John Wetton (1949-2017). El último caballero del rock británico

John Wetton actuando con King Crimson en Londres (1973)

Fotografía: Ian Dickson / Redferns

El mundo hubiera sido un lugar mucho más pobre sin John Wetton y hoy es un lugar peor sin él. Esta aseveración que pudiera parecer exagerada, define a la perfección la calidad humana y artística de John Wetton. Desconocido por la mayor parte del gran público, nunca fue una estrella del rock que acapara titulares y reconocimiento. Pero sin embargo, su inmenso talento como bajista y cantante, le convirtió en casi imprescindible en la escena de la música progresiva de los años setenta y ochenta.

No hay otro músico del ámbito del prog rock con un currículum más impresionante que el de John Wetton. El catálogo de bandas de las que formó parte no tiene parangón. Mogul Thrash, Family, King Crimson, Roxy Music, Uriah Heep, UK o Wishbone Ash. Hasta culminar en la que le dio el mayor éxito y popularidad: Asia. Este mareante listado es buena prueba de la enorme calidad musical de Wetton. El próximo 31 de enero se cumplirán cuatro años de su fallecimiento a la temprana edad de 67 años.

John Kenneth Wetton nació el 12 de junio de 1949, en Willington, Derbyshire. Cuando John tenía 12 años, la familia se mudó a Bournemouth. Durante sus años escolares, tocó en varios grupos del estilo Shadows y Beatles, llegando finalmente al circuito local de R&B con el Grupo Palmer-James. Fue por esta época cuando conoció a Robert Fripp, quien jugaría un papel vital en su carrera más tarde. Su primera experiencia en una gran banda se produjo cuando se unió a Family en 1971. Apareció en dos de sus álbumes: “Fearless” y “Bandstand”.

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John Wetton en su etapa en King Crimson. Fotografía: Michael Ochs Archives / Getty Images

Es en este momento cuando Robert Fripp reaparece en su vida para unirse a la última reencarnación de King Crimson. Wetton finalmente se unió en 1972, actuando como cantante, bajista y compositor durante la corta pero legendaria serie de álbumes de 1973 a 1974, “Larks ‘Tongues in Aspic”, “Starless and Bible Black”  y “Red”.

Fripp disolvió King Crimson en 1974, cuando parecía estar a punto de llegar a un público más amplio. “Entonces no entendí las razones de Robert”, dijo Wetton en 1999, “y todavía no lo entiendo”. Wetton fue rebotando en la escena musical británica. Su producción de estudio de mediados de los setenta incluyó dos discos con Uriah Heep, y un puñado de álbumes de Bryan Ferry. También estuvo de gira brevemente con Roxy Music, apareciendo en varias pistas en su álbum en vivo de 1976, “Viva!”.

Finalmente, Wetton se reunió con el batería de King Crimson, Bill Bruford, y junto a Eddie Jobson (Frank Zappa, Roxy Music, Jethro Tull) y Allan Holdsworth, formaron UK. El grupo se separó en 1979. En 1980, Wetton lanzó su primer álbum en solitario.

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Imagen sin acreditar

A finales  de 1980, Wetton estaba hablando con el manager Brian Lane sobre formar otra banda. Este le presentó a los ex miembros de Yes, Steve Howe y Geoff Downes. Y así, en enero de 1981, con el añadido del extraordinario batería Carl palmer, nació Asia, el primer “supergrupo” de los años 80. Con su experiencia colectiva, produjeron un álbum debut homónimo, que fue el disco más vendido en los Estados Unidos en 1982, permaneciendo en el número uno en las listas durante 9 semanas. Se convirtió en oro y platino en todos los continentes.

El año siguiente vio el lanzamiento del segundo trabajo de Asia, “Alpha”. Después de ese álbum, Wetton dejó el grupo por un corto tiempo, reemplazado por Greg Lake. Lake hizo una gira con el grupo, pero luego Wetton volvió al redil. Se quedó con el grupo hasta su próximo lanzamiento, “Astra” en 1985.

Asia continuó lanzando álbumes a lo largo de la década de 1980, pero ninguno tuvo el éxito del primero. Las personalidades descomunales de los miembros de la banda se enfrentaron a veces, y la alineación cambió periódicamente.

Formación original de Asia: Steve Howe, Geoff Downes, John Wetton y Carl Palmer. Imagen sin acreditar

A partir de ese momento comienzan las continuas idas y venidas de Wetton con Asia, combinado con proyectos en solitario, o con su buen amigo, Phil Manzanera. En 2006 de produjo la reunión de la formación original de Asia y lanzaron el álbum de estudio “Phoenix”, que fue seguido por tres más, con la participación de Wetton en los años siguientes: “Omega” (2010), “XXX” (2012) y “Gravitas” (2014). En enero de 2017, Wetton anunció que la mala salud lo obligaba a retirarse de las fechas iniciales de una gira de Asia por los Estados Unidos programada para la primavera y el verano de ese año. El 31 de enero murió mientras dormía en su casa en Bournemouth a los 67 años, después de lo que su sitio web describió como “una batalla larga y valiente contra el cáncer de colon”.

Nadie mejor que todos aquellos que compartieron su actividad musical con Wetton para condensar su carrera y su enorme calidad humana.

“Con el fallecimiento de mi buen amigo y colaborador musical, John Wetton, el mundo pierde otro gigante musical”, escribió el batería de Asia, y anteriormente de Emerson, Lake & Palmer, Carl Palmer en un comunicado. “John fue una persona amable que creó algunas de las melodías y letras más duraderas de la música popular moderna. Como músico, fue valiente e innovador, con una voz que llevó la música de Asia a la cima de las listas de todo el mundo Su habilidad para triunfar sobre el abuso del alcohol lo convirtió en una inspiración para muchos que también han luchado en esa batalla. Para aquellos de nosotros que lo conocimos y trabajamos con él, su valiente lucha contra el cáncer fue una inspiración más. Extrañaré su talento, su sentido del humor y su sonrisa contagiosa. Que puedas viajar tranquilo, mi viejo amigo”.

Fotografía: Mary Ann Burns

“Será recordado como uno de los mejores talentos musicales del mundo, y soy uno de muchos que fui completamente bendecido por su influencia”, escribió su también compañero en Asia, Geoff Downes en una larga publicación. “Fue un gran privilegio para mí haber trabajado con este genio tan de cerca en nuestros numerosos proyectos juntos a lo largo de los años. Su bajo fue revolucionario. Su voz era de los dioses. Sus composiciones, fuera de este mundo. Su sentido de la melodía y armonía, irreal. Era literalmente especial”.

“La vida no será la misma sin él”, añadió Downes. “Y las palabras no son realmente suficientes para describir la pérdida que siento en este momento, y los muchos amigos y fans de todo el mundo también lo sentirán. Es el final de una era para todos nosotros. Pero seguiremos adelante: la música de John Wetton debe escucharse fuerte y clara desde las alturas”.

Family (Spanish Tide) 1971

King Crimson (Easy Money) 1973

Roxy Music (Out of the Blue) 1975

Uriah Heep (Return To Fantasy) 1975

UK (Nothing To Lose) 1979

Asia ( Heat of the Moment) 1982

Asia (Sole Survivor) 1982

Asia (The Smile Has Left Your Eyes) 1983. Versión en directo 2013

John Wetton (You’re Not the Only One) 1994

Icon – Wetton / Downes (In the End) 2005

Asia (Never Again) 2008

Asia (Finger on the Trigger)2010

Asia (Face on the Bridge) 2012

Asia (Valkyrie) 2014

Eric Clapton (For John W. ) Tributo a John Wetton 2017

 

Ultravox (Vienna) 40º Aniversario

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Ultravox  fue un grupo británico en la formaron parte una generación de músicos que adoptaron diversos géneros musicales. En sus comienzos su estilo era una mezcla de “Punk” y “Glam Rock”, influenciados por grupos como Roxy Music y The New York Dolls, o solistas como David Bowie y Brian Eno. Más tarde harían su incursión más a fondo en la música electrónica, influenciados por la música de sintetizadores como la de Kraftwerk, consiguiendo sacar lo mejor de este sonido, así Ultravox fue uno de los primeros exponentes del pop electrónico británico de comienzos de los ochenta.

Los orígenes de Ultravox! (inicialmente con exclamación, como homenaje a la banda alemana Neu!), se remontan a los mediados de los años setenta, cuando John Foxx, Chris Cross, Billie Currie, Steve Shears y Warren Cann fichan por Island y toman este nombre definitivo con el que funcionar. En los meses anteriores habían dado forma a un proyecto musical (sin un nombre definitivo) fuertemente influido por el Glam de Bowie y Roxy Music, además de mostrar interés por sonidos provenientes de Alemania como el Kraut Rock y el Tecno, así como el naciente punk que recorría las calles de Gran Bretaña.

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Ultravox en su primera etapa, liderado por John Foxx, en el centro de la imagen. Fotografía: Keith Morris / Redferns

Después de publicar su tercer trabajo, que como los anteriores tuvo una más que discreta acogida, en 1978, y una vez que ya habían roto con su sello, las tensiones dentro del grupo estallan por completo. El vocalista John Foxx lleva ya un tiempo pensando en iniciar una carrera por su cuenta y anuncia que deja definitivamente el grupo, dejando al resto en tierra de nadie. Mientras Foxx comienza a trabajar en el que será su disco debut en solitario, “Metamatic”, el resto de la banda ocupa el tiempo colaborando con otras bandas.

Fue en una de aquellas colaboraciones, trabajando con Visage, donde Billie Currie, teclista del grupo, encuentra a Midge Ure, cantante y guitarrista escocés. Como la intención de Currie y el resto es continuar con el proyecto le proponen a este entrar en la banda para que les ayude a acabar de perfilar las canciones en las que ya estaban trabajando, el germen de “Vienna”, que vería la luz unos meses después, en 1980.

Midge Ure, un músico completo y con experiencia, que ya había conseguido un modesto éxito con la banda de glam-rock Slik en 1975-76; y en 1977 con otra banda Punk, The Rich Kids , con Glen Matlock recién salido de los Sex Pistols y con Rusty Egan. Con éste último y Steve Strange formó la banda Visage, al que más tarde se uniría Billy Currie.

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Ultravox con la formación que grabó “Vienna”: Warren Cann, Midge Ure, Chris Cross y Billy Currie. Fotografía: Hulton Archive / Getty Images

Bajo está formación, el 16 de Junio de 1980 editan el single “Sleepwalk” con la intención principal de conseguir un contrato con Chrysalis Records con los que publicaron su cuarto álbum, “Vienna” en noviembre de 1980. Producido en Alemania por Conny Plank, con un sonido “synthpop” muy pronunciado y que se convertiría en su mayor éxito. Muchos los incluyeron en el movimiento que en aquel entonces estaba surgiendo, el “New Romantic” con grupos como Visage, Depeche Mode o Spandau Ballet. El LP consiguió el nº 14 en las listas británicas. Otros éxitos del álbum fueron ”Passing strangers” y “All stood still”.

Realmente este álbum tuvo un arranque algo discreto, con poca relevancia de sus primeros singles, hasta que la canción que daba nombre al disco arrasó en todo el Reino Unido, convirtiéndose en una canción icónica del sonido de los primeros ochenta, alcanzando el nº 2 en las listas y que además les abrió definitivamente las puertas de Estados Unidos.

Encontramos en Vienna canciones como “New Europeans” o “Private Lives” en los que las guitarras mantienen su importancia, para compartir espacio con temas básicamente “synthpop” como ”Sleepwalk” o “Mr.X”. Pero si me tuviera que decantar por una, sería por la grandiosa “Astradyne” en la que Billie Currie combina con maestría los teclados y el violín, creando una atmósfera que nos evoca a Neu!, al Bowie de la época de “Heroes” o a sus amados Kraftwerk.

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Imagen del videoclip de la canción principal

En definitiva, un álbum extraordinario de una gran banda, hoy bastante menospreciada y olvidada, quizás por la deriva comercial de sus siguientes trabajos. Pero eso no puede obviar la enorme calidad de este trabajo, los nuevos caminos sonoros que exploró y el hecho de aportar una de las canciones fundamentales de la música de los ochenta.

ASTRADYNE (ENLACE A LA CANCIÓN)

VIENNA (ENLACE A LA CANCIÓN)

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

Felices “Navirockdades” 2019

La mayoría de los fanáticos del rock suponen que toda la música navideña es terrible. Si estar de acuerdo del todo con ello, de vez en cuando ocurre un milagro y se produce una gran canción navideña. Algunos de los mejores ejemplos provienen del Álbum de Navidad de Phil Spector de 1963. Tuvo el horrible destino de salir el día exacto en que John F. Kennedy fue asesinado, por lo que muy pocas personas tenían ganas de cantar “Frosty the Snowman”, pero se perdieron una obra maestra. Aquí hay algunas de las mejores y más memorables canciones navideñas de todos los tiempos, dentro del ámbito del rock.

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John Lennon (Happy Xmas (War Is Over)) 1971

El clásico de John Lennon no necesita presentación. Si bien es una canción de Navidad, fue más una plataforma para John y Yoko Ono, para mostrar su protesta contra la Guerra de Vietnam. La canción fue acompañada por vallas publicitarias gigantes en 12 ciudades importantes de todo el mundo.

Slade (Merry Christmas Everybody) 1973

Este éxito mundial de Slade es una de las canciones navideñas de Rock & Roll más reconocibles. La canción realmente comenzó su vida como una canción psicodélica. “Buy Me a Rocking Chair” escrita por el vocalista de la banda Noddy Holder en 1967. Es el disco más rápido que se haya vendido en Gran Bretaña, y de manera algo sorprendente se ha convertido en el single más vendido de Slade.

Resultado de imagen de A Merry Jingle - The Greedies

The Greedies (A Merry Jingle) 1978

En 1978, Phil Lynott tuvo la inspirada idea de reclutar a Steve Jones y Paul Cooke de los Sex Pistols, el brillante Gary Moore y Scott Gorham de Thin Lizzy, el extraordinario guitarrista Chris Spedding y el bajista de Dio Jimmy Bain para formar un supergrupo llamado “The Greedies”. Tocaron algunos conciertos juntos, antes de grabar su único sencillo “A Merry Jingle”. Hubiera sido increíble verlos actuar.

Resultado de imagen de Jingle Bell Rock - Bobby Helms

Bobby Helms (Jingle Bell Rock) 1957

Esta canción de Navidad del Rock & Roll de la vieja escuela, ha sido interpretada por un inmenso número de artistas. Pero el original de Bob Helms, lanzado en 1957, es la versión clásica y definitiva. Fue considerada la primera canción de Navidad de la era del Rock & Roll,

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Band Aid (Do They Know It’s Christmas) 1984

Otra canción que no necesita presentación. es la icónica “Do They Know Know It’s Christmas”, compuesta por Bob Geldof y Midge Ure. Se grabó para ayudar a aliviar la hambruna en Etiopía en 1984. La grabación original presenta no menos de 37 artistas. Entre ellos, lo más granado del pop rock británico e irlandés de la época. La canción ha sido regrabada tres veces desde entonces, pero la original sigue siendo la versión definitiva.

Resultado de imagen de En Dulci Jubilo - Mike Oldfield

Mike Oldfield (In Dulci Jubilo) 1975

“In Dulci Jubilo” es un villancico tradicional alemán del mismo título, más conocido en Inglaterra como “Good Christian Men Rejoice”. La versión de Mike Oldfield presenta un excelente trabajo de guitarra. Para tararearla todo el día.

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Darlene Love (Christmas (Baby please come home)) 1963

Como  Darlene Love le dijo a la revista Rolling Stone, se necesitaron tres judíos (Phil Spector, Jeff Barry y Ellie Greenwich) para escribir la mejor canción navideña de todos los tiempos. Ha habido infinidad de versiones, pero nadie puede igualar la emoción de Love y su poder vocal absoluto.

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Bruce Springsteen (Santa Claus Is Coming To Town) 1975

Grabado en un concierto en Long Island en diciembre de 1975, Bruce Springsteen lanzó la canción como cara B de “My Hometown” en 1985, y rápidamente se convirtió en un elemento básico de la música navideña. Springsteen generalmente canta la canción si está haciendo un concierto en Navidad, aunque ocasionalmente lo hace en otras épocas del año.

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The Beach Boys (Little Saint Nick) 1963

Aunque sufrió el mismo destino que el álbum de Phil Spector (llegando a las tiendas justo después de que JFK fuera asesinado), la canción de los Beach Boys, “Little Saint Nick”, logró ser un éxito. La canción es básicamente “Little Deuce Coupe” con diferente letra, pero “Little Saint Nick” ha logrado tener una vida más larga que la original.

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Chuck Berry (Run Rudolph Run) 1958

Grabada en la cima de la popularidad de Chuck Berry, en 1958, esta reescritura de “Little Queene” se destaca como uno de los grandes clásicos de Berry. Ha sido grabada también por Lynyrd Skynyrd, Hanson, Billy Idol y The Grateful Dead.

James Rhodes (Playlist. Rebeldes y Revolucionarios de la Música)

Este singular libro no es más que una introducción, visualmente impresionante, a la música clásica del maestro del piano, el británico, español de adopción, James Rhodes.

Rhodes,  hace que la música clásica sea accesible y emocionante para los lectores adolescentes, para quien está pensado el libro, que suelen creer que es “aburrida, irrelevante … y tan interesante como el álgebra”.

El libro contiene una introducción irreverente (que incluye un lamento sobre la presencia excesiva de hombres blancos, contrarrestado con sugerencias de mujeres talentosas y compositores de color). Apuntes biográficos de Bach, Mozart, Beethoven, Chopin, Schubert, Rachmaninoff y Ravel; descripciones de dos obras por cada uno; e información sobre teoría e historia de la música. El libro no es muy grueso (con las dimensiones de un LP) pero está lleno de detalles.

Usando un lenguaje coloquial, referencias de la cultura pop e incluso un emoji, Rhodes hace que la historia y la música cobren vida. Los collages surrealistas y psicodélicos de Martín O’Neill,  hacen también que sea una experiencia visual sorprendente.

Concierto de Navidad JJMM-ULE (15/Diciembre/2019)

15-12-2019

 12 H.
 AUDITORIO CIUDAD DE LEÓN

 

Entrada gratuita, con control de aforo en el acceso

 

CORO JUVENIL ÁNGEL BARJA

Stand By me – Arr: Anne Raugh & Deke Sharon

Goza mi Calipso – Albert Hernández

Da rosa rosiña (Pop. Galicia) – Arr: Julio Domínguez

En Belén tocan a fuego (Pop. Leonés) – Arr: E. Cervera

Hark! The herald angels sing – Adap: W. H. Cummings

Hacia Belén va una burra (Pop. Córdoba) – Arr: Francisco Civil

Elena Fernández Delgado y Aitor Olivares García, directores
Alberto Espadas García, pianista

 

CORO ÁNGEL BARJA JJMM ULE

Cantate Domino – Claudio Monteverdi.

Dulccissima Maria – Dante Andreo.

Cantate Domino 
– Josu Elberdin.

Mironczarnia – Jakub Neske; Texto: Miron Bialoszewski
María Florez y Ainhoa Manceñido, solistas

Villancico Leonés – José María Álvarez Pérez
Ainhoa Manceñido Martínez, solista

Zumba, zúmbale al pandero – José L. Blasco
Andrea Cartón, Elena García, Pablo de Barrio y Juan Antonio Gutiérrez, solistas

Suite Comercial Navideña
 – José Bernardo Álvarez
María Florez, solista

Aitor Olivares García, director

 

ORQUESTA JJMM-ULE

Sinfonía nº 104 “Londres” – Franz Joseph Haydn
1er mov. Adagio – Allegro

Sinfonía nº 1 en re mayor D82 – Franz Schubert
1er mov. Adagio – Allegro vivace

Salsa Bells – Benedikt Brydern

Juan Luis García, director

Ecocuentos para la formación artística del alumnado del Grado de Educación Infantil

¿Cómo impactan los actos del ser humano sobre el medio ambiente? El cambio climático es el gran desafío de la actualidad. La problemática medioambiental nos incumbe a todos y actualmente somos más conscientes que nunca de la magnitud del cambio climático y de sus efectos en el futuro. Sabemos que el cambio climático engloba diferentes problemáticas (la contaminación, la deforestación, la sobreexplotación de recursos…), que el alumnado de Primer Curso del Grado en Educación Infantil desarrollará en las temáticas de cuentos de elaboración propia, en el marco del Proyecto “Ecocuentos cooperativos: un proyecto interdisciplinar para la formación artística del alumnado del Grado de Educación Infantil”. Se trata de uno de los proyectos de innovación docente aprobados en la última convocatoria de la Universidad de León, que vincula de manera interdisciplinar las materias de Educación Musical, a cargo de la coordinadora de proyecto, la profesora Diana Díaz, y de Educación Plástica, a cargo de la profesora Raquel González.

Por medio de los ecocuentos cooperativos que proponemos en este curso académico, trabajaremos con el alumnado universitario valores ecológicos, de manera transversal y en conexión con las materias artísticas que nos ocupan. Lo haremos a partir de la concienciación sobre los problemas de la contaminación acústica en los entornos escolares, la tendencia del arte ecológico (ambiental o ecoarte), y de producciones artísticas alternativas. Así se fundamentan los ecocuentos cooperativos que elaborarán los estudiantes: ecocuentos para ver, escuchar e interpretar, utilizando materiales desechables, tanto para las escenografías, escenarios, como para la fabricación de instrumentos, y sin desaprovechar las oportunidades que brindan las Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC) para incorporar recursos escénicos.

Con este proyecto se pretenden promover acciones cotidianas basadas en la sostenibilidad entre el alumnado de diferentes etapas educativas, mientras ponemos en valor la enseñanza artística. En este sentido, el proyecto integra la organización de talleres y exposiciones de los cuentos con el alumnado de Educación Infantil de centros educativos de León, para trabajar determinadas partes del proceso de elaboración de los ecocuentos a cargo del alumnado universitario.

Purple Weekend 2019 (4-8/Diciembre)

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El Festival Internacional Purple Weekend vuelve a León con una nueva edición del 4 al 8 de diciembre, que esta ocasión llega a su 31ª edición, que contara con una veintena de bandas y 12 DJ, entre los que estarán ‘Hoodoo Gurus, Peter Perret, Carlton Jumel Smith, The Stems o de The Jaybirds.

El festival se complementará también con actividades, que incluyen cuentacuentos, la proyección en primicia del documental “Sonido Mosca” el día 4 de diciembre en el Teatro El Albéitar, la feria del disco y mercadillo vintage en Espacio Vías o la concentración y scooter run.

En cuanto a las exposiciones que se podrán visitar, el Musac albergará del 5 de diciembre al 5 de enero ‘Escuchando colones, viendo sonidos. Un paseo psicodélico desde los años 60 hasta la actualidad’, mientras que en la Galería Ármaga que podrá visitar del 23 de noviembre al 10 de diciembre ‘Through My Eyes’ con fotografías analógicas del Purple Weekend 1997, por Andrés Edo. Finalmente, la muestra ‘Cooper. Un pequeño homenaje fotográfico’, de Mary Wylson, estará en Espacio Vías los días 6, 7 y 8 de diciembre.

PROGRAMA 2019:

JUEVES 5:

  • SALA GLAM: IAN KAY (Concierto fuera de abono)
  • STUDIO 54: THE STEMS. CYANID PILLS

VIERNES 6:

  • SALA GLAM: THE THUNDERBEATS (Concierto fuera de abono)
  • ESPACIO VIAS: LOS RETROVISORES. THE ROSALYNNS.
  • PALACIO DE CONGRESOS: CARLTON JUMEL. THE TRANZMITORS. THE JAYBIRDS.

SÁBADO 7:

  • SALA GLAM: THE JACK CADES (Concierto fuera de abono)
  • ESPACIO VIAS: LOONS (Roky Set). LES GRYS GRYS
  • PALACIO DE CONGRESOS: HOODOO GURUS. PETER PERRET. MARTA REN

DOMINGO 8:

  • SALA GLAM: BIFANNAH (Concierto fuera de abono)
  • ESPACIO VIAS: THE ALLRIGHTERS. GALILEO 7

Clara Wieck Schumann (1819-1896). Mucho más que la señora de …

Clara a la edad de 17 años (1836)

En la discriminación secular de las mujeres, las artes no han sido una excepción en este injusto fenómeno. Su labor artística y creativa ha sido menospreciada hasta hace no demasiado tiempo. Muchas veces sus creaciones fueron atribuidas a un varón, firmaron con un seudónimo masculino, o directamente tuvieron que abandonar su carrera artística, ante la imposibilidad de lograr un mínimo reconocimiento y difusión de sus obras.

La protagonista de esta entrada no fue una excepción. Clara Wieck, porque ese era su verdadero apellido, vivió siempre a la sombra de su renombrado marido, el compositor Robert Schumann, hasta el punto de ser conocida con el apellido de él. Fue una extraordinaria compositora y concertista de piano, que, seguramente, de haber nacido hombre, estaríamos hablando de una de las cumbres de la música del siglo XIX, sobretodo, porque hubiera podido desarrollar al máximo su carrera. En el año que se conmemora el 200 aniversario de su nacimiento, reivindiquemos su figura, su genio creativo e interpretativo. Clara Wieck fue mucho más que la señora de …

Clara Schumann geborene Wieck

Esta imagen es una fotografía de una pintura al óleo del pintor Carl Ferdinand Sohn, destruida en la Segunda Guerra Mundial. Está datada en 1853.

Clara Josephine Wieck nació el 13 de septiembre de 1819, en Leipzig, Alemania. Clara comenzó su aprendizaje como pianista a los 5 años con su padre, el conocido profesor de piano Friedrich Wieck. A principios de 1825, sus padres se divorciaron. Este acontecimiento fue traumático para Clara. Madre e hija, sin embargo, continuaron escribiéndose cartas, y sin duda Clara fue influenciada musicalmente por ambos padres, su madre, Marianne, era una reconocida pianista.

El año 1830 fue importante para Clara en dos aspectos: dio su primer recital completo, a los 11 años, y conoció al amor de su vida, cuando Robert Schumann comenzó a recibir clases de piano de su padre y alquiló una habitación en la casa familiar. Su amor por Schumann pasó por varias etapas, comenzando con un enamoramiento platónico. Pero a mediados de la década de 1830, los dos estaban apasionadamente enamorados. Su relación se profundizó por sus intereses musicales comunes; tocaron el piano juntos, estudiando obras de otros compositores.

Finalmente, Robert Schumann le propuso matrimonio en 1837, pero Friedrich Wieck se negó a dar su permiso y amenazó con dispararle a Schumann si alguna vez volvía a acercarse a su hija. Sus objeciones fueron numerosas; Schumann tenía fama de mujeriego y fiestero, y sufría episodios de depresión severa. Los dos enamorados se escribieron cartas en clave, se comprometieron en secreto y finalmente llevaron a Friedrich Wieck a los tribunales para obtener el derecho a casarse. Robert y Clara ganaron el caso y se casaron el 12 de septiembre de 1840, un día antes de cumplir Clara 21 años.

Clara y Robert Schumann, en un daguerrotipo de 1850.

Clara y Robert Schumann, en un daguerrotipo de 1850.

Su historia de amor se hizo famosa, y la devoción de Clara por su marido nunca disminuyó. Sin embargo, el matrimonio no estuvo exento de problemas. La actitud de Robert Schumann hacia la carrera musical de su esposa fue ambivalente. Durante su noviazgo, él siempre la había animado a componer, y organizó la publicación de su música y, a veces, incorporó citas de sus piezas en sus propias obras.

Sin embargo, Schuman se dejó arrastrar por la opinión pública conservadora de la época, que  favorecía la idea de que las mujeres deberían quedarse en casa y criar a sus hijos. Robert Schumann empujó a su esposa hacia la vida doméstica, y ella solo pudo salir de gira como pianista cuando las finanzas, muchas veces inestables, de la familia, requerían que lo hiciera.

A pesar de estas limitaciones, la carrera de Clara continuó durante la década de 1840. Su producción total publicada es de 23 obras, pequeña para los estándares del siglo XIX, pero obtuvo respuestas muy positivas al publicarlas. Recientes estudios de su obra, han revelado a una compositora cuyo estilo no era un clon del de su marido, sino que se basó en las influencias de varios contemporáneos, incluidos Felix Mendelssohn y Frédéric Chopin, cuya música a menudo tocaba.

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Clara a los 38 años. Fotografía: Franz von Hanfstaengl

Los últimos años de la vida de Robert Schumann fueron difíciles tanto para Robert como para Clara. Su salud empeoró progresivamente. Se volvió delirante y agresivo, y en 1854, temiendo que pudiera dañar a su esposa o a sus hijos, se le internó en una institución. Clara reanudó las giras y la composición para mantener a la familia. Robert falleció en 1856.

Durante este difícil periodo, Schumann encontró apoyo moral en un joven compositor, Johannes Brahms. Brahms visitó por primera vez a la pareja en Düsseldorf el 30 de septiembre de 1853, y se quedó durante cuatro semanas. Ambos lo recibieron calurosamente, y Robert estaba muy entusiasmado con las composiciones del joven. Claramente, las consecuencias personales y musicales de esa reunión tendrían implicaciones de largo alcance.

Brahms finalmente se fue a Leipzig, pero al enterarse de un intento de suicidio de Robert regresó rápidamente a Düsseldorf. Visitaba a Robert en el hospital. Pero también vivía con Clara y los niños en la casa de Schumann. Se mire como se mire, es evidente que Brahms estaba intensamente enamorado de Clara. Él escribió frustrado durante 1855, “No puedo hacer nada más que pensar en ti … ¿Qué me has hecho? ¿No puedes quitar el hechizo que me has lanzado? La situación era, por decirlo suavemente, bastante desordenada. Sin embargo, los dilemas morales, los sentimientos de culpa, y la frustración amorosa, encontraron expresión en algunas de las músicas más íntimas y emocionales del siglo XIX.

Clara y Johannes Brahms hacia 1853. Fotografías: autor desconocido

Brahms traslucía en sus sus cartas a Clara un fuerte elemento de pasión sugerida, pero una aventura a espaldas del internado Robert Schumann era impensable. Después de su muerte, los dos habrían sido libres de casarse, pero siguieron siendo solamente amigos, probablemente platónicos, durante el resto de sus vidas, muriendo con meses de diferencia.

Si la muerte de Robert Schumann puso fin a la carrera compositiva de Clara, tuvo el efecto contrario en su faceta como intérprete. Con libertad y la motivación financiera añadida, reinició su carrera como concertista y ganó el reconocimiento internacional, viajando regularmente a Inglaterra, e incluso a Rusia. Sus interpretaciones destacaban por su profundidad y sus programas por su variedad. Interpretó muchas de las obras de Beethoven, y, en un momento en que muy pocos pianistas lo hicieron, recordó la era barroca, interpretando obras de Johann Sebastian Bach y Domenico Scarlatti.

Clara se mudó a Frankfurt-am-Main, en 1878, y en sus últimos años enseñó piano en el Conservatorio Hoch. Ella continuó actuando hasta 1891. Murió el 20 de mayo de 1896.

Banknote 100 DM 1993 BRD FRG bank note 100 DM Clara Schumann, uncirculated uncirculated

Billete de 100 Marcos alemanes con la efigie de Clara

Selección de Obras de Clara Wieck Schumann

 

Alasdair Frasser & Natalie Haas Dúo (Escocia) / Atlantic Folk Trío. Doble concierto + Jam (Funk Folk + Música Celta)

22-11-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

 

Entradas (15 €): a partir de una hora antes en la  taquilla del teatro. 50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carnet  universitario y DNI.

Entradas anticipadas: Taberna Cuervo y Music Center (Plaza Mayor)

INFORMACIÓN EN CASTELLANO DE ALASDAIR FRASSER & NATALIE HASS

https://www.alasdairfraser.com/

DOSSIER DE ATLANTIC FOLK TRÍO