Bob Dylan & The Band (The Basement Tapes): 50 Años del Santo Grial del Rock

Esta fotografía corresponde al álbum de Bob Dylan “The Basement Tapes”, donde le acompañan  The Band. Fue lanzado el 26 de junio de 1975. Las canciones con la voz de Dylan fueron grabadas en 1967, ocho años antes del lanzamiento del álbum, en casas en y alrededor de Woodstock (Nueva York), donde Dylan y The Band vivían. Aunque la mayoría de las canciones de Dylan habían aparecido en discos piratas, “The Basement Tapes” marcó el primer lanzamiento oficial de las canciones.

Finalmente en 2014 se publicaron todas las grabaciones efectuadas en aquel verano de 1967. Casi cincuenta años tuvieron que pasar para descubrir toda la magia que se creó en aquel sótano, de aquella casa pintada de rosa a las afueras de Nueva York. Canciones pensadas para no se grabadas, que te atrapan precisamente por eso, por su frescura y espontaneidad. Bienvenidos al Santo Grial del rock.

Bob Dylan en 1966

En julio de 1966, Bob Dylan estaba en la cima del éxito tanto creativo como comercial. “Highway 61 Revisited” había alcanzado el número tres en la lista de álbumes de Estados Unidos en noviembre de 1965; el recientemente lanzado doble LP “Blonde on Blonde” fue ampliamente aclamado. De septiembre de 1965 a mayo de 1966, Dylan emprendió una extensa gira por los Estados Unidos, Australia y Europa, respaldada por los Hawks, una banda que anteriormente había trabajado con el músico Ronnie Hawkins. The Hawks lo formaban cuatro músicos canadienses – Rick Danko, Garth Hudson, Richard Manuel y Robbie Robertson – y un americano, Levon Helm. El público de Dylan reaccionó con hostilidad al sonido de su ídolo respaldado por una banda de rock. El viaje culminó en un famoso concierto en Manchester, en mayo de 1966, cuando un miembro de la audiencia gritó “Judas!” a Dylan por supuestamente traicionar la causa de la música folk. Dylan descubrió que su manager, Albert Grossman, había organizado otros 63 conciertos a lo largo de los Estados Unidos ese mismo año.

El 29 de julio de 1966, Dylan se estrelló con su motocicleta Triumph cerca de su casa en Woodstock, Nueva York, sufriendo daños en sus vértebras y una leve conmoción cerebral. Los conciertos que estaban programados tenían que ser cancelados. Su biógrafo Clinton Heylin escribió en 1990 sobre la importancia del accidente: “Un cuarto de siglo después, el accidente de motocicleta de Dylan sigue siendo visto como el eje de su carrera, como un repentino y abrupto momento en que su vida realmente explotó. La gran ironía es que 1967 -el año después del accidente- sigue siendo su año más prolífico como compositor “.

The Band junto a “Big Pink”

Rick Danko recordó que él, Richard Manuel y Garth Hudson se unieron a Robbie Robertson en West Saugerties, a pocos kilómetros de Woodstock, en febrero de 1967. Los tres se trasladaron a una casa en Stoll Road apodada “Big Pink” por el color rosa de la fachada. Danko y Manuel habían sido invitados a Woodstock para colaborar con Dylan en una película que estaba editando, “Eat the Document”, un documental sobre la gira mundial de 1966.

En un cierto punto entre marzo y junio de 1967, Dylan y los Hawks (futuros The Band) comenzaron una serie de sesiones de grabación informales, inicialmente en el cuarto rojo de la casa de Dylan, Hola Lo, en el área de Byrd cliffe de Woodstock. En junio, las sesiones de grabación se trasladaron al sótano de Big Pink. El teclista Hudson instaló una unidad de grabación, usando dos mezcladores estéreo y un grabador prestado por Grossman, así como un conjunto de micrófonos prestados por el trío Peter, Paul y Mary. Más tarde, Dylan diría a Jann Wenner: “Esa es la manera de hacer una grabación, en un ambiente tranquilo y relajado, en el sótano de alguien, con las ventanas abiertas … y un perro tirado en el suelo”.

Las canciones grabadas en las primeras sesiones incluyeron material escrito o popularizado por Johnny Cash, John Lee Hooker, Hank Williams y Eric Von Schmidt, así como canciones y estándares tradicionales. Vincular todas las grabaciones, tanto nuevas como viejas, es la forma en que Dylan se reenganchó con la música tradicional americana. El biógrafo Barney Hoskyns observó que tanto la reclusión de Woodstock como la disciplina y el sentido de la tradición en la musicalidad de los Hawks eran precisamente lo que Dylan necesitaba después de la “psicosis trotamundos” de la gira 1965-66.

Bob Dylan durante los meses que pasó aislado en Woodstock

Dylan comenzó a escribir y grabar nuevo material en las sesiones. Según Hudson, “Estábamos haciendo siete, ocho, diez y, a veces, quince canciones al día. Algunas eran viejas baladas y canciones tradicionales … pero otras veces Bob se inventaba a medida que avanzaba … Jugábamos con la melodía, Él cantaba algunas palabras que había escrito, y luego inventaba algo más, o simplemente sonidos con la boca o incluso sílabas a medida que avanzaba, es una buena manera de escribir canciones”. Hudson agregó: “Me sorprendió la capacidad de escritura de Bob, cómo entró, se sentó a la máquina de escribir y escribió una canción, y lo sorprendente fue que casi todas esas canciones eran divertidas”. Dylan grabó alrededor de treinta nuevas composiciones con los Hawks, incluyendo algunas de las canciones más célebres de su carrera. 

Una de las cualidades de “The Basement Tapes” que lo distingue de las obras contemporáneas es su sonido simple y realista. Las canciones fueron grabadas a mediados de 1967, el “Summer of Love” que produjo “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de los Beatles, su álbum más elaborado técnicamente. En una entrevista de 1978, Dylan reflexionó sobre el período: “No sabía cómo grabar la forma en que otras personas estaban grabando, y yo no quería.” Los Beatles acababan de lanzar el Sgt. Pepper, Me pareció un disco muy indulgente, aunque las canciones en él eran muy buenas, no creía que toda esa producción fuera necesaria”.

Después de circular en innumerables discos pirata. En enero de 1975, Dylan inesperadamente dio permiso para el lanzamiento de una selección de las grabaciones del sótano. El álbum recibió numerosas críticas por ceñirse muy poco a las grabaciones originales. El 4 de noviembre de 2014, Columbia / Legacy publicó una caja de 6 Cd que contiene 139 pistas, que comprende casi la totalidad de las grabaciones del sótano de Dylan, incluyendo 30 pistas nunca pirateadas.

Portada de la Edición Completa de “The Basement Tapes” (2014)

Andy Gill describe perfectamente la particularidad de estas grabaciones: “Musicalmente, las canciones estaban completamente en desacuerdo con lo que estaba pasando en el resto del mundo, que durante el largo y caluroso verano de 1967 se celebra el nacimiento del movimiento hippie con una explosión llamada Psicodelia. Música que es en su mayoría, fáciles loas al amor universal envueltas en interminables solos de guitarra “.

Varios artistas han reconocido la influencia de The Basement Tapes en su música. Según Billy Bragg: “Escuchar ahora “The Basement Tapes” me parece el comienzo de lo que se llama americana o country alternativo”. Según Elvis Costello, el álbum “suena como si hubiese sido hecho en una caja de cartón. Creo que Dylan estaba intentando escribir canciones que sonasen como si las hubiese encontrado debajo de una piedra. Como si fuesen canciones de folk reales, porque si vuelves a la tradición folk, encontrarás canciones tan oscuras y profundas como éstas”. En el mismo sentido, varios críticos musicales han señalado la influencia del álbum en diversos grupos. Al respecto, Stuart Bailie escribió: «Si el rock & roll es el sonido de una fiesta, “The Basement Tapes” es el de la mañana siguiente: nublado y melancólico y con potencia emocional. Innumerables grupos  han tratado de volver a ese lugar”.

En 2016, la revista Rolling Stone revista clasificó a “The Basement Tapes” en el número 292 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

 

Elvis Presley (1935-1977): 40 Años sin el Rey

40 años han pasado desde aquel lejano 16 de agosto de 1977, cuando quedó vacío el trono del rock. Elvis Aaron Presley nos dejaba precipitadamente a los 42 años de edad. Glosar la figura de Elvis puede ser una labor titánica. Más de 20 años de carrera, donde contribuyó decisivamente al nacimiento y expansión del rock & roll. Con luces y sombras, su figura es imprescindible no solo para glosar la música del siglo XX, sino, la propia historia del mundo de aquellos años, donde fue un pilar básico de la cultura popular de entonces.

Huey Lewis dijo una vez que el corazón del rock & roll está en Cleveland. Sin embargo, si quieres ir a donde nació el rock & roll, Memphis lo es. Después de todo, esta es la ciudad que creó a Elvis, y sin Elvis no habría rock & roll.

Elvis nació en Tupelo, Mississippi y se trasladó a Memphis con su familia. Él era tímido, impopular en la escuela y parecía una opción inverosímil para convertirse en el artista más popular del mundo. Memphis tenía una vibrante escena musical, pero debido a la tensión racial de la época, era difícil promover a los artistas negros, pero no necesariamente en Sun Records. En el sello fundado por Sam Phillips en 1952, el lema era que registrarían a cualquiera .Según algunos relatos, Elvis fue a grabar un disco para su madre y ahí es donde todo comenzó, ya que Elvis finalmente capturó el “sonido de Memphis”.

Shutterstock 306788546 bnq2pc

Graceland: La Mansión de Elvis Presley en Memphis

Sun Records todavía funciona como un estudio de grabación. Además del Rey, Sun también fue el primer estudio para grabar y promover otros artistas legendarios como Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison. Usted puede visitar el estudio real donde Elvis grabó sus primeros singles e incluso posar con el micrófono que utilizó. Elvis grabó un buen número de demos durante un año, pero nada hizo clic en Phillips, que estaba buscando a un intérprete blanco para reproducir el ritmo y la música de blues que amaba de los clubes negros de Memphis.

Una noche, sin embargo, Elvis estaba tocando con otros dos intérpretes del estudio y de repente empezó a girar y cantar, una alejamiento de sus baladas habituales, y Phillips se dio cuenta de que había encontrado el sonido que había estado buscando. Sun Records consiguió que su álbum fuera transmitido y vendió su contrato dos años más tarde a RCA Records en Nashville.

The Million Dollar Quartet: Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Elvis Presley and Johnny Cash

La carrera de Elvis, como la de cualquier otro artista, tuvo sus buenos momentos junto a otros no tan afortunados, pero por encima de todo destacan dos períodos que definieron su historia musical: 1955-56, cuando adquirió una enorme popularidad en Estados Unidos y en el resto del mundo con un sonido que recogía influencias procedentes de distintos estilos, y los años setenta, cuando, tras haber regresado en dos ocasiones tras otros tantos alejamientos del mundo artístico, recuperó su imagen de mito gracias a sus giras de conciertos. Hoy, 40 años después de su muerte, el éxito que consiguió como artista se mantiene tan impactante como el primer día, y Elvis Presley sigue siendo el indiscutible Rey del Rock & Roll.

A pesar del trágico final que alcanzó su vida, los logros conseguidos por Elvis se mantienen como auténticos hitos históricos. En Estados Unidos ha conseguido 132 discos de oro, platino o multi-platino por sus álbumes y singles, muchos más que cualquier otro artista. Es la única persona que ha conseguido formar parte de los tres Halls of Fame, es decir, los dedicados al rock & roll, country y gospel. A nivel mundial, Elvis ha vendido más de mil millones de discos, más que ninguna otra estrella.

Heartbreak Hotel (1956)

Hound Dog (1956)

Jailhouse Rock (1957)

Are you Lonesome Tonight (1960)

Can’t Help Falling in Love (1961)

In the Ghetto (1969)

Suspicious Minds (1969)

An American Trilogy (1972)

Burning Love (1972)

Always on my Mind (1972)

 

Pink Floyd (The Piper at the Gates of Dawn): 50º Aniversario

Para todos los que conocen la trágica historia de la ascensión y el descenso meteórico de Syd Barrett en el mundo del rock, consideran que “The Piper at the Gates of Dawn” sigue siendo un testimonio de una mente que, por un breve período, no vio fronteras. Grabado en el período previo al verano del amor en un estudio junto al que los Beatles estaban dando los toques finales al Sgt Pepper, este álbum sigue siendo un pináculo de la música psicodélica inglesa. Está lleno de reflexiones de un poeta infantil, de una mente todavía no oprimida, pero libre de vagar entre los cuentos de hadas y exploraciones cósmicas y aún estar en casa a tiempo para el té.

“The Piper at the Gates of Dawn” ha inspirado a mucha gente, pero lo que es profundamente irónico,  es que una de los pocas bandas que no lo han copiado son ellos mismos, Pink Floyd. Antes de perder la cabeza, el principal compositor de Pink Floyd fue Syd Barrett, un estudiante de arte de clase media, sensible y atractivo de Cambridge. Sus canciones en “The Piper at the Gates of Dawn” reúnen a un grupo de gatos, zapatos de plata, unicornios, ratones llamados Gerald, motos, gnomos, y los colocan en la música psicodélica más inventiva y sorprendente jamás grabada.

Pink Floyd en 1967: Richard Wright, Roger Waters, Nick Mason y Syd Barrett

Los estudiantes de arquitectura Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright y el estudiante de arte Syd Barrett habían actuado bajo varios nombres desde 1962, y comenzaron a hacer giras como “The Pink Floyd Sound” en 1965. Se convirtieron en profesionales el 1 de febrero de 1967 al fichar por EMI. Su primer single, una canción sobre un travesti cleptómano titulado “Arnold Layne”, fue lanzado el 11 de marzo, creando alguna controversia por su temática, no siendo emitida en algunas radios.

Tres semanas más tarde, la banda fue presentada a los principales medios de comunicación. El comunicado de prensa de EMI afirmó que la banda eran “portavoces musicales de un nuevo movimiento que implica la experimentación en todas las artes”, pero EMI trató de poner cierta distancia entre ellos y la escena underground en la que se originó la banda. La banda regresó al estudio de Sound Techniques para grabar su próximo single, “See Emily Play”, el 18 de mayo. El single fue lanzado casi un mes después, el 16 de junio, y alcanzó el número seis en las listas.

El título del álbum se toma de un capítulo de uno de los libros favoritos de Syd Barrett, “El Viento en los Sauces”. Las imágenes líricas del álbum están llenas de colorido infantil, aunque filtradas a través de la lente perceptiva del LSD. Las canciones pop melódicas y pegadizas de Barrett, se equilibran con piezas más largas y experimentales que demuestran los trastornos instrumentales del grupo, a menudo usando temas de viajes espaciales como metáforas para experiencias alucinógenas. “Astronomy Domine” es un buen ejemplo de lo que decimos, Pero pistas como “Interstellar Overdrive” son algunas de las primeras incursiones en lo que ha sido etiquetado como rock espacial.

Pero a pesar de que las letras y melodías de Barrett son en su mayoría juguetonas y humorísticas, la música de la banda no siempre da fe de esos sentimientos. El trabajo de orquesta de Rick Wright, la disonancia, el cromatismo, los ruidos extraños y los efectos de sonido vocal se emplean en varios casos, dando la impresión de caos, y confusión al acecho bajo una brillante superficie. “The Piper at the Gates of Dawn” captura con éxito ambos lados de la experimentación psicodélica: los placeres de expandir la mente y la percepción, y una amenaza subyacente de trastorno mental e incluso de locura; Esta dualidad hace al disco aún más convincente a la luz del derrumbe posterior de Barrett, y lo clasifica como uno de los mejores álbumes psicodélicos de todos los tiempos.

“The Piper at the Gates of Dawn” es uno de los discos más influyentes en la historia. Su avanzado sonido, experimentación y combinación de distintos géneros como rock, pop y folk ha inspirado a distintos artistas. La exploración sónica del disco es absoluta: cuenta con cambios de métrica (pasando del regular 4/4 a métricas como 11/8). También podemos encontrar progresiones de acordes inusuales (“Astronomy Domine”) y escalas poco comunes en la música popular.

El álbum fue inicialmente recibido con críticas frías, pero con paso del tiempo se ha ganado un lugar en el olimpo de la música. George Starostin afirmó que este álbum es “La Biblia astral de la psicodelia”. En NME, sobre la versión de 40 años de aniversario, escribieron que “Incluye dos singles de Barrett, censurados, no incluidos en el álbum original: “Arnold Layne” y “See Emily Play”, que son tan buenas como cualquier cosa que los Beatles hayan grabado. Sobre esto, el portal Pitchfork comentó que “Mientras The Beatles ejercían un control absoluto en las herramientas del estudio, Pink Floyd usaba el estudio para perder el control”. Los mismos también dijeron “Mientras la mayoría de los discos del Verano del Amor eran positivos y unían, The Piper era fracturado y terrorífico”.

Después del lanzamiento del álbum en agosto de 1967, Pink Floyd continuó actuando en Londres, con audiencias cada vez más grandes. Pero el estado mental de Barrett continuó deteriorándose, y pronto llegó al punto en el que no podía actuar en el escenario. Aparte de unas pocas canciones más y una canción en el siguiente álbum del grupo, Barrett no volvería a tocar con la banda de nuevo, haciendo de “The Piper At the Gates of Dawn”, una obra verdaderamente única.

Enlace a la Lista de Distribución del Álbum 

Pink Floyd (Arnold Layne) 1967

Pink Floyd (See Emily Play) 1967

Documental Dedicado a la Figura de Syd Barrett