El 14 de enero de 1973, Elvis Presley hizo historia como el primer artista en solitario en realizar un concierto en vivo transmitido internacionalmente por satélite. «Aloha from Hawaii» supuso un hito en la historia de la televisión y en la propia carrera del rey del rock. Se emitió en más de 40 países de Asia y Europa. En Estados Unidos no se emitió hasta el 4 de abril de 1973 (una versión editada) porque el concierto tuvo lugar el mismo día que la Super Bowl. Las cifras de audiencias se estimaron entre 1 y 1.5 mil millones de espectadores en todo el mundo, más personas de las que vieron al hombre llegar a la luna. Fue el espectáculo de entretenimiento más caro hasta el momento, con un coste de 2,5 millones de dolares.

En julio de 1972, inspirado por una visita reciente del presidente Richard Nixon a China unos meses antes, el manager de Presley, Tom Parker, anunció que habría una transmisión vía satélite mundial desde Hawai para permitir a todo el mundo la oportunidad de ver un concierto de Elvis «ya que es imposible para nosotros tocar en todas las ciudades importantes».

Parker realizó una conferencia de prensa el 4 de septiembre de 1972 en Las Vegas para confirmar que el concierto, llamado «Aloha From Hawaii», se emitiría el 14 de enero de 1973. Se informó a la prensa que se esperaba una audiencia de mil millones de espectadores. Para ver el «primer programa de entretenimiento que se emitirá en vivo en todo el mundo», aunque Parker no tuvo en cuenta el hecho de que muchos países, incluidas partes de Europa y América, no verían el concierto en vivo debido a la diferencia horaria en el momento de la transmisión.  Aloha hunde sus raíces en el programa  «One World»· de 1967, donde los Beatles terminaron el evento televisivo con «All You Need is Love». Mostró lo que la tecnología podría hacer. Pero «Aloha From Hawaii» fue el primer concierto vía satélite en vivo con un solo artista.

Elvis Presentando el Concierto en una Entrevista Promocional el 4 de Septiembre de 1972, en el Hotel Las Vegas Hilton. Fotografía: NBC / Getty Images.

Presley llegó a Hawai el 9 de enero, un día después de su 38º cumpleaños, para comenzar los ensayos. El sabía la importancia del evento y, con la ayuda de entrenadores, perdió más de 12 kilos para el evento. Viéndose mejor de lo que había estado en algún tiempo, y siempre con su increible voz, el Rey estaba listo para hacer historia.  

Elvis alquiló la totalidad del último piso del hotel Hilton, y las siguientes noches fueron utilizadas, con todo secreto, para ensayar en el Hilton’s Hawaiian Dome. Los músicos, que llegaron un par de días antes que Elvis, ensayaron durante toda una semana en el Centro Internacional de Honolulu, donde se iba a transmitir el programa.

El evento tuvo un carácter benéfico. Parker recibió una carta del columnista del Honolulu Advertiser, Eddie Sherman. Sherman había leído que no se cobraría nada por la asistencia a los conciertos, en cambio, se pedía una donación para obras de caridad. Le sugirió a Parker que, como Presley había grabado, y aún la interpretaba en los conciertos, la canción «I’ll Remember You «, que había sido compuesta por el músico hawaiano Kui Lee. Las donaciones podrían destinarse al Kui Lee Cancer Fund, que se había establecido después de la muerte del compositor en 1966. Al ver la oportunidad de publicitar la naturaleza caritativa de Presley una vez más, Parker estuvo de acuerdo inmediatamente.

Llegada de Elvis a Honolulu. 9 de Enero de 1973

Las entradas para el concierto salieron a la venta el 7 de enero. En ese momento, 4000 de las 6000 entradas ya se habían vendido a través de peticiones por carta. Las 2000 restantes se vendieron el mismo día, y las entradas para el espectáculo del ensayo se pusieron a la venta y se agotaron poco después.

A pesar de que la transmisión se había planeado hasta el más mínimo detalle, surgieron varios problemas durante los días y horas previos al concierto.

El escenario era enorme, construido especialmente para esta ocasión. Exigía tanto espacio que la audiencia tenía que limitarse a 6000 localidades, mientras que la sala normalmente admitía 8400. Por razones de producción, el productor Marty Pasetta había colocado a los músicos de Elvis en un escenario elevado muy por detrás de él, algo que Elvis no aceptó: «Lo siento, señor Pasetta, quiero que mis músicos estén conmigo en el escenario».

Dos horas antes de que comenzara el espectáculo, las luces de la sala comenzaron a parpadear, desaparecieron y luego regresaron. Se contacto con la Marina y, con las sirenas aullando, acudieron al rescate con equipos auxiliares para mejorar el suministro de electricidad, solo minutos antes de que Elvis subiera al escenario.

Presley grabó un concierto de ensayo el 12 de enero  en caso de que algo saliera mal con el satélite durante la transmisión real. Para ambos espectáculos, Presley estaba vestido con un mono blanco «American Eagle» diseñado por Bill Belew . La transmisión fue dirigida por Marty Pasetta, quien estaba a cargo de dirigir las ceremonias de los Oscar.

Y llegamos a ese 14 de enero de 1973, a una hora tan inusual como las 00,30 A.M., Elvis Aaron Presley entra en el escenario bajo los primeros acordes de «See See Rider», para desgranar una veintena larga de canciones en la hora que duró el concierto.

El repertorio de aquella noche fue muy variado. Clásicos de sus primeros tiempos como: «Blue Suede Shoes”, “Hound Dog” o “Love Me”. Versiones como «My Way», donde Elvis vocalmente llegó al infinito. Como con su interpretación absolutamente intimista del «Something» de The Beatles. Y otra mirada a los orígenes del rock & roll con el clásico de  los clásicos; “Johnny B. Good” de Chuck Berry.

Una parte muy importante de su repertorio, sobretodo en los setenta, son las baladas. Canciones como: “It´s Over”, “I Can´t Stop Loving You”, “Il Remember You” o “I´m Lonesome I Could Cry”, están presentes en el set list del concierto.

Pero si hay un momento, podíamos calificar de épico, y que fue el punto álgido de aquella actuación fue: «An American Trilogy», basada en himnos de la Guerra de Secesión Americana. Logró un climax entre el público cercano al éxtasis, con una interpretación vocal que faltan adjetivos para definirla. Fue unos de esos momentos en que el tiempo parece detenerse. Fue un momento mágico y único.

Y para finalizar, como en todos sus conciertos, la maravillosa balada “I Can´t  Help Falling in Love”.

Después del concierto, sobre las 3:00 de la mañana, los músicos volvieron a juntarse (sin público) para grabar cinco canciones que solo se usarían en la futura emisión en los Estados Unidos. Cuatro de ellas formaban parte de la banda sonora de la película de Elvis «Blue Hawaii» de 1961: «Blue Hawaii», «Ku-U-I-Po», «No More», y «Hawaiian Wedding Song». La quinta fue una canción del cantautor Gordon Lightfoot, «Early Morning Rain».

Pero es de justicia señalar que Elvis Presley estuvo arropado en todo momento por un grupo de músicos y coristas extraordinarios, y con los que se sentía muy cómodo: Ronnie Tutt (batería), el estratosférico James Burton (guitarra solista), John Wilkinson (guitarra rítmica), Glen Hardin (teclados), Charlie Hodge (guitarra acústica y coros), Jerry Scheff (Bajo). Los coros de J.D. Sumner & the Stamps Quartet. La voz absolutamente sublime de Kathy Westmoreland. Las extraordinarias coristas The Sweet Inspirations. Y por supuesto, siempre respaldados por la genialidad de la Orquesta de Joe Guercio, con una sección de metales realmente soberbia.

«Aloha From Hawaii Via Satellite», el doble LP que contenía las 24 canciones interpretadas en el concierto, fue editado rápidamente para que estuviera a la venta a principios de febrero de 1973. El álbum debutó en la lista de álbumes del Billboard el 24 de febrero, y vendió medio millón de copias durante las cuatro primeras semanas.

El LP inmediatamente subió en las listas, alcanzando el nº 1 el 5 de mayo, desplazando al «Dark Side of the Moon» de Pink Floyd. Se mantuvo en las listas durante 52 semanas, y recibió 5 discos de Platino. Este álbum fue el primer nº 1 de Elvis desde enero de 1965.

Nota Manuscrita de Elvis con el Listado de las Canciones del Concierto

Concierto 12/Enero/1973 (Ensayo General y Copia de Seguridad)

Concierto 14/Enero/1973 (Concierto Retransmitido Vía Satélite)

Charles Mingus, nacido en Arizona en 1922, ha sido uno de los compositores más grandes de la historia del jazz. Un virtuoso del contrabajo, un pianista consumado, y paralelamente: un retador del racismo dentro y fuera del negocio de la música de su tiempo, siendo además un individuo volátil con un temperamento incendiario. Mingus adaptó creativamente las técnicas de compositores del siglo XX como Schoenberg, Bartók y Stravinsky, y lo mezcló con la música blues y gospel de su infancia.

Más de cincuenta años después de su lanzamiento, «The Black Saint and the Sinner Lady» sigue siendo una rareza, incluso dentro de los mejores discos de jazz de su tiempo. Mientras que la escena jazzística de la ciudad de Nueva York a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta vio mucho en términos de experimentación, separando constantemente su producción musical en términos de estructura y armonía desde los cimientos de sus grandes precursores como Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Pero ninguna de las grabaciones de los contemporáneos de Mingus en esta época, o, para el caso, cualquiera de los otros álbumes de Mingus, causaron una impresión  similar a la de este disco.

Fotografía: Don Hunstein

La razón principal de esto es que «Black Saint» escapa a la mayoría de las convenciones estructurales, armónicas y melódicas que uno atribuiría a la música de jazz estadounidense de la época, por ejemplo las del bebop o el cool. El álbum está concebido en parte como un ballet, y cada tema se refiere a una pieza de ese «presunto» ballet. Acaba moldeando una identidad sonora construida sobre un núcleo musical que se establece en la canción de apertura. El ritmo se desarrolla y cambia combinados con cambios en el tempo, intercalado con solos virtuosos y esos motivos más lentos y apasionados que actúan como el alma del álbum.

«The Black Saint and the Sinner Lady» es indudablemente esencial para cualquier persona interesada en el jazz. Y mientras que «Mingus Ah Um» de 1959 tiende a ser aclamado como su mejor trabajo, «Black Saint» es ciertamente el álbum que rompe más con lo establecido. Definido como: «uno de los mayores logros en la orquestación de cualquier compositor en la historia del jazz». Es festivo, lúgubre, enojado, feliz, y tan complicado y conflictivo como el hombre que lo compuso. «The Black Saint and the Sinner Lady» personifican la sensación de éxtasis y exploración que la mayoría de la música de este tipo pretende engendrar.

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