Franco Battiato cumple 75 años. Recordando su etapa más experimental (1972-1978)

Franco Battiato

Franco Battiato a principios de los setenta. Fotografía: Roberto Masotti

La figura de Franco Battiato es totalmente poliédrica. Iconoclasta y heterodoxo, su evolución musical a lo largo de sus más de cincuenta años de carrera ha sido constante. Además con un detalle añadido. Los cambios han sido radicales, sin ningún tipo de evolución previa. Pasando de su etapa inicial de cantante melódico de finales de los sesenta, a la más completa experimentación, siendo quizás de los músicos más vanguardistas de la década siguiente. El pasado 23 de marzo cumplió 75 años.

Battiato es conocido, sobretodo en España, por su digamos “tercera etapa” musical. la que comienza a finales de los setenta, donde registro ese conjunto de canciones imprescindibles, que están en la mente y el recuerdo de todos. Esa tercera evolución, mezcla de la New Wave y el tecno, todo ello adobado con la impronta única de alguien que ha conseguido ser un estilo en sí mismo.

Precisamente por ser la parte más desconocida por el gran público, y la más chocante para quien no la conozca. Esta entrada se centrará en su actividad musical durante gran parte de la década de los setenta. Donde llevó la experimentación sonora a límites inimaginables. Muchas veces se le ha etiquetado dentro de aquella corriente, más que fecunda, que fueron las bandas progresivas italianas de aquella década. Hay una delgada línea de similitud entre ambos, porque Battiato les superó ampliamente, al no marcarse ningún límite ni frontera en un experimentalismo casi intransigente, que dominaría gran parte de su obra a mediados de los años setenta.

Fotografía: Roberto Masotti

Cuando el joven Battiato comenzó a abrirse camino en el mundo de la música ligera a finales de los años sesenta, probablemente nadie podría haber imaginado que ese chico hubiera podido cambiar de ese género fácil e inmediato a la experimentación más salvaje y luego cambiar de dirección nuevamente, logrando un gran éxito con discos mucho más accesibles y, posteriormente, dedicarse a la música clásica y lírica. Todo esto se puede resumir en la carrera de quien es, quizás, el cantante italiano más particular y ecléctico de la historia.

Nacido en Jonia (provincia de Catania, Sicilia) en 1945. Battiato se mudó a Milán alrededor de los diecinueve años. Al poco tiempo, obtiene los primeros contratos de grabación. Entre 1965 y 1969 publicó cinco o seis singles de éxito no  muy considerable. Estas son canciones de amor, muy simples y muy comerciales (entre otras cosas, ni siquiera escritas por él), de acuerdo con la tendencia seguida por casi toda la música italiana de la época. Los inicios de su evolución musical,  comienzan durante la edición de 1968 de “Un disco per l’estate”, el famoso evento de la radio de la época: Battiato se da cuenta de que es completamente ajeno al contexto que lo rodea y, con un valor admirable, rompe sin dudarlo, con cualquier contrato que lo vincule a ese mundo discográfico, que el ya consideraba falso y deplorable.

Fotografía: Roberto Masotti

Sigue un breve período de profunda crisis personal, superado solo con la ayuda de dos nuevos intereses muy fuertes, que a partir de entonces caracterizarán su forma de ser y concebir el arte musical: el sufismo de los místicos del Medio Oriente (no por casualidad la cultura árabe será el centro de los estudios del compositor en la década siguiente) y la música electrónica.

A finales de los años sesenta, de hecho, comenzó a explorar el uso de sintetizadores (por lo tanto, seguramente fue el primero en Italia y uno de los primeros en el viejo continente) y la música clásica contemporánea. La primera de sus innumerables transformaciones se logró, es decir, de un cantante joven y mediocre, a un experimentador y líder radical de la naciente, aunque pobre, escena underground italiana.

Battiato plasmó por primera vez estas inquietudes en los surcos de un vinilo, en 1972, con el revolucionario “Fetus”, publicado en una pequeña compañía discográfica alternativa, Bla Bla. Las atmósferas electroacústicas, el uso a veces violento e incluso exagerado del sintetizador, y un vanguardismo sin concesiones, caracterizan este oscuro álbum. La publicación de este trabajo debió ser un verdadero shock para la adocenada escena musical de aquellos años. Comenzando por la imagen de portada (una foto impresionante de un feto). El disco resulta ser un viaje psicodélico, inspirado entre otras cosas por la obra de Aldous Huxley (a quien está dedicado).

Energia / Meccanica (Fetus) 1972

La destrucción del formato tradicional de álbum siguió con “Pollution(1973), un verdadero trabajo de “rock progresivo de vanguardia”, balanceándose entre preguntas existenciales y la cuestión de la contaminación, que se refleja musicalmente con destellos de guitarra eléctrica distorsionada y aumento del uso de teclados. Este  álbum representa quizás uno de los ejemplos más originales del rock del sur de Europa. El omnipresente sintetizador parece luchar contra los sonidos acústicos. El bajo, la batería y el piano se maceran con efectos vocales sutiles y etéreos. Todo ello conforma esta joya indiscutible del rock experimental.

Pollution (1972)

Sobre la base de las nuevas experiencias musicales procedentes del extranjero que está acumulando en este período, y sobre todo, las lecciones que le dio el maestro y amigo Karlheinz Stockhausen, ya desde 1973, Battiato se ha convertido en un músico vanguardista aún más intelectual y volcado en su mundo interior. Hacia finales de año publicó una de sus mejores obras, “Sulle corde di Aries”.. La experimentación constante, una electrónica bastante sofisticada y, la influencia de la tradición musical árabe, contraste acústico al maremágnum sonoro, convergen en este nuevo y muy serio trabajo. Ha llegado el momento de “construir algo nuevo”, y Battiato lo hace eliminando guitarras, bajos y batería, a favor de instrumentos de viento y de cuerda pulsada.

Sulle Corde di Aries (1973)

Luego, con un nuevo cambio estilístico, Battiato da vida a la cuarta y probablemente última obra maestra de su discografía experimental, el inquietante “Clic” (1974),. Totalmente dedicado a la persona y el trabajo de Karlheinz Stockhausen. Battiato produce siete composiciones cortas e inusuales, casi todas instrumentales de electrónica experimental. Atmósferas suspendidas entre lo sombrío y lo esotérico, movimientos electrónicos y un complejo collage sonoro. Todo ello caracteriza esta pequeña gran obra cuidada en cada detalle por su autor, que alterna piano, órgano, instrumentos electrónicos y todo tipo de “efectos especiales”. Ninguna pieza destaca más que las otras,

Clic (1974)

Battiato, sin embargo, comienza a abandonar la electrónica casi por completo. Realiza una breve gira por el sur de Italia como teclista para el Magnetic Frame (grupo formado para la ocasión con algunos amigos de la escena alternativa italiana). Del mismo período es el disco “M.elle Le Gladiator” (1975), un peldaño más bajo para los estándares del compositor. Alrededor de diez minutos de muestras y sobregrabaciones (pero mucho más duras y menos armoniosas que las de “Clic”), que luego dan lugar a unos veinte minutos discontinuos de sonidos de órgano, grabados en la catedral de Monreale. Este álbum se puede considerar una idea fallida y pretenciosa, o por el contrario, es simplemente un disco hecho de “rellenos experimentales” destinados a enmascarar, si no la falta de ideas, al menos la transición creativa del autor.

M.elle Le “Gladiator” (1975)

Después de pasar del pequeño sello de vanguardia Bla Bla al potente Ricordi (¡que paradójicamente parece darle aún más libertad creativa!), Battiato se dedica, al menos durante dos o tres años, a la composición de vanguardia clásica. Pasa sus días frente al piano en un intento de crear nuevas formas de sonido y colabora con músicos clásicos. Los resultados de esta investigación musical están documentados en el álbum “Battiato”(1977).

Za (Battiato) 1977

Cafè-Table-Musik (Battiato) 1977

El álbum “Juke Box” (1978) fue de menor importancia , concebido como la banda sonora de una película para la televisión italiana de la época, pero luego rechazado por los responsables de la misma. Se compone de seis piezas para piano, violín y partes corales. En resumidas cuentas, nada extraordinario.

Juke Box (1978)

Las dos partes largas que componen el último álbum verdaderamente experimental de Battiato, titulado “L’Egitto Prima Delle Sabbie” (1978), lleva la experimentación pianística al límite. En la pista que da nombre al álbum (ganador del premio internacional Karlheinz Stockhausen de ese mismo año), la misma “frase” rápida de piano se repite decenas de veces indefinidamente sin ninguna variación, excepto por la duración de las pausas; Este es probablemente el mejor ejemplo de la capacidad de Battiato para crear atmósferas hipnóticas. La segunda pieza larga, “Sud Afternoon”, destaca el componente notablemente percusivo, casi obsesivo, del sonido del piano.

L’Egitto Prima Delle Sabbie (1978)

Pero de repente, Battiato pone en marcha, quizás, uno de los mayores cambios en estilo y género que recuerda la historia de la música popular. La diferencia entre “L’Egitto Prima Delle Sabbie” y su trabajo posterior es desconcertante. “L’Era del Cinghiale Bianco” (1979), publicado para Emi, son canciones pop realmente pegadizas. Habiendo abandonado por completo la vanguardia, Battiato movió su experimentación en el contexto del formato de canción convencional. Para bien o para mal, el género acuñado por el siciliano, y llevado a cabo, aunque en una fase continua de cambio, en la década siguiente, fusiona la música para grandes audiencias y la música más minoritaria, de una manera muy personal. Compone canciones que son agradables para el oído como nunca antes, pero sin perder el poso intelectual de siempre. Quizás se pueda encontrar en el resto de la historia de la música algo que se parezca vagamente a esto, pero el “estilo Battiato” era y sigue siendo algo inalcanzable.

Angelo Branduardi (1974-1979). Los Inicios del Gran Trovador de la Música Italiana

Angelo Branduardi in una foto degli anni '70.

Fotografía: Calle Hesslefors / ullstein bild

Es difícil considerar a Angelo Branduardi como un típico cantante italiano de música pop. Su formación clásica, que culminó con una títulación en violín del Conservatorio de Génova, le diferencia grandemente del cantante melódico al uso. Además, cuando era joven, Branduardi sintió la necesidad de expresarse a través de la voz y las palabras. Entonces gravitó hacia la música de los grandes cantautores como Brassens, Donovan, Dylan, Cat Stevens o Joan Baez, e incluso, comenzó a tocar la guitarra. En una entrevista, declaró que estos dos instrumentos en realidad se complementan entre sí: el violín como hombre y la guitarra como mujer.

A lo largo de los años, tanto en actuaciones en vivo como en sus grabaciones, también tocó otros muchos instrumentos: dulcimer, piano, flauta, saxofón, armónica…

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Angelo Branduardi 74 (1974)

Con respecto a sus letras, Branduardi siempre contó con la inspiración de su esposa, Luisa Zappa, una presencia fundamental y constante en su camino, ayudando a crear textos originales, y traducciones para sus álbumes editados en otros idiomas. De hecho, Branduardi lanzó muchos de sus trabajos en varios idiomas. En la mayoría de los casos, las traducciones no son muy fieles a los originales, incluso si mantienen los mismos temas y tonos; en ciertos casos, constituyen textos que son completamente autónomos y no relacionados.

Angelo Branduardi nació el 12 de febrero de 1950 en Cuggiono, cerca de Milán. Cuando tenía unos meses, su familia se mudó a Génova y allí, en el Conservatorio Niccolò Paganini, Angelo obtuvo su diploma de violín y debutó como solista con la orquesta del Conservatorio. A la edad de quince años, Angelo se mudó a Milán, y aquí se matriculó en el Instituto Técnico de Turismo, donde conoció y tuvo como maestro al gran poeta Franco Fortini. Más tarde, se matriculó en la Facultad de Filosofía y en ese período comenzó a componer, musicando los textos de sus autores favoritos, por ejemplo, “Confessioni di un Malandrino” del poeta ruso Yesenin, una de sus canciones más famosas, se remonta a aquellos años. A principios de los años setenta, Angelo conoció a Luisa Zappa, quien más tarde se convertiría en autora de varias de sus letras, así como en su esposa.

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La Luna (1975)

1974 es el año de su debut discográfico con un álbum homónimo, producido por Paul Buckmaster. Un disco que destaca la poesía de sus letras y la sobriedad de sus arreglos, casi exclusivamente acústicos.

Al año siguiente, el músico lombardo lanzó su segundo álbum, “La Luna, en colaboración con un nombre destacado en la música italiana: Maurizio Fabrizio. Sin embargo, los elogios al disco permanecen confinados a un círculo muy pequeño de admiradores y críticos.

Alla Fiera dell’Est (1976)

El primer gran éxito llegó en 1976 con el álbum “Alla Fiera dell’Est”, que ganó de inmediato el Premio de la Crítica. La obra, siempre rigurosamente acústica, con guitarras y violines en primer plano, está inspirada en cuentos populares de todo el mundo: desde la canción de cuna judía de “Alla Fiera dell’Est”, hasta la tradición celta de “La serie dei numeri”, al poema alemán de “Sotto il tiglio”.

Solo pasa un año, y con “La Pulce d’Acqua”, Branduardi renueva su éxito, gracias también al maravilloso encanto de la canción principal del álbum, otro cuento de hadas lleno de referencias míticas y poéticas. Invitado de lujo, el músico sardo Luigi Lai, virtuoso de las “launeddas”, un antiguo instrumento de viento. El trabajo también se enriquece gráficamente con nueve impresiones en color de Mario Convertino que ilustran los textos.

La Pulce d’Acqua (1977)

Branduardi es ahora el nombre principal de la canción italiana, pero no solo. En 1978, comenzó una larga gira que lo lleva por Europa, seguido en 1980 por la “Caravana del Mediterráneo”, con invitados del calibre de Stephen Stills, Ritchie Havens y Graham Nash.

Entre las dos giras, en 1979, lanzó Cogli la Prima Mela, un álbum de gran éxito a nivel europeo, arrastrado por la conmovedora melodía de la canción principal y premiada por críticos de varios países europeos. Ese el mismo año, el cantautor lombardo toca en París en la “Fète de l’Humanité”, frente a más de 200.000 personas. También llegará la versión francesa de “Cogli la prima mela”, el trofeo Golden Europe y el premio de la crítica al mejor disco del año en francés. La fama del “juglar lombardo” se extiende por toda Europa.

Cogli la Prima Mela (1979)

“Alla fiera dell’est”, “La pulce d’acqua” y “Cogli la prima mela” son las tres obras más notables de este período, y probablemente de toda su carrera, que han servido para definir y moldear su estilo inconfundible.

Más tarde, sin embargo, uno no puede olvidar álbumes tan valiosos y verdaderas joyas, como “Branduardi canta Yeats” (1986), cuyas letras son poemas del gran poeta irlandés, traducidas por Luisa Zappa y músicadas por Branduardi. De hecho, siempre hubo una conexión entre su música y la poesía, gracias a la inspiración que recibió del poeta Franco Fortini, su maestro durante un breve periodo de tiempo.

Así, la trayectoria artística de Branduardi es fundamentalmente personal; no hay las concesiones típicas del mundo de las canciones pop y sus escaparates, como el Festival de San Remo. No hay tratamiento de temas políticos, cuando estos fueron abordados ámpliamente por sus contemporáneos en la convulsionada Italia de los setenta. Ni una conexión con las llamadas “escuelas de compositores de canciones” (de Génova, Milán o Roma). Pero en cambio, ha construido un perfil artístico y humano propio, que le ha proporcionado un gran éxito que (incluso con sus altibajos), se ha mantenido desde 1974, el año de publicación de su primer álbum.

Led Zeppelin (Physical Graffiti) 1975

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Durante sus doce años como banda, Led Zeppelin lanzó ocho álbumes de estudio, todos los cuales fueron excelentes en diferentes grados. Pero “Physical Graffiti” destaca por dos razones. Primero es matemática simple, ya que es su único álbum de estudio doble. Y la segunda razón sería, la gran diversidad de este trabajo, que combina material recién compuesto con tomas de los tres álbumes de estudio anteriores del grupo y en el proceso captura una increíble variedad de estilos, producción y métodos de composición. Todo esto, más el simple hecho de que las actuaciones individuales están repletas de una musicalidad innovadora y sobresaliente.

Pero primero hay que situarse a mediados de los años setenta, para comprender el alcance e impacto de esta banda. Cada uno de sus cinco álbumes anteriores se había convertido en platino, vendiendo más de un millón de copias; uno, “Led Zeppelin (IV)”, había vendido más de tres millones. Establecieron nuevos récords de asistencia a conciertos en los Estados Unidos, atrayendo 56,800 espectadores a un solo espectáculo en Tampa, Florida, en 1973, y 120,000 a seis conciertos en el área de Nueva York en 1975. A tenor de estas cifras, Led Zeppelin era, sin duda, la banda de rock más popular del mundo. Definitivamente, los setenta fueron suyos, musicalmente hablando.

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Robert Plant, John Paul Jones y Jimmy Page, durante un concierto en el Earl’s Court de Londres, en Mayo de 1975. Fotografía: Michael Putland / Getty Images

En sus primeros tres años como banda, Led Zeppelin grabó y lanzó cuatro álbumes con títulos numéricos secuenciales. En el transcurso de estos álbumes, el material se diversificó desde el blues hasta el folk, y muchos subgéneros que sutilmente iban apareciendo en sus grabaciones. Lanzado en 1973, “Houses of the Holy”, se construyó más en el estudio que cualquiera de sus predecesores, aprovechando los avances tecnológicos y el uso de sobregrabaciones para forjar el sonido. Para su siguiente trabajo, el grupo fue a Headley Grange en East Hampshire, a finales de 1973. Habían grabado anteriormente, “Led Zeppelin IV”, con el Mobile Studio de Ronnie Lane en este lugar, pero estas sesiones posteriores se abandonaron pronto ya que el nuevo material no terminaba de desarrollarse y el bajista John Paul Jones había enfermado. En cambio, las sesiones se entregaron al nuevo grupo Bad Company, que recientemente había firmado con el nuevo sello Swan Song, creado por los Zeppelin, y se utilizó la ubicación para grabar su álbum debut homónimo de 1974.

El grupo se volvió a reunir en Headley Grange en enero de 1974 y fue mucho más fructífero, registrando ocho nuevas pistas durante las siguientes semanas. El tiempo de ejecución de estas pistas se extendió más allá de la duración de un álbum convencional (en ese momento, los álbumes de vinilo generalmente duraban alrededor de 45 minutos), por lo que el grupo decidió extenderlo a un LP doble al incluir varias canciones inéditas de Led Zeppelin de las sesiones de sus anteriores álbumes Esto extendió el proyecto un poco más, ya que se requirieron sobregrabaciones adicionales para lograr la consistencia sonora necesaria, por lo que la mezcla final no tuvo lugar hasta octubre de 1974. El título del álbum fue acuñado por el guitarrista y productor Jimmy Page, que quería transmitir cuánta “energía física” había invertido en la producción de este álbum. El título también provocó la idea de su exclusiva cubierta, con una funda troquelada a través de la cual se pueden alternar varias imágenes en las ventanas de una casa de piedra rojiza de la ciudad de Nueva York.

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Led Zeppelin: John Bonham, Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones. Fotografía: Chris Walter / WireImage

“Physical Graffiti” fue un éxito comercial y crítico, llegando a la cima de las listas después de su lanzamiento, obteniendo, una vez más, el platino en ventas. Con la mitad del álbum como un recorrido por las múltiples fases por las que este grupo, con una increíble diversidad musical, había pasado durante sus primeros cinco años de existencia, y cinco álbumes de estudio, y en la otra mitad, mostraba a la banda progresando hacia adelante con la fusión del funk, hard rock, pop, soul, y la modernidad de su sonido. Este álbum sigue siendo el mejor ejemplo de lo que hizo de Led Zeppelin una fuerza musical tan tremenda.

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Emmylou Harris (Pieces of the Sky) 1975

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Aunque otros artistas han vendido más discos y son más famosos, pocos han tenido un impacto tan profundo en la música contemporánea como Emmylou Harris. Bendecida con una voz cristalina, un don notable para el fraseo, y un espíritu creativo inquieto, ella ha tenido una trayectoria artística singular, llevando orgullosa la antorcha de la música americana pasada por su mentor Gram Parsons. Pocas estrellas de la música han creado un cuerpo musical tan extenso como consistentemente, iconoclasta, ecléctico o atrevido; Después de cinco décadas de carrera, sus últimos trabajos son tan sinceros, visionarios y vitales como sus primeras grabaciones.

Harris nació el 2 de abril de 1947, en una familia, cuyo padre, militar de profesión, estaba destinado en Birmingham, Alabama. Después de pasar gran parte de su infancia en Carolina del Norte, se trasladó a Woodbridge, Virginia, donde se graduó en la escuela secundaria. Después de ganar una beca para la Universidad de Carolina del Norte, comenzó a introducirse seriamente en la música, aprendiendo a tocar canciones de Bob Dylan y Joan Baez. Pronto Harris estaba actuando en un dúo con su compañero de estudios Mike Williams, abandonando la Universidad para mudarse a Nueva York, para encontrarse una comunidad de músicos folk languideciendo a causa de la psicodelia.

Sin embargo, Harris permaneció en Nueva York, actuando en el circuito de salas del Greenwich Village antes de convertirse en un habitual de Gerdes Folk City, donde se unió con otros amigos folkies. Después de casarse con el compositor Tom Slocum en 1969, grabó su LP de debut, “Gliding Bird”. El álbum contiene cinco composiciones folk de Harris, influidas por Joan Baez y Joni Mitchell, así como versiones de temas country de Bob Dylan y Fred Neil. Poco después del lanzamiento del disco, la discográfica de Harris se declaró en bancarrota, y mientras esperaba su primer hijo, su matrimonio comenzó a desmoronarse. Después de mudarse a Nashville, ella y Slocum se divorciaron, dejando sola a Harris para criar a su hija Hallie por su cuenta. Después de varios meses de lucha y pocos recursos económicos, regresó con sus padres, que habían comprado una granja a las afueras de Washington.

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Emmylou Harris en 1968. Fotografía: David Gahr

Allí ella volvió a actuar, formando un trío con los músicos locales Gerry Mule y Tom Guidera. Una noche de 1971, mientras tocaba en un club llamado Clyde’s, el trío tocó a una multitud que incluía a miembros de los pioneros del country rock, los Flying Burrito Brothers. A causa de la salida de Gram Parsons, el fundador de la banda, los Burritos estaban liderados por el ex Byrd Chris Hillman, que quedó tan impresionado por el talento de Harris que consideró invitarla a unirse al grupo. En cambio, Hillman los dejó para unirse a Stephen Stills en su proyecto de Manassas, pero la recomendó a Parsons, que quería una vocalista femenina para completar el sonido de su primer trabajo en solitario. Su conexión fue instantánea, y pronto Harris se fue introduciendo en la música country cantando en el debut en solitario de Parsons , el álbum “GP” de 1972, y en 1973 regresaron al estudio para grabar el siguiente LP de Parsons “Grievous Angel”.

El 19 de septiembre, pocas semanas después de que terminaran las sesiones de grabación del álbum, la mala vida de Parsons le pasó factura, y lo encontraron muerto en una habitación de hotel en el parque nacional de Joshua Tree en California. En ese momento, Harris estaba de vuelta en Washington, recogiendo a su hija para un traslado planeado a la costa oeste. En cambio, permaneció allí, reuniéndose con Tom Guidera para formar la Angel Band. El grupo firmó con Reprise y se trasladó a Los Ángeles para comenzar a trabajar en el 2º álbum de Harris, después del anecdótico “Gliding Bird”.

“Pieces of the Sky” es una impecable colección de canciones compuestas en gran parte por diversas influencias que iban desde Merle Haggard hasta los Beatles. En este maravilloso álbum, Emmylou Harris establece rápidamente el patrón que seguiría la gran mayoría de sus trabajos posteriores: “Pieces of the Sky” es sumamente variado, está impecáblemente realizado y es dolorosamente hermoso. En medio de una colección de canciones impresionante, emerge la pieza central del disco, y quizás la canción más icónica de Harris, ”Boulder to Birmingham”, que es su sentido homenaje a Gram Parsons.

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Emmylou Harris durante un concierto en Amsterdam en 1975. Fotografía: Gijsbert Hanekroot / Redferns

Grabado en Los Ángeles con el productor canadiense Brian Ahern, con quien Emmylou se casaría unos años más tarde. Trajo las influencias de la escena del country rock de California en la que Emmylou había estado inmersa durante su convivencia con Gram Parsons, fusionándolas con elementos mucho más tradicionales.

Los músicos que arroparon a Emmylou en este álbum, incluyeron a Herb Pedersen (más tarde miembro de la Desert Rose Band de Chris Hillman) como la principal voz masculina de apoyo, más guitarras y banjo. Bernie Leadon de los Eagles, tocando una variedad de instrumentos. Los futuros miembros de su banda, la influyente Hot Band, y antiguos colaboradores de Elvis Presley, James Burton y Glen D. Hardin, y Fayssoux Starling y su íntima amiga Linda Ronstadt, en los coros. La propia Emmylou tocaba la guitarra acústica en varias pistas.

El álbum se vendió bastante bien, llegando al nº 7 en las listas country.

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Fotografía: Philip Gould / Corbis

“Pieces of the Sky” es el vuelo de un ángel, con una de las voces más personales y bellas de la música popular. Es su declaración de independencia artística, ya sin necesidad de ninguna mano que la guíe. Fueron los cimientos para construir una de las trayectorias musicales más coherentes y sólidas que han existido. Emmylou harris es sencillamente imprescindible. En otros, este calificativo puede sonar a exageración, En el caso de Emmylou, seguramente nos quedaremos cortos al utilizarlo.

Elvis Costello dijo una vez, que cantar con Emmylou Harris debía de ser lo más parecido a estar en el cielo. Escuchándola en este álbum, y en los posteriores, ya nos sentimos en el paraíso.

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The Smiths ‎(Meat is Murder) 1985

La influencia inconmensurable de los Smiths, arroja una larga sombra sobre la escena musical que se ha mantenido hasta nuestros días. La banda es frecuentemente anunciada con elogios como “La banda más influyente de los ochenta”, y la “más importante”. Los Smiths, examinados en retrospectiva, fueron una respuesta directa a la pomposidad de sus contemporáneos musicales de la New Wave. Muchas bandas generalmente se transformaron de brillantes esperanzas de algo original, en música de  consumo generalizado para las masas. La banda buscó mantenerse al margen de la fórmula del sintetizador que repentinamente estaba de moda y totalmente sobreexplotada. La brillantez del dúo de compositores: Steven Patrick Morrissey y Johnny Marr, fue clave para presentar otra opción musical.

Muchos se preguntarán por qué este álbum en particular, y The Smiths, en general, han tenido tanto impacto. La respuesta es complicada, pero se reduce a su esencia. Los Smiths capturaron la angustia existencial de la vida. “Meat is Murder” fue también un repudio al panorama musical británico de la época, cargado de sintetizadores. Donde el movimiento New Wave, en su mayor parte, no tenía más que un enfoque lúdico en su propuesta musical. Los Smiths, por el contrario, eran una mezcla de angustia, realismo, sinceridad, humor autocrítico y un catálogo de obsesiones varias.

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The Smiths: Andy Rourke, Morrissey, Mike Joyce y Johnny Marr. Fotografía: Kevin Cummins / Getty Images

El énfasis de los Smiths no estaba en los ganadores, sino en esos inadaptados y excéntricos, muchas veces socialmente incómodos, que pueblan nuestra sociedad, la de entonces y la de ahora. Morrissey escribiría sobre la realidad del aislamiento, la angustia y los acontecimientos cotidianos que agobian a una persona. A lo largo del álbum, el consumidor de su música encuentra personajes con los que pueden identificarse fácilmente. Muchos sintieron lo mismo, los Smiths, en sus canciones, estaban poniendo voz a una gran cantidad de experiencias de la gente. Había algo completamente atrayente en la eficaz suma de la música compuesta por Johnny Marr y las letras de Morrissey, que una vez escuchadas, las hacían imposibles de olvidar.

Antes de grabar “Meat is Murder”, la banda estaba decepcionada con su debut homónimo, sintiendo que la producción no había sido lo que pretendían. Para este nuevo álbum, Morrissey y Marr tomarían el timón de la producción con la ayuda del ingeniero Stephan Street.

The Smiths

Fotografía: Stephen Wright

Con un arranque bastante tímido en las listas. “Meat is Murder” sería su único lanzamiento de estudio nº 1. Los singles oficiales del álbum fueron: “That Joke is Funny Anymore” y “Barbarism Begins at Home”, pero esos dos singles quedarían eclipsados ​​en el tiempo por “How Soon is Now” que eventualmente se incluiría en lanzamientos posteriores del álbum.

“Meat is Murder” es un paseo por el lado oscuro de la existencia humana y las muchas indignidades que se experimentan a lo largo de la vida. Hay una serie de temas oscuros y siniestros que se tratan. Temas de los que a la sociedad le gusta apartar la vista porque es más fácil fingir que no existen que encontrar una mejor manera de resolverlos y afrontarlos. The Smiths combinaron estos temas con sonidos atractivos. La música era fácil de abordar, lo que ayudaba a que las duras verdades que se exponían en sus canciones arraigaran, mientras se envolvían en un envoltorio musical tan fascinante. Ese es secreto de este álbum, y por qué, 35 años después, sigue impactando como lo hace.

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John Wetton (1949-2017). El último caballero del rock británico

John Wetton actuando con King Crimson en Londres (1973)

Fotografía: Ian Dickson / Redferns

El mundo hubiera sido un lugar mucho más pobre sin John Wetton y hoy es un lugar peor sin él. Esta aseveración que pudiera parecer exagerada, define a la perfección la calidad humana y artística de John Wetton. Desconocido por la mayor parte del gran público, nunca fue una estrella del rock que acapara titulares y reconocimiento. Pero sin embargo, su inmenso talento como bajista y cantante, le convirtió en casi imprescindible en la escena de la música progresiva de los años setenta y ochenta.

No hay otro músico del ámbito del prog rock con un currículum más impresionante que el de John Wetton. El catálogo de bandas de las que formó parte no tiene parangón. Mogul Thrash, Family, King Crimson, Roxy Music, Uriah Heep, UK o Wishbone Ash. Hasta culminar en la que le dio el mayor éxito y popularidad: Asia. Este mareante listado es buena prueba de la enorme calidad musical de Wetton. El próximo 31 de enero se cumplirán cuatro años de su fallecimiento a la temprana edad de 67 años.

John Kenneth Wetton nació el 12 de junio de 1949, en Willington, Derbyshire. Cuando John tenía 12 años, la familia se mudó a Bournemouth. Durante sus años escolares, tocó en varios grupos del estilo Shadows y Beatles, llegando finalmente al circuito local de R&B con el Grupo Palmer-James. Fue por esta época cuando conoció a Robert Fripp, quien jugaría un papel vital en su carrera más tarde. Su primera experiencia en una gran banda se produjo cuando se unió a Family en 1971. Apareció en dos de sus álbumes: “Fearless” y “Bandstand”.

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John Wetton en su etapa en King Crimson. Fotografía: Michael Ochs Archives / Getty Images

Es en este momento cuando Robert Fripp reaparece en su vida para unirse a la última reencarnación de King Crimson. Wetton finalmente se unió en 1972, actuando como cantante, bajista y compositor durante la corta pero legendaria serie de álbumes de 1973 a 1974, “Larks ‘Tongues in Aspic”, “Starless and Bible Black”  y “Red”.

Fripp disolvió King Crimson en 1974, cuando parecía estar a punto de llegar a un público más amplio. “Entonces no entendí las razones de Robert”, dijo Wetton en 1999, “y todavía no lo entiendo”. Wetton fue rebotando en la escena musical británica. Su producción de estudio de mediados de los setenta incluyó dos discos con Uriah Heep, y un puñado de álbumes de Bryan Ferry. También estuvo de gira brevemente con Roxy Music, apareciendo en varias pistas en su álbum en vivo de 1976, “Viva!”.

Finalmente, Wetton se reunió con el batería de King Crimson, Bill Bruford, y junto a Eddie Jobson (Frank Zappa, Roxy Music, Jethro Tull) y Allan Holdsworth, formaron UK. El grupo se separó en 1979. En 1980, Wetton lanzó su primer álbum en solitario.

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A finales  de 1980, Wetton estaba hablando con el manager Brian Lane sobre formar otra banda. Este le presentó a los ex miembros de Yes, Steve Howe y Geoff Downes. Y así, en enero de 1981, con el añadido del extraordinario batería Carl palmer, nació Asia, el primer “supergrupo” de los años 80. Con su experiencia colectiva, produjeron un álbum debut homónimo, que fue el disco más vendido en los Estados Unidos en 1982, permaneciendo en el número uno en las listas durante 9 semanas. Se convirtió en oro y platino en todos los continentes.

El año siguiente vio el lanzamiento del segundo trabajo de Asia, “Alpha”. Después de ese álbum, Wetton dejó el grupo por un corto tiempo, reemplazado por Greg Lake. Lake hizo una gira con el grupo, pero luego Wetton volvió al redil. Se quedó con el grupo hasta su próximo lanzamiento, “Astra” en 1985.

Asia continuó lanzando álbumes a lo largo de la década de 1980, pero ninguno tuvo el éxito del primero. Las personalidades descomunales de los miembros de la banda se enfrentaron a veces, y la alineación cambió periódicamente.

Formación original de Asia: Steve Howe, Geoff Downes, John Wetton y Carl Palmer. Imagen sin acreditar

A partir de ese momento comienzan las continuas idas y venidas de Wetton con Asia, combinado con proyectos en solitario, o con su buen amigo, Phil Manzanera. En 2006 de produjo la reunión de la formación original de Asia y lanzaron el álbum de estudio “Phoenix”, que fue seguido por tres más, con la participación de Wetton en los años siguientes: “Omega” (2010), “XXX” (2012) y “Gravitas” (2014). En enero de 2017, Wetton anunció que la mala salud lo obligaba a retirarse de las fechas iniciales de una gira de Asia por los Estados Unidos programada para la primavera y el verano de ese año. El 31 de enero murió mientras dormía en su casa en Bournemouth a los 67 años, después de lo que su sitio web describió como “una batalla larga y valiente contra el cáncer de colon”.

Nadie mejor que todos aquellos que compartieron su actividad musical con Wetton para condensar su carrera y su enorme calidad humana.

“Con el fallecimiento de mi buen amigo y colaborador musical, John Wetton, el mundo pierde otro gigante musical”, escribió el batería de Asia, y anteriormente de Emerson, Lake & Palmer, Carl Palmer en un comunicado. “John fue una persona amable que creó algunas de las melodías y letras más duraderas de la música popular moderna. Como músico, fue valiente e innovador, con una voz que llevó la música de Asia a la cima de las listas de todo el mundo Su habilidad para triunfar sobre el abuso del alcohol lo convirtió en una inspiración para muchos que también han luchado en esa batalla. Para aquellos de nosotros que lo conocimos y trabajamos con él, su valiente lucha contra el cáncer fue una inspiración más. Extrañaré su talento, su sentido del humor y su sonrisa contagiosa. Que puedas viajar tranquilo, mi viejo amigo”.

Fotografía: Mary Ann Burns

“Será recordado como uno de los mejores talentos musicales del mundo, y soy uno de muchos que fui completamente bendecido por su influencia”, escribió su también compañero en Asia, Geoff Downes en una larga publicación. “Fue un gran privilegio para mí haber trabajado con este genio tan de cerca en nuestros numerosos proyectos juntos a lo largo de los años. Su bajo fue revolucionario. Su voz era de los dioses. Sus composiciones, fuera de este mundo. Su sentido de la melodía y armonía, irreal. Era literalmente especial”.

“La vida no será la misma sin él”, añadió Downes. “Y las palabras no son realmente suficientes para describir la pérdida que siento en este momento, y los muchos amigos y fans de todo el mundo también lo sentirán. Es el final de una era para todos nosotros. Pero seguiremos adelante: la música de John Wetton debe escucharse fuerte y clara desde las alturas”.

Family (Spanish Tide) 1971

King Crimson (Easy Money) 1973

Roxy Music (Out of the Blue) 1975

Uriah Heep (Return To Fantasy) 1975

UK (Nothing To Lose) 1979

Asia ( Heat of the Moment) 1982

Asia (Sole Survivor) 1982

Asia (The Smile Has Left Your Eyes) 1983. Versión en directo 2013

John Wetton (You’re Not the Only One) 1994

Icon – Wetton / Downes (In the End) 2005

Asia (Never Again) 2008

Asia (Finger on the Trigger)2010

Asia (Face on the Bridge) 2012

Asia (Valkyrie) 2014

Eric Clapton (For John W. ) Tributo a John Wetton 2017

 

Clara Wieck Schumann (1819-1896). Mucho más que la señora de …

Clara a la edad de 17 años (1836)

En la discriminación secular de las mujeres, las artes no han sido una excepción en este injusto fenómeno. Su labor artística y creativa ha sido menospreciada hasta hace no demasiado tiempo. Muchas veces sus creaciones fueron atribuidas a un varón, firmaron con un seudónimo masculino, o directamente tuvieron que abandonar su carrera artística, ante la imposibilidad de lograr un mínimo reconocimiento y difusión de sus obras.

La protagonista de esta entrada no fue una excepción. Clara Wieck, porque ese era su verdadero apellido, vivió siempre a la sombra de su renombrado marido, el compositor Robert Schumann, hasta el punto de ser conocida con el apellido de él. Fue una extraordinaria compositora y concertista de piano, que, seguramente, de haber nacido hombre, estaríamos hablando de una de las cumbres de la música del siglo XIX, sobretodo, porque hubiera podido desarrollar al máximo su carrera. En el año que se conmemora el 200 aniversario de su nacimiento, reivindiquemos su figura, su genio creativo e interpretativo. Clara Wieck fue mucho más que la señora de …

Clara Schumann geborene Wieck

Esta imagen es una fotografía de una pintura al óleo del pintor Carl Ferdinand Sohn, destruida en la Segunda Guerra Mundial. Está datada en 1853.

Clara Josephine Wieck nació el 13 de septiembre de 1819, en Leipzig, Alemania. Clara comenzó su aprendizaje como pianista a los 5 años con su padre, el conocido profesor de piano Friedrich Wieck. A principios de 1825, sus padres se divorciaron. Este acontecimiento fue traumático para Clara. Madre e hija, sin embargo, continuaron escribiéndose cartas, y sin duda Clara fue influenciada musicalmente por ambos padres, su madre, Marianne, era una reconocida pianista.

El año 1830 fue importante para Clara en dos aspectos: dio su primer recital completo, a los 11 años, y conoció al amor de su vida, cuando Robert Schumann comenzó a recibir clases de piano de su padre y alquiló una habitación en la casa familiar. Su amor por Schumann pasó por varias etapas, comenzando con un enamoramiento platónico. Pero a mediados de la década de 1830, los dos estaban apasionadamente enamorados. Su relación se profundizó por sus intereses musicales comunes; tocaron el piano juntos, estudiando obras de otros compositores.

Finalmente, Robert Schumann le propuso matrimonio en 1837, pero Friedrich Wieck se negó a dar su permiso y amenazó con dispararle a Schumann si alguna vez volvía a acercarse a su hija. Sus objeciones fueron numerosas; Schumann tenía fama de mujeriego y fiestero, y sufría episodios de depresión severa. Los dos enamorados se escribieron cartas en clave, se comprometieron en secreto y finalmente llevaron a Friedrich Wieck a los tribunales para obtener el derecho a casarse. Robert y Clara ganaron el caso y se casaron el 12 de septiembre de 1840, un día antes de cumplir Clara 21 años.

Clara y Robert Schumann, en un daguerrotipo de 1850.

Clara y Robert Schumann, en un daguerrotipo de 1850.

Su historia de amor se hizo famosa, y la devoción de Clara por su marido nunca disminuyó. Sin embargo, el matrimonio no estuvo exento de problemas. La actitud de Robert Schumann hacia la carrera musical de su esposa fue ambivalente. Durante su noviazgo, él siempre la había animado a componer, y organizó la publicación de su música y, a veces, incorporó citas de sus piezas en sus propias obras.

Sin embargo, Schuman se dejó arrastrar por la opinión pública conservadora de la época, que  favorecía la idea de que las mujeres deberían quedarse en casa y criar a sus hijos. Robert Schumann empujó a su esposa hacia la vida doméstica, y ella solo pudo salir de gira como pianista cuando las finanzas, muchas veces inestables, de la familia, requerían que lo hiciera.

A pesar de estas limitaciones, la carrera de Clara continuó durante la década de 1840. Su producción total publicada es de 23 obras, pequeña para los estándares del siglo XIX, pero obtuvo respuestas muy positivas al publicarlas. Recientes estudios de su obra, han revelado a una compositora cuyo estilo no era un clon del de su marido, sino que se basó en las influencias de varios contemporáneos, incluidos Felix Mendelssohn y Frédéric Chopin, cuya música a menudo tocaba.

Imagen relacionada

Clara a los 38 años. Fotografía: Franz von Hanfstaengl

Los últimos años de la vida de Robert Schumann fueron difíciles tanto para Robert como para Clara. Su salud empeoró progresivamente. Se volvió delirante y agresivo, y en 1854, temiendo que pudiera dañar a su esposa o a sus hijos, se le internó en una institución. Clara reanudó las giras y la composición para mantener a la familia. Robert falleció en 1856.

Durante este difícil periodo, Schumann encontró apoyo moral en un joven compositor, Johannes Brahms. Brahms visitó por primera vez a la pareja en Düsseldorf el 30 de septiembre de 1853, y se quedó durante cuatro semanas. Ambos lo recibieron calurosamente, y Robert estaba muy entusiasmado con las composiciones del joven. Claramente, las consecuencias personales y musicales de esa reunión tendrían implicaciones de largo alcance.

Brahms finalmente se fue a Leipzig, pero al enterarse de un intento de suicidio de Robert regresó rápidamente a Düsseldorf. Visitaba a Robert en el hospital. Pero también vivía con Clara y los niños en la casa de Schumann. Se mire como se mire, es evidente que Brahms estaba intensamente enamorado de Clara. Él escribió frustrado durante 1855, “No puedo hacer nada más que pensar en ti … ¿Qué me has hecho? ¿No puedes quitar el hechizo que me has lanzado? La situación era, por decirlo suavemente, bastante desordenada. Sin embargo, los dilemas morales, los sentimientos de culpa, y la frustración amorosa, encontraron expresión en algunas de las músicas más íntimas y emocionales del siglo XIX.

Clara y Johannes Brahms hacia 1853. Fotografías: autor desconocido

Brahms traslucía en sus sus cartas a Clara un fuerte elemento de pasión sugerida, pero una aventura a espaldas del internado Robert Schumann era impensable. Después de su muerte, los dos habrían sido libres de casarse, pero siguieron siendo solamente amigos, probablemente platónicos, durante el resto de sus vidas, muriendo con meses de diferencia.

Si la muerte de Robert Schumann puso fin a la carrera compositiva de Clara, tuvo el efecto contrario en su faceta como intérprete. Con libertad y la motivación financiera añadida, reinició su carrera como concertista y ganó el reconocimiento internacional, viajando regularmente a Inglaterra, e incluso a Rusia. Sus interpretaciones destacaban por su profundidad y sus programas por su variedad. Interpretó muchas de las obras de Beethoven, y, en un momento en que muy pocos pianistas lo hicieron, recordó la era barroca, interpretando obras de Johann Sebastian Bach y Domenico Scarlatti.

Clara se mudó a Frankfurt-am-Main, en 1878, y en sus últimos años enseñó piano en el Conservatorio Hoch. Ella continuó actuando hasta 1891. Murió el 20 de mayo de 1896.

Banknote 100 DM 1993 BRD FRG bank note 100 DM Clara Schumann, uncirculated uncirculated

Billete de 100 Marcos alemanes con la efigie de Clara

Selección de Obras de Clara Wieck Schumann

 

Hector Berlioz (1803-1869). La Pasión Romántica

Fotografía: Pierre Petit (1863)

El compositor archirromántico. La vida de Berlioz fue todo lo que usted esperaría de un artista del Romanticismo: turbulenta, apasionada, pasando continuamente del éxtasis a la melancolía. Excéntrico, excesivo, egoísta. Su influencia en el sonido orquestal moderno fue profunda; propagó el ideal de la música programática (música que tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo). Fue una vida extraordinaria y su mejor relator fue él mismo, escribiendo probablemente la mejor autobiografía de cualquier compositor. Este año se cumple el 150º aniversario de su muerte.

Louis Hector Berlioz nació en Francia, en La Côte St. André en 1803, cerca de Grenoble. Su padre era médico y el joven Hector también fue enviado a París para estudiar medicina. Berlioz se horrorizó por el proceso de disección y, para sorpresa de sus padres, abandonó su carrera de medicina para estudiar música. Luego asistió al Conservatorio de París estudiando ópera y composición. Se identificó desde el principio con el movimiento romántico francés. Entre sus amigos había escritores como Alejandro Dumas, Victor Hugo y Honoré de Balzac. Más tarde, Théophile Gautier escribiría: “Hector Berlioz me parece que forma con Hugo y Delacroix, la Trinidad del arte romántico”.

Se dice que Berlioz fue innatamente romántico, experimentando emociones profundamente desde la primera infancia. Esto se manifestó más tarde en una serie de asuntos amorosos. A los veintitrés años, su primer amor no correspondido por la actriz irlandesa Henrietta Constance Smithson fue la inspiración para su “Symphonie Fantastique”. Las cartas de Berlioz fueron consideradas tan apasionadas por Smithson que inicialmente rechazó sus intenciones. La naturaleza autobiográfica de esta pieza es más que evidente. En el mismo año del estreno de la sinfonía, 1830, Berlioz ganó el Premio de Roma. Después de su regreso a París, tras sus dos años de estudio en Roma, finalmente se casó con Smithson. Cuando ella finalmente asistió a una actuación de la “Symphonie Fantastique”. Rápidamente se dio cuenta de que era la descripción de sus apasionadas cartas a ella. Sin embargo, después de unos pocos años, la relación se desintegró rápidamente.

Retrato de Berlioz pintado por Emile Signol (1832)

Además de la “Symphonie Fantastique”, otras obras suyas destacadas son: “La Damnation de Faust”, “Romeo et Juliette” (ambas obras a gran escala para voces y orquesta), y el ciclo de canciones “Les Nuits d’Été” (originalmente para voz y piano, más tarde con un acompañamiento orquestal). Y “Les Troyens” (Los troyanos ), ópera en cinco actos (1859), inspirada en el poema épico de Virgilio, “La Eneida”.

El estilo poco convencional de Berlioz irritó el gusto establecido de la época y la escena operística. Berlioz tuvo que organizar sus propias actuaciones, así como pagarlas él mismo. Esto le afectó económicamente y emocionalmente. Tenía alrededor de mil doscientos asistentes leales a sus actuaciones que garantizaban la venta de entradas, pero la naturaleza de sus grandes obras con cientos de artistas dificultaba el éxito financiero. Sus habilidades periodísticas se volvieron esenciales para que se ganara la vida y sobrevivió como un crítico ingenioso que enfatiza la importancia del drama y la expresividad en la obra musical.

Durante su vida, Berlioz fue más famoso como director que como compositor; realizó regularmente giras por Alemania e Inglaterra, donde dirigió óperas y música sinfónica, tanto propias como de música compuesta por otros.

Archivo: Hector Berlioz por Kriehuber.jpg

Hector Berlioz en 1845. Autor: Josef Kriehuber 

La faceta literaria de Berlioz no se limitó a la crítica musical. Sin perder su estilo, audaz y vigoroso, a veces sarcástico. Escribió obras como “Les soirées de l’orchestre”(1852) que es una sátira mordaz de la vida musical provinciana en el siglo XIX en Francia. Su autobiografía, “Memorias de Berlioz” (1870), pinta un retrato magistral de la época romántica a través de los ojos de uno de sus principales protagonistas.

Una obra pedagógica, “Tratado de Instrumentación y Orquestación Moderna”, estableció su reputación como maestro de la orquestación. El trabajo fue estudiado de cerca por Mahler y Strauss, y sirvió de base para un libro de texto posterior de Nikolai Rimsky-Korsakov, quien, como estudiante de música, asistió a los conciertos que Berlioz realizó en Moscú y San Petersburgo.

La música de Hector Berlioz se cita como extremadamente influyente en el desarrollo de la forma sinfónica, la instrumentación y la representación de ideas programáticas, características centrales del Romanticismo. Sus innovaciones en la música fueron atrevidas, y con frecuencia prefiguraron nuevos estilos y técnicas.

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Retrato de Hector Berlioz (1850). Autor: Gustave Courbet

Como Harold Schonberg escribió en “The Great Conductors”, “Ningún compositor antes de Berlioz, y con toda probabilidad ninguno después, ni siquiera Mahler, tuvo una visión tan pura del sonido y cómo conseguirlo. Se deleitó con nuevas combinaciones tonales, en la potencialidad de cada instrumento, en una especie de súper música interpretada por una súper orquesta”.

Murió en 1869 a la edad de 65 años. Sus últimas palabras aseguran que fueron: “Enfin, on va jouer ma musique” – “Por fin, ahora tocarán mi música”. Está enterrado en el Cementerio de Montmartre.

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Actos de la celebración del 150º aniversario de la muerte de Hector Berlioz. http://berlioz150.org/

Symphony Fantastique Op.14

La Damnation de Faust, légende dramatique op. 24

Roméo et Juliette

Les Nuits d’Été

Les Troyens

Hal Blaine (1929-2019). Adiós a las manos mágicas de la batería

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Imagen sin acreditar

Hal Blaine puede ser el batería más prolífico en la historia del rock & roll. Sin duda, ha tocado en más discos de éxito que cualquier batería en la era moderna, incluidos los cuarenta sencillos número uno y ciento cincuenta que llegaron al Top Ten. Ocho de los álbumes en los que participó, ganaron el Grammy de “Record of the Year”. Según las propias estimaciones de Blaine, actuó en 35,000 pistas grabadas durante un cuarto de siglo de trabajo.

Estas cifras absolutamente mareantes, dan fe de la calidad del músico al que nos estamos refiriendo. Fallecido el pasado 11 de marzo a los noventa años. Fue miembro muy destacado de The Wrecking Crew (Equipo de Demoliciones) sobrenombre que se dio a lo más granado y selecto de los músicos de sesión de la Costa Oeste.

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Fotografía: Michael Ochs Archives / Getty Images

Blaine, nacido Harold Simon Belsky en 1929, se convirtió en batería profesional en 1948 y se unió a la banda del ídolo adolescente Tommy Sands a finales de los años cincuenta. Fue el batería de sesión más solicitado de Los Ángeles durante los años sesenta y principios de los setenta, y la lista de músicos con los que tocó, se puede leer como el “quién es quién” de la música popular.

En 1961, Blaine empezó a trabajar en las grabaciones de Elvis Presley, y tocaría en las bandas sonoras de sus películas a lo largo de los años sesenta. Sin embargo, la relación más productiva de Blaine es con el productor Phil Spector, donde se convirtió en la columna vertebral de la percusión del “Wrecking Crew”. Era un componente clave de la producción del “Wall of Sound” (“Muro de Sonido”) de Spector, que produjo éxitos como “Be My Baby” de las Ronettes, y “Da Doo Ron Ron” de las Crystals.

Blaine también estableció una fructífera relación con el líder de los Beach Boys, Brian Wilson, para quien fue su batería de referencia. Blaine apareció en innumerables éxitos de Beach Boys, que van desde “Surfer Girl” hasta “Good Vibrations”. También tocó la batería con músicos pop de la costa oeste, incluyendo a Jan y Dean, The Mamas and Papas, Byrds, Johnny. Rivers, The Asociación, Sonny & Cher, Nancy Sinatra y Simon & Garfunkel. En el lado más “adulto” del pop, Blaine tocó la batería en las grabaciones de Frank Sinatra y Herb Alpert y los Tijuana Brass.

Hal Blaine y Brian Wilson. Fotografía: https://twitter.com/BrianWilsonLive

Al enterarse de su muerte, Brian Wilson de los Beach Boys declaró: “Hal Blaine fue un gran músico y amigo que no puedo expresarlo con palabras”, “Hal me enseñó mucho y tuvo mucho que ver con nuestro éxito: fue el mejor batería de todos los tiempos”

Selección de temas que grabó

The Ronettes (Be my Baby) 1963

The Byrds (Mr. Tambourine Man) 1965

The Beach Boys (Good Vibrations) 1966

The Mamas And The Papas (California Dreamin’) 1966

Nancy Sinatra (These Boots Are Made For Walking) 1966

The 5th Dimension (Up, Up And Away) 1967

Simon & Garfunkel (Mrs. Robinson) 1968

Elvis Presley (A Little Less Conversation) 1968

The Fifth Dimension (Aquarius – Let The Sunshine In) 1969

Captain & Tennille (Love Will Keep Us Together) 1975

 

Alberto Cortez (1940-2019). En un Rincón del Alma

Imagen: http://www.albertocortez.com/

Se nos ha ido Alberto Cortez. Calladamente, como siempre vivió. Cortez era mucho más que un cantautor que domesticaba las palabras y las melodías, era sobretodo una buena persona. Era así de grande porque su corazón no hubiera podido caber en otro cuerpo más pequeño.

Hubo muchos “Albertos”. El cantante pop de sus inicios. El caminante por la senda de los versos de Machado, Lope de Vega, Góngora, Quevedo, Miguel Hernández…

Recorrió también la llanura musical de su Argentina Natal: Atahualpa Yupanqui, Jaime Dávalos, su hermano, más que amigo, Facundo Cabral.

Y todas sus composiciones, ese linaje de melodías cotidianas del hombre común, de aquel que se despierta para vivir, pero quisiera seguir soñando. “En un rincón del Alma”, “Distancia”, “El Abuelo”, “Castillos en el Aire”. Son capítulos del libro de nuestra existencia, donde sus versos, más que letras, son los marcapáginas que señalan los días más lucidos y más nublados de nuestras vidas.

Imagen: http://www.albertocortez.com/

Nace en Rancul, provincia de La Pampa, República Argentina, el 11 de marzo de 1940. Comienza a componer canciones a los 12 años. Una de sus primeras obras es “Un cigarrillo, la lluvia y tú”. En 1958 Llega a Buenos Aires e ingresa en la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales. Canta con su guitarra en las boites de la época, con lo que se ayuda económicamente mientras estudia.

Abandona la Universidad para dedicarse de lleno a su vocación de cantante y músico. La orquesta de Jazz San Francisco lo contrata como vocalista. Con esta orquesta recorre el país. Durante los intervalos de descanso de la orquesta, él con su guitarra entretiene a la gente cantando canciones folklóricas ante el regocijo de todos.

Imagen: http://www.albertocortez.com/

Posteriormente fue contratado para integrarse en un espectáculo que tenía que recorrer Europa. La propuesta no funcionó bien y con poco más de veinte años Alberto se encontró en Bélgica sin contrato, sin dinero y sin billete de regreso. Comenzó a cantar en pequeños locales a cambio de comida o de modestas retribuciones, hasta que se puso de moda el baile llamado “Sucu-sucu”. Alberto grabó el tema y tuvo un rotundo y espectacular éxito en los países de Centroeuropa, hasta el punto que fue rebautizado como “Mr Sucu-Sucu”, título que llevó en su primer disco editado en España.

En 1964 se establece en Madrid. Su disco con el “Sucu Sucu” y, sobre todo, “Las Palmeras” es un gran éxito en España. Enrique Martín Garea le propone un contrato con Hispavox para grabar discos destinados a España y países de Latinoamérica. Graba su primer disco acompañado por Waldo de los Ríos y su orquesta.

Las Palmeras (1960)

Sucu Sucu (1963)

En 1965 Participa como autor en el festival de Mallorca con la canción “Me lo dijo Pérez”. No gana, pero el tema interpretado por cantantes como Karina, Mochi o Los Tres Sudamericanos se convierte en un éxito mundial.

En abril de 1967 decidió dar el paso definitivo y ofreció un recital en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En él interpretó canciones latinoamericanas de autores como Falú, Dávalos o Yupanqui, junto a musicalizaciones propias de poetas como Machado o Lope de Vega. De este concierto surgió el álbum “Poemas y Canciones” en dos volúmenes, y la imagen de un nuevo artista que sería de gran influencia en muchos cantautores del país. Afianzado en su nueva línea, reorientó su carrera profesional, en la cual casi todas las canciones que cantaba eran propias. Supo sumar la inspiración de su tradición latinoamericana con los aires de la chanson francesa que había conocido en su periplo europeo y comenzaron a aparecer temas como “En un rincón del alma”, “Distancia”, “Cuando un amigo se va” y “El abuelo”.

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Los Ejes de mi Carreta (1967)

Indiecito Dormido (1968)

Su producción discográfica en aquellos años fue enorme ya que, hasta 1980, editó un álbum anual. A parte de interpretar sus propias composiciones, añadió temas ajenos como “No soy de Aquí” y “Pobrecito mi Patrón” de Facundo Cabral, con quien hizo dos giras triunfales en los años noventa que se reflejan en el álbum “Lo Cortéz no quita lo Cabral” (1995)

En 1996, durante unas actuaciones e Mar del Plata sufre un ictus cerebral y es operado el 18 de enero de una obstrucción de carótida. Sale airoso de la operación, pero le quedan secuelas que no le permiten volver a acompañarse con su guitarra, sin embargo continuó dando recitales con sus músicos bajo la dirección musical de Ricardo Miralles por todo el mundo. Desde entonces no dejó de actuar y grabar, siendo su trabajo más reciente el álbum “Tener en Cuenta” (2011) que fue nominado al Grammy como Mejor Disco de Cantautor.

No habrá otro Alberto, porque solo hubo uno. Habrá más silencio, porque nos robaron la palabra. Ya no tendremos el notario de nuestras horas, se marcho para registrar las gaviotas y las azucenas. Feliz viaje maestro. Feliz viaje Alberto.

En un Rincón del Alma (1967)

Cuando un Amigo se Va (1969)

El Abuelo (1969)

Distancia (1970)

No Soy de Aquí (1971)

Callejero (1974)

Miguitas de Ternura (1974)

A Partir de Mañana (1979)

Castillos en el Aire (1980)

Como el Primer Día (1983)

Imagen: http://www.albertocortez.com/