Manassas (1972)

Durante el transcurso de su carrera, Stephen Stills ha sido miembro de varios grupos. En Buffalo Springfield compartió liderazgo creativo con Neil Young y, con el paso del tiempo, con Richie Furay. Los eternos Crosby, Stills & Nash son básicamente tres artistas solistas que crean su música y luego se unen de vez en cuando para grabar y hacer una gira. Manassas, a pesar de su corta duración, fue una banda en el sentido clásico de la palabra, aunque con el completo control de Stills. Su álbum de debut  fue uno de sus mejores logros creativos.

Stills reunió lo que era casi un grupo perfecto. Su amigo Chris Hillman, que estaba aburriéndose como una ostra con los Flying Burrito Brothers, era el guitarrista rítmico, tocaba la mandolina, y probablemente lo más importante, era la segunda voz del grupo. Los viejos amigos Calvin “Fuzzy” Samuels en el bajo y el batería Dallas Taylor también formaron parte. El resto de la banda estaba formado por el guitarrista y vocalista Al Perkins, el teclista Paul Harris y el percusionista Joe Lala.

Lanzado en abril de 1972, su auto-titulado álbum debut, fue uno de los mejores lanzamientos de la década y sigue siendo un álbum excelente 45 años más tarde. Fue uno de los pocos álbumes dobles que realmente merecieron dos discos. El nombre del grupo surgió por casualidad, al fotografiarse en la estación de Manassas (Virginia), después de una de sus primeras actuaciones. Es la foto que ilustra la cubierta del álbum.

Paul Harris, Joe Lala, Chris Hillman, Dallas Taylor, Calvin “Fuzzy” Samuels, Stephen Stills y Al Perkins

El concepto del álbum es más fácil de seguir en el formato original en vinilo. Se dividió en cuatro secciones, cada una de ellas subtitulada y comprendiendo una cara de cada disco.  También la edición original vino acompañada con el cartel, las fotos, y las letras manuscritas. Todo eso se perdió en la reedición en CD.

La primera parte, titulada “The Raven”, es una combinación de rock y sonidos latinos, incluyendo magníficos temas como “Song of Love”, en dónde las guitarras del dúo Stills / Hillman cobran un protagonismo mayúsculo. El extraordinario meddley “Rock & Roll Crazies / “Cuban Bluegrass”, dejará fascinado al oyente a la primera escucha. Otras canciones reseñables son “Anyway” y un glorioso “Both Of Us (Bound To Lose)”, con una jam final realmente soberbia.

La cara dos, “The Wilderness”, tiene un delicicioso sabor campestre a country y bluegrass. El verdadero tesoro es “So Begins the Task”, que combina la guitarra acústica de Stills con el virtuosismo de la steel guitar de Perkins. “Fallen Eagle”, “Colorado” y “Don’t Look at my Shadow”, donde se siente el suave toque de Chris Hillman, son otros temas a reseñar.

La tercera parte, “Consider”, va en una dirección cercana al folk rock.“It´s Doesn´t Matter”, fue el gran hit del álbum, es realmente la esencia de lo que aportaron Perkins y Hillman a la banda, y “Johnny’s Garden” es un “presunto” homenaje  a John Lennon. Otros comentan que esta dedicada al cuidador de la casa inglesa de Stills. “The Love Gangster”, co-escrito por Stills y Bill Wyman, cuenta lo que usted esperaría de un miembro de los Rolling Stones cuando se trata el tema de la destreza sexual. Como curiosidad reseñar que Wyman, histórico bajista de los Stones, comentó que dejaría al grupo de Jagger, para unirse a Manassas. Seguramente nadie se lo propuso.

La cara cuatro es “Rock & Roll Is Here to Stay”, y el título se explica por sí mismo. Es un conjunto de rock y blues con uno de los hitos de la corta vida de Manassas, la épica “The Treasure”. Una especie de meditación Zen sobre el amor y la unidad, animada por el desarrollo musical más inspirado de la banda, “Blues Man” es un bonito homenaje a Jimi Hendrix, Al Wilson y Duane Allman.

Desafortunadamente, el álbum ha  sido ignorado a lo largo de los años, a pesar de que Stills lo considera uno de sus mejores trabajos. Hora es de hacer justicia con el.

Enlace al Álbum Completo

Actuación en la TV Alemana (Musikladen) 1972

Eduardo Rodrigo (1943-2017): Hilando Versos, Haciendo Canciones

La muerte nos rescata del olvido, aunque sea solo un momento. Esta máxima es perfectamente aplicable al recientemente fallecido Eduardo Rodrigo. La obra de este cantautor y compositor argentino, de padre español, ha quedado sumida en la nebulosa del tiempo, siendo conocido por el gran público, básicamente, por su matrimonio con Teresa Rabal, que le llevó a centrar su carrera en el mundo de la composición de temas destinados al público infantil. Suyas son las célebres composiciones “Veo, veo”, “De oca a oca”, “Me pongo de pie”, “Palmitas con palmitas” o “El avión de Teresa”.

Yo soy el primero en entonar el mea culpa. Seguramente sin la noticia de su muerte, nunca le hubiera dedicado una entrada. Hora es de reparar tamaña injusticia, y hacer una semblanza de una carrera, cuya enorme calidad es inversamente proporcional al poco conocimiento de la misma. De ese joven inmerso en su labor de folklorista, reivindicando la música autóctona de su país, hasta su evolución hacia la canción melódica.

Luis Eduardo Rodrigo nació en la ciudad argentina  de San Juan, el 15 de junio de 1943. Eduardo comenzó a escribir canciones y poemas a los 14 años. Estudió guitarra, armonía y composición, y se tituló como experto en folklore. La primera etapa de su carrera artística se desarrolló en Latinoamérica, donde publicó una veintena de discos con canciones como “Collar de Caracolas” y “Luna Playera”.

En 1959, a los 16 años de edad, obtiene el Primer Premio en el Encuentro de Poetas Noveles de San Miguel de Tucumán. En 1963 es la revelación del Festival de Cosquín, Córdoba, (Argentina). En esta fecha, cursando segundo de derecho, comienza a definir su vida profesional encauzando sus objetivos hacia la música tradicional con textos nuevos y frescos en el panorama nacional argentino y comienza su carrera en Buenos Aires. Luego, Debuta en la televisión argentina. Actúa en Series, Fotonovelas y en dos películas: “Ritmo, amor y juventud” y “Cosquín, amor y Folclore”.

Collar de Caracolas (1963)

De 1964 a 1969, graba 20 LPs, editando en Argentina, Chile, España, Uruguay, Venezuela, Paraguay, Japón, etc…, colocándose en los primeros puestos de las listas de venta. En esta etapa también obtiene premios en Festivales: Piriapolis, Viña del Mar y otros. Actúa en estadios tales como: Velez, San Lorenzo etc… Otros grandes éxitos son “Pedrito”, “Nuestra Noche”, “Zamba de Ud”.

En 1970 realiza su primera gira europea: Italia, Francia y España. En España graba su poema premiado por Instituto de Cultura Hispánica “Los ojos de Charlie”, basando el tema argumental en el suceso trágico de Charlie Manson y Sharon Tate, acompañándole una gran orquesta dirigida por el maestro Torregrosa.  En 1971 obtiene el primer premio y el de la Crítica del Festival de Almería.  En 1972 obtiene también el primer premio del Festival de Benidorm con su canción “A María yo Encontré”.

En 1973 se afinca definitivamente en España, grabando para la RCA. Compone bandas sonoras para el cine y TVE, acompañándole un gran éxito con sus canciones, como: “Indio”, “Por eso te quiero”, “Uds. Mujeres”, etc… Sus éxitos ocupan los primeros puestos en las listas españolas durante varios años. Escribe “Se necesita Presidente”, una obra que critica el desarrollo político los discursos y acciones en la gestión de los países al sur de Norteamérica. Esta obra sufre la prohibición de su representación por el tinte político de la misma.

A María yo Encontré (1972)

En 1974. Codirige, produce y transforma en musical la obra teatral “Gigí” de Colette. En Madrid estuvo dos años en cartel, luego de una gira de extraordinario éxito. Obra por la cual Teresa Rabal , logra el “Margarita Xirgu”, premio a la Mejor Actriz.  En 1977, el 1º de Mayo, se casa con ella. Actriz y cantante, hija de los actores Asunción Balaguer y Francisco Rabal. La boda se realiza en una pequeña aldea murciana “La Cuesta de Gos”, campamento minero donde nació Paco Rabal. A esta boda asisten más de 6.000 invitados.

Actúa en TV y por toda España. Compone canciones para otros intérpretes, (Nino Bravo, Gloria, Antonio, los Machucambos, Teresa Rabal, etc….). Realiza las adaptaciones al mundo musical hispano de muchos temas ingleses. Compone las bandas sonoras de películas: “Ambiciosa”. “La fierecilla domada” “loca por el circo”.  En 1979. Comienza a incursionar en el mundo de la cancón infantil y compone una obra musical para niños que titula “Una cigarra llamada Teresa”. La estrena Teresa Rabal en el teatro de la Villa, obteniendo un gran éxito, que motiva la permanencia por varias semanas más.

Gloria (Por eso te Quiero) 1971 (Compuesta por Eduardo Rodrigo)

En 1980 el gran éxito de Teresa Rabal con los temas infantiles obliga al matrimonio a organizar sus conciertos en recintos de mayor aforo (plazas de toros, polideportivos) y deciden este año, hacerse con una gigantesca carpa para 4.600 localidades, para recorrer toda España con su espectáculo. Nace “El Circo Infantil de Teresa Rabal“ que viaja continuamente actuando por toda España, alternando con apariciones televisivas y grabaciones de discos. La gira dura diez años.

En 1984 produjo el exitoso largometraje, “Loca por el Circo”, con guión y música de él mismo, y protagonizado por su mujer.

Por estas fechas, logra colocarse entre los cuatro autores de lengua hispana más cantados en el mundo con más de mil obras musicales grabadas por diferentes artistas de diferentes nacionalidades. Entre éstas se incluyen obras musicales de teatro, televisión y 240 temas infantiles con más de 2.000.000 de copias vendidas.

El último gran éxito de Eduardo Rodrigo fue la obra de su autoría “Emmanuel”. Musical de corte religioso basado en la vida de Jesucristo, que grabó junto a su mujer Teresa Rabal, acompañados por la orquesta y coros de Televisión Española con 112 músicos, 90 voces y ballet.

Eduardo Rodrigo falleció en Madrid, el lunes 17 de abril de 2017 a la edad de 73 años.

Zamba de Usted (1964)

Indio (1972)

Teresa Rabal & Eduardo Rodrigo (Ustedes los Hombres) 1977

Emmanuel (Extracto de la Obra) 1996

 

Olga Morral (28/Abril/2017)

OLGA MORRAL (ACORDEÓN)

CICLO JUVENTUDES MUSICALES

Viernes 28  Abril – 20:15 H.

Teatro el Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla

Olga Morral Bisbal nace en Cerdanyola del Vallès (Barcelona) en 1992. Inicia sus estudios de acordeón a los 8 años de la mano de Raquel Prat en la Escuela de Música de Cerdanyola del Vallès. Posteriormente estudia con la profesora Pilar Planavila.

En 2015 finaliza el Grado Superior en el Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene) con Iñaki Alberdi, donde también ha estudiado con Miren Iñarga y Aitor Furundarena.

Actualmente continúa su formación en la Hochschule für Musik de Würzburg con el profesor Stefan Hussong. Asimismo ha recibido Masterclass de Alexey Artemiev, Janne Rättyä y Veli Kujala.

Como intérprete ha tocado en la Quincena Musical de San Sebastián y ha colaborado con la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) actuando en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada.

Entre sus galardones destacan el Tercer Premio en el Certamen Internacional de acordeón Arrasate Hiria (2014) y el Primer Premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España en la modalidad de acordeón (2014). En la actualidad está becada por la Fundación Alexander von Humboldt.

PROGRAMA

Antonio de Cabezón (1510-1566)

Diferencias sobre La Dama le Demanda

Francisco José Domínguez Robles (*1993)

Tres Nocturnos (2014)

W.A. Mozart (1756-1791)

Andante en Fa M KV.616

Keiko Harada (*1968)

BOOK I (2010)

Joseph Haydn (1732-1809)

Sonata en Re M Hob.XVI:33

Toshio Hosokawa (*1955)

Melodia (1979)

J.S. Bach (1865-1750)

English Suite en La m BWV 807

Pierre Henry & Michel Colombier (Messe Pour le Temps Présent) 50ºAniversario

En 1967 el coreógrafo Maurice Béjart  encargó a Pierre Henry la composición de la música que iba a acompañar a su próxima creación, Henry pidió la colaboración del músico Michel Colombier para componer las partes instrumentales, mientras que el se dedicaría a la parte electroacústica.

Para este ballet Bejart utilizó música tradicional india y japonesa, e incluso marchas militares, pero su enorme popularidad se debió sobre todo a los temas pop que firmaron Pierre Henry y Michel Colombier. Henry era un destacado compositor de música contemporánea, conocido por ser el fundador junto con el otro Pierre (Schaeffer) de la escuela de música concreta. Colombier, por su parte, era compositor de bandas sonoras y arreglista de discos de pop (colaboró en muchos de los de Serge Gainsbourg, por ejemplo).

El Coreógrafo Maurice Béjart

La música concreta está ligada a la posibilidad de des-contextualizar un sonido (sea un sonido instrumental o del ambiente) grabándolo en un soporte analógico o digital con el fin de tratar este sonido de manera separada cortándolo, pegándolo, superponiéndolo y luego combinar los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y definitiva, una especie de partitura. Por esta razón, se habla igualmente de “música de sonidos fijados”, fijados en un soporte: cinta, CD, computadora.

Esta revolución de sonidos hizo explotar toda la estructura habitual de la música, porque la forma musical dada al escuchar el sonido de una puerta resulto de la misma importancia que la de una melodía tocada al violín.

Pierre Henry

“Messe Pour le Temps Présent” se convirtió rápidamente en superventas en las listas de pop y clásica, sirvió para romper las infranqueables barreras entre los estilos y contribuyó a la popularización de la música contemporánea. “Psyché Rock” fue la pieza más difundida, pero el resto de los temas no desmerecen. Y aunque casi todo el mérito se lo llevó Pierre Henry, hay que reconocer que la mayor parte le corresponde en realidad a Colombier, responsable de esos ritmos y líneas melódicas pegadizas y del toque psicodélico. Henry “sólo” aportó los efectos electrónicos que daban a los temas una espectacularidad desconocida hasta ese momento. De hecho otras incursiones de Henry en el terreno pop no fueron tan afortunadas.

Estamos pues ante un disco mítico, cuya leyenda está totalmente justificada. Algunos críticos lo ven como los primeros balbuceos de la música electrónica o como muestra del pop más avanzado de aquella época, sea como fuere, es un disco excepcional, con una influencia en otros músicos que no ha hecho sino crecer con el paso de los años. Recordar especialmente el tema “Psyché Rock”, verdadero mascarón de proa del álbum. Cincuenta años después de su publicación suena tan actual como entonces, y se siguen haciendo remezclas del mismo. Sirvió como sintonía durante muchos años para el programa “Estudio Abierto” de José María Íñigo. En los últimos años ha cobrado nueva fama remezclado por “Fatboy Slim” en 1997, además de inspirar el tema de cabecera de la serie “Futurama”.

Selección de Temas del Disco

Germán López (21/Abril/2017)

GERMÁN LÓPEZ (FOLK CONTEMPORÁNEO)

Viernes, 21 abril, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

GERMÁN LÓPEZ, timple

ANTONIO TOLEDO, guitarra

Germán López, nace en Gran Canaria en 1983.

Desde muy temprana edad comienza a realizar actuaciones en público, siendo seleccionado por diversos certámenes para jóvenes talentos.

En el año 2006 edita su primer disco en solitario: “Timplissimo”, producido por José Antonio Ramos, y en el que participan músicos de la talla de Carlos Oramas, Javier Massó Caramelo, el percusionista Sergio Martínez, etc. Desde entonces, Germán López ha participado en el festival WOMAD, Mercat de la Música Viva de VIC, Expozaragoza… además de realizar múltiples conciertos por la geografía canaria y peninsular, destacando el mítico “Café Central” de Madrid, donde presentó su segundo disco en solitario Silencio Roto, producido por Andreas Prittwitz y con la participación de Víctor Merlo y Antonio Serrano entre otros. Participa en la grabación de un cd y dvd en directo Homenaje a Totoyo Millares, además del cd y dvd La Noche de José Antonio, homenaje realizado al que fuera su maestro desde los cinco años de edad, José Antonio Ramos. En 2011 graba un disco junto al prestigioso guitarrista Yul Ballesteros (Somethin Stupid), en el que las melodías del folclore canario se funden con temas pop de Michael Jackson, Eric Clapton, Sting…

En 2013 y 2014 realiza una gira de presentación insular y peninsular de su cuarto cd “De Raíz” además de colaborar habitualmente con grupos como Mestisay y Taburiente (En Busca de Valentina), Luis Morera (Morera y López), Domingo El Colorao (Malpaís), etc. Participa también como representante canario en el Womad de Cáceres y Fuerteventura 2014. Destaca su participación en el “Opening Concert” del Womex 2014, compartiendo escenario y cartel con músicos de la talla de Jorge Pardo, Mercedes Peón y Budiño entre otros. Durante el 2015 realiza conciertos en Polonia, Hungría o Canadá.

Ha colaborado con artistas y bandas como Pancho Amat, Milladoiro, Troveros de Asieta, Jorge Pardo, Mestisay, Celina Pereira, Sidiki Diabate, Andreas Prittwitz, The Lost Fingers, Nancy Vieira o Taburiente entre otros.

En el año 2015 realiza una gira promocional de su nuevo cd junto Yul Ballesteros, “Don´t Worry Be Happy”, además de realizar un proyecto conjunto con otros timplistas sobre la relación del timple con sus “parientes” como el cavaquinho, el ukelele o el charango, etc. El proyecto lleva por título Timples y Otras Pequeñas Guitarras del Mundo y se ha editado en cd durante ese mismo año.

En la actualidad, Germán López está centrado en la promoción internacional de su música a través de su último disco, Canela y Limón, grabado junto al guitarrista gaditano Antonio Toledo. Con este proyecto han recorrido en gira países como EEUU, Canadá, Portugal, República Checa, Croacia y Alemania entre otros. El año próximo realizará una nueva gira por EEUU y Canadá además de dar el salto al continente asiático con una gira por China.

En la actualidad, Germán López está centrado en la promoción internacional de su música a través de su último disco, “Canela y Limón”, grabado junto al guitarrista gaditano Antonio Toledo. Con este proyecto han recorrido en gira países como EEUU, Canadá, Portugal, República Checa, Croacia y Alemania entre otros. El año próximo realizará una nueva gira por EEUU y Canadá además de dar el salto al continente asiático con una gira por China.

Mapa Sonoro (Germán López) RTVE 2014

Germán López & Antonio Toledo (Imaginando Folías) 2015

75º Aniversario de la Muerte de Miguel Hernández: Serrat Canta al Poeta

En 1972, en el apogeo de su talento, Joan Manuel Serrat publicó “Miguel Hernández”, un álbum de referencia que pone música a las palabras de uno de los más grandes poetas españoles. Serrat había conseguido una popularidad y un éxito increíbles gracias a “Dedicado a Antonio Machado” y “Mediterráneo”. Fue entonces cuando decidió grabar uno de sus discos más pesimistas. No podía ser de otra manera si pretendía musicar a Miguel Hernández. Los textos elegidos cobraban mucho significado con Franco todavía en el poder. Le salió un trabajo impecable, sobrio y enérgico, en el que los versos del poeta se adaptan con una naturalidad pasmosa a los registros y las melodías de Serrat. Josefina Manresa, viuda de Hernández, agradeció tantas y tantas veces que se hubiera hecho este disco, que el propio Serrat llegó a sentir vergüenza, porque no quería restarle protagonismo a las letras.

Treinta y ocho años más tarde, con ocasión del centenario del nacimiento de Hernández, Serrat volvió a visitar la obra del poeta oriolano en “Hijo de la Luz y de la Sombra”.

Joan Manuel Serrat (Miguel Hernández) 1972

Las situaciones en las que se grabaron los dos álbumes son completamente distintas. Serrat ya ha dejado de ser el huracán que volvió al mundo de habla hispana al revés entre 1965 y 1974, una influencia comparable sólo a lo que hizo Georges Brassens para la lengua francesa o Bob Dylan para el inglés. Además, la reputación de Hernández ha sufrido un cambio radical, desde ser un poeta prohibido y, por tanto, casi olvidado durante el régimen franquista, a uno de las principales figuras de la literatura española del siglo XX.

El álbum de Serrat en 1972 – Franco todavía estaba vivo y en el poder – era un gesto desafiante y revolucionario. Su álbum de 2010 es simplemente un anhelo, un tributo lleno de ternura. Sin embargo, es imposible no comparar ambos álbumes, no sólo porque su fuente y el artista son los mismos, sino también porque sus diferencias pueden ser más iluminadoras que sus similitudes. En lugar de ser “Miguel Hernández”, Pt. 2, “Hijo de la Luz y de la Sombra” parece considerar la obra de Hernández desde otra perspectiva. Si el resultado final del álbum de 1972 fue contribuir en gran medida a la construcción de Miguel Hernández como símbolo de resistencia política. En su lugar, el disco de 2010 pide al oyente que preste atención a su poesía.

Joan Manuel Serrat (Hijo de la Luz y de la Sombra ) 2010

El álbum de 1972 era tan negro como su portada, su uniformidad de tono enviaba escalofríos por la columna vertebral, una historia angustiosa de sufrimiento, ira y desesperación tras otra, todo ello con austeros y elegíacos arreglos. Por el contrario, el álbum de 2010 elige en su lugar mirar la obra entera de Hernández, desde sus obras juveniles románticas hasta sus poemas sombríos tardíos, enriqueciendo esta colección con una mayor variedad de temas.

Los arreglos de Joan Albert Amargós, completamente distintos a la soberbia orquestación de Francesc Burrull en 1972, son sorprendentemente más ligeros, incluso para los textos más oscuros como “El Hambre”. La comparación con una temática similar como “Nanas de la Cebolla” del álbum de 1972 es sorprendente. En particular, el uso de voces de fondo, que hubieran estado completamente fuera de lugar en la primera colección.

“Hijo de la Luz y de la Sombra” no llega a la altura de la primera aproximación de Serrat a la obra del poeta. Pero, sin embargo, esto no hace que sea un mal álbum. Lejos de ahí, es uno de los lanzamientos de Serrat más interesantes de los últimos tiempos. La voz de Serrat puede haber perdido la fuerza que tenía en 1972, pero puede moverse adecuadamente, sobre todo cuando se trata de textos que obviamente significan mucho para él, como la canción que da nombre al álbum. Huelga decir que las palabras hipnotizantes de Hernández son base suficiente para una garantía de calidad y emoción en cualquier álbum.

Las Tres Heridas de Miguel Hernández

(Documental de la Asociación Cultural Orihuela 2010)

Emmylou Harris: La Reina del Country Cumple 70 años

Aunque otros artistas han vendido más discos y son más famosos, pocos han tenido un impacto tan profundo en la música contemporánea como Emmylou Harris. Bendecida con una voz cristalina, un don notable para el fraseo, y un espíritu creativo inquieto, ella ha tenido una trayectoria artística singular, llevando orgullosa la antorcha de la música americana pasada por su mentor Gram Parsons. Pocas estrellas de la música han creado un cuerpo musical tan extenso como consistentemente, iconoclasta, ecléctico o atrevido; Después de casi cinco décadas de carrera, sus últimos trabajos son tan sinceros, visionarios y vitales como sus primeras grabaciones. El domingo 2 de abril cumplió 70 años.

Harris nació el 2 de abril de 1947, en una familia, cuyo padre militar estaba destinado en Birmingham, Alabama. Después de pasar gran parte de su infancia en Carolina del Norte, se trasladó a Woodbridge, Virginia, donde se graduó en la escuela secundaria. Después de ganar una beca para la Universidad de Carolina del Norte, comenzó a introducirse seriamente en la música, aprendiendo a tocar canciones de Bob Dylan y Joan Baez. Pronto Harris estaba actuando en un dúo con su compañero de estudios Mike Williams, abandonando la Universidad para mudarse a Nueva York, para encontrar una comunidad de músicos de folk languideciendo a causa de la psicodelia.

Sin embargo, Harris permaneció en Nueva York, actuando en el circuito de salas del Greenwich Village antes de convertirse en un habitual de Gerdes Folk City, donde se unió con otros amigos folkies. Después de casarse con el compositor Tom Slocum en 1969, grabó su LP de debut, “Gliding Bird”. El álbum contiene cinco composiciones folk de Harris, influidas por Joan Baez y Joni Mitchell, así como versiones de temas country de Bob Dylan y Fred Neil. Poco después del lanzamiento del disco, la discográfica de Harris se declaró en bancarrota, y mientras esperaba su primer hijo, su matrimonio comenzó a desmoronarse. Después de mudarse a Nashville, ella y Slocum se divorciaron, dejando sola a Harris para criar a su hija Hallie por su cuenta. Después de varios meses de lucha y pocos recursos económicos, regresó con sus padres, que habían comprado una granja a las afueras de Washington.

Gliding Bird (1969) Enlace al Álbum

Allí ella volvió a actuar, formando un trío con los músicos locales Gerry Mule y Tom Guidera. Una noche de 1971, mientras tocaba en un club llamado Clyde’s, el trío tocó a una multitud que incluía a miembros de los pioneros del country rock, los Flying Burrito Brothers. A causa de la salida de Gram Parsons, el fundador de la banda, los Burritos estaban liderados por el ex Byrd Chris Hillman, que estaba tan impresionado por el talento de Harris que consideró invitarla a unirse al grupo. En cambio, Hillman los dejó para unirse a Stephen Stills en su proyecto de Manassas, pero le recomendó a Parsons, que quería una vocalista femenina para completar el sonido de su primer trabajo en solitario. Su conexión fue instantánea, y pronto Harris se fue introduciendo en la música country cantando en el debut en solitario de Parsons , el álbum “GP” de 1972, y en 1973 regresaron al estudio para grabar el siguiente LP de Parsons “Grievous Angel”.

Gram Parsons & Emmylou Harris (Love Hurts) 1973

El 19 de septiembre, pocas semanas después de que terminaran las sesiones del álbum, la mala vida de Parsons le pasó factura, y lo encontraron muerto en una habitación de hotel en el parque nacional de Joshua Tree en California. En ese momento, Harris estaba de vuelta en Washington, recogiendo a su hija para un traslado planeado a la costa oeste. En cambio, permaneció allí, reuniéndose con Tom Guidera para formar la Angel Band. El grupo firmó con Reprise y se trasladó a Los Ángeles para comenzar a trabajar en el 2º álbum de Harris, después del anecdótico “Gliding Bird”. “Pieces of the Sky” es una impecable colección de canciones compuestas en gran parte por diversas influencias que iban desde Merle Haggard hasta los Beatles. Fue producido por Brian Ahern, que se encargaría de dirigir los siguientes trabajos de Harris,  tanto como para convertirse en su segundo marido.

En este maravilloso álbum, Emmylou Harris establece rápidamente el patrón que seguiría la gran mayoría de sus trabajos posteriores: “Pieces of the Sky” es valientemente ecléctico, está impecablemente realizado y es dolorosamente hermoso. En medio de una colección de canciones impresionante, emerge la pieza central del disco, y quizás la canción más icónica de Harris,”Boulder to Birmingham”, que es su sentido homenaje a Gram Parsons.

Boulder to Birmingham (1975)

Pieces of the Sky (1975) Enlace al Álbum

En 1975 grabó también su tercer álbum, el más vendido, “Elite Hotel”, con una nueva banda de acompañamiento, la mítica Hot Band, que incluyó a dos escuderos de Elvis Presley, el estratosférico guitarrista James Burton y el pianista Glen Hardin. “Elite Hotel” obtuvo el premio Grammy a la mejor interpretación vocal femenina de country y tuvo grandes éxitos con temas como “Together Again” (escrito por Buck Owens) y “Sweet Dreams” (escrito por Don Gibson).

Elite Hotel (1975) Enlace al Álbum

Antes del final de los años setenta, Harris editó cinco álbumes más. Por “Blue Kentucky Girl” de 1979 ganó un segundo Grammy. Fue el sexto disco consecutivo de oro de Harris. También cantó en el álbum de 1976 de Bob Dylan “Desire”. Harris dejó de hacer giras mientras estaba embarazada de su segundo hijo, Meghann, y en su lugar grabó un álbum navideño, “Light of the Stable” (1979), que contó con las voces invitadas de Dolly Parton, Neil Young y Linda Ronstadt.

Evangeline (1978) & The Band

Blue Kentucky Girl (1979)

Save the Last Dance for Me (1979)

Rose of Cimarron (1981)

El álbum de bluegrass acústico “Roses in the Snow” (1980), también fue de oro, al igual que “Evangeline” (1981), una recopilación de canciones de álbumes anteriores, incluyendo el dueto con The Band que llevaba el título del álbum. En ese tiempo, varios miembros clave de la Hot Band, incluyendo el cantante y compositor Ricky Skaggs, se fueron para comenzar sus carreras en solitario, y el matrimonio de Harris con Ahern comenzó a desintegrarse. Después de dos álbumes de estudio menos exitosos “Cimarron” de 1981 y “White Shoes” de 1983 y un trabajo en directo en 1982 “Last Date”, Harris y Ahern se separaron en 1983, y se ella se mudó de nuevo a Nashville.

Uniendo fuerzas con el cantante y compositor Paul Kennerley, con quien había trabajado antes, Harris escribió y grabó un álbum semi-autobiográfico, “The Ballad of Sally Rose”(1985). El álbum tuvo ventas mediocres, pero fue visto por los críticos como un momento definitorio en la evolución del estilo musical único de Harris, una mezcla de pop, folk, gospel y blues mezclados con una fuerte dosis de country puro y tradicional. Después de trabajar juntos, en 1985 Harris y Kennerley se casaron.

Después de dos más álbumes a solas, Harris registró “Trio” (1987) con Dolly Parton y Linda Ronstadt. El álbum se convirtió rápidamente en el mayor éxito de ventas de Harris hasta la fecha, con éxitos como “Telling Me Lies” y “Those Memories of You”. Cerró la década con otro álbum en solitario, “Bluebird” en 1989.

Emmylou Harris, Dolly Parton & Linda Ronstadt (To know Him Is To Love Him) 1987

Harris hizo un comienzo esplendoroso en la década de los noventa con el lanzamiento de “Brand New Dance” y “Duets”, este último fue una recopilación de duetos con artistas como George Jones, Willie Nelson o Gram Parsons. Con una nueva banda de acompañamiento, The Nash Ramblers, lanzó un segundo álbum en vivo, “At the Ryman” (1992). En 1993, Harris abandonó Warner / Reprise y firmó con Asylum Records. Su matrimonio con Paul Kennerley también terminó ese año.

Wheels of Love (1990)

The Price I Paid (1990) & Desert Rose Band

Wild Montana Skies (1990) & John Denver

Gulf Coast Highway (1990) & Willie Nelson

If I Needed You (1990) & Don Williams

Después del lanzamiento de “Cowgirl’s Prayer” (1993) y de “Songs of the West” (1994), Harris cambió de equipo y se unió al productor Daniel Lanois (mejor conocido por su trabajo con artistas como Dylan, U2 y Peter Gabriel). En 1995 edita “Wrecking Ball”. Más rockera que en sus anteriores álbumes, “Wrecking Ball” mostró la voz de Harris en canciones escritas por, entre otros, Neil Young y Jimi Hendrix. Fue un enorme éxito de crítica, el álbum ganó un Premio Grammy al Mejor Álbum Folk Contemporáneo y ayudó a revitalizar la carrera de Harris. Ese mismo año, lanzó una retrospectiva compilada en tres discos, “Portraits”, incluyendo canciones seleccionadas de sus años con Warner Bros.

Un relanzada Harris lanzó tres álbumes en 1998 y 1999, incluyendo “Spyboy”, “Trio II” y “Tucson Sessions”, con Linda Ronstadt. En 2000, Harris lanzó su primer álbum de material original en cinco años, el aclamado “Red Dirt Girl”, que contó con apariciones de Bruce Springsteen, Patti Scialfa y Dave Matthews.

En 2006, además de aparecer en el documental sobre la gira de Neil Young (Heart of Gold), se unió con el líder de los Dire Straits, Mark Knopfler con el objetivo de realizar una gira por toda Europa y Estados Unidos y grabar un disco. En este trabajo, además de las canciones más famosas de cada artista, se incluye un dueto, “All the Roadrunning”. El éxito en el mercado musical fue destacable, alcanzando el Top 10 en la lista de ventas estadounidense.

Emmylou Harris (Red Dirt Girl) 2000

Emmylou Harris & Mark Knopfler (All the Roadrunning) 2006

En 2008, por su extenso trabajo en la música country, fue incluida en el Country Music Hall of Fame. Harris lanzó su álbum de estudio nº 21 en 2011, “Hard Bargain”, que rindió homenaje a su mentor Gram Parsons. posteriormente lanzó un álbum de duetos con su viejo compañero de la Hot Band Rodney Crowell, llamado “Old Yellow Moon” en 2013, que ganó un Grammy en 2014 al mejor álbum de Americana Music. En 2015 ambos repetirían la experiencia con “The Traveling Kind”. En ese mismo año recibió en Estocolmo el Polar Music Prize, considerado el Nobel oficioso de la música.

Desde el año 1999, Harris celebra un tour nacional denominado “Concerts for a Landmine Free World” (“Conciertos por un mundo libre de minas”). Todos los beneficios obtenidos gracias a la venta de entradas van a parar a la “Asociación de Veteranos de Vietnam”, que año tras año ayuda a las víctimas inocentes de conflicto bélicos. La gira también tiene como objetivo concienciar de la permanencía de las minas antipersona en algunos países del mundo. Algunos de los artistas que se han unido a esta causa iniciada por Harris, han sido Mary Chapin Carpenter, Bruce Cockburn, Sheryl Crow, Steve Earle, Joan Baez, Patty Griffin, Nanci Griffith, Willie Nelson, y Lucinda Williams.

Emmylou Harris es también una defensora de los derechos de los animales y un miembro activo de la organización PETA. Harris ha fundado en Nashville un refugio para perros, que tiene como nombre “Bonaparte’s Retreat”, en honor al nombre de su perro ya fallecido. Allí los perros son cuidados, curados y adoptados por familias que se encargaran de ellos responsablemente.

Este es el resumen de cincuenta años de carrera de una artista única e imprescindible, edificada sobre un compromiso y una honestidad, cómo ha habido pocos en la historia de la música popular. Alejada de modas pasajeras. Ninguneada por una industria que solo busca el éxito fácil, y no entienden la fidelidad de esta extraordinaria mujer a las raíces de la música americana.

Elvis Costello dijo una vez que cantar con Emmylou Harris debía de ser lo más parecido a estar en el cielo. Escuchándola ya estamos en el.

Emmylou Harris & The Hot Band (Cowboy Angels) 1975

Emmylou Harris (Old Grey Whistle Test) 1977

Emmylou Harris (Concert Zürich) 1980

Emmylou Harris (BBC Sing Country) 1984

Emmylou Harris & The Nash Rambler (Live at the Ryman) 1991

Emmylou Harris (Concert Stuttgart) 2000

Emmylou Harris (10 Commandments of Country) 2008

Emmylou Harris & Rodney Crowell (Live at the Lincoln Center) 2014

Emmylou Harris con la guitarra que lleva su nombre (Gibson L-200 E. Harris)

Mikel Andueza (06/Abril/2017)

MIKEL ANDUEZA (JAZZ)

Jueves, 6 abril, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar

CONCIERTOS A.I.E. JAZZ

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla

MIKEL ANDUEZA, Considerado como uno de los saxofonistas más interesantes del país, ha grabado cuatro discos como líder para las discográficas más prestigiosas: BCN (Fresh Sound), Amusia  (Satchmo, seleccionado entre los mejores discos del año por El País), De Javier a San Javier, (Quadrant Records, encargo del Festival de Jazz de San Javier en reconocimiento a su trayectoria) y Cada 5 Segundos (Errabal Records, seleccionado Disco Imprescindible del año por El País).

Es profesor de Saxo especialista en Jazz en el Conservatorio Superior del País Vasco, MUSIKENE. Graduado en Saxofón Clásico por el Real Conservatorio Superior de Madrid con Matrícula de Honor en todos los cursos, Diplomado Cum Laude en Saxofón Jazz por el Berklee College of Music (U.S.A, Performance Awardcomo saxofonista más destacado de su promoción), Máster en Investigación del Desarrollo de las Capacidades Musicales por la Universidad Pública de Navarra, Doctorando en Psicodidáctica de la Educación por la Universidad del País Vasco.

En su amplia actividad jazzística ha colaborado con artistas de la talla de Manhattan Transfer, Phill Woods, Randy Brecker, Kurt Elling, Deborah Brown, Dusko Goikowich, Tete Montoliu, Dick Oatts, Single Swingers, etc.

Músico ecléctico con más de una treintena de discos de jazz grabados, en otras músicas ha colaborado con artistas como Rosa Pasos, Bebo Valdés, Miguel Bosé, Miguel Ríos, Víctor Manuel, Lucrecia, Jorge Drexler, Imanol, Santiago Segura, La Buena Vida, Karlos Arguiñano etc.

Como compositor, varios temas suyos han sido elegidos por diferentes medios para sintonía, como Urano (El Ojo Crítico, RNE), Cansino (Festival de Jazz de San Javier, Murcia), Caos (Onda Latina de Madrid).

También en la música clásica destaca desdesus inicios siendo seleccionado para la Joven Orquesta Nacional de España, colaborando después con la Orquesta de la Radio Televisión Española, Orquesta Sinfónica de Euskadi, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Banda Municipal de Donostia, Banda Municipal de Pamplona. Graba conciertos como solista para Radio Nacional de España, Televisión Española y Vía Digital, ofreciendo conciertos en numerosos países: EEUU, Portugal, Alemania, Andorra, Francia y Bélgica.

En el terreno teatral ha realizado distintas colaboraciones con el Harvard University Theatre (USA), con la Orquesta del Teatre LLíure (BCN), Vaivén Producciones y Kilkarrak.

Ha desarrollado una extensa labor pedagógica en escuelas especializadas en música moderna y jazz como la Escuela de Música Creativa de Madrid, Taller de Músicos de Barcelona, Aula Moderna del Conservatorio del Liceo de Barcelona, Conservatorio Superior de Navarra.

Mikel Andueza entrevistado en “La Hora Cultural” del Canal 24h (06/05/2016)

Mikel Andueza (Selección de Actuaciones)

Fremde Dúo (04/Abril/2017)

FREMDE DÚO

CANCIONES SIN PALABRAS

Martes, 4 abril, 2017 – 20:00 H.

Sala Río Selmo. Ponferrada

Fremde Dúo: Valentina Casades (arpa), Cristian Palau (trompa) – Juventudes Musicales de España

Arpa y trompa, dos instrumentos bien contrastados, se reúnen en un sonido común de la mano de Fremde Dúo, dueto musical integrado por Valentina Casades, arpa, y el solista de la Ópera de Hamburgo, Cristian Palau. El programa explora el repertorio propiamente escrito para la formación así como transcripciones hechas por los mismos intérpretes.

Programa

Lied para trompa y arpa (arr. para arpa) op. 28…..…………………………. L. Sinigaglia

Fantasía en do m para arpa sola, op. 35.………………………………………….. L. Spohr

Sonata para trompa y arpa, op. 94 …………………..…… ….…………………J. Koetsier

  1. Allegro
  2. Larguetto

       III. Allegro vivace

3 Romanzen op. 94 (arr. para trompa y arpa)………………………………. R. Schumann

  1. Nicht schnell
  2. Einfach, innig

       III. Nicht schnell

Viejo Zortzico ………………………………………………………………………….. J. Guridi

11 piezas op. 35, (arr. trompa y arpa)……………………………………………… G. Glière

  1. Romanza
  2. Vals triste
  3. Intermezzo