50º aniversario de la llegada a la luna. 10 canciones “lunáticas” para celebrarlo

Musica lunar

Imagen: Anya Wilkening

El 21 de julio de 1969 a las 2:56 (hora internacional UTC) al sur del Mar de la Tranquilidad, fue cuando Neil Armstrong se convirtió en el primer ser humano que pisó la superficie del satélite terrestre. Se cumplen por tanto, 50 años de aquella gesta, la más importante de la historia de la humanidad.

Pero la luna ha sido vital para la humanidad desde las primeras referencias del mundo conocido, sin tener que esperar al hecho histórico de la misión Apolo XI. La luna siempre ha estado presente en todas las civilizaciones que han poblado el planeta, en muchos casos con un carácter profundamente religioso.

Pero también en las artes ha tenido un protagonismo enorme, siendo fuente de inspiración, y motivo principal de sus obras para cantidad de artistas de las más variadas creaciones artísticas.

La música lógicamente no ha sido una excepción, y desde el principio del desarrollo del arte musical ha tenido una presencia perenne a lo largo de la historia. En esta entrada nos proponemos recordar 10 piezas musicales con la luna como protagonista. Del clásico a la música popular moderna. Todos pendientes de ese satélite que marca nuestras vidas más de lo que nos imaginamos.

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Ludwig van Beethoven (Sonata para Piano nº 14, “Claro de Luna”) 1801

La Sonata para piano nº 14 en do sostenido menor, de Ludwig van Beethoven, popularmente conocida como “Claro de Luna”, es una de las obras más famosas del autor, junto con el primer movimiento de la Quinta Sinfonía y su bagatela para piano “Para Elisa”. Fue compuesta en 1801 y estuvo dedicada a su alumna, la condesa Giulietta Guicciardi, de 17 años, y de quien se decía que estaba enamorado. El apodo Claro de luna se haría popular después de la muerte de Beethoven, surgiendo a raíz de una comparación que el poeta y crítico musical alemán Ludwig Rellstab realizó entre el primer movimiento de la pieza y el claro de luna del Lago de Lucerna.

Fotografía de la cabeza y los hombros de un hombre de mediana edad, blanco, moreno y barbudo.

Claude Debussy (Suite Bergamasque, Tercer Movimiento “Clair de Lune”) 1890

La “Suite bergamasque” de Claude Debussy es una suite para piano en varios movimientos. Aunque fue escrita en 1890, la obra no se publicó hasta 1905, y eso pese a que su autor intentó que no viese la luz, pues creía que esta obra de juventud estaba muy por debajo del nivel de sus composiciones más modernas. La Suite toma su nombre de las máscaras de la Commedia dell’Arte de Bérgamo (Comedia del arte de Bérgamo) y está inspirada en las Fêtes galantes (Fiestas galantes) de Verlaine. Está dividida en cuatro piezas: un Preludio, un Minueto, el Claro de luna (la pieza más popular de Debussy) y un dinámico y contrastante Pasapiés.

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Andy Williams (Moon River) 1962

“Moon River” es una canción compuesta por Henry Mancini con letras de Johnny Mercer. Fue interpretada originalmente por Audrey Hepburn en la película Desayuno con Diamantesde 1961, ganando un Oscar a la Mejor Canción Original. La canción también ganó en los premios Grammy de 1962 por  mejor Grabación del Año y mejor Canción del Año. La canción ha sido versionada por muchos otros artistas. Se convirtió en la canción principal de Andy Williams , quien la grabó por primera vez en 1962 (y la interpretó en la ceremonia de los premios de la Academia ese año). La versión de Williams nunca fue lanzada como single, pero apareció como una pista del LP que grabó para Columbia, un exitoso álbum de 1962, “Moon River y Other Great Movie Themes”,

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Frank Sinatra (Fly Me To The Moon) 1964

“Fly Me to the Moon, originalmente titulada “In Other Words”, es una canción escrita en 1954 por Bart Howard. Kaye Ballard hizo la primera grabación de la canción el año en que fue escrita. La versión de 1964 de Frank Sinatra esta estrechamente relacionada con las misiones Apolo a la Luna. Bart Howard estimó que para cuando Sinatra grabó la canción en 1964, se habían grabado más de 100 versiones. Frank Sinatra incluyó la canción en su álbum, “It Might as Well Be Swing”, acompañado por Count Basie. La música de este álbum fue arreglada por Quincy Jones, quien había trabajado con Count Basie un año antes en el álbum “This Time by Basie”, que también incluía una versión de esta canción.

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Creedence Clearwater Revival (Bad Moon Rising) 1969

“Bad Moon Rising” es una canción escrita por John Fogerty e interpretada por la Creedence Clearwater Revival. Fue el primer sencillo de su álbum “Green River” y se lanzó en abril de 1969, cuatro meses antes del álbum. La canción alcanzó el número 2 en el Hot 100 el 28 de junio de 1969 y el número 1 en el UK Singles Chart durante tres semanas en septiembre de 1969. Fue el segundo single en alcanzar el disco de oro de la CCR.

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Fleetwood Mac (Sisters Of The Moon) 1979

“Sisters of the Moon” es una canción de  Fleetwood Mac, que fue escrita e interpretada por la vocalista principal de la banda Stevie Nicks, y fue lanzada en Estados Unidos como el cuarto single del álbum “Tusk” de 1979.

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The Police (Walking on the Moon) 1979

“Walking on the Moon” es una canción de The Police, lanzada como el segundo sencillo de su segundo álbum de estudio, “Reggatta de Blanc” (1979). La canción fue escrita por Sting. Se convirtió en el segundo nº 1 de la banda en el Reino Unido. Sting ha relatado que escribió la canción cuando estaba borracho una noche después de un concierto en Munich. A la mañana siguiente, recordó la canción y la remató. Es una de las canciones más influidas por el reggae de The Police.

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Víctor Manuel (Luna) 1980

Tras su éxito de 1978 con el álbum “Soy un Corazón Tendido al Sol” y el single “Solo Pienso en ti”, que abrieron una segunda etapa en la carrera del cantautor asturiano. En 1980, Víctor Manuel continua en esa linea con este álbum “Luna” y en sencillo del mismo título.

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Echo and the Bunnymen (The Killing Moon) 1984

Melancólica, atmosférica, nocturna, apasionada… Así hasta el infinito para definir una de las mejores canciones de los ochenta. Publicada en 1984 dentro del álbum “Ocean Rain”, esta icónica pieza de los Echo and the Bunnymen, no ha hecho más que aumentar su mito con el paso de los años. Pero no debe ocultar los maravillosos trabajos de esta banda señera del postpunk ochentero, que sin duda hubiera merecido más reconocimiento del que consiguieron.

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R.E.M. (Man on the Moon) 1992

La canción es un homenaje al comediante y actor Andy Kaufman, con numerosas referencias a su carrera, incluida su recordada imitación de Elvis. La canción dio su nombre a “Man on the Moon” (1999), la película de Miloš Forman basada en la vida de Kaufman, y se destacó en la banda sonora de la película. 2º single del extraordinario “Automatic for the People” de 1992. Es una de las canciones más recordadas de R.E.M:, seguramente su obra maestra. Una canción casi perfecta.

Galina Ustvólskaya (1919-2006) Notas desde la oscuridad

Galina Ustvólskaya (Años 70s). Fotografía: Kontantin Bagrenin. Fuente: http://ustvolskaya.org/eng/

“Ninguna de mi música es música de cámara, incluso cuando es una Sonata para un solo instrumento”. – Galina Ustvólskaya.

Galina Ivanovna Ustvólskaya nació en Petrogrado (San Petersburgo) el 17 de junio de 1919. Estudió en el colegio de música afiliado con el (entonces) Conservatorio de Leningrado (nombre de San Petersburgo durante el régimen soviético) de 1937 a 1939. Al graduarse en el propio Conservatorio, Ustvólskaya comenzó sus estudios con Shebalin y Shostakovich. Probablemente fue aquí donde comenzó una relación intensa entre Shostakovich y Ustvolskaya, que finalmente derivó a romántica, al menos por parte de Shostakovich; De ahí el cuasi culto del viejo compositor por su alumna. Entre sus palabras más conocidas para ella está su extraordinaria confesión de que “no soy yo quien te ha influenciado, sino tú quien me ha influido”; El Cuarteto de cuerdas de 1952 de Shostakovich y la “Suite sobre los versos de Michelangelo Buonarroti” de 1974 citan un tema del poderoso trío de clarinetes de Ustvólskaya en 1949, y lo hacen de manera muy visible.

No sabemos que pudo pasar entre ellos. Se rumoreaba que Shostakovich le propuso matrimonio durante los años cincuenta. Pero el resultado fue que Ustvólskaya se amargó intensamente y se desligó completamente de su supuesto pretendiente, diciendo que: “para mí una figura aparentemente eminente como Shostakovich no es eminente. Al contrario, agobiaba mi vida y mataba mis mejores sentimientos”.

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Fotografía de la compositora en los años cuarenta. Fuente: http://ustvolskaya.org/eng/

En 1947, se embarcó en estudios de posgrado, además de aceptar un puesto de docente en el conservatorio, donde impartió clase a alumnos de la talla del compositor y pianista Boris Tishchenko. Ella se retiró de la docencia en 1977.

Ustvólskaya es a menudo llamada una “compositora soviética”. Esta es una definición inexacta. Prokofiev, por ejemplo, quería ser llamado no “soviético”, sino un compositor ruso. Ustvólskaya merece ser llamada también así (aunque ella vivió toda su vida en la URSS). Ustvólskaya no aceptó el sistema de valores comunista, a diferencia de compositores como Shostakovich, Khrennikov y Khachaturian, que eran comunistas convencidos. Sin embargo, la propia Ustvólskaya no entró en todos estos detalles, y no le importó cómo la llamaran.

El catálogo de obras de Ustvólskaya es pequeño: cinco “sinfonías” entre 1955 y 1990, todas con voces cantando o recitando textos religiosos y las dos últimas no fueron calificadas para orquesta, sino para combinaciones inusuales de cámara; Seis sonatas para piano y doce preludios entre 1947 y 1988; un trío de clarinete de 1949 (el trabajo que ella mencionó como el inició de la dimensión espiritual en su música); y un puñado de obras de cámara (un término que ella rechazó) a menudo simplemente se llama “Composición”.

Captura de pantalla de un noticiero de 1959. El único vídeo conocido de Galina Ustvólskaya realizado antes de los años noventa. Fuente: http://ustvolskaya.org/eng/

Sus características estilísticas cambiaron radicalmente a lo largo de los años: en los años cuarenta y cincuenta, a veces dibujaba temas de la música popular rusa y, al igual que Shostakovich, tenía un estilo público, cercano a los gustos y temáticas que complacían al régimen soviético (La llamada “Música Patriótica”). Y un estilo privado más introspectivo en el que se expresaba más directamente.

En la década de los sesenta, sin embargo, abandonó ese estilo complaciente con los gustos del régimen soviético por completo. En la década de los setenta se sintió atraída por el simbolismo religioso y los textos bíblicos, aunque se dice que no fue particularmente religiosa. Su lenguaje es esencialmente tonal, lleno de formas angulosas. Sin embargo, también hay una furia en su música que encuentra la expresión en acordes sólidos y disonantes que generalmente se articulan y se repiten varias veces para crear un efecto apasionadamente violento. Elmer Schoenberger, un crítico holandés, la llamó “la dama del martillo”.

En 1995, Alex Ross escribió en The New York Times: “la Sra. Ustvólskaya debe ser abordada con precaución. Ella puede inspirar admiración, o puede inspirar frustración, incluso repulsión. Las formas emergen de la oscuridad total solo cuando los ojos se han acostumbrado a la falta de luz”.

G. Ustvolskaya con M. Rostropovitch. The Amsterdam Concertgebouw, 6 de enero de 1996. Fotografía: Marcel Molle. Fuente: http://ustvolskaya.org/eng/

El reconocimiento en occidente de Ustvólskaya fue tardío. Comenzó a despertarse a principios de la década de 1990, y su trabajo comenzó a aparecer en programas de conciertos. La fama internacional no le marcó ninguna diferencia: continuó viviendo en el mismo pequeño apartamento de San Petersburgo y viajó al extranjero solo una vez, a Amsterdam en 1995.

Ella reconoció que lo que estaba haciendo era sui generis: “No hay ningún vínculo entre mi música y la de cualquier otro compositor, vivo o muerto”, pero no hubo arrogancia en esa observación, solo la realización de un camino completamente individual, alejado de normas y tendencias.

Falleció el 22 de diciembre de 2006. En la misma ciudad donde había nacido y pasado su existencia. La que cambió de nombre tres veces a lo largo de su vida.

Sinfonía nº 1 (1955)

Sinfonía nº 3  (1983)

Sinfonía nº 5 “Amen” (1989/90)

Sonata para piano nº 2 (1942)

Sonata para piano nº 3 (1952)

Canarios (Ciclos) 1974

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Estamos ante la obra maestra del rock progresivo español, y unos de los mejores álbumes grabados en este país. Es odiado y amado por igual, y con igual entusiasmo. Esta titánica y personalísima adaptación de Las Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi, fue un proyecto personal del líder de los Canarios, Teddy Bautista, aunque del grupo original solo quedaba el nombre.

Los Canarios surgieron en Las Palmas de Gran Canaria a mediados de los sesenta. Después de un periplo por Reino Unido, Estados Unidos y Suecia, firman con Discos Barclay, donde tendrán como mánager y productor al extraordinario Alain Milhaud, que diseña su lanzamiento y etapas de su carrera.

Fueron, y son, el grupo soul por excelencia de la música popular española. Con un directo apabullante, seguramente el mejor de la escena española, con una poderosísima sección de metales, algo totalmente novedoso entonces, y el carisma de su líder, Teddy Bautista. Sembraron de éxitos los últimos sesenta y principios de la década siguiente, con bombazos del calibre de “Peppermint frappé” o la imprescindible “Get on Your Knees”. En 1972, Teddy Bautista disuelve la banda. Para reactivarla al ano siguiente con nuevos componentes, eliminando la sección de viento, para grabar un disco de rock progresivo que sería el último y más ambicioso trabajo del grupo. Empezaba la gestación de “Ciclos”.

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Canarios al final de su primera etapa. Imagen sin acreditar

La formación que grabó “Ciclos”, era en efecto, una banda completamente diferente a la que Bautista reformó por completo con varios miembros nuevos, incluido el batería Alain Richard, el teclista Mathias Sanvellian, el bajista Christian Mellies y el extraordinario guitarrista Antonio García de Diego. Más una serie de músicos adicionales que agregaron sonidos de secuenciadores, liras, violín, vibráfonos y varios instrumentos de percusión a la paleta musical.

Realmente era un proyecto personal del propio Teddy, pero su discográfica, Ariola, quería el tirón comercial del nombre de Canarios para llevarlo a efecto. El costo del disco fue absolutamente desorbitado para aquella época, más dos millones y medio de las antiguas pesetas. Nunca se recuperaron.

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Cubierta de la 1ª edición japonesa del disco (Victor – 1977)

Este trabajo es considerado por muchos como una mera adaptación en clave de rock de “Las Cuatro Estaciones”. “Ciclos” es en realidad una creación más compleja que solo utiliza a Vivaldi como un lienzo en blanco sobre el que pintar una trama bastante nebulosa que retrata la historia de la humanidad desde el Big Bang, en su camino hacia el apocalipsis. “Ciclos” es básicamente instrumental, pero las partes vocales, hay algunos momentos maravillosos de vocalización operística clásica e interludios corales, añadían más texturas al paisaje sonoro resultante. La música es bastante diversa, ya que atraviesa no solo el rock clásico barroco y sinfónico, sino también el jazz, el soul o el folk tradicional. Mientras que los teclados proporcionan el papel principal como desarrollador melódico, que a veces recuerdan a Emerson, Lake & Palmer.

“Ciclos” esta configurado en cuatro partes, siguiendo los cuatro movimientos originales de la obra de Vivaldi, Aquí la primavera, el verano, el otoño y el invierno están sustituidas por cuatro suites o “transmigraciones”, así se las denomina, dedicadas al nacimiento, juventud, madurez y vejez respectivamente.

Este es un álbum monumental. Una ópera espacial basada en la obra de Vivaldi. Es una explosión de creatividad desenfrenada que simplemente, y a pesar de algunos excesos, funciona. La gloriosa pomposidad de este disco representa una progresión sinfónica en su máxima expresión. Muy complejo y creativo, lleno de belleza e instrumentalmente genial. Canarios hicieron un trabajo completo, agregando estructuras propias y manteniendo la magia de la pieza barroca original.

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Teddy Bautista en una de las pocas representaciones en vivo de “Ciclos”. Imagen sin acreditar

En resumen: una experiencia musical totalmente maravillosa en una compleja reelaboración de “Las Cuatro Estaciones” de Vivaldi. Esta es una obra maestra a menudo olvidada, un álbum que todo amante del rock, no solo del progresivo, debería tener o, al menos, conocer. Un clásico por derecho propio.

Primer Acto: Paraíso remoto

Segundo Acto: Abismo próximo

Tercer Acto: Ciudad Futura

Cuarto Acto: El eslabón recobrado

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum