Sugar Daddy and The Cereal Killers (17/Octubre/2019)

17-10-2019

 21:00 H
 TEATRO EL ALBÉITAR

 

Entradas (8 €): a partir de una hora antes del concierto en la  taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carnet  universitario y DNI.

Sugar Daddy and The Cereal Killers son una locomotora de Rhythm & Blues que en sus conciertos no olvida el Swing ni el Boogie Woogie. Ver a estos siete italianos en directo es transportarse a la Norteamérica de los años 40: elegancia sobre el escenario y gotas de sudor en la pista de baile.

La banda Sugar Daddy and The Cereal Killers nace en 2009 en la ciudad norteña de Milán. Es ese año cuando Simone Caputo, conocido comúnmente como Sugar Daddy, empieza a desarrollar junto al baterista Francis Needham y al bajista Roberto Boldi una propuesta personal partiendo del Blues que ya practicaban en proyectos anteriores. Clave en su sonido será la sección de viento integrada por Luigi Napolitano, Roberto Dibitonto y Cosimo Pignataro a los que finalmente se uniría el virtuoso pianista John Bramley.

Intercalando composiciones propias, incluidas en su lp “Thirteen Days”, con versiones de grandes clásicos como Muddy Waters, Little Richard, Ray Charles o Louis Prima estos trabajadores músicos han compartido escenarios por toda Europa con bandas como Ray Collins Hot Club, Polecats o The Limboos.

Video: “Easy Tiger” http://bit.ly/1Jt0YrI

Video: ”Voodoo Lady” http://bit.ly/2rdUz2c

Video: “King Kong” http://bit.ly/2rUycR8

Web: www.cerealkillers.it

Joy Division (Unknown Pleasures) 40º Aniversario

Unknown Pleasures (CD, Album, Reissue) album cover

La icónica cubierta de Peter Saville para “Unknown Pleasures”, basada en la frecuencia de radio en zig-zag de una estrella moribunda.

La recta final de la década de los setenta fue una época extraña, pero muy enriquecedora para la música. Muchos de los artistas y de las bandas que triunfaron y revolucionaron la industria musical en los años sesenta y principios de los setenta, comenzaron a desaparecer o a quedar relegados poco a poco en el olvido.

Sin embargo, así como se fueron apagando estas estrellas, empezaron a surgir un sinfín de géneros musicales que renovaron para siempre la escena musical. Uno de estos nuevos movimientos fue el punk, encabezado por bandas como The Clash, Ramones y, por supuesto, los Sex Pistols. Y aunque el punk tuvo una vida bastante breve, su energía, su pasión y su rebeldía contagió a toda una generación de jóvenes británicos, que después tomaron y perfeccionaron estas influencias para crear un sonido más complejo y experimental: El post-punk.

En este caldo de cultivo, el guitarrista Bernard Sumner y el bajista Peter Hook decidieron formar su propia banda llamada Warsaw, a la que poco después se sumó el batería Stephen Morris y un joven y melancólico vocalista, llamado Ian Curtis. Tan solo un año después, el cuarteto cambiaría su nombre a Joy Division y a principios de 1978 la banda firmó un contrato con RCA Records.

Joy Division en 1979: (desde la izquierda) Stephen Morris, Ian Curtis, Peter Hook y Bernard Sumner. Fotografía © Paul Slattery / Retna

Joy Division en 1979: (de izquierda a derecha) Stephen Morris, Ian Curtis, Peter Hook y Bernard Sumner. Fotografía: Paul Slattery / Retna

La música de Joy Division es muy difícil de describir. Puede sonar extraña, aburrida y deprimente al principio, pero te acaba seduciendo. Es como una niebla helada y desoladora, que acaba siendo adictiva.

En 1979, la mayoría de las bandas de punk hicieron música muy agresiva para poner de manifiesto su ira. Joy Division hizo una variedad más lenta y emocional, donde el bajo y la batería eran más importantes que la guitarra: era el comienzo del post-punk.

A principios de 1979, el desconocido productor Martin Hannett se unió a la ecuación para producir el disco debut de Joy Division. El proceso de grabación fue bastante sencillo y se realizó durante tres fines de semana en el mes de abril. A pesar de ello, el lanzamiento de “Unknown Pleasures” se retrasó bastante tiempo debido al complejo y sofisticado proceso de producción y postproducción que realizó el inexperto, pero ambicioso, Hannett.

Bernard Sumner, Ian Curtis y Peter Hook de Joy Division actuando en vivo en Bowdon Vale Youth Club. Fotografía: Martin O'Neill / Redferns

Joy Division actuando en vivo en el Bowdon Vale Youth Club. Fotografía: Martin O’Neill / Redferns.

El impacto en las listas del álbum fue mínimo (nº 71 en las listas del Reino Unido, y no hubo publicación en el extranjero), no tanto porque la discográfica tuviera recelo del sonido, como por la falta total de promoción: la banda ni siquiera lanzó algún single para promocionar el disco.

Pero la historia del rock está repleta de finales absurdos, estúpidos y trágicos para comienzos prometedores (accidentes aéreos, sobredosis, disparos). En algún momento de la mañana del 18 de mayo de 1980, Ian Curtis, a la edad de 23 años, se ahorcó en la cocina de su casa.

Es fácil decir, mirando hacia atrás, que la gente más cercana a él deberían haberlo visto venir. Su matrimonio se estaba desmoronando, su epilepsia empeoraba y, en su mejor momento como banda, las letras de su segundo álbum, “Closer”, mostraban suficientes pistas del diabólico cóctel que se estaba agitando en su interior. De la paranoia y la depresión que se estaba creando.

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Joy Division en Manchester. Enero 1979. Fotografía: Kevin Cummins / Getty Images

Sin embargo, “Closer”, sería mucho más afortunado, pero su popularidad fue indudablemente impulsada por el destino de Ian. Siendo cínicos, nada como un buen suicidio para vender tus canciones.

Con los años, la fascinación macabra con el suicidio de Curtis ha disminuido un poco, aunque probablemente nunca desaparecerá por completo. A medida que se fue desvaneciendo, “Unknown Pleasures” ocupó su lugar entre los grandes álbumes de la historia del rock. Un disco atemporal, fuera de los patrones del tiempo y el espacio y que introduce al oyente en una realidad única, ajena a todo lo exterior.

Algún crítico lo definió como: “el álbum más deprimente de la historia”. En todo caso, lo correcto sería decir: el “más deprimido”. No obstante, a lo largo de la historia de las artes, hay multitud de ejemplos de infinidad de obras maestras, surgidas de las brumas que atenazaban las mentes de muchos creadores.

Enlace a la lista de reproducción del álbum

La televisión online para la formación del profesorado sigue adelante con las aportaciones del alumnado de Educación Musical de la ULE

El nuevo curso supone sumergirnos en nuevos proyectos y otros que continúan para ampliar objetivos y ofrecer nuevas experiencias. El alumnado de Cuarto Curso de la Mención de Educación Musical sigue a todo ritmo desde la Facultad de Educación de la Universidad de León (ULE). Y estamos de enhorabuena porque este semestre participamos de nuevo en el Proyecto de Innovación Docente, internacional y multidisciplinar, “La televisión on-line en la formación del profesorado: un recurso educativo multilingüe y multidisciplinar”, que coordina la profesora Marta García-Sampedro, desde la Universidad de Oviedo.

Según os contamos en entradas anteriores del blog, el proyecto pretende integrar el uso de la televisión a través de dispositivos móviles en la formación del profesorado para crear un canal televisivo multilingüe y multidisciplinar, con el objetivo de fomentar el aprendizaje a través del uso de las tecnologías móviles en educación. Para ello, seguimos profundizando en el uso de las TIC de manera reflexiva y creativa para la elaboración de recursos con fines, en nuestro caso, didáctico-musicales. En este caso, los videos del alumnado se integran en la elaboración de unidades didácticas de Educación Musical para Educación Primaria, dentro de las prácticas de la asignatura de Didáctica de la Expresión Musical, la cual imparte la profesora Diana Díaz.

La idea es desarrollar herramientas pedagógicas y comunicativas para mejorar los procesos de enseñanza-aprendizaje en educación musical. De este modo, seguiremos ampliando los recursos audiovisuales de nuestro canal en YouTube: DidacTic MUSICART ULE. Este canal se une a otros canales “hermanos” del proyecto, que podéis consultar en la siguiente web principal del proyecto: https://didactictac2018.wixsite.com/didactictac-tv

Enlace a nuestro canal en YouTube, con vídeos didácticos, musicogramas…

¡Seguimos con ritmo!

Rupak Kulkarni Trío (04/Octubre/2019)

04-10-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Entradas (3 €): a partir de media hora antes del concierto en taquilla
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carnet  universitario y DNI.

De Shrimati Annapurna Devi, hija del Gurú de Ravi Shankar Allaudin Khan, vino el legendario maestro de la flauta Hariprasad Chaurasia, y de este maestro vino su principal discípulo Rupak Kulkarni, quien ha imprimido a esta gran tradición un nuevo sabor con una pasión y creatividad únicas. Donde otros han realizado ragas, Rupak ha recreado ragas. Mientras que otros han tocado composiciones a través de la flauta, Rupak ha escrito composiciones a través de la flauta. Donde otros nos han recordado la sensualidad del instrumento de Krishna, Rupak nos ha demostrado la sensualidad del instrumento de Krishna. Rupak es simplemente un viejo maestro de la música disfrazado de artista joven.

Como un niño prodigio con la música soplada en su aliento por su padre Malhar Rao Kulkarni, Rupak ha florecido bajo la mejor tutela de la mano de la leyenda de la flauta HARIPRASAD CHAURASIA para convertirse en un destacado exponente de MAIHAR GHARANA. Como primer GANDA BANDH Shagird de Chaurasia desde los 9 años, Rupak, con entrenamiento arduo y trabajo duro, ha dominado los estilos Dhrupad, Khayal y Tantrakari igualmente bien. Su recital es siempre una delicia rara que combina Dhrupad y Khayal Gayaki, el melodioso Aalap y el centelleante Tatkar (técnica del lenguaje utilizada para Jhala), una improvisación innovadora con el fascinante Layakari, un magnífico control de la respiración y un hábil trabajo con los dedos.

Artista de alto nivel de todas las radios de la India, la primera actuación en solitario de Rupak fue a la edad de 11 años en Darbar Hall, Baroda, donde cautivó a unos 1500 amantes de la música. Desde entonces ha actuado en casi todas las salas de música de prestigio en toda la India y en el extranjero.

Actuaciones en los principales festivales de música:

Darbar Festival (Reino Unido), Asian Super Flautist Festival (Japón), Tansen Samaroh (India), Peshkar World Music Festival (India), Vishnu Digamber Paluskar Samaroh (India), Harvallabh Music Festival (India), Times of India 150 years celebration concerts, Ustad Amir Khan Samaroh (India), Sawai Gandharv Festival (India), Uttarpara Sangeet Chakra (India), Saptak Music Festival (India), Gunidas Sammelan (India), Hirabai Barodekar Smruti Samaroh (India), Sawai Gandharv Music Festival (India), Shruti Mandal (India) y muchos otros festivales de música destacados en la India y en el extranjero. Rupak tiene su propia marca distintiva y también seguidores y fans. Sus conciertos de flauta se transmiten regularmente en All India Radio, World Space Radio y varios canales de televisión como Doordarshan, STAR TV, Zee TV y CNN-IBN, In Sync.

Premios / Logros:

– Premio “Sangeet Prakarsh” otorgado por Bhavan’s Mumbai por su contribución en la música.

– TOP Grade (All India Radio).

– Invitado por el prestigioso Trinity College of Music de Londres para dar una conferencia demostrativa.

– Concierto en el Asian Super Flautist Festival en Japón.

Su primer álbum musical fue a los 18 años, titulado TENDERLY, acompañado por el maestro de tabla Anindo Chatterji. Desde entonces, Rupak ha publicado sus álbumes a través de las principales compañías de música como Times Music, HMV, Navras, Plus Music, Rhythm House, Ninaad, Big B de ABCL, Sense World (Londres), World Wide Records, etc.

Ha trabajado con muchos directores de música de Hollywood y Bollywood para componer música de fondo en las películas.

El Club de Música de la ULE inaugura el curso con una actividad dedicada al Blues, con música en directo.

La Facultad de Educación acoge una nueva actividad del Club de Música de la Universidad de León (ULE), organizada por la Biblioteca Universitaria, a través del blog PartitULE, y el Área de Didáctica de la Expresión Musical. El miércoles 2 de octubre, se celebrará una charla-coloquio bajo el título: “Cruce de caminos: orígenes e influencia del blues”. Esta charla, que incluirá música en directo, será impartida por dos prestigiosos músicos de la escena musical leonesa. El pianista John Bramley, y el guitarrista Mario J. Delgado.

John Bramley (Italia) es licenciado por la Accademia Internazionale della Musica, Civici Corsi di Jazz en Milán. Pianista virtuoso, forma parte de la escena nacional jazz en Italia, en diversos combos y bandas como “Paolo Tomellerini Swing Band”, “Sugardaddy and the Cereal Killers” algunas de las cuales le han llevado de gira por toda Europa. Actualmente reside y trabaja en León formando parte del “John Bramley Trio”, “Dr Bogarde” y “Downtown Alley” desarrollando en todas ellas un gran estilo de corte jazz, swing, bebop, blues o experimental entre otros estilos.

Mario J. Delgado (Madrid) integrante de diferentes grupos en la escena nacional y leonesa, donde está afincado desde hace años. Mario J. Delgado combina elementos de corte tradicional basados en potentes sonidos de guitarra eléctrica, que beben del blues de los setenta y el alt country independiente de finales de los noventa, teniendo entre sus referentes grupos como: Whiskeytown, Songs: Ohia y la innegable sonoridad en sus guitarras de Hendrix, Ray Vaughan o Peter Green entre otros. Actualmente su principal proyecto es la banda “Forman’s Driveaway”, editando en 2017 el primer álbum de la misma.

Juntos han creado un nuevo proyecto de piano, voz y guitarra eléctrica, denominado “Downtown Alley”, que rinde un indudable tributo al Jazz de principios del siglo XX y el blues que deriva de las sucesivas ramificaciones de este género, combinando en sus directos temas propios con covers de Muddy Waters, Pinktop Perkins o Peter Green por citar algunos.

Esta nueva sesión del Club de Música tendrá lugar el próximo miércoles 2 de octubre, a las 12 horas, en el Aula de Música de la Facultad de Educación. Entrada libre hasta completar aforo.

Chico Pérez Quinteto (26/Septiembre/2019)

26-09-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Muestra del nuevo Jazz – AIE. Jazz-flamenco

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

Chico Pérez (Jaén, 1994) es pianista, intérprete y compositor. Nace en el seno de una familia de músicos, lo que hace despertar en él un gran interés y amor por la música, que le llevará a subirse al escenario a la temprana edad de 6 años.

En el año 2016 obtiene la Titulación Superior de Música en la especialidad de Piano en el CSM de Jaén.

Aparte de los estudios realizados en el Conservatorio, ha recibido clases del maestro David Peña Dorantes, Antonio López, Sergio Albacete, Guillermo González, Alberto de Paz, Israel Sandoval, Pepe Rivero, Joaquín Chacón, German Kucich, Jesús Lavilla, entre otros.

Reconocido como uno de los artistas emergentes y con más proyección del panorama flamenco nacional, en sólo un año ha sido galardonado, entre otros, con el Premio a Mejor Artista por el Instituto RTVE (2018) , Premio Talento Joven (2018) 1º Premio Composer (2018) y elegido recientemente para la gira AIEnRuta Flamencos 2019. Su reconocimiento ha traspasado nuestras fronteras siendo invitado por la prestigiosa Universidad de Oxford, dentro del festival “The World’s Music at Oxford”, que tendrá lugar el próximo mes de mayo.

Dentro de la gira de conciertos en los que se encuentra inmerso por diferentes teatros y festivales de la geografía española ha compartido cartel con artistas de la talla de Diego Amador, Israel Fernandez, Alfredo Tejada, La Macanita, David Dorantes, Farruquito, Antonio Liana, etc.

Pianista del musical El Rey León (desde 2017) colabora con artistas como Tontxu, Sara Ráez, Inma Vilchez, Coraluna, Rafa Alvarez, Alma Mesa, Marem Ladson… tocando en festivales como Starlite de Marbella, Vida Festival, Dcode, Radio 3.

Como compositor obtiene el premio a la mejor Banda Sonora Original por el corto “Al Alba” en el Concurso Nacional de Cortos de Bailén (2017). Ha compuesto la BSO para piano del cortometraje “Corazón de Porcelana” para la Facultad de Comunicación de la EUSA de Sevilla (2016). Además, realiza la composición y grabación de un disco de música reflexiva para la Provincia Mediterránea de los H.H. Maristas.

https://www.chicoperez.es/

Festival Internacional de Órgano Catedral de León 2019

PROGRAMA GENERAL “In memoriam Adolfo Gutiérrez Viejo y Jean Guillou”

CONCIERTO I
LUNES, 16 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Schola Antiqua (España)
Juan Carlos Asensio, director
Músicas de Requiem

CONCIERTO II
MARTES, 17 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Francisco Amaya, Javier Artigas, Miguel Bernal y Adalberto Martínez Solaesa, órgano (España)
Obras de Adolfo Gutiérrez Viejo, D. Buxtehude, J. S. Bach, J. Guridi, T. Dubois,
A. Guilmant y O. Messiaen

CONCIERTO III
VIERNES, 20 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Jean-Baptiste Monnot y Mathias Lecomte, órgano y órgano transportable (Francia)
Obras de J. Guillou, G. F. Haendel y W. A. Mozart

CONCIERTO IV
DOMINGO, 22 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Jean-Baptiste Monnot, órgano (Francia)
Obras de F. Liszt, J. S. Bach, J. Guillou y P. I. Tchaïkovsky

CONCIERTO V
JUEVES, 26 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Sarah Kim, órgano (Australia)
Obras de W. A. Mozart, F. Liszt, J. Guillou, J. S. Bach y M. Moussorgski

CONCIERTO VI
DOMINGO, 29 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Zsigmond Szathmáry, órgano (Hungría)
Obras de J. S. Bach, C. Franck, Z. Szathmáry y F. Liszt

CONCIERTO VII
JUEVES, 3 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Olivier Latry, órgano (Francia)
Obras de A. Boëly, J. S. Bach, N. Grigny, W. A. Mozart, C. M. Widor, J. Guillou, O. Messiaen y O. Latry

CONCIERTO VIII
SÁBADO, 5 DE OCTUBRE
Iglesia de Santa Marina la Real, 21 h.
Miguel Angel Viñuela, órgano (España)
Obras de A. de Cabezón, M. Rodrigues Coelho, F. Correa de Arauxo, P. Bruna,
G. Frescobaldi, J. Cabanilles, J. Ximénez, F. Andreu, D. Zipoli, Á. Barja y A. Gutiérrez Viejo

CONCIERTO IX
DOMINGO, 6 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Raúl Prieto, órgano (EE.UU.)
Obras de F. Liszt

CONCIERTO X
JUEVES, 10 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Oscar Candendo, órgano (España)
Obras de J. Langlais, C. Franck, J. Rheinberger, J. Guridi, A. Gutiérrez Viejo y
J. L. Turina

CONCIERTO XI
SÁBADO, 12 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Hampus Lindwall, órgano (Suecia)
Obras de J. Demessieux, J. Guillou, J. S. Bach, R. Falcinelli, J. Cage y H. Lindwall

CONCIERTO XII
JUEVES, 17 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Winfred Boenig, órgano (Alemania)
Obras de W. Byrd, S. Barber, C. Debussy, W. A. Mozart, J. S. Bach, C. M. Widor, J. Guillou
y S. Karg-Elert

CONCIERTO XIII
DOMINGO, 20 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Ensemble de Cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (España)
Raúl Prieto, órgano
Obras de M. Duruflé, L. van Beethoven y D. Shostakovich

CONCIERTO XIV
JUEVES, 24 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Giampaolo Di Rosa, órgano (Italia)
Obras de Alberto Carretero*, Iluminada Pérez Frutos*, Israel López Elteche*, J. S. Bach,
O. Messiaen y G. Di Rosa
*Estreno absoluto. Encargo del XXXVI FIOCLE

CONCIERTO XV
VIERNES, 25 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Giampaolo Di Rosa, órgano (Italia)
Obras de C. Debussy, O. Messiaen y J. Guillou

32º Festival de Música Española. León 2019

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Viernes, 13 de septiembre | 20:00 h – Auditorio Ciudad de León
ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN
Solista: DMYTRO CHONI, piano | JOSÉ LUIS TEMES, director invitado
Música de Mª Teresa Prieto, Pedro Blanco, S. Lanchares y María de Pablos.
Precio: 12€ (50% descuento a estudiantes, sólo en taquilla)

Sábado, 14 de septiembre | 20:00 h – Teatro El Albéitar
LUZ 5: “Caín y Abel”, sobre “Obertura dramática” de Evaristo Fernández Blanco.
LUZ 6: “El mismo cielo”, sobre “Cantos de Ziryab” de Santiago Lanchares.
Con la presentación de su director José Luis Temes.
Entrada libre y gratuita hasta completar el aforo.

Lunes, 16 de septiembre | 20:00 h – Auditorio Ciudad de León
ORQUESTA DE CÁMARA IBÉRICA
Solistas: GUILLERMO RODRÍGUEZ, saxofón, ALDO MATA, cello,
DAVID MATA ,violín.
Música de María de Pablos, S. Bacarisse, J. Turina, E. Villani-Côrtes y estrenos de G. Loidi y F. Chaviano.
Precio: 12€ (50% descuento a estudiantes sólo en taquilla)

Miércoles, 18 de septiembre | 20:00 h. – Auditorio “Ángel Barja”
Duo Concêntrico:
JOSEFINA ALCAIDE, violín y GONÇALO SIMOES, piano
Música de L. Freitas Branco, P. Blanco, I. Albéniz y Blanca Selva.
Precio: 5€

Viernes, 20 de septiembre | 20:00 h – Auditorio “Ángel Barja”
SONOR ENSEMBLE
Solistas: Gudrún Olafsdóttir, mezzosoprano | Sebastián Mariné, piano
Música de L. Boccherini, R. Alís, Jesús Á. León, J. Rodrigo, Consuelo Díez y estreno de Ileana Pérez.
Precio: 5€

Lunes, 23 de septiembre | 20:00 h – Auditorio “Ángel Barja”
ENOL ENSEMBLE:
Adolfo Rascón, violín | Cristina Gestido, viola |
Teresa Valente, violonchelo | Mario Bernardo, piano
Música de E. Granados, Louise Heritte-Viardot, S. Brotons y J. Turina.
Precio: 5€

Miércoles, 25 de septiembre | 20:00 h – Auditorio “Ángel Barja”
Presentación del libro AÑORANZAS Y SAUDADES. Descubriendo al músico Pedro Blanco de José A. Martínez-Pereda.
Recital de piano: JULIA FRANCO
Música de Pedro Blanco.
Entrada libre y gratuita hasta completar el aforo.

Viernes, 27 de septiembre | 20:00 h – Auditorio “Ángel Barja”
MANUEL GÓMEZ RUIZ, tenor | IGNACIO CLEMENTE, piano
Música de Pedro Blanco y en torno a Rosa García Ascot.
Precio: 5€

Retro Playlist del Verano. Los Números 1 (1959-1979)

50º aniversario de la llegada a la luna. 10 canciones “lunáticas” para celebrarlo

Musica lunar

Imagen: Anya Wilkening

El 21 de julio de 1969 a las 2:56 (hora internacional UTC) al sur del Mar de la Tranquilidad, fue cuando Neil Armstrong se convirtió en el primer ser humano que pisó la superficie del satélite terrestre. Se cumplen por tanto, 50 años de aquella gesta, la más importante de la historia de la humanidad.

Pero la luna ha sido vital para la humanidad desde las primeras referencias del mundo conocido, sin tener que esperar al hecho histórico de la misión Apolo XI. La luna siempre ha estado presente en todas las civilizaciones que han poblado el planeta, en muchos casos con un carácter profundamente religioso.

Pero también en las artes ha tenido un protagonismo enorme, siendo fuente de inspiración, y motivo principal de sus obras para cantidad de artistas de las más variadas creaciones artísticas.

La música lógicamente no ha sido una excepción, y desde el principio del desarrollo del arte musical ha tenido una presencia perenne a lo largo de la historia. En esta entrada nos proponemos recordar 10 piezas musicales con la luna como protagonista. Del clásico a la música popular moderna. Todos pendientes de ese satélite que marca nuestras vidas más de lo que nos imaginamos.

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Ludwig van Beethoven (Sonata para Piano nº 14, “Claro de Luna”) 1801

La Sonata para piano nº 14 en do sostenido menor, de Ludwig van Beethoven, popularmente conocida como “Claro de Luna”, es una de las obras más famosas del autor, junto con el primer movimiento de la Quinta Sinfonía y su bagatela para piano “Para Elisa”. Fue compuesta en 1801 y estuvo dedicada a su alumna, la condesa Giulietta Guicciardi, de 17 años, y de quien se decía que estaba enamorado. El apodo Claro de luna se haría popular después de la muerte de Beethoven, surgiendo a raíz de una comparación que el poeta y crítico musical alemán Ludwig Rellstab realizó entre el primer movimiento de la pieza y el claro de luna del Lago de Lucerna.

Fotografía de la cabeza y los hombros de un hombre de mediana edad, blanco, moreno y barbudo.

Claude Debussy (Suite Bergamasque, Tercer Movimiento “Clair de Lune”) 1890

La “Suite bergamasque” de Claude Debussy es una suite para piano en varios movimientos. Aunque fue escrita en 1890, la obra no se publicó hasta 1905, y eso pese a que su autor intentó que no viese la luz, pues creía que esta obra de juventud estaba muy por debajo del nivel de sus composiciones más modernas. La Suite toma su nombre de las máscaras de la Commedia dell’Arte de Bérgamo (Comedia del arte de Bérgamo) y está inspirada en las Fêtes galantes (Fiestas galantes) de Verlaine. Está dividida en cuatro piezas: un Preludio, un Minueto, el Claro de luna (la pieza más popular de Debussy) y un dinámico y contrastante Pasapiés.

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Andy Williams (Moon River) 1962

“Moon River” es una canción compuesta por Henry Mancini con letras de Johnny Mercer. Fue interpretada originalmente por Audrey Hepburn en la película Desayuno con Diamantesde 1961, ganando un Oscar a la Mejor Canción Original. La canción también ganó en los premios Grammy de 1962 por  mejor Grabación del Año y mejor Canción del Año. La canción ha sido versionada por muchos otros artistas. Se convirtió en la canción principal de Andy Williams , quien la grabó por primera vez en 1962 (y la interpretó en la ceremonia de los premios de la Academia ese año). La versión de Williams nunca fue lanzada como single, pero apareció como una pista del LP que grabó para Columbia, un exitoso álbum de 1962, “Moon River y Other Great Movie Themes”,

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Frank Sinatra (Fly Me To The Moon) 1964

“Fly Me to the Moon, originalmente titulada “In Other Words”, es una canción escrita en 1954 por Bart Howard. Kaye Ballard hizo la primera grabación de la canción el año en que fue escrita. La versión de 1964 de Frank Sinatra esta estrechamente relacionada con las misiones Apolo a la Luna. Bart Howard estimó que para cuando Sinatra grabó la canción en 1964, se habían grabado más de 100 versiones. Frank Sinatra incluyó la canción en su álbum, “It Might as Well Be Swing”, acompañado por Count Basie. La música de este álbum fue arreglada por Quincy Jones, quien había trabajado con Count Basie un año antes en el álbum “This Time by Basie”, que también incluía una versión de esta canción.

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Creedence Clearwater Revival (Bad Moon Rising) 1969

“Bad Moon Rising” es una canción escrita por John Fogerty e interpretada por la Creedence Clearwater Revival. Fue el primer sencillo de su álbum “Green River” y se lanzó en abril de 1969, cuatro meses antes del álbum. La canción alcanzó el número 2 en el Hot 100 el 28 de junio de 1969 y el número 1 en el UK Singles Chart durante tres semanas en septiembre de 1969. Fue el segundo single en alcanzar el disco de oro de la CCR.

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Fleetwood Mac (Sisters Of The Moon) 1979

“Sisters of the Moon” es una canción de  Fleetwood Mac, que fue escrita e interpretada por la vocalista principal de la banda Stevie Nicks, y fue lanzada en Estados Unidos como el cuarto single del álbum “Tusk” de 1979.

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The Police (Walking on the Moon) 1979

“Walking on the Moon” es una canción de The Police, lanzada como el segundo sencillo de su segundo álbum de estudio, “Reggatta de Blanc” (1979). La canción fue escrita por Sting. Se convirtió en el segundo nº 1 de la banda en el Reino Unido. Sting ha relatado que escribió la canción cuando estaba borracho una noche después de un concierto en Munich. A la mañana siguiente, recordó la canción y la remató. Es una de las canciones más influidas por el reggae de The Police.

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Víctor Manuel (Luna) 1980

Tras su éxito de 1978 con el álbum “Soy un Corazón Tendido al Sol” y el single “Solo Pienso en ti”, que abrieron una segunda etapa en la carrera del cantautor asturiano. En 1980, Víctor Manuel continua en esa linea con este álbum “Luna” y en sencillo del mismo título.

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Echo and the Bunnymen (The Killing Moon) 1984

Melancólica, atmosférica, nocturna, apasionada… Así hasta el infinito para definir una de las mejores canciones de los ochenta. Publicada en 1984 dentro del álbum “Ocean Rain”, esta icónica pieza de los Echo and the Bunnymen, no ha hecho más que aumentar su mito con el paso de los años. Pero no debe ocultar los maravillosos trabajos de esta banda señera del postpunk ochentero, que sin duda hubiera merecido más reconocimiento del que consiguieron.

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R.E.M. (Man on the Moon) 1992

La canción es un homenaje al comediante y actor Andy Kaufman, con numerosas referencias a su carrera, incluida su recordada imitación de Elvis. La canción dio su nombre a “Man on the Moon” (1999), la película de Miloš Forman basada en la vida de Kaufman, y se destacó en la banda sonora de la película. 2º single del extraordinario “Automatic for the People” de 1992. Es una de las canciones más recordadas de R.E.M:, seguramente su obra maestra. Una canción casi perfecta.