Nirvana (Nervermind) 25º Aniversario

Al cumplirse el veinticinco aniversario de la edición de esta obra fundamental de Nirvana, nos damos cuenta que alteró muchas normas. “Nevermind” fue un signo de que los tiempos estaban cambiando: una ola de alternativismo se cernió sobre el mundo de la música y valores como “independencia” cobraron un nuevo sentido al extenderse como una fiebre entre los seguidores de la música y entre los que la intentaban vender desde las discográficas.

El segundo de los tres discos de Nirvana supuso su gran salto a la fama mundial, convirtiéndoles en el principal referente de un movimiento musical que se venía gestando desde finales de los ochenta en el estado de Washington, con Seattle como epicentro. Lo curioso del asunto es que para dar dicho salto, la banda decidió romper lazos con Sub Pop, sello a través del cual lanzaron su explosivo debut y que era el referente del momento en lo que grupos grunge se refería.

David Grohl,  Kurt Cobain y  Krist Novoselic

Nirvana era una banda de Aberdeen, Washington, formada por Kurt Cobain y Krist Novoselic, que había firmado con el sello independiente de Seattle Sub Pop. La banda lanzó su álbum debut “Bleach” en 1989, con el batería Chad Channing. Sin embargo, Channing dejó Nirvana en 1990 y la banda comenzó a buscar un nuevo miembro que se hiciese cargo del puesto de manera permanente. Tras ver un concierto de la banda de hardcore punk Scream, el batería del grupo, Dave Grohl, impresionó a Cobain y Novoselic. Cuando Scream se separó inesperadamente, Grohl contactó con Novoselic, viajó a Seattle y fue invitado a entrar en Nirvana. Novoselic dijo en retrospectiva que cuando Grohl entró en la banda todo “quedó en su sitio”.

Tras su debut, “Bleach”, Nirvana ficha por una multinacional, Geffen. Con un presupuesto exiguo para lo acostumbrado en su discográfica, 60.000 dólares, entran a grabar su segundo disco en los estudios Sound City, en el Valle de San Francisco, con Butch Vig como productor. Nadie podía intuir siquiera el gran éxito que tendrá aquel disco y cómo cambiará la historia del rock al popularizar el grunge y conseguir que durante unos años discográficas y una buena parte del público presten atención a la música que sale del espectro más underground.

“Nevermind” se lanzó el 24 de septiembre de 1991. Las tiendas estadounidenses de discos recibieron un total de 46.251 copias iniciales, mientras que 35 000 unidades fueron enviadas al Reino Unido, donde “Bleach” había tenido un importante éxito. El sencillo principal “Smells Like Teen Spirit” fue lanzado el 10 de septiembre con la intención de construir una sólida base entre los seguidores del rock alternativo, mientras que “Come As You Are” sería la canción que lograría ganar mayor atención en el público. La banda se embarcó en una pequeña gira por el país cuatro días antes del lanzamiento para promocionar el álbum. Geffen Records esperaba que “Nevermind” vendiese cerca de 250.000 copias, que fue la misma cifra que el sello consiguió con el debut de Sonic Youth en Geffen, “Goo”.

“Nevermind” se convirtió en Nº 1 el 11 de enero de 1992, reemplazando a Michael Jackson de lo más alto de la tabla. En aquel momento, “Nevermind” había conseguido vender 300.000 copias a la semana. El álbum recibió el disco de oro y platino por la Recording Industry Association of America en noviembre de 1991 y recibió el de diamantes (Diez millones de copias) en marzo de 1999.

La portada del álbum muestra a un bebé buceando hacia un billete de un dólar que prende de un anzuelo. Según Cobain, tuvo la idea cuando se encontraba viendo un programa de televisión sobre nacimientos bajo el agua con Grohl. Cobain se lo mencionó al director artístico de Geffen, Robert Fisher. Este encontró varias imágenes impactantes sobre estos nacimientos bajo el agua, pero eran demasiado gráficos para la compañía discográfica. Además, la casa de valores que controlaba la foto de un bebé nadando pidió 7 500 dólares al año por su uso, así que en lugar de adquirirla, Fisher envió un fotógrafo a una piscina para bebés para tomar fotos. Se consideraron cinco fotos y la banda se quedó con una instantánea de un bebé de tres meses de edad llamado Spencer Elden, el hijo del amigo del fotógrafo, Rick Elden. Sin embargo, aún existían algunos inconvenientes para la discográfica, ya que el pene del bebé sea veía perfectamente en la imagen. Geffen preparó una portada alternativa sin el pene, porque temían que pudiese herir al público, aunque cedieron cuando Cobain dejó claro que el único compromiso que aceptaría sería una pegatina que cubriese el pene y en la que pudiese leerse: “Si esto te ofende es que eres un pedófilo encubierto”.

Michael Azerrad explicó en su biografía de Nirvana, “Come as You Are: The Story of Nirvana”, en 1993, que “Nevermind” marcó la aparición de una generación de seguidores de música veinteañeros en un clima dominado por la generación que les precedía. Azerrad añadió: “Nevermind vino en el momento exacto. Era música por, para y sobre un nuevo grupo de jóvenes que habían sido pasados por alto, ignorados o con los que se había sido condescendientes”. 

El disco fue incluido en el  puesto Nº 17 de la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de la historia. Time, mediante su periodista Josh Tyrangiel, aseguró que era “el mejor álbum de los noventa” en su lista de 2006 de “Los mejores 100 álbumes de la historia”. En 2005, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos añadió “Nevermind” al Registro Nacional de Grabaciones, que reúne grabaciones de sonidos “cultural, histórica y estéticamente importantes” del siglo XX.

En resumen, este álbum marcó la década de los noventa. Fue el equivalente a una revolución, y no por crear un estilo, sino por adoptar una actitud. Cobain encabezó esta majestuosa manifestación, lo hizo con un estilo muy peculiar de cantar, de gritar, de tocar la guitarra. Nirvana se convirtió en el estandarte mundial de toda una generación que encontraron en Cobain, al ser honesto, atormentado y auténtico, al artista en quien verse reflejados. Cobain supo tomar lo básico del punk y lo estético de tantos y tantos guitarristas, para agregar su crudeza y pesimismo en cada acorde y en cada resquicio. “Smells like teen spirit”, “Come as you are”, “In bloom”, “Territorial pissings” y “Drain you” son algunas de las genialidades incluidas en este gran álbum, uno de los mejores de todos los tiempos.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

DOCUMENTAL SOBRE LA HISTORIA DEL DISCO

Tino Casal In Memoriam (1950 – 1991)

Fue amaneciendo. Salía de una discoteca con tres amigos, camino cada uno de su casa, en un automóvil cuyo conductor, en un descuido, chocó contra una farola, en las inmediaciones del madrileño Puente de los Franceses, cerca de Aravaca, apenas a cinco kilómetros del centro de la capital. Todos resultaron ilesos menos quien ocupaba el asiento del copiloto, que falleció prácticamente en el acto, cuando lo llevaban en helicóptero a un hospital. Era el cantante asturiano Tino Casal, uno de los más activos y originales intérpretes del pop-rock en los años de la llamada “movida”. Contaba tan sólo cuarenta y un años. Hoy se cumple el veinticinco aniversario de su temprana desaparición, aquel funesto 22 de septiembre de 1991.

Coetáneo de la nueva ola del pop español, Tino Casal formó parte activa dentro del primer núcleo gestor del nuevo panorama musical de los años ochenta en Madrid. Artista en toda la extensión de la palabra, aportó a la historia del pop español un buen puñado de álbumes rebosantes de pop electrónico y varios temas inolvidables como: “Embrujada”, “Los Pájaros” o “Eloise”, entre otros.

Tino Casal con Los Zafiros Negros (2º por la Izquierda)

Se llamaba José Celestino Casal Álvarez y había nacido el 11 de febrero de 1950 en un concello muy cercano a Oviedo. Tino Casal comenzó su trayectoria artística en su localidad natal, Tudela Veguín, a principios de la década de los años sesenta como cantante del grupo de rock Los Zafiros Negros. En 1967, Casal se integra en Los Archiduques, una banda experimentada y de gran proyección profesional. Aquel año, Casal registró como cantante de la mencionada banda el single: “No le ames”/ “Lamento de gaitas”, un trabajo pionero en el concepto de fusionar elementos del folclore tradicional (como la gaita asturiana) con el rock y el soul. Tras aquel brillante disco registrado para el sello Columbia llegó un segundo sencillo: “Dimensión en Sol Mayor” que supuso la ruptura del cantante con aquella mítica formación.

Los Archiduques (Tino es el 1º por la Izquierda)

LOS ARCHIDUQUES (LAMENTO DE GAITAS) 1967

Inquieto siempre, ya a principios de la década siguiente hizo las maletas rumbo a Londres, capital europea del pop más sobresaliente. Y allí se convirtió en un confeso admirador de David Bowie, quien abanderaba una corriente musical etiquetada como glam rock. Los estilos de esa época eran descritos por los comentaristas en boga con nombres llamativos, tales como techno y new romantic.Tino Casal se empapó no sólo de aquellas modas musicales derivadas del nuevo rock, sino asimismo de las vanguardias estéticas, de la manera de vestir entonces; la capital británica la imponía entre los adolescentes y jóvenes desde mediados de los sesenta, desde aquella corta calle, Carnaby Street, que uno recuerda repleta de llamativas boutiques. Y cuando Tino regresó, se trajo un innovador repertorio de canciones y de trajes.

En 1977 Tino Casal regresa a España, donde firma un contrato con la discográfica Philips. El sello buscaba en él al sustituto de cantantes melódicos desaparecidos como Nino Bravo, y Casal edita dos sencillos de discreta acogida: “Olvidar, Recordar”/”Dam, Dam” y “Emborráchate”/”Besos, Caricias”. En esos años se presenta a diversos festivales musicales, y en 1978 participa en el Festival de Benidorm, donde queda en segundo lugar a pesar de ganar varios galardones como “mejor cantante joven” o “mejor composición musical”.

EMBORRACHATÉ (1978)

Totalmente influenciado por la impronta del glam-rock y el nuevo pop electrónico británico en 1981 emprende una nueva etapa profesional y consigue su primer éxito comercial a través de “Champú de Huevo”, una canción extraída de su álbum de debut “Neocasal” producido aquel año por Julián Ruiz para el sello EMI, que a partir de entonces se hará cargo de toda su discografía posterior. Entre otros momentos brillantes, en este primer trabajo destacan sobremanera algunos cortes como “Billy Boy” o la versión del “Life on Mars” de Bowie. Para entonces, Tino Casal también es un reputado artista gráfico y comenzaba a despuntar como productor musical.

Tino Casal - Neocasal

CHAMPÚ DE HUEVO (1981)

BILLY BOY (1981)

Dos años después, en 1983, Tino Casal consolida su éxito a través de su segundo álbum: el magnífico “Etiqueta Negra”, un trabajo que contiene hits del calibre de la maravillosa “Los Pájaros” o “Embrujada”, un chispazo de tecno-pop deslumbrante que ratifica a Julián Ruiz como único productor para el resto de la carrera del cantante asturiano.

EMBRUJADA (1983)

LOS PÁJAROS (1983)

Un año más tarde, tras componer canciones para otros artistas y seguir produciendo a nuevas bandas de pop y rock como Obús, Goma de Mascar y Vídeo, publica “Hielo Rojo”, un tercer trabajo que en un principio no parece lograr igualar el impacto comercial de sus dos trabajos precedentes, pero que finalmente lo consigue con creces debido a que el tema “Pánico en el Edén” es escogido como sintonÍa de la Vuelta Ciclista a España de aquel año.

HIELO ROJO (1984) ÁLBUM COMPLETO

De una forma absolutamente estúpida, Tino sufrió en 1985 un doloroso esguince durante un concierto en Valencia, al que no dio al principio importancia alguna. Se automedicó con antiinflamatorios y analgésicos. De la noche a la mañana sufrió una necrosis que a punto estuvo de mandarlo al otro mundo. Pasó una temporada en silla de ruedas. Dos años permaneció alejado del tinglado musical. Ave Fénix del pop español, en 1987 se editó su cuarto álbum, “Lágrimas de Cocodrilo”, conteniendo el tema más popular de su discografía, la versión en español de “Eloíse”, aquella sensacional balada de Barry Ryan de 1967.

ELOISE (1987)

LÁGRIMAS DE COCODRILO (1987) ÁLBUM COMPLETO

Dos años más tarde se edita su último disco, “Histeria”, un trabajo de resultados comerciales discretos aunque repleto de temas brillantes y que también mantiene la costumbre del cantante de incluir un par de versiones en castellano como tributo al rock de los setenta (“Killing me softly with his song”) y al tecno-pop de los ochenta (“Don´t you want me baby”). Para entonces Casal recupera su faceta como pintor, a la par que estudia la producción de nuevos talentos musicales, prepara otros proyectos como un nuevo vinilo en Japón, otro con canciones suyas destinadas a Los Salvajes, el estreno teatral de El Fantasma de la Ópera…

HISTERIA (1989) ÁLBUM COMPLETO

Todo quedó en agua de borrajas aquella madrugada del sábado al domingo del 22 de septiembre de 1991, cuando su corazón se detuvo para siempre en la carretera, a las puertas de Madrid. Se iba un grande del pop español. Divertido. Imaginativo. Con una voz potente, que encandilaba a sus miles y miles de fans. Al día siguiente, cuando iban a enterrarlo, en los escaparates de las tiendas de discos aparecía como novedad un álbum recopilatorio de sus grandes éxitos. Extraña casualidad.

Festival Internacional de Órgano Catedral de León (2016)

fiocle

XXXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE ÓRGANO CATEDRAL DE LEÓN

– SEPTIEMBRE / OCTUBRE 2016 –

 

MIÉRCOLES, 21 DE SEPTIEMBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

MARTIN HASELBÖCK, ÓRGANO

Obras de J. S. Bach, F. Liszt, R. Wagner

 

VIERNES, 23 DE SEPTIEMBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

ELOQVENTIA

Alejandro Villar, flautas

David Mayoral, percusión

Música instrumental del medioevo europeo

 

VIERNES, 30 DE SEPTIEMBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

JUAN DE LA RUBIA, ÓRGANO

Obras de J.S. Bach, C. Franck, M. Duruflé, R. Wagner

 

SÁBADO, 1 DE OCTUBRE

 CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

Cantantes seleccionados en el V Curso de interpretación vocal barroca

EDUARDO LOPEZ BANZO, clave y dirección

Obras del barroco europeo

Concierto en coproducción con el CNDM

XIV Ciclo de Músicas Históricas de León

 

MIÉRCOLES, 5 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

RAQUEL ANDUEZA, SOPRANO

LA GALANÍA

“Ayrezillos suaves”

Música sacra en la época de Sebastián Durón

Concierto en coproducción con el CNDM

XIV Ciclo de Músicas Históricas de León

 

VIERNES, 7 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

GIAMPAOLO DI ROSA, ÓRGANO

Obras de O. Messiaen, P.Bruna y L.v. Beethoven

Concierto de presentación de la integral de la obra para órgano de Olivier Messiaen (1908-1992) en el XXV aniversario de su muerte

 

JUEVES, 13 DE OCTUBRE

 CATEDRAL DE LEÓN, 20,30 H.

VICENTE DUBOIS, ÓRGANO

Obras de J. S. Bach, C. Franck, C. Saint-Saëns, M. Duruflé, O. Messiaen

Concierto en coproducción con el CNDM

 

SÁBADO, 15 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN 21 H.

SCHOLA ANTIQUA

JUAN CARLOS ASENSIO, DIRECTOR

Concierto en coproducción con el CNDM

XIV Ciclo de Músicas Históricas de León

Música medieval inédita en el archivo de la Catedral de León: Liturgias procesionales de los Santos Isidoro, Antolín y Santiago

 

MIÉRCOLES, 19 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN 20:30 HORAS

CAPILLA JERÓNIMO DE CARRIÓN

ALICIA LÁZARO, DIRECTORA

“Afectos generosos”

Hidalgo, Durón, Marín y Carrión: nueva música inédita del s. XVII en España.

Concierto en coproducción con el CNDM

XIV Ciclo de Músicas Históricas de León

 

VIERNES, 21 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 20:30 H.

JEAN GUILLOU, ÓRGANO

Obras de C. M. Widor, J. Guillou, F. Liszt

 

LUNES, 24 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 20,30 H.

DANIEL OYARZABAL, ÓRGANO

Obras de J. S. Bach, F. Mendelssohn, J. Brahms, O. Messiaen

Concierto en coproducción con el CNDM

 

VIERNES, 28 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN 20:30 HORAS

PAOLO ORENI, ÓRGANO

Obras de W. A. Mozart, J. S. Bach, C. Franck, C. M. Widor, M. Dupré

 

JUEVES, 10 DE NOVIEMBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 20:30 H.

NAJI HAKIM, ÓRGANO

Obras de C. Franck, J. B. Cabanilles, J. S. Bach y N. Hakim

Concierto en coproducción con el CNDM

ENLACE A LA WEB DEL FESTIVAL

 

Los Bravos (Black is Black) 50º Aniversario

“Black is Black” de Los Bravos, cumple 50 años desde su lanzamiento. Se trata del tema interpretado por un grupo español que más alto llegó en las listas inglesas y americanas, y su historia como la de todas las grandes canciones está llena de curiosidades y giros inesperados.

El grupo, resultado de la fusión de dos bandas anteriores, Los excelentes Sonor y el grupo procedente de Palma de Mallorca Mike & The Runaways. El bajista Miguel Vicens, el guitarrista Tony Martínez, el teclista Manuel Fernández y el batería Pablo Sanllehí junto con el cantante alemán, Michael Kögel, más conocido como Mike Kennedy, juntos formaron Los Bravos y de la mano de su manager/productor, el extraordinario Alain Milhaud, hicieron historia.

Milhaud quería que su banda tuviera un ascenso fulminante y proyección internacional, así que contactó con la discográfica Decca en Londres y seleccionó de su catalogo la canción perfecta: ”Black is Black”. Así es, Los Bravos no compusieron la canción, fueron tres desconocidos ingleses los que firmaron este tema: Hayes, Wadey y Grainger. “Si fuera el compositor no estaría aquí. Estaría en Miami, ja, ja. Son incalculables los derechos de autor que ha proporcionado”, afirma Mike Kennedy en una entrevista reciente.

Pero aquí no acaba la cosa. Como la grabación sería en Londres y el sindicato de músicos británicos prohibía que un músico no inglés participase en los discos que se grabasen en Inglaterra, Los Bravos no pudieron ser los intérpretes en la grabación del disco. No les quedó más remedio que pasarse una semana observando cómo su cantante Mike superponía su voz por encima del tema instrumental, ayudado en los coros por Tony y Miguel, grabado con anterioridad por músicos de estudio. Circula la leyenda que uno de esos artistas fue ni más ni menos que el mismísimo Jimmy Page, guitarrista de estudio en aquel momento. Page comenó en una entrevista al respecto: “¿Que si toqué en el Black is Black de Los Bravos? No me suena. Tocar en el estudio era como fichar en una oficina. De las nueve a las doce con una cantante. De la una a las tres con un grupo. Por la tarde, con una orquesta. Muchas veces, ni sabíamos el nombre de la canción… ¡o del artista!”.

“Black is Black” comenzó a sonar en la radio en 1966 y fue un éxito inmediato en España, donde vendió dos millones de copias y fue número uno en Los 40 Principales durante seis semanas consecutivas. Sin embargo, destacó sobretodo por ser el primer éxito comercial de un tema español a nivel internacional, alcanzando el nº 1 de las listas inglesas y canadienses, y el nº 2 de las americanas,  Los Bravos se convirtieron en un fenómeno global y en un grupo imprescindible para entender la historia de la música española.

El éxito de la canción a nivel internacional propició una versión en francés, “Noir c’est Noir”, interpretada por Johnny Hallyday. Dicho tema fue número uno en la lista de singles francesa durante siete semanas consecutivas. Años después, “Black Is Black” fue versionado por otros artistas como La Belle Epoque, Rick Springfield o La Unión entre otros.

Actuación en TVE. Nochevieja de 1966

Escena de la Película “los Chicos con las Chicas” (1967)

Festival de Música Española de León (2016)

PROGRAMACIÓN DEL 29º FESTIVAL DE MÚSICA ESPAÑOLA DE LEÓN

15/09 -14/11/2016

Vestíbulo del Auditorio “Ángel Barja” del Conservatorio de León

 EXPOSICIONES

 

“El piano español de los siglos XVIII, XIX y XX. Maestros y predecesores”

Horarios de visita: Lunes a viernes; Septiembre (10:30h-13:30h) y Octubre (16:30h-20:30)

 27/09 -30/10/2016

Museo Etnográfico Provincial de León  (Mansilla de las Mulas)

“Sonando Cervantes. Instrumentos musicales en tiempo del Quijote”

Procedentes de la Fundación Joaquín Díaz y de la Colección Luis Delgado-Museo de la Música de Urueña (Valladolid)

Horarios de visita: 10:00h-14:00h y 17:00h-20:00h (Lunes cerrado)

 15/09/2016  

Auditorio Ciudad de León

CONCIERTOS

 

“Noches en los jardines de España”

ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN
JUAN PÉREZ FLORISTÁN_piano
JOSÉ R. PASCUAL VILAPLANA_director invitado

20:30h
 25/09/2016  Auditorio Ciudad de León “Andanzas y músicas de Don Quijote”

ORQUESTA IBÉRICA ENSEMBLE
DARÍO FERNÁNDEZ Y MANUEL FERRERO_actores

 20:30h
 29/09/2016 Auditorio Ángel Barja 
ALEJANDRO BUSTAMANTE_violín PATRICIA ARAUZO_piano  20:30h
 02/10/2016  Auditorio Ángel Barja HISPANIA EX-TEMPORE

Concierto con instrumentos históricos y con ilustraciones en directo a cargo de laPiLA (Profesionales de la ilustración de León Asociados)

20:30h
 09/10/2016  Auditorio Ángel Barja QUINTET VERGER  & PABLO LLEIDA_piano 20:30h
 16/10/2016  Auditorio Ángel Barja CUARTETO GRANADOS

David Mata_violín 1º, Marc Oliu_violín 2º, Andoni Mercero_viola y Aldo Mata_cello

ENLACE A LA WEB DEL FESTIVAL

20:30h

 

Rudy Van Gelder. El Arquitecto del Jazz (1924 – 2016)

¿Puede un ingeniero de sonido cambiar el curso de la historia?. La respuesta tiene un nombre: Rudy Van Gelder. “Hay algo que llamo el toque Van Gelder, explicaba el fabuloso trompetista Freddie Hubbard. “Para mí, ese toque es la definición perfecta de cómo debe sonar un disco de jazz”. Responsable, más directo que indirecto, de una lista mareante de obras maestras del jazz, falleció el pasado 25 de agosto, a los 91 años de edad.

Van Gelder es considerado el creador del sonido moderno del jazz. Ningún otro ingeniero de sonido logró el reconocimiento de este hombre capital en la difusión del género, que mantuvo su vinculación profesional con la música casi hasta su fallecimiento. Infatigable, apasionado, sumamente perfeccionista, compatibilizó durante casi tres lustros su trabajo como oftalmólogo con el realizado en distintos sellos discográficos. A él se debe en gran parte el sonido Blue Note, pero también dejó su sello en Prestige, Savoy y, más adelante, en Impulse y CTI. Entre sus muchos méritos, se encuentra la capacidad para trascender en el tiempo y marcar el paso en la evolución del jazz.

Van Gelder con Wes Montgomery

Van Gelder era radioaficionado y se interesó por la grabación de música, en especial por el jazz. Un tío suyo había sido batería de Ted Lewis e incluso Rudy tomó algunas clases de trompeta. Montó un estudio en casa de sus padres en Hackensack, Nueva Jersey. Ahí realizó sus primeras tomas y en 1952, su amigo y saxofonista Gil Melle, le presentaría a Alfred Lion, director del sello  Blue Note, quien le contrató como ingeniero de sonido. En 1959 se trasladó a un estudio en Englewood Cliffs, inspirado en la obra del arquitecto Frank Lloyd Wright (con techos altos y buena acústica), y empezó a grabar, a tiempo completo, a músicos como Miles Davis, Wayne Shorter, Thelonious Monk y John Coltrane en su etapa Impulse!, entre los que destaca su clásico “A Love Supreme” de 1964.  John Coltrane le pidió a Bob Thiele al firmar con su sello Impulse!, que le contratase como ingeniero. Sabía que era el mejor.

Su carrera abarca más de seis décadas de grabaciones, en las que se encargaba personalmente de colocar todos y cada uno de los micrófonos, así como las sillas y distribuir a los músicos en la sala para conseguir su característico sonido.

«Usaba micrófonos específicos situados en lugares que permitían que los músicos sonasen como si estuviesen tocando desde diferentes lugares en la sala, algo que era cierto en la realidad. Así se creaba una sensación de dimensión y profundidad», dijo en una entrevista en 1993 en la radio pública estadounidense NPR sobre su peculiar estilo.

Es el toque Van Gelder: meticuloso hasta la exasperación, pero deslumbrante, en los resultados. Nadie, sino él, puede posar sus dedos sobre su colección de micrófonos Neumann U-47 fabricados en Alemania (pero, incluso él, debe utilizar guantes de cirujano). “Uno iba a grabar con Van Gelder”, sigue comentando Freddie Hubbard, “y era como asistir a una representación teatral”.

En las grabaciones de Van Gelder la “imagen estereo” es una imagen de lo real, no es fabricada a base de mezcla. Van Gelder grababa directamente en dos canales y el equilibrio estereo lo conseguía ecualizando el master. No había mezcla a posteriori. ¿Qué parte del éxito del sonido se debe a esta forma de grabar? Posiblemente mucha. Van Gelder no aísla a los músicos con paneles, salas y auriculares. Les permite sentirse como en un concierto en un club, escuchando de modo natural la música mientras la van haciendo al unísono. Probablemente esto facilite la expresión espontanea y relajada de los músicos. Y pese a que haya alguna merma en la calidad final de sonido, es superada con creces por la potenciación de la creación musical “en directo”.

Por iniciativa de EMI-Toshiba Japan, dueño actual de la marca Blue Note Records y de sus grabaciones, durante 1998 Van Gelder inicia una serie de trabajos de remasterización a digital de las cintas analógicas de las grabaciones clásicas que él mismo efectuó en los años cincuenta y sesenta del pasado siglo.

El objetivo del proceso es tratar de darle al sonido de estos discos otra vuelta de tuerca de “autoría”. Si ya en su momento se reconoció la originalidad sonora de estas grabaciones, se pretendió entonces, que esta originalidad no se perdiera en el proceso de digitalización. Y para esto se pensó que nada mejor que acudir al artífice del estilo, el propio Van Gelder. Por otro lado, está el lógico objetivo de mercadotecnia que supone relanzar comercialmente unas grabaciones que ya han adquirido muchos fans en todo el mundo, ahora bajo el nuevo marchamo del toque del “artista” RVG. Vemos que aquí lo técnico, lo artístico, lo mítico y lo comercial se dan la mano en una conjunción que vuelve a llevar al aficionado a las tiendas a adquirir una vez más “ese” disco de Blakey, de Silver, de Hancock, de Dexter Gordon, de Duke Pearson, etc.

Rudy Van Gelder ahora es anunciado como un artista más del sello. Con su propia colección en la que se presentan los discos que ha remasterizado a la entonces nueva tecnología de 24 bits empleando lo más puntero de la industria del audio del momento. Es difícil resistirse a la comparación entre lo antiguo y lo nuevo.

Hacer una seleccion entre los discos que pasaron por el genio de Van Gelder es muy complicado, dejo un pequeñísima muestra de su talento. Grandes trabajos que lo fueron, o lo fueron mucho más, gracias a este genio irrepetible.

Sonny Rollins (Saxophone Colossus) 1956

Julian “Cannonball” Adderley (Somethin’ Else) 1958

Art Blakey & The Jazz Messengers (A Night in Tunisia) 1960

Stanley Turrentine (Up at Minton’s) 1961

John Coltrane (A Love Supreme) 1964

The Alan Parsons Project (Tales of Mystery and Imagination) 40º Aniversario

“Tales of Mystery and Imagination” es el disco debut de The Alan Parsons Project, publicado en 1976. El concepto del álbum gira en torno a la obra del escritor Edgar Allan Poe a través de siete canciones, centrados en sus relatos de misterio y sus poemas.

En 1975, Alan Parsons, un ingeniero de sónido que había trabajado con The Beatles en la grabación del álbum “Abbey Road” y posteriormente en el extraordinario “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd (ganó un Grammy con este trabajo y no es para menos.). Parsons rumiaba la posibilidad de no limitarse “simplemente” a la producción y adentrarse en terrenos de la composición musical. Para ello, se alía con Eric Woolfson, compositor y mánager de algunos artistas de la década que por aquel entonces estaba trabajando en un proyecto musical basado en los antes mencionados cuentos de misterio y poemas de Edgar Allan Poe.

Alan Parsons trabajando en el estudio (1976)

La conexión fue perfecta, por un lado el refinamiento sonoro y técnico en la calidad de grabación que consiguió Parsons. Por el otro, unas composiciones musicales de un nivel de calidad pasmoso proporcionadas por Woolfson. Más tarde se uniría al proyecto el arreglista Andrew Powell con sus poderosos tintes de orquesta sinfónica que le da al trabajo una dimensión más épica todavía. Mencionar también el espectacular desfile de músicos que hay en el trabajo, desde los cantantes como Arthur Brown o John Miles y sobre todo los integrantes del grupo Pilot con los que Parsons había trabajado: David Paton al bajo, Stuart Tosh a la batería o el elegantísimo, enorme e infravalorado guitarrista Ian Bairnson.

Es toda una experiencia escuchar este álbum e incluso me atrevería a decir que esta sensación responde a algo totalmente premeditado por parte de sus creadores, Alan Parsons y Eric Woolfson. Considerado por la crítica y el público en un rango entre “esencial” y “excelente”, que no es decir poco, en aquella época de obras maestras.

Es cierto que, a su publicación en 1976, no tuvo una masiva acogida por parte del público, tal vez por exigir del oyente un avanzado nivel cultural y un refinado gusto musical; esto sin embargo, fue muy apreciado en cambio por la crítica, que sí fue capaz de valorar el trabajo en su justa medida.

Alan Parsons, Eric Woolfson y Andrew Powell

‘Tales Of Mistery And Imagination’ es un viaje fascinante por algunas de las obras más famosas de Edgar Allan Poe. Con el uso de sintetizadores, batería y guitarras, Parsons consigue dar a la música los efectos terroríficos propios de las obras de Poe. El instrumental “A Dream Whithin a Dream” cuenta con la narración de Orson Welles por encima de los teclados y las guitarras. El EMI vocoder es utilizado en “The Raven” con el coro de niños del Westminster City School, lo que añade una sensación claustrofobia al tema. La experiencia de Parsons en la producción inunda el álbum, desde ‘(The System of) Doctor Tarr and Professor Fether” a “The Tell-Tale Heart”, con esa percusión que imita los latidos de un corazón.

“The Fall of the House of Usher” es un largo, pero deslumbrante tema, plagado de musicalidad y poderío orquestal, que mantiene el álbum en un nivel impresionante, mientras que el oyente se sumerge en su inquietante atmósfera. Con los vocalistas Terry Sylvester, John Miles, y Eric Woolfson planeando por cada pista, esta variedad de diferentes estilos de voces da color al aire general del álbum. Sin haber ningún tema que sobresalga sobre los demás, Alan Parsons dibuja una imagen nítida de una de las más seductoras figuras literarias de la historia.

En definitiva, un disco excepcional. The Alan Parsons Project no volvieron a estar tan cerca de la perfección como en este disco. Todos los elementos están en perfecta armonía: un grupo de rock y orquesta en alternancia, recursos inusuales como disonancias, coros… y sus subidas y bajadas, hacen de él algo realmente apasionante de escuchar. Si no lo conocen, “Tales of Mystery and Imagination” es un disco que les sorprenderá y fascinará desde la primera escucha del mismo. Y si les pica la curiosidad y no han tenido oportunidad, lean los cuentos. No defraudan.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO (AUDIO PROCEDENTE DE UN VINILO)