Estamos ante una de las más grandes canciones de la historia. «Days Of Pearly Spencer» es profundamente subyugante, de una delicadeza infinita. En estos días celebramos el 50º aniversario de su publicación. David McWilliams, autor e intérprete de la canción, era un completo desconocido cuando este norirlandés editó con 22 años esta maravilla de pop orquestal. Su secreto fue como trenzó el pop y el folk, a Dylan y a Donovan, con los increibles arreglos orquestales de Mike Leander, cercano a los Beatles.

Dentro de aquel año bendecido por Dios como fue 1967, esta canción se colocó en la conciencia colectiva como la banda sonora del Swinging London junto a «Nights in White Satin» de los Moody Blues y «A Whiter Shade of Pale» de Procol Harum.

Para grabar su primer single, «God and My Country», McWilliams registró algunas demos en un estudio de grabación de Belfast. En ese momento, El empresario Mervyn Solomon escuchó las cintas de McWilliams y se puso en contacto con su hermano Phil, quien quedó igualmente impresionado por el material. Como McWilliams ya había firmado con CBS, Solomon se ofreció a quedarse con McWilliams. La oferta fue aceptada, y Solomon llevó a McWilliams con él a Londres para grabar la canción.

La canción tenía, según Stuart Bailie de Radio Ulster, un «estilo parpadeante y casi documental» donde llevó a los oyentes a las partes más deterioradas de la ciudad norirlandesa de Ballymena, donde la gente caminaba entre los escombros, derrotados, pareciendo mucho más viejos de lo que eran en realidad. McWilliams dijo que había escrito la canción sobre un hombre sin hogar encontrado en Ballymena. Narraba la vida de un individuo desgarrado por la pobreza y el alcohol. Sin embargo, algunos de los allegados a McWilliams afirmaron que estaba escribiendo sobre dos damas de su ciudad natal.

La grabación fue producida por Mike Leander quien compuso un impresionante arreglo orquestal para la canción. Leander previamente había proporcionado arreglos para discos como «She’s Leaving Home » de The Beatles y el éxito de Marianne Faithfull «As Tears Go By». McWilliams había encontrado al productor perfecto para su delicada y sincera composición, así como también para sus guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas y la asociación floreció. 

Para hacer el disco más interesante, la línea de coro tenía una voz distorsionada, como si David estuviera cantando a través de un megáfono, dándole a la canción un extraño «estribillo» telefoneado.

El disco fue lanzado originalmente el 6 de octubre de 1967 como cara B de «Harlem Lady», pero «Days of Pearly Spencer» recibió una emisión considerable en Radio Caroline, emisora sin licencia de emisión, para algunos directamente una radio pirata, de la cual Salomón era un ejecutivo, y en anuncios en la prensa musical del Reino Unido.

Se publicaron anuncios a doble página en todos los principales periódicos musicales y en la página principal del New Musical Express apareció, definiéndola como  «el single que te hará volar la mente» y el álbum que lo acompaña, «el álbum que hará cambiar el curso de la música». Los anuncios se repartieron por todas partes, y en 2012 Stuart Bailie de Radio Ulster comentó que «no había forma de escapar de David McWilliams». Los anuncios de la canción aparecieron incluso en autobuses de dos pisos , pero McWilliams «caminaba por Londres sin dinero en el bolsillo para subir a uno de esos autobuses», y una publicación puso el costo total de la promoción en cerca de £ 20,000 ( equivalente a £ 330,000 en 2015).

La BBC se negó a emitir el disco, debido a la participación de Solomon en  Radio Caroline, y por lo tanto, el registro no pudo alcanzar en el Reino Unido o la República de Irlanda toda la difusión que hubiera podido tener. En Europa continental, la canción encabezó la lista de singles francesa, fue nº 2 en Bélgica y nº 8 en Holanda. Sin embargo, la canción se volvió a publicar en tres ocasiones distintas y sigue siendo un elemento básico de las estaciones de radio que programan viejos éxitos.

Después de “Pearly Spencer”, David McWilliams publicó algunos discos más con nula repercusión.

McWilliams murió de un ataque al corazón en su casa de Ballycastle en 2002. Tenía 56 años y dejó ocho huérfanos.

Vídeo Original de la Canción

Actuación en la TV Francesa

Actuación en Directo Interpretando la Canción

Otras Versiones

Las versiones de esta canción han sido innumerables. La más exitosa sin duda fue la de Marc Almond a principios de los noventa. Aquí recogemos versiones en varios idiomas, muchas veces cambiando la letra, incluyendo versiones orquestales, y alguna de aficionados como la del irlandés MrWhaps, realmente notable. Hay dos versiones en castellano, la temprana de Los Javaloyas, y la más conocida de Ana Belén «Vuelo Alto de Gaviota» de 1979.

Los javaloyas (Los Días de Pearly Spencer) 1967

Caravelli (Days of Pearly Spencer) 1968

Caterina Caselli (Il Volto Della Vita) 1968

Raymond Lefevre (Days of Pearly Spencer) 1968

The Avengers (Days of Pearly Spencer) 1968

The Grass Roots (The Days of Pearly Spencer) 1969

Ana Belén (Vuelo Alto de Gaviota) 1979

Vietnam Veterans (The Days of Pearly Spencer) 1988

Marc Almond (The Days of Pearly Spencer) 1991

MrWhaps & Winbone (The Days of Pearly Spencer) 2011

Junto con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, Thelonious Monk fue un elemento imprescindible de la revolución del jazz que tuvo lugar en la década de los cuarenta. El estilo de tocar el piano único de Monk y su talento como compositor lo convirtieron en un líder en el desarrollo del jazz moderno. El pasado 10 de octubre hubiera cumplido 100 años.

Cuando Thelonious Monk comenzó a tocar su música a principios de la década de los cuarenta, sólo un pequeño círculo de músicos de jazz de Nueva York podía apreciar su singularidad. Sus melodías eran angulosas, sus armonías estaban llenas de grupos discordantes, y usaba las notas y la ausencia de ellas de maneras inesperadas. Para la mayoría la música de Monk era: «un desconcertante desconcierto, deliberadamente excéntrico», como escribió la publicación «Jazz Journal». El debate sobre su talento y habilidad continuó a medida que pasaron los años, pero finalmente Monk vió reconocida toda la calidad e innovación que su música atesoraba. En el momento de su muerte en 1982, fue ampliamente reconocido como el padre fundador del jazz moderno.

Los aspectos de sus composiciones que alguna vez fueron ridiculizadas ahora se analizan en los colegios y universidades de todo el país. Los pianistas aficionados y profesionales continúan citándolo como una gran influencia en sus estilos. Muchas de sus obras, que tienen más de 60 años, son clásicos del jazz. «Round Midnight» se considera «una de las piezas musicales más bellas y cortas escritas en la América del siglo XX», como la definió el productor discográfico Orrin Keepnews en «Keyboard Magazine».

Aunque su carrera fue acosada por obstáculos personales y sociales, Monk siempre creyó en su música. Nunca habló con su público. Raramente concedió entrevistas, prefiriendo dejar que su música hablara por sí misma. Aparte de su esposa y sus dos hijos, su música fue su vida. «Tan absorto estaba en el jazz», comentó Keyboard, «que caminaba por las calles de Nueva York durante horas o se detenía en una esquina cerca de su apartamento en West 63rd Street, contemplando su paisaje privado y ejecutando nuevas canciones y sonidos a través de su mente. Como él mismo lo explicó sucintamente, «simplemente camino y cavo».

Debido a que la música de Monk estaba fuera del alcance de la mayoría de los oyentes, los medios tendían a buscar detalles periféricos sobre los que escribir. Tenían mucho material; como escribía el New York Post , Monk era «uno de los grandes excéntricos del jazz». Durante los conciertos y las sesiones de grabación, se levantaba de su asiento de vez en cuando y empezaba un baile, enfatizando el ritmo que quería que los miembros de su banda siguieran. Con sus sombreros extraños, gafas de sol con marco de bambú y su barba, se convirtió en un tema recurrente para las caricaturas de los suplementos dominicales. Pero la mayoría de los estadounidenses escucharon por primera vez hablar de Monk a principios de los años cincuenta, cuando él y un par de amigos fueron arrestados por supuesta posesión de drogas. Para Monk, fue otro caso de acoso legal que crearía graves obstáculos en su trabajo.

Thelonious Monk nació en 1917 y comenzó a tocar el piano a los cinco años, aprendiendo a leer música viendo a su hermana mientras ella practicaba. A los 11 o 12 años, comenzó a recibir clases; y él acompañó al coro en la iglesia local. Thelonious, un oyente entusiasta, se preocupó por escuchar a todos los músicos que pudo, incluido el famoso pianista James P. Johnson. Era obvio que la música era su destino en la vida.

En 1941, comenzó a trabajar en el ahora legendario Minton’s Playhouse en Harlem, y jugó un papel esencial en el establecimiento del estilo musical que se conoció como bebop. Junto con Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Kenny Clarke y otros, Monk ayudó a dar forma a ese nuevo y emocionante género.

Monk no tenía miedo de arriesgarse. Sus obras son notables por sus elementos disonantes, ritmos inusuales, armonías atípicas. El caso es que Monk fue más allá de bebop, porque estaba interesado en la estructura y no simplemente en el virtuosismo. Desarrolló un estilo de tocar distintivo, bastante percusivo, haciendo pausas durante los solos, aplanando los dedos, a veces usando los codos y dejando notas en los acordes. Como dijo una vez Monk: «El piano no tiene notas equivocadas».

Cabe señalar que Monk no tuvo mucho éxito crítico o de ventas durante la década de los cuarenta o cincuenta. Sus compañeros reconocieron su prodigioso talento, pero el público permaneció apático. Su esposa Nellie fue su pilar, tanto financieramente, ella trabajó como costurera, y fundamentalmente, su apoyo emocional.

En 1957, Monk publicó «Brilliant Corners», uno de los álbumes de jazz más importantes de la década de los cincuenta. El tema principal, con Sonny Rollins (saxo tenor), Ernie Henry (saxo alto), Max Roach (batería) y Oscar Pettiford (bajo), es particularmente complejo. Su estructura poco ortodoxa, los cambios de tiempo inesperados y los ritmos sorprendentes hicieron que fuera un desafío grabarlo, necesitando algo así como 26 tomas, pero el resultado es impresionante. Es atrevido, aventurero e innovador. Una obra fundamental para entender la evolución del jazz moderno.

Brilliant Corners (1957)

Hablando de discos, Monk grabó con una verdadera lista de renombrados músicos, incluyendo a Coleman Hawkins, John Coltrane, Sonny Rollins, Max Roach, Philly Joe Jones, Art Blakey, Roy Haynes, Clark Terry, Charlie Rouse o Miles Davis, con quien compartió una tormentosa sesión de grabación el día de Nochebuena de 1954, de la que todavía se habla hoy.

La palabra que se usa con mayor frecuencia para definir a Monk es «excéntrica». Parece probable que sufrió un trastorno bipolar y se le recetaron medicamentos incorrectos, algo que pudo haber contribuido a su peculiar comportamiento. Es justo decir, que durante la década de los cincuenta lo que se sabía sobre las enfermedades mentales era algo bastante limitado.

Sin embargo, la personalidad pública no necesariamente coincidía con el hombre real, que estaba felizmente casado, era padre de dos hijos y un hombre socialmente comprometido que apoyó varias causas en su comunidad.

Thelonious Monk infundió al jazz y a la música moderna en general, más libertad armónica y libertad de composición, convirtiéndolo en uno de los grandes innovadores musicales. Los últimos años de su vida se vieron afectados por su mala salud, y murió de un accidente cerebrovascular en 1982, de 64 años.

En 1986, se fundó el Thelonious Monk Institute of Jazz en Washington D.C. Una escuela que ofrece educación musical gratuita, una de sus actividades más significativas es el Concurso Internacional de Jazz anual, que promueve los mejores talentos de todo el mundo. El Instituto pretende convertir el jazz en una forma de arte global, que reúne a personas de todos los orígenes.

El singular legado musical de Monk continúa así. Creo que estaría bastante orgulloso de él.

Miles Davis and the Modern Jazz Giants (1959). Grabado en 1954/1956

Misterioso (1958)

Thelonious Monk with John Coltrane (1961)

Monk’s Dream (1962)

Big Band and Quartet in Concert (1963)

Thelonious Monk Quartet (Live in Norway & Denmark) 1966