Purple Weekend 2017

El Purple Weekend, conocido como la gran fiesta de la música sixtie, se celebra en León desde hace casi 30 años, vuelve con un cartel de lujo para los próximos 6, 7, 8 y 9 de diciembre.

Entre los cabeza de cartel de esta nueva edición del Purple, están grupos de la talla de los californianos Red Kross (USA), The Event (USA), The Resonars (USA), y Lime Spiders (Australia), con su primer concierto en España. Completan el cartel:

  • Nikki Corvette and The Romeos (USA, Italia)
  • Psychotic Youth (Suecia)
  • The Frowning Clouds (Australia)
  • Tito Ramírez (España)
  • The Mystery Lights (Nueva York – USA)
  • The Living Eyes (Australia)
  • The Allnighters (España)
  • Together PANGEA (USA)
  • The Extended Plays (España)
  • The Imperial Surfers (España)
  • The Salamanders (León – España)
  • Stay (Barcelona)

En cuanto a los DJs, la organización ha anunciado que el legendario DJ escocés Keb Darge, así como el neoyorquino Alix Brown amenizarán los Alldayers y Allnighters del festival. Además de las actuaciones musicales y sesiones de DJs, se podrá disfrutar de otras actividades que ya se han convertido en habituales por León los días de la gran fiesta de la música sixtie de este país. Entre ellas encontraremos exposiciones, desfiles de moda, mercadillo y la Scooter Run.

http://www.purpleweekend.com/

Vidya Shah Emsemble (1/Diciembre/2017)

Viernes, 1 diciembre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (3 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI

Ms. Vidya Shah- Lead Vocals and Narration

Shri Amar Sangam Das- Guitar/Mandolin

Shri Javed Hussain- Keyboard

Shri Prakash Kumar Thakur- tabla

Shri Satish Kumar Solanki – Dholak and Daffli

Vidya Shah es una música originaria de Nueva Delhi, India. Formada en un principio en la música carnática, género típico del sur de la India, recibió años más tarde formación en Khayal (de Shubha Mudgal y Mujahid Hussain Khan), y Thumri, Dadra y Ghazal (de Shanti Hiranand), géneros del norte del país. Ha actuado en varios foros, tanto nacionales como internacionales, incluyendo el Tansen Samaroh de Gwalio, Kennedy Centre de Washington D.C., Asia Society de Nueva York y Museo Bode de Berlín. Vidya dirige talleres de música y tradiciones espirituales de la música india. Escribe sobre música para un variado número de publicaciones y ha contribuido a la Encyclopedia Britannica. Conocida como una popular intérprete y una compositora prolífica, Vidya Shah ha sido ganadora del Charles Wallace Award por su proyecto “Women on Record”, donde destaca las contribuciones de las mujeres intérpretes en la era del gramófono.

Vidya Shah (Selección de Canciones)

Trío Ayren (30/Noviembre/2017)

Jueves, 30 noviembre, 2017 – 20:15 H.

Auditorio del conservatorio profesional de música de León

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en la entrada del auditorio

Trío Ayren

Bernardo Aguiar-violín

Beatriz Perona – violoncello

Nina Aranda – piano

El grupo se forma en el Centro Superior Katarina Gurska de Madrid en el año 2014 en las clases de música de cámara de la profesora Noelia Rodiles, con la que aún prosiguen su formación, tras ser becados individualmente por la Fundación Katarina Gurska. Han recibido clases de música de cámara de profesores como Jonathan Brown, Graham Jackson o Claudio Martínez-Mehner.

Desde su formación han tocado en salas como el Teatro Nacional San Carlos y el Teatro San Luis de Lisboa, el teatro Canónigos de San Ildefonso en Segovia, el Ateneo de Madrid, el Teatro Calderón de Valladolid, y también en festivales como el Fex (Festival Extensión) de Granada, como alumnos del curso internacional Manuel de Falla 2017. En 2015 reciben el primer premio del concurso Juventudes Musicales de España en la modalidad de Cámara en Sevilla, y en 2016 el tercer premio en el concurso de Música de Cámara de Cofrentes.

Recientemente han visitado y actuado en directo en el programa de Radio Clásica Estudio 206. En marzo de 2018 interpretarán el Triple Concierto de Beethoven junto a la Joven Orquesta Mediterránea y el maestro Michael Thomas.

Programa Trío Ayren: Reflejos

Haydn: Tríonúm. 6 en fa mayor  Hob. XV

Takemitsu: Between Tides (1993)

Mendelssohn: Trío nº1 op.49 en re menor

Actuación en el Programa de Radio Clásica Estudio 206 (5/11/2017)

Rodrigo García: El Gran Trovador del Pop Español Cumple 70 Años (2ª Parte)

En 1975, Rodrigo García inicia el intento de abrirse hueco como solista en el cambiante mundillo musical de la época. Firma con CBS, y edita su primer álbum en solitario: “Canciones de Amor y Sátira”, que el mismo produce.

En este trabajo encontramos todas las señas de identidad de Rodrigo. Continua con su maestría en las letras, una temática muy variada en sus composiciones, y una cierta liberación por el hecho de no compartir sus creaciones con los miembros de una banda. El lo recuerda así: “Al estar solo, ya no existía la tensión de hacer voces, que es un capricho muy exigente. En ese disco, hay letras extensas, muy protagonistas… Letras de cantautor. Y estas canciones hubieran tenido más difícil encaje en el grupo. Mi repertorio, en fin, ya no estaba sujeto al compromiso de ser aprobado ni de ser tratado en equipo”.

No es el mejor disco de Rodrigo, pero temas como “Quiero que seas mi Dama” o “El Gato”, no están al alcance de cualquiera.

Pero este magnífico álbum pasa casi desapercibido. Esa época fue propicia para los cantautores. Pero las composiciones de Rodrigo carecen de ese matiz político y militante que consagraron a otros músicos. Se abre un periodo de silencio de cinco años, que pudo haberse roto con una fallida reunión de CRAG. De todas formas, la espera mereció la pena, el mejor trabajo de Rodrigo estaba por llegar.

 

Rodrigo (Quiero que seas mi Dama) 1975

Rodrigo, tras la publicación de su primer disco, continua como músico de estudio y de directos, y ejerce labores de producción. Finalmente, en 1979 recibe la oferta de Movieplay para grabar su segundo disco en solitario que se publicará al año siguiente.

Titulado sencillamente “Rodrigo”, es para muchos el disco más bello que haya hecho nunca este artista único. Mil sentimientos produce su escucha. De evocación del pasado, de galanteos, de amores trabajados y exhaustos. Nuevamente el autor escala cotas inalcanzables en el uso del idioma. Textos descriptivos y audaces. Todo ello acompañado con una producción impecable, un sonido limpio y cálido. Con Joaquín Torres y Eduardo Leiva a los mandos la nave. Y esa pureza casi cristalina del sonido de sus guitarras.

Muchos denominan a este disco como “el de las mujeres”, por el indudable protagonismo del universo femenino. El propio Rodrigo coincide casi completamente con esta apreciación: “Desde luego que es un homenaje al universo femenino. Pero hay una canción que habla sobre un chico homosexual (Alberto del Rosario) y que, sin embargo, se titula “Charo”. Lo cual indujo a pensar, a la gente que no se fija mucho en los detalles, que el álbum estaba dedicado completamente a las mujeres. De esas canciones yo recuerdo con especial satisfacción “Laura” y “Déjame deshacerte la cama”. Hay en el álbum un tema nostálgico, “La abuelita Berta”. En la atmósfera de ese cuento inventado, aparece la condición ultramarina de finales del siglo XIX y principios del XX. Berta podría ser un personaje de Valle-Inclán.

De este álbum se extrajo un single, “Laura”, sin duda una de las canciones más bellas de la trayectoria de Rodrigo. Pero a pesar de las buenas críticas, nuevamente el disco paso desapercibido. Rodrigo recuerda: “Laura” fue el single, pero en ese disco no hubo nada exitoso. El trabajo pasó, desafortunadamente, con más pena que gloria. Las pocas críticas, en general, fueron positivas, pero yo en los medios despertaba menos curiosidad o menos morbo que los iniciales CRAG. Encima, el apoyo de Movieplay fue muy tímido”.

Se abre un paréntesis aún mayor con el siguiente álbum en solitario de Rodrigo, concretamente siete años. Entre medias, se produjo la añorada reunión de CRAG a mediados de los ochenta. Dos discos fueron el resultado de este reencuentro, con expectativas superiores a los resultados. Son trabajos muy dignos, pero palidecen al compararlos con “Señora Azul”. El exceso de sonido “ochentero”, con uso y abuso de sintetizadores, distorsiona unas canciones, que sin tanta producción hubieran sido mucho más adecuadas al sonido tradicional de la banda.

La negativa a actuar en directo, eterno conflicto en CRAG, “si no había buenos resultados” por parte de Rodrigo, fue vista por él mismo, con el paso de los años, como un error.

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán (De Piel Trigueña) 1984

En 1986, Fonomusic propone la grabación de un nuevo trabajo en solitario, que se materializa el año siguiente bajo el título de “Solera Reservada”. Este disco imprescindible se ve afectado por los constantes avatares de álbumes anteriores de Rodrigo, dando idéntico resultado: Nula repercusión y distribución.

Rodrigo comenta al respecto: “En ese disco, se notan los sonidos que entonces estaban de moda y que ahora mucha gente podrá calificar de modestos, de añejos… Tuvimos un presupuesto corto, es cierto, pero lo supimos emplear muy bien. El álbum se grabó en 120 horas de estudio: una cifra récord. Hubo buenos músicos participantes, y yo imprimí el sello de la casa a las guitarras y a los teclados… José Antonio Álvarez Alija, por su parte, consiguió un sonido brillante y claro.  Además, en Solera reservada hay varias canciones que me parecen de primera división: “Cuarto menguante”, “Fiona”, “Sortilegio de muerte”, “Amor primero”… Reivindico, una vez más, la importancia del repertorio en cada álbum”.

Repleto de momentos poéticos y musicales de altísimo nivel, como en “Cuarto menguante”. Evocadores de los primeros años, como la bellísima “Amor primero”. El disco es una soberbia colección de canciones que dejan buen sabor de boca no solo a los seguidores del artista, sino a cualquiera que las oiga.

A principios de los años noventa, Rodrigo se muda a Cádiz, a Chiclana de la Frontera, buscando ese atlántico que le desintoxique del asfalto de Madrid.

En esa época los miembros de CRAG vuelven a tener contacto con la idea de resucitar el grupo. Pero nuevamente las desavenencias vuelven a surgir, y Juan Cánovas abandona el proyecto. Los tres restantes editan en 1994 el disco “Rodrigo, Adolfo y Guzmán”, reactivando sus actuaciones en directo.

El álbum tiene un sonido un tanto desfasado, con abundancia de bases secuenciadas. Es un trabajo agradable y digno, con momentos de gran nivel, pero no se puede comparar a sus discos anteriores. Para no ser menos, se distribuyó poco y se descatalogó pronto, siendo la difusión mínima.

En el periodo 2005-2006, hay una reivindicación de la obra de Rodrigo. Primero Emi edita un recopilatorio de CRAG, titulado “Gran Reserva”, con la excusa del treinta aniversario de “Señora Azul”. En 2006, Rama Lama publica un doble CD con los tres álbumes en solitario de Rodrigo. Permitiendo acceder a todo la obra en solitario hasta ese momento.

Y decimos bien “hasta ese momento” pues Rodrigo sorprende ese año con un nuevo trabajo en solitario, “El Jefe”, autoeditado por el. El autor recuerda las circunstancias de la grabación del álbum: “El presupuesto faltaba, desde luego, así que, en vez de embarcar a amigos músicos en mi proyecto —tocar gratis puede incordiar—, preferí resolver con teclados la mayor parte del disco. Pero para entender tal decisión también hay que tener en cuenta lo siguiente: a mediados de los ochenta, yo empecé a componer mucho más con el piano que con la guitarra. Y a la hora de vestir las canciones, el teclado tiene un carácter de inmediatez casi indiscutible”.

Y ante la falta de relevancia de la guitarra, anterior santo y seña de su obra, Rodrigo se sincera: “La guitarra casi ya no la puedo tocar, porque tengo artritis o artrosis (o lo que sea) en los dedos. Esa enfermedad, en los últimos años, me ha ido alejando del instrumento. Y es que cuando empiezas a tocar con dificultad, te desanimas. El abandono de la guitarra condiciona, evidentemente, el enfoque de mi interpretación. Asumo que en el disco faltan unas cuantas guitarras. Estaría encantado de poder seguir tocando la guitarra con la misma tranquilidad y con los mismos resultados de hace unos cuantos años…”

Rodrigo (El Jefe) 2006

Continúan las reuniones de CRAG, ofreciendo actuaciones en directo. Pero nuevamente esa plaga bíblica que afecta al grupo, las desavenencias constantes, impiden la realización de su cuarto trabajo continuo, del que creo quedará en el baúl de las quimeras imposibles.

Después de este enésimo tropiezo del grupo, se temía que efectivamente Rodrigo hubiese dicho su última palabra. Pero en 2012 comienza a grabar un álbum autoeditado y autodistribuido que se publica en junio de 2013 con el curioso título de “V: Curiosas Fijaciones en la Vocación Irremediable y otros Conflictos” que causa grata impresión a los aficionados que lo pueden disfrutar. En esta ocasión sí parece que llegamos a su disco final pues él se declara retirado.

En 2012 el lo anunciaba así: “Tengo listo el repertorio de un nuevo disco que probablemente será doble y que significará mi despedida involuntaria pero forzosa. Las canciones también estarán tratadas con escasos medios económicos. Ese repertorio es veterano, pero, a mi juicio, conserva la vigencia, dada su personalidad y su eficacia. En el nuevo álbum, volverá a cobrar relevancia el teclado. De todas formas, aun contando con las limitaciones de las que hemos hablado, intentaré que el álbum quede digno, como creo que quedó digno El jefe”. 

Rodrigo (La Miel en los Labios)

Rodrigo ha editado tres libros a lo largo de los años: “Verde veronés” (1995), “El sello de la casa” (2001) y “Armis et Litteris” (2004).

La obra de Rodrigo ha estado ajena a modas y tendencias. Alérgico a convencionalismos, ha navegado como un pirata con su parche de romanticismo, atacando todas la variantes de la estupidez humana. Un artista irrepetible, cuyo desconocimiento solo nos puede producir sonrojo en este país infectado tantas veces de mediocridad.

Entrevista realizada a Rodrigo en 1985, donde repasa su obra hasta entonces

Las declaraciones de Rodrigo citadas en esta entrada, están extraídas de una entrevista realizada en 2012 en La Huella Digital

 

Soledad Vélez (24/Noviembre/2017)

Viernes, 24 noviembre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria previa presentación del carnet universitario y DNI

SOLEDAD VÉLEZ canta a VIOLETA PARRA “Violeta siempre”

La cantante chilena, afincada en España, Soledad Vélez pone en escena “Violeta Siempre”, su particular homenaje a la gran Violeta Parra, compatriota y referente. Mientras ultima su próximo disco, a editar en la primavera del 2018, reinterpreta y se lleva a su terreno canciones inmortales como Arauco tiene una pena, Gracias a la vida oVolver a los diecisiete.

Soledad Vélez es una cantante, músico y compositora chilena afincada en Valencia que ha desarrollado toda su carrera musical en España, donde ha actuado en festivales como el FIB de Benicàssim, Primavera Sound o el Día de la Música, entre los más de 300 conciertos que ha realizado entre España, Portugal y México.

La prensa la compara con PJ Harvey, con Beach House, con Florence and the Machine… y no es para menos,  es para mucho más: Soledad Vélez posee el carisma, la magia, la elegancia, la personalidad, esa seducción salvaje que solo las grandes tienen.

Nacida en Concepción (Chile) en 1988, a los 13 años, influida por el ambiente musical de su casa, comienza a cantar sobre los discos de jazz y blues de su padre mientras los escucha. Al mismo tiempo comienza a tocar la guitarra. Con 17 años opta por cambiar su residencia y probar fortuna en España, concretamente en Valencia. Ya en España durante una larga temporada canta en un cuarteto de jazz y finalmente lo deja para dedicarse solo y exclusivamente a sus canciones.

En 2010 autoedita “Four reasons to sing” un EP de cuatro canciones grabado en el home estudio de un amigo. Comienzan los conciertos por toda la ciudad. En 2011 edita “Black Light in the Forest”, su segundo EP, grabado en los estudios La Mina de Sevilla y durante ese año realiza cerca de 40 conciertos por toda España.

En 2012 pasó a formar parte de Absolute Beginners viendo la luz su primer disco titulado “Wild Fishing” y realizando una importante gira por toda España además también de visitar Inglaterra, México, Chile y Portugal. El disco salió reseñado en las más importantes revistas especializadas de ámbito nacional (Rockdelux, Mondosonoro, Go-Mag, Ruta 66…) e incluso internacional (Uncut y The Skinny).

En noviembre del 2013 se editó “Run with wolves”, su segundo álbum. Después de dos intensos años girando por toda España ficha por Subterfuge Records y publica su tercer trabajo “Dance and Hunt” el 11 de Marzo del 2016. En “Dance and Hunt”, Soledad incorpora sonidos electrónicos a su folk oscuro, creando un trance místico e hipnótico que te atrapa y no te suelta.

Soledad Vélez (Lista de Reproducción)

Soledad Vélez (Arauco Tiene una Pena) Canción de Violeta Parra

 

Rodrigo García: El Gran Trovador del Pop Español Cumple 70 Años (1ª Parte)

El pasado 10 de noviembre, cumplió 70 años un personaje imprescindible de la música popular española de los últimos cincuenta años. Rodrigo García, quizás el más excelso letrista de todo este periodo, vive en el más absoluto de los olvidos, cuando la calidad y profundidad de su obra harían palidecer a compositores mucho más afamados.

Pintor de la palabra, escultor de la melodía. Sus composiciones son auténticas filigranas, donde se desliza la pulsión amorosa, la sátira descarnada, la desolación de los paisajes humanos, la ventana abierta al sol de nuestras ensoñaciones. Nadie queda indiferente, cuando este trovador de nuestros días doma la palabra y se enseñorea del verso. Su dominio del lenguaje deja a casi todos como efímeros párvulos, balbuceado las primeras letras.

Todo ello acompañado de su voz, breve y rota, la más “Dylaniana” del pop español. Aquella que fue mascarón de proa de la saga más fértil y lúcida del pop patrio: Solera, y posteriormente, Cánovas, Rodrigo, Adolfo & Guzmán (CRAG). Auténtico Santo Grial de la música popular española.

The Speakers (Rodrigo es el 3º por la Izquierda)

Rodrigo García Blanca nace en Sevilla el 10 de noviembre de 1947. A los seis años inicia sus estudios de violín, estudios que finaliza en 1963. En esta época ya domina otros instrumentos como el piano, la guitarra, empieza a cantar y a realizar sus primeras composiciones.

Entre tanto, su familia se traslada a Colombia, donde entra en contacto con la efervescente escena musical del momento. Rodrigo forma el grupo The Speakers, que serán pronto un referente de la música criolla. Evolucionan del sonido beat de sus comienzos hasta una psicodelia fronteriza ya con el rock progresivo, cuyo mayor exponente será el álbum “En el Maravilloso Mundo de Ingeson” de 1968. Disco fundamental de la psicodelia iberoamericana, de buenas críticas y pocas ventas, que el paso del tiempo no ha hecho más que reivindicar. En este trabajo, Rodrigo toca una cantidad enorme de instrumentos, lo que demuestra su capacidad casi extraterrestre para la música: Guitarras, clavecín, maracas, tiple, piano, armónica, carillón, pandereta, gorgorita, marimba y bajo.

The Speakers (En el Maravilloso Mundo de Ingeson) 1968

Rodrigo retorna a España en 1969, donde realiza el servicio militar, y se va abriendo un hueco dentro del panorama musical como músico de estudio y de directo. Colabora con Juan Pardo, y se integra en 1971 en una de las dos formaciones de Los Pekenikes, que en ese momento sufrían un conflicto fraticida entre los miembros de la banda original.

Participa en el álbum “Ss.Ss.Ss.Q.E.S.M.”, abreviatura de un formulismo de cortesía ya anticuado en la época usado en las cartas, que significa “Su seguro servidor que estrecha su mano”. Dentro de este último trabajo, que cerró la época clásica del grupo, Rodrigo aporta una composición realmente sublime. “Trío” es un tema instrumental, de corte casi barroco, con dos partes muy definidas que culminan en un crescendo apoteósico.

Los Pekenikes (Trío) 1971

Ese mismo año, Rodrigo conoce a un dúo llamado José y Manuel formado por los hermanos José Antonio y Manolo Martín. Con ellos graba, como guitarrista de sesión, dos discos con una orientación folk pop. En el último coincide con el prestigioso bajista de  sesión José María Guzmán, y entre los cuatro deciden echar a andar un nuevo proyecto conjunto. Ese proyecto será Solera, primer capítulo de una saga musical irrepetible.

Y así surge Solera, y su disco homónimo, un álbum variado, con unas armonías perfectas, trufado de muchas influencias, con un sonido cercano al de la Costa Oeste de Estados Unidos. La calidad de las canciones es enorme y con esa materia prima, Rafael Trabucchelli, productor del disco, dota de una orquestación a los temas que  los envuelve, pero no quedan nunca ahogados en ella.

El disco tuvo muy buenas críticas, pero escasas ventas, falta de promoción sobretodo. Dentro del grupo, empezaron las diferencias creativas que llevaron a su disolución. Posteriormente Rodrigo y Guzmán se integrarían en CRAG, pero ese fue el siguiente capítulo de esta historia.

Solera (1973)

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, son el grupo de culto por excelencia, junto a Vainica Doble, del pop español. Su unión en 1974 nos legó un álbum, “Señora Azul”, que está esculpido en el mármol patrio con letras de oro. Disco grabado a contracorriente de las tendencias musicales de entonces.  Consiguen aunar de una manera magnífica unas composiciones brillantes con unas letras inteligentes, y por si fuera poco, contaron nuevamente con la ayuda en tareas de producción de Rafael Trabucchelli, el creador del sonido Torrelaguna. Santo y seña de la discográfica Hispavox.

Nuevamente,  a pesar del unánime reconocimiento de su trabajo, el éxito les es, de nuevo, esquivo, y tras realizar una gira acompañando a Karina (para la cuál Rodrigo también componía y producía canciones en esa época), se disuelven para seguir caminos separados.

Sin quitar mérito a nadie, la piedra angular del álbum fueron las contribuciónes de Rodrigo. Suyas son “Solo Pienso en Ti”, “Señora Azul” y “María y Amaranta”. Canción que narra un amor homosexual, que siempre dejó perplejo al autor que superara la férrea censura de la época.

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán (Señora Azul) 1974

En la segunda parte de esta entrada, nos centraremos en la que fue su carrera en solitario, con fugaces nuevas aventuras con CRAG. Quizás sea la etapa del Rodrigo más personal, más sutil y emocional, pero sin perder nunca la riqueza de sus textos, donde las palabras bailan al ritmo de la batuta de este creador sin par.

John Coltrane (Blue Train) 60º Aniversario

Es fácil valorar el “Tren Azul” de John Coltrane y, al mismo tiempo, no hacer justicia a su importancia. 

Fue la primera y única grabación de Coltrane para Blue Note. Fue el primer álbum en el que tuvo una elección libre de los músicos con los que quería grabar. Es el álbum en el que John Coltrane se acerca más al hard bop.

Pero luego, el argumento es que “Blue Train” no es el sonido característico de este saxofonista imprescindible. De alguna manera, hace demasiadas concesiones al “sonido” de Blue Note. Si hubiera habido más grabaciones para esta etiqueta, quizás su música podía haber ido en esa dirección, pero resulta que se unió a Miles Davis en su revolución modal, y luego firmó como líder con Atlantic y luego Impulse, donde su música se desarrolló en nuevas direcciones con “Giant Steps” y “A Love Supreme”. La paradoja es que, por todo ello, “Blue Train” sigue infravalorado en muchos aspectos.

Hay una conexión con la vida personal de John Coltrane en este momento. Había vencido su adicción a la heroína que había comenzado en Filadelfia en 1953 y que se había superpuesto a una adicción adquirida anteriormente al alcohol.

John Coltrane Durante la Grabación del Álbum (15/09/1957). Foto: Francis Wolff

En otoño de 1956 (y nuevamente en marzo de 1957 después de un breve regreso), Miles Davis se vio obligado a despedirlo de su banda. Como Miles recordó en su autobiografía: “Le dije a Trane que unos productores habían venido a escucharlo, pensando en darle un contrato, pero cuando lo vieron asintiendo y perdido, se resistieron. Parecía entender lo que yo le decía. Pero siguió con la heroína y bebiendo como un pez”.

Al regresar a casa con su esposa Naima un día en la primavera de 1957, después de que Miles lo hubiera despedido, John Coltrane declaró que iba a dejar las drogas. Se retiró a su habitación, bebió solo agua y después de cuatro días abandonó sus hábitos alcohólicos y de heroína.

Finalmente, al liberarse de las drogas, pudo concentrarse por completo en el desarrollo de su música por primera vez. Como más tarde escribió en el momento de grabar “A Love Supreme”: “Durante el año 1957, experimenté la gracia de Dios, un despertar espiritual que me conduciría a una vida más rica, más plena y más productiva. En ese momento, en agradecimiento, pedí humildemente que se me dieran los medios y el privilegio de hacer felices a los demás a través de la música “.

Curtis Fuller, Lee Morgan y John Coltrane. Foto: Francis Wolff

Trabajó con Thelionious Monk que expuso a John Coltrane al enfoque radical del pianista. Miles Davis pudo darle la bienvenida nuevamente a su quinteto en diciembre de ese año; iban a pasar a la transición a la música modal con “Milestones” y “Kind of Blue”.

Experimentar con nuevas ideas armónicas fue exactamente lo que se alentó en los entornos de Miles Davis y Thelonious Monk, con Miles especialmente como animador y mentor. Fue Miles quien le compró a John Coltrane un saxofón soprano como regalo y sugirió que debería trabajar con el. Coltrane estaba visitando Blue Note para encontrar grabaciones del gran clarinetista y saxofonista Sydney Bechet, fue lo que llevó a John Coltrane a contactar con Alfred Lion, cofundador de Blue Note y a la posterior eclosión de la idea de un álbum para ese sello. Y fue Miles Davis quien le animó a Coltrane a desarrollarse musicalmente. Como recordó, le resultó “fácil aplicar las ideas armónicas que tuve … Empecé a experimentar porque me esforzaba por lograr un desarrollo más individual”.

La canción principal, “Blue Train” se basa en un breve tema de blues menor que cambia a mayor cuando John Coltrane abre con un solo liberador. No es demasiado simplista decir que capta ese sentido de la apertura a las posibilidades que le había traído su cambio de dirección en la vida. De una manera emblemática, encapsula todo lo que llegó a sentir John Coltrane como un centro de orgullo negro y optimismo de que la opresión sería superada. Lo que llevó a Miles Davis a decir tras la muerte de John Coltrane en julio de 1967: “La música de Trane representó, para muchos negros, el fuego, la pasión, la ira, la rebelión y el amor que sentían, especialmente entre los jóvenes intelectuales y revolucionarios negros de esa época. Fue así también para muchos blancos y asiáticos. La muerte de Trane me entristeció mucho porque no solo era un gran y hermoso músico, sino que era una persona amable, bella y espiritual que yo amaba. Lo extraño, su espíritu y su imaginación creativa”.

John Coltrane y Lee Morgan. Foto: Francis Wolff

El personal de “Blue Train” es tan impresionante como la propia música que están tocando. Junto a Coltrane (saxo tenor), están Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Kenny Drew (piano), Paul Chambers (bajo) y Philly Joe Jones (batería).

Los arreglos incorporan una densidad sonora adicional que sigue siendo una marca exclusiva de esta banda y este álbum. De particular interés es el trombón de tono uniforme de Fuller, que recorre toda la canción principal así como la frenética “Moments Notice”. Otros solos incluyen riffs sutilmente discretos de Paul Chambers en “Blue Train”, así como la gran energía e impacto de las contribuciones de Lee Morgan y Kenny Drew durante “Locomotion”. La pista también cuenta con algunas contribuciones breves pero vitales de Philly Joe Jones, cuyos esfuerzos a lo largo de todo el áibum figuran entre sus mejores momentos como intérprete. De los cinco temas que componen “Blue Train”, la balada de Jerome Kern y Johnny Mercer, “I’m Old Fashioned” es el único estándar del disco; en términos de sentimiento, esta versión es indiscutiblemente impecable. Los ricos tonos de Fuller y los solos de Drew ejecutados con buen gusto envuelven limpiamente los ritmos lánguidos de Jones.

Sin reservas, “Blue Train” puede ser fácilmente considerado unos de los trabajos más importantes e influyentes no solo de la carrera de John Coltrane, sino también de toda la historia de jazz.

Imagen relacionada

Enlace al Álbum Completo

Carmen París (17/Noviembre/2017)

Viernes, 17 noviembre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria previa presentación del carnet universitario y DNI

Premio Nacional de Músicas Actuales 2014

Presenta su espectáculo “París al piano”

“PARÍS AL PIANO” es un espectáculo íntimo, cercano, donde Carmen París no esconde ni guarda nada. Es un momento de sinceridad y de conexión con el público. Carmen conoce como pocas nuestra música y nuestras raíces y las combina con maestría con raíces de tierras lejanas para dar sentido a su arte y a la forma que tiene de entender la vida misma.

Sola, acompañada únicamente de un piano, desgrana lo mejor de su repertorio. Canciones que el tiempo ha asentado y ha dado cuerpo en unos casos y otras que conservan la frescura del mismo momento en que fueron escritas.

“París al piano” es un momento a solas, una confesión irrepetible de una mujer que lleva en la sangre la palabra arte, y que en sus canciones nos deja destellos de magia y reminiscencias del verdadero arte de la música.

BIOGRAFÍA

Carmen París es una artista compositora, pianista y letrista que ha renovado la jota aragonesa y ha revitalizado el folklore ibérico mezclándolo magistralmente con ritmos y melodías del Mediterráneo y de África y América. Carmen París, artista aragonesa irrumpió en la primavera del 2002 en el panorama musical nacional, con un disco que revisa el folklore aragonés con un punto de vista universal y contemporáneo. Este álbum de debut, “Pa’ mi genio”(2002, Warner Music), vendió 40.000 copias y recibió estupendas críticas por su calidad además del premio de la música al mejor álbum de musica tradicional. Su segundo disco fue “Jotera lo serás tú” (2005, Warner Music) compuesto por once nuevas composiciones de París que amplían aún más su desprejuiciado universo musical, donde sigue hermanando la jota aragonesa, en esta ocasión con la habanera, el chotis, la ranchera, el cha-cha-cha y ritmos del folklore castellano o brasileños entre otros. En 2008 publica su tercer trabajo, “InCubando”, gestado y compuesto en La Habana en el que sigue navegando en el eclecticismo musical hermanando la jota con la música cubana. En 2011 Carmen París colaboró con  la saxofonista chilena afincada en Nueva York, Melissa Aldana con la que realizó una gira nacional bajo el título de Epheminity: Ejazz con jota, colaboración con la que participaron en la Feria Internacional de World Music WOMEX en Copenhague dentro del marco de Sounds from Spaincon la participación de SGAE, Fundación Autor, INAEM e ICEX.

En 2013, se edita el cuarto disco de Carmen París “Ejazz con Jota” donde por primera vez la jota suena acompañada por una Jazz Orchestra de prestigiosos músicos norteamericanos con Melissa Aldana, su maestro el legendario saxofonista George Garzone y el baterista Joel Rosenblatt como artistas invitados. Estos últimos años, Carmen ha estado girando por España y al nivel internacional (Uruguay, Argentina, Tuñez, Alemania, Francia, La India, Rumanía, Bulgaria).

http://www.carmenparis.net

 

Susana Gómez (14/Noviembre/2017)

Martes 14 de Noviembre, 20:15 H.

Auditorio del Conservatorio Profesional de Música de León

Nacida en Alcalá de Henares (Madrid) en 1995, Susana Gómez Vázquez se presenta como una pianista emergente en el panorama español e internacional. Comenzó sus estudios de piano en el Conservatorio de Alcalá de Henares con el profesor Miguel Angel Martínez Guillén. Entre 2007 y 2013, su formación pianística ha estado a cargo de la profesora Patsy Toh en la Royal Academy of Music de Londres y en la Purcell School, donde también estudió composición con los profesores Simon Spears y Gary Carpenter. Bajo la tutela del profesor Tom Marandola, obtuvo el grado 8 de canto de ABRSM con “distinction”. Continúa sus estudios en la Royal Academy of Music, donde ha realizado un Grado Superior en la especialidad de piano con el profesor Hamish Milne, obteniendo la más alta cualificación; sus estudios han sido patrocinados por “Santander Universities UK”,  “Stroma Sutherland Award” y AIE. Actualmente realiza un Máster con Josep Colom en el Conservatorio Superio de Música del Liceo de Barcelona.

Su interpretación pianística se ha visto enriquecida por las clases magistrales de  maestros como Fou Ts’ong, Cristina Ortiz, Josep Colom, Tatiana Sarkissova, Albert Atenelle, Martino Tirimo, Julián Martín, Claudio Martínez- Mehner, Kenneth Weiss, Yong-Hi Moon, Joanna MacGregor, Stephen Montague, Mikhail Petukhov, Pascal Devoyon, Kathryn Stott, Menahem Pressler y Gabriela Montero.

Desde su debut en el año 2006 en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, ha interpretado recitales como solista o con agrupaciones de cámara en España, Reino Unido, Alemania, Suiza e Italia, en festivales de música y en prestigiosas salas de conciertos como Wigmore Hall, Sala Steinway de Londres, St Martin in The Fields, St James Piccadilly,  Duke’s Hall de Londres, Colston Hall, St George’s Bristol, Corral de Comedias de Alcalá de Henares, Sala Pump de Bath, Sala Fazioli de Sacile, Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares, Ateneos de Madrid y Miranda de Ebro, Aula Fundación Vital de Vitoria, Festival de Leeds (UK), Purcell Room en Southbank Centre (Londres), Wolfson College de la Universidad de Oxford, Hochschule fur Musik und Theater Hamburg, Pré-Fête de la Musique en Cologny, Sendesaal Bremen, entre otras.

Como parte de su labor camerística, ha realizado grabaciones para la radio BBC 3 de un espectáculo de música y poesía  conmemorativo del primer centenario del inicio de la Primera Guerra Mundial,  y del trío para piano no. 1 de Mendelsshon.

Susana Gómez Vázquez es una activa intérprete de música contemporánea. Ha tocado piezas de compositores actuales como Enrique Téllez, Antonio Plaza (estrena su obra “Blumen”), Albert Llanas Rich (estrena su obra Tyche), Stephen Montague y Oliver Knussen, trabajando con ellos su  interpretación. Participó en un recital con la integral de sonatas e interludios de John Cage en Purcell Room de Southbank y en un concierto en Hamburgo sobre la obra de Schnittke; también ha estrenado un trío de su autoría en Wigmore Hall, y ha formado parte de numerosos ensambles de música contemporánea, entre ellos el Manson Ensemble.

Entre sus numerosos galardones, se encuentran el primer premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España 2016,  los primeros premios en las ediciones VII y X del Certamen Intercentros-Madrid (2006 y 2009), el primer premio en el concurso internacional Ciutat de Carlet 2009 (incluyendo mejor interpretación de música española) y el primer premio en la competición Iris Dyer de la Royal Academy of Music 2010. Durante su estancia en la Purcell School, ganó las competiciones Freddy Morgan y Wigmore (modalidad solista y música de cámara), y se le otorgó el primer premio de piano y de composición de la promoción 2013. También ha sido galardonada con el segundo premio en el concurso Cavatina Intercollegiate Chamber Music 2017 y con el Isaac and Pirani Piano Trio Prize 2015, el Maud Hornsby Award 2016 y el Franz Reizenstein Prize 2017 de la Royal Academy of Music. Ha sido seleccionada por la fundación Piumosso para participar en su ciclo “El Primer Auditorio” en 2018.

En el ámbito de la composición, algunas de sus obras han sido estrenadas en el Wigmore Hall, en la Royal Academy of Music, en Amaryllis Fleming Concert Hall, en la Purcell School de Londres y en el Queen Elizabeth Hall, por las orquestas Milton Keynes, Aurora y otras agrupaciones profesionales. En 2010, ganó el primer premio de la categoría senior en la competición del North London Festival of Music and Drama. También fue galardonada con “Highly Commended” en la categoría junior del concurso de composición “BBC Proms Inspire Young Composers 2011”. En 2013, obtuvo el primer premio en el concurso de composición orquestal de la Purcell School, siendo su obra interpretada en el Queen Elisabeth Hall de Londres.

PROGRAMA
F.Schubert (1797-1828)___Sonata en Mi bemol Mayor D 568 (27’)

1.Allegro moderato
2. Andante molto
3. Menuetto y Trio, Allegretto
4. Allegro moderato

Brett Dean (1961-) ____Equality (4’40’’)

E.Granados (1867-1916)___-Allegro de ConcIerto (8’)

PAUSA

E.Granados (1867-1916)___   -Quejas o la Maja y el Ruisenor (6’)
-El Pelele   (4’ 20’’)

Susana Gomez Vazquez (1995-)___Ella (5’)

A.Ginastera (1916-1983)______Sonata No.1 op.22 (15’)
1. Allegro Marcato
2. Presto misterioso
3. Adagio molto appassionato
4. Ruvido ed ostinato

http://www.susanagomezvazquez.com/

 

Son Ciempieses (10/Noviembre/2017)

Viernes, 10 noviembre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (3 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI

Son Ciempieses son Humberto Pena (Voces) Y Juan Herreros (Guitarra y voces), una colaboración musical que empezó en los principios de los años 90 en León, cuando Juan militaba en The Crépitos y Humberto era la voz de los Terremotors. Desde entonces han colaborado en diferentes proyectos musicales, hasta la formación de Son Ciempieses

Son Ciempieses nacieron por casualidad en los poemas de Gloria Fuertes, cocinando los temas a fuego lento hasta que en Noviembre 2016 publican ”Vista a lo Bestia”, su primer album, 10 poemas musicados extraídos del libro ”Historia de Gloria: Amor, Humor y Desamor”. Con la colaboración de Alex Olmedo (Musicrea) que también produjo el álbum, ”Vista a lo Bestia” es un ecléctico collage de paisajes sonoros de viaje por el universo de la genial escritora madrileña.

Coincidiendo con el centenario del nacimiento de Gloria y con la intención de divulgar y celebrar su excepcional persona y obra, Son Ciempieses realizarán una serie de conciertos acústicos presentando el disco en el mes de Noviembre, el ”Blusa de Blasa Tour”.

https://sonciempieses.bandcamp.com/releases