Sugar Daddy and The Cereal Killers (17/Octubre/2019)

17-10-2019

 21:00 H
 TEATRO EL ALBÉITAR

 

Entradas (8 €): a partir de una hora antes del concierto en la  taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carnet  universitario y DNI.

Sugar Daddy and The Cereal Killers son una locomotora de Rhythm & Blues que en sus conciertos no olvida el Swing ni el Boogie Woogie. Ver a estos siete italianos en directo es transportarse a la Norteamérica de los años 40: elegancia sobre el escenario y gotas de sudor en la pista de baile.

La banda Sugar Daddy and The Cereal Killers nace en 2009 en la ciudad norteña de Milán. Es ese año cuando Simone Caputo, conocido comúnmente como Sugar Daddy, empieza a desarrollar junto al baterista Francis Needham y al bajista Roberto Boldi una propuesta personal partiendo del Blues que ya practicaban en proyectos anteriores. Clave en su sonido será la sección de viento integrada por Luigi Napolitano, Roberto Dibitonto y Cosimo Pignataro a los que finalmente se uniría el virtuoso pianista John Bramley.

Intercalando composiciones propias, incluidas en su lp “Thirteen Days”, con versiones de grandes clásicos como Muddy Waters, Little Richard, Ray Charles o Louis Prima estos trabajadores músicos han compartido escenarios por toda Europa con bandas como Ray Collins Hot Club, Polecats o The Limboos.

Video: “Easy Tiger” http://bit.ly/1Jt0YrI

Video: ”Voodoo Lady” http://bit.ly/2rdUz2c

Video: “King Kong” http://bit.ly/2rUycR8

Web: www.cerealkillers.it

Rupak Kulkarni Trío (04/Octubre/2019)

04-10-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Entradas (3 €): a partir de media hora antes del concierto en taquilla
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carnet  universitario y DNI.

De Shrimati Annapurna Devi, hija del Gurú de Ravi Shankar Allaudin Khan, vino el legendario maestro de la flauta Hariprasad Chaurasia, y de este maestro vino su principal discípulo Rupak Kulkarni, quien ha imprimido a esta gran tradición un nuevo sabor con una pasión y creatividad únicas. Donde otros han realizado ragas, Rupak ha recreado ragas. Mientras que otros han tocado composiciones a través de la flauta, Rupak ha escrito composiciones a través de la flauta. Donde otros nos han recordado la sensualidad del instrumento de Krishna, Rupak nos ha demostrado la sensualidad del instrumento de Krishna. Rupak es simplemente un viejo maestro de la música disfrazado de artista joven.

Como un niño prodigio con la música soplada en su aliento por su padre Malhar Rao Kulkarni, Rupak ha florecido bajo la mejor tutela de la mano de la leyenda de la flauta HARIPRASAD CHAURASIA para convertirse en un destacado exponente de MAIHAR GHARANA. Como primer GANDA BANDH Shagird de Chaurasia desde los 9 años, Rupak, con entrenamiento arduo y trabajo duro, ha dominado los estilos Dhrupad, Khayal y Tantrakari igualmente bien. Su recital es siempre una delicia rara que combina Dhrupad y Khayal Gayaki, el melodioso Aalap y el centelleante Tatkar (técnica del lenguaje utilizada para Jhala), una improvisación innovadora con el fascinante Layakari, un magnífico control de la respiración y un hábil trabajo con los dedos.

Artista de alto nivel de todas las radios de la India, la primera actuación en solitario de Rupak fue a la edad de 11 años en Darbar Hall, Baroda, donde cautivó a unos 1500 amantes de la música. Desde entonces ha actuado en casi todas las salas de música de prestigio en toda la India y en el extranjero.

Actuaciones en los principales festivales de música:

Darbar Festival (Reino Unido), Asian Super Flautist Festival (Japón), Tansen Samaroh (India), Peshkar World Music Festival (India), Vishnu Digamber Paluskar Samaroh (India), Harvallabh Music Festival (India), Times of India 150 years celebration concerts, Ustad Amir Khan Samaroh (India), Sawai Gandharv Festival (India), Uttarpara Sangeet Chakra (India), Saptak Music Festival (India), Gunidas Sammelan (India), Hirabai Barodekar Smruti Samaroh (India), Sawai Gandharv Music Festival (India), Shruti Mandal (India) y muchos otros festivales de música destacados en la India y en el extranjero. Rupak tiene su propia marca distintiva y también seguidores y fans. Sus conciertos de flauta se transmiten regularmente en All India Radio, World Space Radio y varios canales de televisión como Doordarshan, STAR TV, Zee TV y CNN-IBN, In Sync.

Premios / Logros:

– Premio “Sangeet Prakarsh” otorgado por Bhavan’s Mumbai por su contribución en la música.

– TOP Grade (All India Radio).

– Invitado por el prestigioso Trinity College of Music de Londres para dar una conferencia demostrativa.

– Concierto en el Asian Super Flautist Festival en Japón.

Su primer álbum musical fue a los 18 años, titulado TENDERLY, acompañado por el maestro de tabla Anindo Chatterji. Desde entonces, Rupak ha publicado sus álbumes a través de las principales compañías de música como Times Music, HMV, Navras, Plus Music, Rhythm House, Ninaad, Big B de ABCL, Sense World (Londres), World Wide Records, etc.

Ha trabajado con muchos directores de música de Hollywood y Bollywood para componer música de fondo en las películas.

El Club de Música de la ULE inaugura el curso con una actividad dedicada al Blues, con música en directo.

La Facultad de Educación acoge una nueva actividad del Club de Música de la Universidad de León (ULE), organizada por la Biblioteca Universitaria, a través del blog PartitULE, y el Área de Didáctica de la Expresión Musical. El miércoles 2 de octubre, se celebrará una charla-coloquio bajo el título: “Cruce de caminos: orígenes e influencia del blues”. Esta charla, que incluirá música en directo, será impartida por dos prestigiosos músicos de la escena musical leonesa. El pianista John Bramley, y el guitarrista Mario J. Delgado.

John Bramley (Italia) es licenciado por la Accademia Internazionale della Musica, Civici Corsi di Jazz en Milán. Pianista virtuoso, forma parte de la escena nacional jazz en Italia, en diversos combos y bandas como “Paolo Tomellerini Swing Band”, “Sugardaddy and the Cereal Killers” algunas de las cuales le han llevado de gira por toda Europa. Actualmente reside y trabaja en León formando parte del “John Bramley Trio”, “Dr Bogarde” y “Downtown Alley” desarrollando en todas ellas un gran estilo de corte jazz, swing, bebop, blues o experimental entre otros estilos.

Mario J. Delgado (Madrid) integrante de diferentes grupos en la escena nacional y leonesa, donde está afincado desde hace años. Mario J. Delgado combina elementos de corte tradicional basados en potentes sonidos de guitarra eléctrica, que beben del blues de los setenta y el alt country independiente de finales de los noventa, teniendo entre sus referentes grupos como: Whiskeytown, Songs: Ohia y la innegable sonoridad en sus guitarras de Hendrix, Ray Vaughan o Peter Green entre otros. Actualmente su principal proyecto es la banda “Forman’s Driveaway”, editando en 2017 el primer álbum de la misma.

Juntos han creado un nuevo proyecto de piano, voz y guitarra eléctrica, denominado “Downtown Alley”, que rinde un indudable tributo al Jazz de principios del siglo XX y el blues que deriva de las sucesivas ramificaciones de este género, combinando en sus directos temas propios con covers de Muddy Waters, Pinktop Perkins o Peter Green por citar algunos.

Esta nueva sesión del Club de Música tendrá lugar el próximo miércoles 2 de octubre, a las 12 horas, en el Aula de Música de la Facultad de Educación. Entrada libre hasta completar aforo.

Chico Pérez Quinteto (26/Septiembre/2019)

26-09-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Muestra del nuevo Jazz – AIE. Jazz-flamenco

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

Chico Pérez (Jaén, 1994) es pianista, intérprete y compositor. Nace en el seno de una familia de músicos, lo que hace despertar en él un gran interés y amor por la música, que le llevará a subirse al escenario a la temprana edad de 6 años.

En el año 2016 obtiene la Titulación Superior de Música en la especialidad de Piano en el CSM de Jaén.

Aparte de los estudios realizados en el Conservatorio, ha recibido clases del maestro David Peña Dorantes, Antonio López, Sergio Albacete, Guillermo González, Alberto de Paz, Israel Sandoval, Pepe Rivero, Joaquín Chacón, German Kucich, Jesús Lavilla, entre otros.

Reconocido como uno de los artistas emergentes y con más proyección del panorama flamenco nacional, en sólo un año ha sido galardonado, entre otros, con el Premio a Mejor Artista por el Instituto RTVE (2018) , Premio Talento Joven (2018) 1º Premio Composer (2018) y elegido recientemente para la gira AIEnRuta Flamencos 2019. Su reconocimiento ha traspasado nuestras fronteras siendo invitado por la prestigiosa Universidad de Oxford, dentro del festival “The World’s Music at Oxford”, que tendrá lugar el próximo mes de mayo.

Dentro de la gira de conciertos en los que se encuentra inmerso por diferentes teatros y festivales de la geografía española ha compartido cartel con artistas de la talla de Diego Amador, Israel Fernandez, Alfredo Tejada, La Macanita, David Dorantes, Farruquito, Antonio Liana, etc.

Pianista del musical El Rey León (desde 2017) colabora con artistas como Tontxu, Sara Ráez, Inma Vilchez, Coraluna, Rafa Alvarez, Alma Mesa, Marem Ladson… tocando en festivales como Starlite de Marbella, Vida Festival, Dcode, Radio 3.

Como compositor obtiene el premio a la mejor Banda Sonora Original por el corto “Al Alba” en el Concurso Nacional de Cortos de Bailén (2017). Ha compuesto la BSO para piano del cortometraje “Corazón de Porcelana” para la Facultad de Comunicación de la EUSA de Sevilla (2016). Además, realiza la composición y grabación de un disco de música reflexiva para la Provincia Mediterránea de los H.H. Maristas.

https://www.chicoperez.es/

Club de Música ULE. Exposición “Los Discos del Cambio” (XI) El “Nuevo Flamenco”. Entre la incomprensión y el entusiasmo

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Lole & Manuel (Nuevo Día) 1975

En la línea de grandes trabajos que revitalizaron el flamenco en los años setenta, el primer álbum de Lole y Manuel es una delicia de principio a fin. La voz profunda de Lole se compenetra a la perfección con la guitarra de Manuel, conformando una estupenda colección de canciones, entre las que destacan: “Nuevo Dia” y “Todo es de Color”.

La voz superdotada de Lole Montoya es arropada magistralmente por la guitarra racial y descriptiva de Manuel Molina, pero también por alguna guitarra eléctrica, piano o bajo eléctrico. Incluso hay por ahí un mellotron.

Con Nuevo Día estamos ante toda una revolución. Desde el barrio sevillano de Santa Clara, Lole y Manuel supieron imbuirse de tendencias de todo tipo para vestir su flamenco de un ligero barniz casi progresivo, que no oculta la pureza de su arte, pero que lo diferencia de todo lo que se había hecho hasta entonces.

La producción del Ricardo Pachón, que ya había coincido con Molina en los pioneros Smash, hace el resto con una producción exquisita, rompedora, pero a la vez respetuosa con las esencias básicas del flamenco.

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Camarón (La Leyenda del Tiempo) 1979

Pocas veces, por no decir ninguna, se ha reunido tanto talento para elaborar un disco en España. Camarón, impresionado por los trabajos de Lole y Manuel, y cansado de la monotonía creativa de sus últimos trabajos, prácticamente sin ningún tipo de arreglo. Contactó con Ricardo Pachón, productor de Lole y Manuel, para intentar hacer un álbum parecido.

Descartado el propio Manuel Molina como productor, esa era la idea inicial, y solventados los problemas de Camarón con su discográfica. Se puso en manos de pachón para realizar el álbum que había soñado.

Pachón reunió en torno a Camarón a lo más granado de la escena musical sevillana, con añadidos tan gloriosos como Tomatito a la guitarra, los hermanos Amador o Kiko Veneno. “Concentrados” en la finca sevillana de Pachón, Crearon uno de los trabajos más revolucionarios, arriesgados, y a la vez fascinantes de la historia de la música popular española.

En lugar de degradar al flamenco, lo ennoblece y lo hace accesible al mundo entero. Es el canto desgarrador que describe las heridas de la vida, y a la vez es el bálsamo que las cura.

El disco fue un fracaso absoluto, comercial, que no artístico. He hizo que Camarón volviera rápidamente a la ortodoxia flamenca. Pero 40 años después pocos álbumes han sido tan rompedores como La Leyenda del Tiempo. Y esa perspectiva de los años lo coloca con todos los honores, como uno de los cinco mejores discos de nuestra historia musical.

Club de Música ULE. Exposición “Los Discos del Cambio” (X) La resurrección del rock en España (2ª mitad de los setenta) Rock Andaluz y Rock Urbano

Triana (El Patio) 1975

Durante la primera mitad de los años setenta, el rock vivió en España una de sus épocas más oscuras. Reducido casi a la clandestinidad, y sin ningún tipo de visibilidad pública. El rock hispano quedó sepultado por una maraña de cantantes melódicos y músicos que hicieron del activismo político y social su bandera de enganche.

Pero a partir del ecuador de la década, la situación lentamente comenzó a cambiar. De los rescoldos de la música underground y las bandas progresivas de principios de la década, surgen dos corrientes que insuflarán nueva vida al alicaído rock patrio. Estamos hablando del Rock Andaluz y el Rock Urbano.

Pero estos movimientos le deben mucho a dos personajes irrepetibles, que fueron los catalizadores de este renacer rockero, a través de los sellos discográficos que crearon, impulsando y normalizando la escena musical española. Estamos hablando de Gong y Chapa. Estamos hablando de Gonzalo García Pelayo y Vicente “Mariscal” Romero.

Estos dos sellos dieron cancha a cantidad de nuevas bandas, que sin el apoyo de estas discográficas, lo hubieran tenido muy difícil para poder grabar. Todos estos movimientos fueron la banda sonora de La Transición. Eran tiempos de esperanza y de cambios, y el rock no solo no fue ajeno, sino que fue un instrumento más para lograrlo.

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Asfalto (Asfalto) 1978

El Rock Andaluz, fusión deL Rock Progresivo con las raíces musicales andaluzas, cuyo mascarón de proa fue Triana, pero no fueron los creadores de este sonido. Todo comienza con la llegada de Manuel Molina a Smash, el grupo señero del underground sevillano a principios de los setenta. Canciones como “El Garrotín” y “Tangos de Ketama”, dan fe de la embrionaria mezcla del rock con el flamenco. Más tarde, Triana inició su lento despegue con la publicación de su primer trabajo, El Patio, a los que seguirían Hijos del Agobio y Sombra y Luz. Todos ellos en el olimpo del rock español. Absolutamente imprescindibles.

El Rock urbano español es un movimiento originado a finales de los años setenta. Musicalmente, está influenciado por el Hard Rock clásico, aunque tiende a estar desprovisto de las influencias del blues características de este género. El sonido del rock urbano también recuerda la aparente simplicidad de las primeras bandas de Punk. Líricamente, estas bandas generalmente se enfocan en problemas de la vida real, enfatizando el lado más marginal de la vida urbana (alcohol, drogas, desempleo, prostitución, etc.), y en este aspecto también se parecen al punk.

Asfalto, con su antológico primer trabajo (1978), junto a Leño, fueron los grandes exponentes del Rock urbano. Sin olvidar a bandas como Topo, Ñu o Coz. De todas formas, el Rock Urbano no fue exactamente un género sino un movimiento, por lo que el estilo de estos grupos, a pesar de mantener unos puntos comunes y ser reconocibles, difieren notablemente entre sí.

Orquesta JJMM-ULE, Banda de Música JJMM-ULE, Coro “Ángel Barja” JJMM-ULE y Coro Juvenil “Ángel Barja”. Actividades Final de Curso

VIERNES 21 junio – 20 H.
BANDA DE MÚSICA JJMM – ULE
DÍA EUROPEO DE LA MÚSICA
Auditorio “Ángel Barja” del Conservatorio Profesional de León | Entrada libre

MIÉRCOLES 26 junio – 20:30 H.
ORQUESTA JJMM-ULE & TALLER LÍRICO DEL CONSERVATORIO DE LEÓN
CONCIERTO PARA AMNISTÍA INTERNACIONAL LEÓN – “EL BARBERO DE SEVILLA” Zarzuela
Auditorio Ciudad de León  |  Entradas en taquillas y web Auditorio

VIERNES 28 junio – 20:30 H.
CORO “ANGEL BARJA” JJMM-ULE
FIESTAS DE LEÓN
Iglesia de San Marcos  |   Entrada libre

DOMINGO 30 junio – 12 H.
BANDA DE MÚSICA JJMM-ULE, CORO JUVENIL “ÁNGEL BARJA” & ORQUESTA JJMM-ULE & MARÍA CASARES
CONCIERTO FINAL DE CURSO JJMM-ULE
Auditorio Ciudad de León  |  Entrada libre

Club de Música ULE. Exposición “Los Discos del Cambio” (IX) El apogeo de los dinosaurios. Primeros trabajos y plenitud creativa de las bandas progresivas

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King Crimson (In the Court of the Crimson King) 1969

Es imposible decir de manera definitiva cuál fue el primer álbum verdaderamente progresivo de la historia, pero nadie discute que el LP debut de King Crimson en 1969, In the Court of Crimson King, fue un paso monumental hacia adelante para el género. Es difícil imaginar grupos como Yes y Genesis, como habrían evolucionado sin tener este álbum como una influencia. La primera formación no duró más allá de este LP, pero canciones como “In the Court of the Crimson King” y “21st Century Schizoid Man” siguen siendo las piezas más famosas del grupo. Las dos canciones son cantadas por Greg Lake, quien formó Emerson, Lake y Palmer un año después de que este álbum llegara a las estanterías.

In the Court of Crimson King fue ciertamente influyente en términos de abrir la puerta a lo que ahora denominamos “rock progresivo”, pero en este caso, es tan bueno (o mejor) que todo lo que lo siguió. La combinación de un virtuosismo musical excepcional y el talento y el esfuerzo musical que se incluyeron en esta grabación lo convirtieron no solo muy adelantado a su tiempo,  sino también una obra de arte atemporal.

Para Pete Townshend de los Who, es uno de los mejores álbumes de la historia. Y como manifestó el excelente productor Julián Ruiz: “La portada con el dibujo de Barry Godber, es el grito más maravilloso desde los tiempos de Edward Munch”.

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Emerson, Lake & Palmer (Brain Salad Surgery) 1973

Emerson, Lake y Palmer alcanzaron su clímax progresivo con su cuarto álbum de estudio Brain Salad Surgery. Fue el álbum más ambicioso y exitoso del grupo, con una mezcla de rock y música clásica, junto con algunos sonidos electrónicos de vanguardia, utilizados por primera vez en cualquiera de los discos del grupo. El álbum fue el primero en el nuevo sello Manticore del trío y fue producido por el guitarrista, bajista y vocalista del grupo, Greg Lake. Lake coescribió las letras del álbum con el ex compañero de King Crimson, Pete Sinfield. Esta fue la primera vez que un músico externo apareció en un álbum del trío.

Brain Salad Surgery fue un esfuerzo concertado por parte del grupo para producir un álbum que se pudiera realizar en su totalidad en vivo, a diferencia del material de su álbum anterior Trilogy. Empleando algunas de las tácticas utilizadas por Pink Floyd, la banda compró un cine y lo transformó en sala de conciertos para poder sentir lo que sería tocarlo en vivo, reelaborando los arreglos para capturar la emoción del directo. La mayor parte del material se compuso como piezas instrumentales con algunas letras añadidas más adelante.

Tras el éxito de Brain Salad Surgery, Emerson Lake y Palmer realizaron algunas giras muy exitosas (aunque extravagantes) hasta 1974, incluida una transmisión a nivel nacional en los Estados Unidos. Luego, después de tres años de descanso, reinventaron su música, pero nunca más pudieron repetir su éxito, lo que llevó a la ruptura del grupo a finales de la década.

La portada del álbum es considerada como una de las más memorables (y a menudo perturbadoras) de su tiempo. Creada por H. R. Giger, creador junto a Carlo Rambaldi, de la criatura y algunos escenarios de la película Alien, el octavo pasajero, de Ridley Scott.

Club de Música ULE. Exposición “Los Discos del Cambio” (VIII) Los superventas de la época. El “rock adulto” se apodera de las listas

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Boston (Boston) 1976

Durante quince años (1976 – 1991), el primer trabajo de Boston fue el álbum debut más vendido de la historia.

Aunque representado como una verdadera “banda”, Boston fue realmente un proyecto en solitario del ingeniero Tom Scholz. Un graduado del MIT que trabajaba para Polaroid. Sholz construyó un estudio casero en Massachusetts a principios de los años 70 y comenzó a experimentar con sonidos innovadores y a desarrollar canciones.

Como perfeccionista que era, Scholz trabajó en las canciones durante unos siete años, enviando con frecuencia cintas a sellos discográficos para que fueran rechazados. Finalmente, en 1975, Sholz llamó la atención de Epic Records que firmó con él.

Publicado el álbum en agosto de 1976, Boston resucitó el formato de rock clásico que parecía estar dando paso a los nuevos y divergentes géneros del punk rock y la música disco. La fusión del hard rock con delicados motivos y melodías en capas armónicas, fue la clave del éxito de Boston.

El buque insignia del álbum, “More Than a Feeling”, es la mejor canción que Boston jamás haya creado. Es una canción de rock perfecta en muchos sentidos. Sholz tardó cinco años en perfeccionarla y su insistencia seguramente valió la pena.

Nº 41 en la lista de los 500 mejores álbumes.

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Fleetwood Mac (Rumours) 1977

Rumours es el mejor disco y el más popular de la banda anglo-americana Fleetwood Mac, ganador de un premio Grammy, y del que se han vendido más de 40 millones de copias en todo el mundo, siendo uno de los álbumes de mayores ventas de todos los tiempos.

En Rumours, Fleetwood Mac convirtió su agitada vida privada en un arte público brillante y melódico. Las dos parejas de la banda, el bajista John McViey la cantante y teclista Christine McVie y el guitarrista Lindsey Buckingham y la vocalista Stevie Nicks, estaban en medio de rupturas durante las prolongadas sesiones del álbum. Esto le dio un aura confesional muy cargada a canciones como “Go Your Own Way” de Buckingham, “Dreams” de Nicks, “Don’t Stop” de Christine

Tras su lanzamiento en febrero de 1977, llegó a vender 800.000 copias por semana en su máximo apogeo, y su éxito hizo de Fleetwood Mac un fenómeno cultural. Se convirtió en un tótem de los excesos de los años setenta. Rumours es un producto de ese momento y sirve como un criterio por el cual medimos cuán “setentas” eran los setenta.

Sin embargo, es difícil no entrar en la mitología de Rumours tanto como un álbum, como un paradigma de la cultura pop. Un registro impecable sacado de los restos de la vida real de los miembros de la banda. Como uno de los álbumes fundamentales del rock clásico, se mantiene mejor que cualquier otro éxito comercial de esa época. Ahora podemos usarlo como una especie de punto de referencia nostálgico, que ya no hay grupos como ese, que no hay una banda de rock tan apetecible que edite el álbum más vendido en los Estados Unidos durante 31 semanas. Rumours era simplemente perfecto.

Nº 26 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Club de Música ULE. Exposición “Los Discos del Cambio” (VII) Hubo vida después de The Beatles. Obras maestras de las bandas británicas en los setenta

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The Who (Who’s Next) 1971

Pete Townshend estaba lleno de ideas al llegar el cambio de década. The Who venía de su álbum más monumental, Tommy (1969), y la gira masiva que le siguió. Una generación entera quedo maravillada por el trabajo. Tommy fue un hito cultural que dejó a Townshend descolocado: ¿qué será lo próximo?

Para el guitarrista y principal compositor de la banda, la respuesta fue: otra ópera rock.

En 1970, Townshend comenzó a armar un nuevo proyecto para el quinto LP de la banda, Lifehouse, que era, como Tommy, un álbum conceptual. Pero Lifehouse se encontró algunos baches en el camino, entre otros, nadie podía dar sentido a aquella maldita cosa con un mínimo de coherencia.

Así que desechó a Lifehouse, aprovechó algunas de las canciones ya compuestas y comenzó a crear un sencillo disco de rock & roll. El resultado: Who’s Next. Se lanzó en agosto de 1971, y se mantiene como el mejor álbum de los Who. Una explosión guitarrera, con letras que despiertan las conciencias e himnos que ya son clásicos absolutos del rock.

Después de la publicación de Who’s Next, que llegó al nº 4 en las listas, Townshend hizo un pequeño par de intentos antes de decidirse por Quadrophenia, otra ópera rock que casi iguala a Tommy en el catálogo de los Who. Pero Who’s Next es su mejor trabajo. Despojados de las ambiciones, expectativas y pretensiones con las que se estaban enredando, crearon un álbum de puro rock & roll. Hubo un momento en que los Who eran una de las bandas más grandes e importantes de la música. Who’s Next prueba por qué.

Nº 28 en la lista de los 500 mejores álbumes.

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Pink Floyd (The Dark Side of the Moon) 1973

The Dark Side of the Moon era una expresión de empatía política, filosófica y humanitaria que estaba desesperada por salir”, afirma Roger Waters, bajista y principal compositor de Pink Floyd. Venerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. “Dark Side” aborda crudamente temas de la vida cotidiana como la angustia, la soledad, la locura, la avaricia o la religión.

A pesar de haber mantenido el Nº 1 solo una semana, el álbum continúa manteniendo el récord de la mayor cantidad de semanas registradas en el Billboard 200 (cerca de 800 semanas) y fue una constante en esta lista de ventas desde su lanzamiento inicial, en 1973, hasta 1988. Se estima que vendió más de 45 millones de copias en todo el mundo, mientras que su legado artístico es posiblemente aún mayor.

Grabado en los Abbey Road Studios de Londres entre mayo de 1972 y enero de 1973, y habiendo sido desarrollado y ensayado durante una serie de presentaciones en vivo en los meses precedentes, “The Dark Side of the Moon” es la última expresión del arte sónico de Pink Floyd: un álbum conceptual que disecciona con precisión de cirujano, todas las inquietudes y miserias de su tiempo. Pero a pesar de esto, aún conserva la capacidad de deslumbrar y asombrar en la actualidad.

Nº 43 en la lista de los mejores 500 álbumes.