Genesis (Selling England by the Pound) 1973

La formación clásica de Genesis estaba en su nivel más alto musicalmente cuando publicaron en 1973 “Selling England by the Pound”. La banda tuvo una progresión constante desde principios de la década de los setenta. Lo que se puede encontrar en este soberbio trabajo es un clímax que fusiona el rock progresivo, un fondo abiertamente teatral con la influencia del folk inglés, todo ello coronado con un increíble virtuosismo instrumental. Sin duda es uno de los mejores álbumes de la historia del rock progresivo.

“Selling England”  podría describirse como una antología de cuentos, entretejidos pero separados. Contiene un montón de alusiones literarias (T.S. Eliot en “The Cinema Show”, Tolkien en “The Battle of Epping Forest”). El álbum llegó al tercer puesto en las listas del Reino Unido y ha sido descrito como “el álbum definitivo de Genesis”.

Aquí la música no está limitada por el dogma no escrito de los tres minutos, sino que las pistas se extienden durante largos períodos para contar historias con temas musicales recurrentes que a menudo regresan en diferentes formas. Las letras evocan imágenes en tu mente; son inteligentes, a veces divertidas y contienen esa especialidad de Gabriel que son los juegos de palabras.

NEW YORK - NOVEMBER 20: Rock group Genesis (L-R: Tony Banks, Phil Collins, Peter Gabriel, Mike Rutherford, Steve Hackett) pose for a portrait on November 20, 1973 in New York City, New York. GENESIS: SUM OF THE PARTS. Copyright: David Gahr/ GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_017.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_009.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_00 9.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_013.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_013.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_014.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_014.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_010.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_010.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_016.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_016.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_015.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_015.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_011.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_011.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_012.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_012.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_001.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_001.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_002.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_002.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_003.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_003.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_004.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_004.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_005.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_005.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_006.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_006.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_007.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_007.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_008.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_008.JPG Terms of Use | Privacy Policy | Feedback © 2014 CBS Broadcasting Inc. All Rights Reserved NEW YORK - NOVEMBER 20: Rock group Genesis (L-R: Tony Banks, Phil Collins, Peter Gabriel, Mike Rutherford, Steve Hackett) pose for a portrait on November 20, 1973 in New York City, New York. GENESIS: SUM OF THE PARTS. Copyright: David Gahr

Genesis en 1973: Tony Banks, Phil Collins, Peter Gabriel, Mike Rutherford y Steve Hackett. Fotografía: David Gahr

El álbum está repleto de música que es insuperable. Todo suena, todo encaja, todo inspira. Aquí están todos esos ingredientes que hacen que el rock progresivo de principios de los setenta sea tan incomparable. En “Selling England by the Pound”, el ambiente y la atmósfera que se crea es tan variada, que te atrapa y te arrastra sin remedio.

Por encima de todo está la maravillosa instrumentación. La única palabra que se puede usar es majestuosa. Aquí hay magníficos músicos que crean las formas más increíbles, los solos son verdaderamente sensacionales. De Steve Hackett se puede decir que su forma de tocar va más allá del tradicional guitarrista, aquí hay un verdadero virtuoso. El trabajo de piano y teclado de Tony Banks también es igualmente espléndido. Phil Collins en la batería y el bajo de Mike Rutherford añaden mucho más que una simple base rítmica. Todo ello presidido por Peter Gabriel, que da rienda suelta a todo su genio tanto lírico como teatral.

“Selling England by the Pound” no es solo uno de los mejores álbumes del subgénero del rock progresivo, sino que trasciende a esa etiqueta y se ubica como uno de los mejores de todos los tiempos. Y cuando lo escuchas, no es difícil ver por qué. Es único, tiene un gran sonido, tiene canciones maravillosas y es todo por lo que una banda debería esforzarse cuando hace un álbum: recuperar todos los puntos fuertes de cada álbum anterior y perfeccionarlos. Y eso es lo que hace que este disco sea tan genial.

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Nino Rota (B.S.O. Romeo y Julieta) 50º Aniversario

De “Romeo y Julieta” siempre se dice que es la primera tragedia romántica escrita, pero en realidad no es una tragedia. Es un malentendido trágico. Romeo y Julieta no tienen defectos, y no tienen la edad suficiente para ser culpados de nada, solo son esclavos de su inocencia y de la inconsciencia de su amor. Mueren a causa de la pelea entre sus familias, los Montescos y los Capuletos. Al escribir la obra, Shakespeare comenzó a dar forma al drama moderno, en el que los destinos de la gente común son tan cruciales como los de los poderosos.

“Romeo y Julieta” ha sido filmada muchas veces de muchas maneras; Norma Shearer y Leslie Howard protagonizaron la primera versión de Hollywood en 1936. Renato Castellani dirigió en 1954 a Lawrence Harvey y Susan Shentall en una versión ajustada al texto original. Las transformaciones modernas incluyen “West Side Story” de Robert Wise (1961), que lleva el conflicto a la guerra de pandillas en Nueva York; “China Girl” de Abel Ferrara (1987), sobre un romance prohibido entre una niña de Chinatown y un niño de Little Italy, y “Romeo + Juliet” de Baz Luhrmann (1996), donde cuenta la historia de unos jóvenes enamorados en Verona Beach, en un intento de dar un nuevo marco modernizado a la historia. Pero es probable que la mejor versión cinematográfica siga siendo, y lo será durante muchos años, la producción de 1968 de Franco Zeffirelli.

Su decisión crucial, en una película donde casi todo fue bien, fue elegir actores que tuvieran la edad adecuada para interpretar a los personajes (como obviamente no lo eran Howard y Shearer). Después de una búsqueda internacional bien publicitada, Zeffirelli seleccionó, entre 500 aspirantes, a la maravillosa Olivia Hussey, una actriz anglo-argentina de 16 años, y Leonard Whiting, un británico de 17 años.

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Zeffirelli dirigiendo a Olivia Hussey y Leonard Whiting. Foto: Rex Shutterstock

Pero una parte muy importante del resultado final de la película, y del éxito y popularidad que consiguió, se debe a la memorable partitura compuesta por Nino Rota. La banda sonora original de la película, fue uno de los álbumes de cine más vendidos de la historia del cine.

El compositor italiano Nino Rota, más conocido por su prolífica composición de partituras de películas, también fue un estimable profesor de música y compositor clásico que trabajó en óperas, ballets, misas y piezas orquestales y de cámara. Aunque trabajó con una variedad de directores, fue más conocido por componer la música de las películas más memorables de Federico Fellini y Francis Ford Coppola.

Rota decoró el paisaje sonoro de la película con ecos renacentistas, instrumentos de la época, fanfarrias, danzas de aquel periodo como pavanas o zarabandas. Rota comprendió que Romeo y Julieta eran el canto por excelencia del amor romántico, que su música personificaba plenamente su anhelo, ardor y angustia. Su creación es ahora icónica, y ha pasado a la leyenda de la música cinematográfica. El tema del amor fue luego interpretado como una canción, “A Time For Us”, fue arreglado por Henry Mancini. Rápidamente se convirtió en una sensación, liderando las listas en 1969 durante dos semanas. Esto llevó a muchos a pensar que Mancini escribió la melodía, en lugar de Rota.

El compositor Nino Rota. Foto: Keystone / Hulton Archive / Getty Images

Del tema de amor del film se grabaron dos canciones. La versión de la película se titula “What is a Youth”, con letra de Eugene Walter y cantada por Glen Weston. Esta versión fue lanzada en la edición de la banda sonora original. La versión alternativa, se tituló “A Time for Us”, con letra de Larry Kusik y Eddie Snyder, sobre los arreglos de Henri Mancini. Esta fue grabada por Johnny Mathis y Andy Williams, entre otros.

El sello que publicó la banda sonora original, Capitol Records, posteriormente lanzó otros tres álbumes inspirados en la partitura original. La popularidad del primero de ellos, fue lo que llevó a Capitol Records a lanzar este conjunto de cuatro discos recogiendo todas las pistas vocales y musicales de la película.

La partitura de Nino Rota es simplemente arrebatadora. Hay una inocencia eterna en esta música. No hay ningún tipo de artificio en esta composición. Es simple, delicada y hermosa.

Romeo y Julieta (Edición en CD de Cloud Nine Records)

Suite con una selección de los temas de la banda sonora

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Henri Mancini (Love theme from ‘Romeo and Juliet’) 1969

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Glen Weston (What Is a Youth) 1968

Andy Williams (A Time For Us) 1969

Montserrat Caballé (1933-2018). Adiós a la última “Prima Donna”

Montserrat Caballé, durante una actuación en 1979 en Viena.

Fotografía: Agence France-Presse

20 de abril de 1965. Montserrat Caballé es llamada para sustituir a la entonces diva de la ópera Marilyn Horne, en el papel principal de “Lucrezia Borgia” de Donizetti, en una versión en concierto en el Carnegie Hall de Nueva York. El éxito es absoluto y el diario The New York Times enjuicia su actuación con este titular: “Callas + Tebaldi = Caballé”Comenzaba la leyenda de esta artista universal fallecida el pasado 6 de octubre en su Barcelona natal.

En su última entrevista concedida a la prensa, pocos días antes de su muerte, Philippe Caloni le preguntó a María Callas si, en su opinión, tenía alguna sucesora. Ella respondió afirmando inequívocamente: “solo a Montserrat Caballé”. En 1980, a Renata Tebaldi se le preguntó qué pensaba del estado del bel canto en todo el mundo. Su respuesta fue simple: solo queda una prima donna: Montserrat Caballé. Ese mismo año, Magda Olivero, una de las últimas grandes sopranos del verismo, dijo: “los cantantes debemos arrodillarnos y agradecer a Dios por una voz como la de Caballé”.

Las tres divas tenían razón: Montserrat Caballé es considerada como una de las más grandes cantantes en la historia de la ópera. Según los biógrafos Robert Pullen y Stephen Jay Taylor, su grandeza como artista se ha basado principalmente en sus cualidades vocales: una de las voces más bellas y versátiles de la historia, aliada a una técnica virtualmente impecable. Además, muy pocos cantantes en la historia de la ópera, pueden reclamar un repertorio tan amplio, que incluye virtualmente toda la gama  posible de papeles del espectro de la lírica. Montserrat Caballé aparecerá en los anales de la historia operística como la poseedora de la voz más hermosa de su época.

Montserrat Caballé en sus inicios en el Liceo. Fotografía: Gran Teatre del Liceu de Barcelona

María de Montserrat Bibiana Concepción Caballé Folch nació en Barcelona el 12 de abril de 1933. Era hija de Carlos Caballé i Borrás y de su esposa, Anna Folch. Conoció los horrores la la Guerra Civil Española. Cuando tenía cuatro años, fue bombardeada su casa. Su fortuna cambió cuando una familia adinerada le pagó siete años de estudios en el Liceo, el conservatorio que había dado su nombre al templo de la ópera de su ciudad. Allí ganó la medalla de oro en 1954.

Ella afirmó que le debía prácticamente todo lo que había logrado a dos devotas maestras, Eugenia Kemeny y Conchita Badia, esta última una notable soprano española. Kemeny, que a la vez era atleta y cantante, enseñó a la joven Montserrat los estrictos ejercicios de respiración que practicó a lo largo de su carrera. A estos maestros, al incansable apoyo de su hermano Carlos y a su indomable voluntad, ella debía la longevidad de su carrera.

En 1956 comenzó su largo peregrinaje hasta llegar a esa mítica fecha de 1965 que comentábamos al principio. Primero en la ópera de Basilea, comenzó con pequeños papeles y trabajó como camarera. Posteriormente se mudó a Bremen en 1959. donde ya ejecutó papeles protagonistas en obras como “La Traviata” o “Madame Butterfly”. También actuó en templos de la ópera como La Scala de Milán, pero en papeles pequeños.

Danny Kaye y Luciano Pavarotti besan a Montserrat Caballé en los camerinos de la Ópera de San Francisco, en 1978.

El actor Danny Kaye y Luciano Pavarotti besan a Montserrat Caballé en los camerinos de la Ópera de San Francisco, en 1978. Fotografía: Ira Nowinski (Corbis / VCG – Getty Images)

A partir de su aclamada actuación esa mítica noche de abril de 1965, que además supuso su debut en Estados Unidos. “Cuando Caballé comenzó su primer aria, hubo un cambio perceptible en la atmósfera”, escribió el crítico John Gruen en el New York Herald Tribune . “Parecía por un momento que todos habían dejado de respirar”.

Caballé asumió la mayoría de los papeles principales para sopranos, incluyendo “Tosca” de Puccini, Mimi en “La Boheme”, también de Puccini , Violetta en “La Traviata” de Verdi y su favorita, “Salome” de Richard Strauss.

Pero si en algo destacó Montserrat Caballé, era en afrontar propuestas más arriesgadas y no encasillarse, ni conformarse con cantar siempre el mismo repertorio. Aunque su faceta más conocida son las obras del bel canto italiano del siglo XIX, incluyendo obras de compositores como Bellini, Donizetti y Puccini. Caballé también estaba cómoda con la música del siglo XVIII de Handel y Mozart; las óperas alemanas de Richard Wagner y Richard Strauss; y obras del siglo XX de Stravinsky, Prokofiev y Berg.

Montserrat Caballé, entre las ruinas del Gran Teatro del Liceo, devastado por un incendio, durante la grabación del programa 'Informe Semanal' de TVE, en 1994. Para la historia han quedado imágenes como las lágrimas de la artista ante el teatro del Liceo, la que fue su segunda casa, convertido en cenizas, y en cuya reconstrucción se implicó de forma personal.

Montserrat Caballé, entre las ruinas del Gran Teatro del Liceo, devastado por un incendio en 1994. Fotografía: EFE / TVE

En conciertos y recitales, Caballé amplió su repertorio para incluir canciones populares,  y, ocasionalmente, duetos con otros cantantes, incluido su esposo, el tenor Bernabé Martí.

Uno de sus compañeros de canto más improbables fue Freddie Mercury, el carismático vocalista de Queen, que idolatraba a Caballé y asistía a menudo a sus actuaciones. Su álbum de 1988, “Barcelona”,  fue uno de los últimos éxitos de Mercury antes de su muerte en 1991. Durante los años posteriores, Caballé lució una cinta roja en sus conciertos para mostrar su apoyo a la investigación sobre el SIDA.

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Freddie Mercury y Montserrat Caballé en las sesiones de grabación de “Barcelona” 

Montserrat Caballé ha sido la última “Prima Donna” en todos los sentidos del término. Ella encarnaba lo que significaba ser una estrella de la ópera: era temperamental, teatral, imperiosa y, sobre todo, profundamente musical.

Amplia selección de sus mejores interpretaciones

Geoff Emerick (1945-2018). El artesano que moldeó el sonido de The Beatles

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Geoff Emerick y Paul McCartney (17/Mayo/1967). Fotografía: Beatles Book Photo Library 

Aunque a George Martin generalmente se le atribuye la creación del sonido de The Beatles, los ingenieros de sonido de Abbey Road fueron clave para ayudar al grupo a realizar sus visiones. Podría decirse que ninguno fue tan influyente y crucial como Geoff Emerick, quien trabajó con The Beatles entre 1966 y 1969. Emerick falleció el pasado día 2 de octubre.

Incluso si Geoff Emerick, quien murió después de un ataque cardíaco a los 72 años, nunca hubiera grabado una nota con los Beatles, su lista de créditos como ingeniero y productor sería impresionante. Desde Art Garfunkel, Elvis Costello, Supertramp y Ultravox hasta Big Country, Mahavishnu Orchestra y Jeff Beck. Incluso diseñó la cinta de demostración de Kate Bush (producida por David Gilmour de Pink Floyd) que le aseguró un contrato de grabación con EMI.

Emerick nació en Londres el 5 de diciembre de 1945 y se unió a la discográfica EMI a la edad de 15 años. Participó en la primera sesión en EMI de The Beatles, el 6 de junio de 1962, en su primera semana de trabajo. Ayudó en varias sesiones de “Please, Please Me”, “With The Beatles” y “A Hard Day’s Night”.

REINO UNIDO - 01 DE ENERO: ABBEY RD STUDIOS Foto de George MARTIN y Geoff EMERICK, George Martin (productor de los Beatles) y Geoff Emerick (ingeniero de sonido del estudio de los Beatles de 1966 a 1970), posados ​​en una mesa de mezclas en Abbey Road Studios (Foto de Phil Dent / Redferns)

George Martin y Geoff Emerick en Abbey Road (1995). Foto: Phil Dent / Getty Images.

En abril de 1966, a la edad de 20 años, Emerick fue ascendido a ingeniero en la primera sesión de “Revolver”. La primera canción que se grabó fue “Tomorrow Never Knows”. Emerick lo recordaba así: “El gerente del estudio me llamó a su oficina y me preguntó si me gustaría ser el ingeniero de The Beatles. ¡Eso me cogió un poco por sorpresa! De hecho me aterrorizó. Recuerdo haber jugado un juego mentalmente, ¿debo decir que sí? ¿debo decir que no? La responsabilidad era enorme, pero dije que sí, pensando que aceptaría los golpes cuando llegasen”.

El hecho de que se pudiera enfrentar al desafío de esta extraordinaria pista (superándolo con nota) y su mezcla de psicodelia y ritmos orientales (incluida la famosa solicitud de John Lennon para que su voz sonara como “miles de monjes tibetanos cantando en la cima de una montaña”) fue una señal muy clara para su futuro con los Fab Four.

“El papel del ingeniero cambió con “Tomorrow Never Knows”. Ya no estaba allí solo para capturar el sonido. Ahora estaba creándolo”.

A lo largo de los años, llevó la tecnología del estudio a sus límites, inventando nuevas técnicas para manipular y combinar sonidos con la tecnología tan limitada disponible en los años sesenta.

Brian Epstein (izquierda), George Martin y Geoff Emerick (derecha) en la cabina de control en EMI Studios durante la transmisión de “Our World”. Foto: Associated Press

Pero sus experimentos no siempre tuvieron la debida aprobación. El truco de colocar los micrófonos justo al lado de la batería para capturar la energía y la inmediatez de la interpretación de Ringo Starr, lo metió en problemas con los altos mandos de Abbey Road “Recibí una carta que decía que estaba dañando los micrófonos porque la presión del aire del bombo estaba destruyendo las cápsulas del micrófono”, dijo a la estación de radio estadounidense NPR en 1987. “Pero me dieron un permiso especial para usar esa técnica con The Beatles”.

Trabajando en estrecha colaboración con el productor George Martin, Emerick fue el encargado de las incursiones más aventureras de los Beatles: “Revolver”(1966), “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967) y “Abbey Road” (1969), así como gran parte de “Magical Mystery Tour” ( 1967) y del Álbum Blanco (1968). Además, Emerick diseñó la transmisión televisiva mundial en vivo de “All You Need Is Love” en junio de 1967 (la primera vez que se intentaba semejante hazaña) y lo que muchos llaman el mejor single de doble cara jamás lanzado: “Penny Lane” / “Strawberry Fields Forever” (1967). Su innovador enfoque como ingeniero de sonido le valió cuatro premios Grammy.

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The Beatles (Tomorrow Never Knows) 1966

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The Beatles (A Day in the Life) 1967

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Wings (Band on the Run) 1973

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Supertramp (Give a Little Bit) 1977

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Paul McCartney (Tug of War) 1982

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Ultravox (Hymn) 1982

 

 

The Tibbs (18/Octubre/2014)

18-10-2018

 21 horas
 Centro Cultural Unicaja Banco. C/ Santa Nonia 4 – León

ENTRADAS   (6 €):   a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50%  de descuento: miembros la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Discípulos del Northern Soul y verdaderos conocedores de los fundamentos del Funk. The Tibbs son sin duda una de las mejores bandas de la escena retro Soul europea.

Echar un vistazo a su discografía da buena cuenta de ello. En 2014, tan solo dos años después de su formación, los de Ámsterdam publican su primer single en el sello Tramp Records. “Footprints in the Sand” se convierte así en su primera referencia editada.

Ese mismo año el grupo publica una demo a la que le seguirá en 2016 su fichaje por Record Kicks. El prestigioso sello italiano, que ya cuenta entre sus filas con artistas como Hannah Williams o Calibro 35, lanza al mercado “Takin´Over”, exitoso primer Lp que servirá para que la prensa especializada acabe comparando la voz de Elsa Bekmancon la de Janis Joplin. Y es que escuchar a la cantante de The Tibbs nos lleva a acordarnos de su poderosa voz pero también de la de su admirada Beth Hart.

Al igual que ellas, The Tibbs, con su apasionada frontwoman al frente, son animales del
escenario: organo Hammond, trompeta, saxo y saxo barítono repletos de Groove, regalando canciones como “Lies”, avance del nuevo larga duración que van a estar presentando en directo.

Video “Next Time” http://bit.ly/2GvWaJv

Video “Lies” http://bit.ly/2BEF3Bz

Video “Wild Way (Live)” http://bit.ly/2Eoybv7

Video “Washed My Hands (Live)” http://bit.ly/2rQBOaJ

Web http://thetibbs.nl

Charles Aznavour (1924-2018). 5 Canciones para Recordar al Patriarca de la Chanson

Charles Aznavour, à Paris, en 2005.

Fotografía: Richard Dumas / Agence VU

Hay muertes que van más allá del fallecimiento de interesado. Muere una época concreta con ellos. La desaparición de Charles Aznavour, acaecida el pasado día 1 de octubre, baja el telón de los grandes “chansonnier”. Aquellos nacidos y curtidos en los Cabaret y Music Hall parisinos, muchos de ellos en la orilla izquierda del Sena. A los Trenet y Chevalier, les sucedió otra generación, cuyo último eslabón se rompió hace pocos días.

Charles Aznavour fue uno de los artistas más populares de Francia. Apodado cariñosamente el “Frank Sinatra” Francés. Dotado de una voz muy personal, que es tan clara en las notas superiores como profunda en sus notas bajas. Fue un prolífico cantante con una carrera que abarcó varias décadas. Ha cautivado a generaciones de amantes de la música con su voz melodiosa y sus canciones evocadoras. Es una personalidad multifacética que ha escrito más de 1.200 canciones y cantado en ocho idiomas. Junto a su ilustre carrera como cantante, también siguió una carrera como actor, apareciendo en más de 60 películas.

Reflejar la trayectoria musical de Aznavour en unas pocas canciones es casi imposible. Es un hombre que vivió su vida al máximo, hubo subidas y bajadas, felicidad y tragedia, todo esto lo inspiró a contar su vida, sus emociones y sentimientos a través de la música que creó durante toda su carrera.

“No me expreso particularmente bien cuando hablo, pero cuando escribo, las palabras y las melodías fluyen”, dijo Charles Aznavour a The Telegraph en 2001.

Eddie Constantine, Edith Piaf et Charles Aznavour

Eddie Constantine, Edith Piaf y Charles Aznavour. Foto: Getty / Daniele Darolle

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Hier Encore (1964)

Aznavour tenía solo 40 años cuando escribió esta canción de nostálgico recuerdo de la juventud; Una canción que captura de manera devastadora la visión de todos los sueños perdidos.

La canción fue un éxito en los Estados Unidos en la versión del cantante de country Roy Clark; también Bing Crosby, Andy Williams, Shirley Bassey y Dusty Springfield grabaron versiones de la misma.

Pero nunca se superó el doloroso sentimiento de resignación del original de Aznavour, acentuado por su característico estilo al cantar.

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Apres l’Amour (1955)

“Usted desliza sus dedos en mi camisa abierta” – Après l’Amour es una representación caprichosa y lánguida de una pareja acostada en la cama después de hacer el amor.

“Envueltos en las hojas retorcidas, nos mantenemos entrelazados”, canta.

Fue prohibida su radiodifusión por el gobierno francés. Pero una vez que se levantó la prohibición a finales de la década de 1960, se convirtió en una de sus canciones más queridas.

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She (1974)

Su mayor éxito en el Reino Unido, fue escrita como tema principal de la serie de 1974 de la BBC “The Seven Faces of Women”.

La canción necesitaba unir las siete historias separadas de la serie, cada una representando mujeres contemporáneas en diferentes etapas de la vida, por lo que la mujer a la que Aznavour canta, nunca se menciona.

Originalmente, los productores querían que Marlene Dietrich grabara la canción, pero el letrista, Herbert Kretzmer, impuso que fuera Aznavour quien la cantara.

Aznavour se mantuvo cuatro semanas en el número uno con este registro; pero tardó más en convertirse en un éxito en su país de origen.

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La Bohème (1965)

“La Boheme” recuerda Montmartre, donde los pintores rara vez podían comer, pero donde el arte y el amor eran suficientes para mantenerlos.

Una oda a los tiempos más sencillos “cuando me moría de hambre y posabas desnuda”, también es un lamento por la pérdida de la juventud.

“Cuando, en un día cualquiera, salgo a caminar a mi antigua dirección”, canta Aznavour, “Montmartre parece triste y las lilas están muertas”.

Tal fue la popularidad de la canción que grabó versiones en italiano, español, portugués, inglés y alemán.

También la cantó en casi todos sus conciertos, frecuentemente sacando un pañuelo y usándolo como el trapo de un pintor, tocando un lienzo invisible mientras cantaba. Cuando dejaba caer el pañuelo al suelo, inevitablemente había una lucha entre la audiencia para recuperarlo.

Venecia sin tí (1965)

Sin duda la canción más famosa y aclamada de Aznavour en España. Número 1 en 1965, radiada y bailada (aquellos lentos) sin descanso en aquella época.

Nirvana (In Utero) 25º Aniversario

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Cuando se publicó “Nevermind” en septiembre de 1991,  Nirvana  cambió para siempre el rock y empujó al genio responsable de su creación, al resplandor de un mundo del espectáculo para el que no estaba preparado. La historia de Kurt Cobain terminó en tragedia menos de tres años después. Incapaz de manejar su fama, en conflicto con las expectativas que tenía de sí mismo y de las que sentía que otros tenían de él, se suicidó en abril de 1994. Pero antes de su muerte, Nirvana lanzó otro álbum de estudio, “In Utero”. El pasado 21 de septiembre se cumplieron 25 años de su publicación.

A pesar de que fue un éxito comercial inmenso, los tres miembros de Nirvana habían expresado su insatisfacción con la pulida producción de “Nevermind”. Con esto en mente, la producción de “In Utero” se redujo considerablemente y se grabó en solo dos semanas. Producido por Steve Albini, el álbum suena crudo y abrasivo. Fue casi rechazado por el sello del grupo DGC. Finalmente la banda contrató a un productor secundario para hacer cambios menores en los dos singles del álbum. Aún así, el álbum se instaló inmediatamente en la cima de las listas de álbumes tras su lanzamiento, y desde entonces ha recibido cinco discos de platino.

La banda originalmente quería grabar durante el verano de 1992, pero una serie de circunstancias lo hicieron imposible. En octubre de 1992, grabaron varios temas instrumentales durante una sesión en Seattle con Jack Endino, quien había producido el álbum debut del grupo en 1989, “Bleach”. En enero de 1993, el grupo grabó otro conjunto de demos durante una gira por Brasil. Usando estas demos, junto con otro material compuesto ya en 1990, Albini y los miembros de la banda decidieron imponerse un plazo de dos semanas para grabar y pagaron las sesiones de su propio bolsillo para limitar las interferencias de la discográfica.

Nirvana tocando en el especial “MTV Live and Loud” (Diciembre 1993)

Fotografía de Jeff Kravitz

Casi todo en “In Utero” es una reacción a “Nervermind”: las letras son a veces confusas y furiosas, atrapadas en la confusión que viene con la fama, mientras profundizan en asuntos personales. Incluso su pista más pop, el single “Heart-Shaped Box” tiene un tono de guitarra sucio y pesado y un solo disonante. Todo gracias al productor Steve Albini.

Albini fue elegido para producir “In Utero” específicamente porque era lo opuesto de Butch Vig, su anterior productor. Albini, mediante diferentes métodos, aparentemente más simples, logra una producción más seca y austera: micrófonos bien ubicados, habitaciones espaciosas con buena acústica y un empeño en emular el sonido en vivo. Incluso con pistas vocales adicionales, cuerdas y sobregrabaciones de guitarra, el registro aún suena crudo.

Como álbum, está lejos de la escucha suave y brillante de su predecesor. Cobain quería demostrar su valía a sí mismo, casi arrepentirse del éxito anterior, porque consideraba que se había vendido. También quería continuar criticando a los universitarios pijos, a los garrulos blancos y a los yuppies que conducían coches de importación, y que se habían sentido atraídos por “Nevermind”. Él era un producto del underground musical. “In Utero” aborda esto con éxito.

Krist Novoselic, Kurt Cobain y Dave Grohl (Nirvana)

Quería sentir que no había traicionado a su público o que les despreciara. Necesitaba convencerles que había sido algo coyuntural, la masiva llegada de nuevos fans de la banda que solo conocían “Nevermind”. “In Utero” es una instantánea, un vistazo al alma de un hombre en permanente lucha consigo mismo. En última instancia, sería una especie de epitafio

Pero toda la influencia revolucionaria que Nirvana representó como fuerza musical pura, el talento compositivo y la tormentosa personalidad de Cobain fueron la verdadera clave de su gran éxito, y la verdadera razón por la cual su legado continúa, siendo diseccionado y recordado mucho después de que el resto de sus contemporáneos  del “Grunge” cayeran en el más absoluto de los olvidos.

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