton, Muddy Waters, y Bukka White. El disco tuvo buenas críticas señalando a Harris como nueva promesa en la escena del blues. Ello le permitió actuar de telonero de la ex-cantante de 10.000 Maniacs, Natalie Merchant.

Su siguiente álbum fue ‘Fish Is not Bitin’, publicado en 1997, un disco en que ampliaba el acompañamiento añadiendo una sección de viento de estilo Nueva Orleans en varias pistas, mientras que enfatizaba sus propias composiciones originales.

En 1999, Harris lanzó el álbum Greens from the Garden que la mayoría de los críticos consideraron su mejor disco hasta entonces. El disco fue un gran éxito y profundizó en el funk y el R & B de Nueva Orleans. El resultado fue un caleidoscopio de estilos musicales negros que le dieron a Harris una atención más generalizada por un público más amplio que lo comenzó a ver como el heredero de Taj Mahal. Con uno de los colaboradores en el disco anterior, el veterano pianista Henry Butler, grabó a dúo un álbum, publicado en 2000, titulado ‘Vu-Du Menz’, en que se acercaba al jazz y el blues primitivo.

A continuación Harris dejó Alligator por el sello Rounder, y debutó para su nuevo sello en 2002 con ‘Downhome Sofisticate’, un álbum ecléctico que exploró sus influencias africanas y añadió música latina a su paleta de sonidos. Otros dos álbumes siguieron en Rounder, el maravilloso ‘Mississippi to Mali’ en 2003 y ‘Daily Bread’ en 2005, que lo consagraron como uno de los mejores bluesman acústicos contemporáneos.

En 2003, Harris fue un artista destacado y narrador de la película de Martin Scorcese, ‘Feel Like Going Home’, de la aclamada serie de televisión de la PBS, “The Blues”, que trazó la evolución del blues desde el oeste de África al sur de los EE.UU. En 2007, fue galardonado con una MacArthur Fellowship – “Genius award” – de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur. La beca anual, que reconoce a individuos de una amplia gama de disciplinas que muestran creatividad, originalidad y compromiso con el trabajo innovador continuo, describió a Harris como un artista que “forja un camino aventurero marcado por un eclecticismo deliberado”.

Siguiendo con su exploración musical, Harris volvió a Jamaica y a las raíces reggae para su siguiente álbum, ‘Zion Crossroads’, que fue lanzado en 2007 en Telarc Records. Un segundo álbum en Telarc, ‘Blu Black’, apareció en 2009 con Harris continuando en la órbita de la música jamaicana. En 2013 publicó ‘Fulton Blues’ en que Harris vuelve a la interpretación de sus formas híbridas de blues en un conjunto interesante de temas.

Corey Harris vive actualmente en Virginia, realizando giras musicales frecuentemente y ensalzando la tradición clásica africana de la música blues; así mismo, ha organizado varios programas en varias emisoras de radio del área de Virginia central.
Corey ayudó a Billy Bragg y Wilco a componer la música de la canción “Hoodoo Voodoo” para el disco “Mermaid Avenue”, el cual consistía en canciones cuyas letras habían sido escritas por Woody Guthrie; también colaboró como músico en dicho disco y en el posterior, “Mermaid Avenue Vol. II”. Corey recibió, en 2007, un doctoradohonorífico de la universidad Bates College.

Corey Harris ha conseguido ser uno de los pocos bluesmen contemporáneos capaces de encauzar del blues acústico del Delta sin buscar solo la autenticidad historicista.​ Junto con Keb ‘Mo’, Eric Bibb, Otis Taylor, Guy Davis y Alvin “Youngblood” Hart, marcó el renacimiento del blues acústico a mediados de los años noventa. Como instrumentista es un virtuoso de la guitarra acústica de blues, que había sido relegada durante años por la guitarra eléctrica predominante en el Blues de Chicago. Su estilo mezcla una variedad considerable de influencias – de New Orleans al Caribe y a África – en su música.

Corey Harris ha actuado, grabado, y ha viajado con nombres como BB King, Taj Mahal, Buddy Guy, R.L.Burnside, Ali Farka Toure, Dave Matthews Band, Tracy Chapman, Olu Dara y muchos otros. Con un pie en la tradición y el otro en la experimentación contemporánea, Harris es una voz verdaderamente única en la música contemporánea.
Sus grabaciones exploran la fusión del blues acústico con la música de tradición yoruba, rhythm & blues, reggae, música cajún, o el bolero. Estas grabaciones tienen precedentes en las sesiones de grabación de el maliense Ali Farka Touré y el estadounidense Ry Cooder. Y también en las de Taj Mahal con el korista guineano Toumani Diabate.

http://www.coreyharrisband.com/

Pink Floyd (The Dark Side of the Moon) 1973

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Si observamos el ránking de los vinilos más vendidos de 2017 en el Reino Unido, el séptimo puesto corresponde a un álbum editado hace exactamente 45 años. “The Dark Side of the Moon” de Pink Floyd.

“The Dark Side of the Moon” era una expresión de empatía política, filosófica y humanitaria que estaba desesperada por salir”, afirma Roger Waters, bajista y principal compositor de Pink Floyd. Venerado como uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. “Dark Side” aborda crudamente temas de la vida cotidiana como la angustia, la soledad, la locura, la avaricia, la religión. Fue publicado por primera vez hace exactamente 45 años.

A pesar de haber mantenido el Nº 1 solo una semana, el álbum continúa manteniendo el récord de la mayor cantidad de semanas registradas en el Billboard 200 (cerca de 800 semanas) y fue una constante en esta lista de ventas desde su lanzamiento inicial, en 1973, hasta 1988. Se estima que vendió más de 45 millones de copias en todo el mundo, mientras que su legado artístico es posiblemente aún mayor.

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Pink Floyd: Nick Mason (Batería), David Gilmour (Guitarra), Roger Waters (Bajo) y Richard Wright (Teclados)

Grabado en los Abbey Road Studios de Londres entre mayo de 1972 y enero de 1973, y habiendo sido desarrollado y ensayado durante una serie de presentaciones en vivo en los meses precedentes, “The Dark Side of the Moon” es la última expresión del arte sónico de Pink Floyd: un álbum conceptual que disecciona con precisión de cirujano, todas las inquietudes y miserias de su tiempo. Pero a pesar de esto, aún conserva la capacidad de deslumbrar y asombrar en la actualidad.

El compositor, bajista y arquitecto principal del proyecto fue Roger Waters, quien merece gran parte del mérito del éxito del disco. No obstante, el resto de sus compañeros de la banda se implicaron totalmente en este trabajo, e hicieron aportaciones valiosísimas. “Hubo una simbiosis de los talentos musicales de los cuatro que funcionó muy bien”, dijo Waters a Billboard en 2006. El trabajo innovador del ingeniero de sonido Alan Parsons, se puede escuchar en la miríada de bucles de cinta y efectos revolucionarios que se ejecutan a lo largo de los surcos hipnóticos de este álbum.

Un disco histórico en todos los aspectos, incluyendo su icónica portada del prisma (creación del genial Storm Thorgerson). “The Dark Side of the Moon” transformó a Pink Floyd de ambiciosos músicos experimentales, a caballo entre la psicodelia y el Space Rock, a superestrellas internacionales.

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Los miembros de Pink Floyd han padecido durante mucho tiempo la dualidad de sentimientos que tienen hacia el éxito de “The Dark Side of the Moon”. Los convirtió en un grupo de primera categoría, pero los fracturó como una unidad cohesionada. El cuarteto tendría mucho más éxito a lo largo de la década de los setenta y mantendría su condición de cabeza de cartel incluso después de que Waters partiera en los años ochenta. Pero nunca más llegarían a ese momento en el tiempo cuando todo se alió para crear una verdadera obra maestra del rock.

Bienvenidos a este viaje exploratorio y de distorsión mental a través de los alcances más profundos de este álbum absolutamente imprescindible.

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Enlace al Álbum Completo

Eric Blakely (09/Marzo/2018)

Eric Blakely ofrecerá el viernes una actuación en el Teatro El Albeitar

09-03-2018 – 21 horas

Teatro el Albéitar ULE

 

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Eric Blakely ha editado varios trabajos en USA a lo largo de su extensa carrera : “Still life at full speed”, “Payne antologhy”, “Levity”, “Groving into my fathers clothes” o “Uncle Johnes farm” entre otros . En ellos deja ver sus influencias de lo mejor de la música americana : pinceladas de country , blues o simplemente buenas canciones con toques pop y rock.

Excelente guitarrista , cantante y muy acertado compositor ha desarrollado su vida y su carrera entre Berkely ( California ), Austin ( Texas ) y actualmente reside en Paris.

En el 2009 participo en la gira Kings of Power POp junto a Paul Collins ( The Nerves , The Beat ) y John Wicks ( The Records ).

En el 2016 editó con su banda The Bottle Kids el LP “Such a Thrill” y ahora esta a punto de salir , también con esta formación , su nuevo trabajo bajo el titulo “Let me into this action”. Con esta formación deja ver más sus influencias más power pop / new wave , se pueden ver ecos de Big Star, Rapsberries o los mismisimos The Knack.

http://www.ericblakely.com/

Kebyart Ensemble (Cuarteto de Saxofones) – 08/Marzo/2018

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08-03-2018 – 20:15 H.

Teatro el Albéitar ULE

 

“Un cuarteto no solo sincronizado hasta el extremo y en plenísima forma interpretativa, sino también unos músicos capaces de traspasar la perfección técnica para llegar a la comunicación musical” – Revista Musical Catalana. Palau de la Música, 3 de noviembre de 2016.

Creado en ESMuC el año 2014 por estos cuatro jóvenes, fueron inicialmente guiados por Nacho Gascón. También han seguido consejos de músicosreconocidos como Kennedy Moretti, el Cuarteto Casals, Vincent David, Jordi Francés, David Albet, Albert Julià y el EnsembleSquillante.

Inspirados por la riqueza tímbrica, rítmica y estilística de la música tradicional de Indonesia deciden unir las palabras kebyar+art, siendo el Gamelan Gong Kebyar uno de los conjuntos instrumentales de la isla de Bali. Como otras músicas orientales, han influido enormemente en la estética de obras de autores de lossiglos XX yXXI.

Son los actuales ganadores del ciclo “El Primer Palau” que ofrece a los jóvenes intérpretes la oportunidad de debutar en la Sala de Conciertos del Palau de la Música Catalana. En 2016 también han sido premiados con el prestigioso Premi de Música Cambra Montserrat Alavedra – Premio BBVA de música. El año 2015 obtuvieron el segundo premio de la 84ª edición del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y anteriormente han recibido el primer premio en el X Concurso Internacional de Música de Cámara HiginiAnglès.

Durante el periodo 2016 – 2018 realizan una gira de conciertos por España gracias a Juventudes Musicales de España y ya han pasado por Andalucía. Este año también han realizado una gira por Rusia, próximamente actuarán en múltiples salas de Cataluña y grabarán su primer trabajo discográfico. Están programados en la próxima temporada del Palau de la Música Catalana y del Auditori de Barcelona, y seguirán dando conciertos en el extranjero.

Kebyart Ensemble:

Pere Méndez- Saxo soprano
Víctor Serra- Saxo alto
Robert Seara- Saxo tenor
Daniel Miguel- Saxo barítono

https://www.kebyart.com/

 

Ennio Morricone: El Sonido del Western Europeo

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“Un ser humano no puede descifrar más de dos niveles diferentes de sonido al mismo tiempo. No estoy hablando solo de música. Físicamente, el cerebro no puede recibir más de dos sonidos a la vez. Si un director mezcla en el diálogo de la columna de sonido general, los efectos de sonido, así como la música, el oído humano no puede distinguir la música. Lo que uno escucha es un ruido muy confuso.” – Ennio Morricone

Cuando me viene a la mente la expresión “compositor de banda sonora”, es difícil no pensar en Ennio Morricone en un primer momento. El “Maestro” ha construido una obra musical que se extiende por más de 500 películas.

El compositor nacido en Roma se hizo famoso por sus trabajos en el Western Europeo, nunca me ha gustado el término Spaghetti Western, sobre todo por su asociación con Sergio Leone, que reinventó el género cinematográfico por excelencia. Creando un sonido arenoso, consistente y austero, en lugar de las orquestaciones exageradas de la mayoría de las bandas sonoras tradicionales del cine del oeste, Morricone creó su propio estilo añadiendo látigos, disparos, silbidos y guitarras eléctricas para crear un elemento narrativo en la música.

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Ennio Morricone y Sergio Leone

La dirección de Leone puso a la música de Morricone en el punto de mira, como protagonista fundamental de la narrativa de sus películas, sirviendo como elemento para enfatizar emociones y sentimientos. Largas escenas con la música y planos de los personajes, transformaron algunos fragmentos de las películas en una especie de Vídeo Clip, combinando sonido e imagen, agregaron significado a las imágenes.

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El Bueno, el Feo y el Malo (Sergio Leone) 1966

El ejemplo por excelencia del Western Europeo. Esta película de 1966 fue la parte final de la “Trilogía del Dólar” de Sergio Leone. Con sus sonidos imitando la llamada del coyote, cantos indescifrables y potentes guitarras eléctricas, la partitura de la película se considera en gran parte como la obra maestra de Ennio Morricone.

Tema Principal

El Éxtasis del Oro

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Hasta que Llegó su Hora (Sergio Leone) 1968

Carta de amor de Sergio Leone al oeste americano, con grandiosas localizaciones y un elenco de estrellas, esta fue la película más ambiciosa de Leone hasta la fecha. Para igualar las imágenes, Ennio Morricone intervendría para lograr una partitura que entrelazara la majestuosidad tradicional del oeste americano, con la violencia y la crudeza del Western Europeo. Morricone utilizaría la inquietante voz de Edda Dell’Orso, el agudo y punzante sonido de la armónica y todo la fuerza de las piezas corales que se enseñorean de la banda sonora.

Tema Principal

El Hombre de la Armónica

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El Halcón y la Presa (Sergio Sollima) 1966

La primera incursión de Sergio Sollima en el Western. Presenta la figura de un antihéroe peculiar, un ladrón andrajoso llamado Cuchillo, interpretado por Tomas Milian, que utilizaba cuchillos en lugar de armas. Morricone tomaría las riendas de la partitura musical de la película y fusionaría el sonido tradicional del género con elementos clásicos, combinando sonidos de pájaros con tambores y guitarras españolas. También en la banda sonora hay una pieza vocal interpretada por la maravillosa Christy.

Tema Principal

Christy (Run Man Run)

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La Muerte Tenía un Precio (Sergio Leone)  1965

La segunda aparición de Leone con su “Trilogía del Dólar”, que mantuvo a Clint Eastwood y Gian Maria Volonte, e introdujo al actor Lee Van Cleef en el género. Es una de las favoritas de los fans, y le permitió a Morricone experimentar más con la música.  Introduce  diferentes instrumentos musicales, incluyendo un arpa de boca, que se escucha en el tema principal de la película, una guitarra acústica y un carillón. Los dos últimos se abrieron paso en el clímax final de la película, acompañados de un solo de órgano  y una hermosa pieza de trompeta.

Tema Principal

Rindiendo Cuentas (Duelo Final)

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El Gran Silencio (Sergio Corbucci) 1968

Recordado por sus desolados paisajes nevados y su final desafiante. “El Gran Silencio” de Sergio Corbucci es una película única en el género, y su partitura también lo es. Las partes corales y las guitarras eléctricas, se conjugan con un sonido más íntimo, alejado de la grandilocuencia de otras composiciones de Morricone. Los coros evocadores, el sonido tenue de las campanas y los instrumentos de viento, son el fondo perfecto para visualizar las ubicaciones heladas del film.

Tema Principal

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Por un Puñado de dólares (Sergio Leone) 1964

La película que atrajo la atención del público al género, e introdujo el personaje del “Hombre sin Nombre”, y dejó las marcas registradas de la música del Western Europeo. El famoso silbido de Alessandro Alessandroni y la trompeta de Michele Lacerenza resaltan los temas de la película, mientras que el I Cantori Moderni los acentúa para crear uno de los primeros western de Morricone.

Tema Principal

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El Mercenario (Sergio Corbucci) 1968

La trama está situada en el México revolucionario. La música en “El Mercenario” se mueve lenta y amenazante con el silbido de Alessandroni a través de pesados arreglos de cuerda, construyendo un crescendo heroico. El tema fue nuevamente utilizado en la película de Quentin Tarantino de 2003, “Kill Bill”.

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¡Agáchate Maldito! (Sergio Leone) 1971

Primeros pasos de Sergio Leone en su despedida del Western, ¡Agáchate Maldito! se centró en la interacción de dos personajes durante el México revolucionario. Ennio Morricone hizo lo mismo, y en lugar de confiar en los sonidos tradicionales del género, creó un tema romántico de inspiración clásica para el personaje de James Coburn que cantaba la voz altísima de Edda Dell’Orso, mientras que el personaje de Rod Steiger recibió un tema mucho más vulgar.  Una partitura muy inusual, pero maravillosa.

Tema Principal