Justo cuando Chris Hillman se inscribía en la UCLA, recibió una llamada de su antiguo manager, Jim Dickson, para unirse a una nueva banda que se estaba formando como bajista. Los Byrds, esta era la banda, estaban compuestos por Roger McGuinn, David Crosby, Gene Clark, Michael Clarke, y finalmente, Hillman. Nunca antes había tocado un bajo, pero su pasado bluegrass lo llevó a dominarlo rápidamente mientras desarrollaba su propio estilo con el instrumento.

A pesar de que permaneció en un discreto segundo plano en los primeros dos lanzamientos de la banda, rápidamente floreció como cantante y vocalista después de que Gene Clark dejara el grupo. En 1968, la banda se redujo a Hillman y McGuinn, después de que Crosby se despidiera. Para reemplazarlo, contrataron a Gram Parsons, quien junto con Hillman cambió el sonido de la banda para reflejar un estilo country rock, que era algo inaudito en la industria de la música en ese momento. Esta revolución fue capturada en el álbum «Sweetheart of the Rodeo», que se lanzó el 30 de agosto de 1968.

Roger McGuinn, Kevin Kelley, Gram Parsons y Chris Hillman

El nuevo álbum mantuvo a Hillman desempeñando un papel de apoyo una vez más, ya que Parsons y McGuinn compartieron el peso de las tareas vocales. Parsons, que era poco conocido en ese momento, fue elevado a la vanguardia del rock debido a este álbum.

Se suponía que «Sweetheart of the Rodeo» sería un reflejo de la música tradicional estadounidense incorporando elementos del Jazz y Rock & Roll, pero Parsons llevó el proyecto a convertirlo en un álbum country puro. Este proyecto fue muy controvertido, ya que para la industria de la música country, no eran más que una panda de hippies con el pelo largo que intentaban sabotear la sacrosanta música country. Entre tanto, Parsons dejó la banda, y ni siquiera era miembro cuando llegó la fecha de lanzamiento en agosto.

Una canción de Bob Dylan, «You Ain’t Going Nowhere», fue lanzada en abril como el sencillo principal del proyecto. La banda escuchó la melodía de una colección de demos de las grabaciones de Dylan en Woodstock y pensaron que era apropiada para publicarla. Alcanzó el puesto 74 en el Billboard Hot 100 Chart.

Hillman y McGuinn adaptaron un tema tradicional como segundo y último single, «I am a Pilgrim». La canción suena un poco más country que la versión del tema de Dylan gracias al banjo de McGuinn y a un hermoso violín interpretado por John Hartford.

Aún más famoso que los dos sencillos es «Hickory Wind» de Parsons, una balada que coescribió con Bob Buchanan en un viaje en tren desde Florida hasta Los Ángeles.

Y eso fue todo: principalmente estándares, un par de melodías de Parsons, una de Dylan. Los resultados fueron malos, en ventas y repercusión. Confundieron a los seguidores de los Byrds y a los puristas de Nashville, y el grupo nunca volvería a intentar un experimento tan radical. Pero ese sonido hipnotizante resuena hasta el día de hoy. Realmente eran un grupo de rockeros cantando canciones country. Pero este trabajo visionario, se entiende cada vez menos como un experimento fallido y más como el Libro del Génesis de un nuevo estilo.

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Un álbum debut impresionante e innovador, que ayudó a sentar las bases del rock progresivo. En los clubes nocturnos del Swinging London en 1967, la escena musical tuvo un cambio de generaciones. Las bandas como The Who y The Kinks ya se habían convertido en estrellas, por lo que fueron reemplazadas en la escena underground por bandas como Family, The Nice, Soft Machine y demás, que estaban experimentando sin los límites impuestos ​​por la industria de la música; la música de Family y las bandas relacionadas fue percibida y etiquetada por el público como «progressive music».

Family es otra banda total e injustamente olvidada de finales de los años sesenta / principios de los setenta, a veces denominada como un «conjunto progresivo menor», y por lo tanto ignorada en gran medida en favor de las bandas progresivas más «clásicas». Sin embargo, siendo estrictos, el sonido de Family apenas corresponde a la definición exacta de «progresivo». Dicho esto, Family tenía un estilo, tal vez sería más correcto decir que Family era un estilo en si mismo. Eran básicamente folk, pero con un ligero matiz de jazz-fusión, psicodelia y, a veces, incluso cierta aureola mística.

«Music In a Doll’s House» es un debut muy sólido de una banda que, desde el principio, tenía como objetivo ser diferente. Las canciones del vocalista Roger Chapman y el guitarrista Charlie Whitney abrieron nuevas posibilidades para el rock & roll, que van desde inquietas y sublimes baladas como «Mellowing Grey» hasta oscuras declaraciones románticas como «The Chase», pero el verdadero atractivo de «Music In a Doll’s House» es su exuberante instrumentación.

Pero si hubo algo que lastró a la banda, fueron sus constantes cambios en la formación del grupo. Esto es otra causa de la infeliz historia de Family: una banda que intentó triunfar durante siete años, pero que nunca logró abrirse camino en los Estados Unidos, y que tuvo poco más que seguidores de culto en Gran Bretaña. Una espantosa injusticia, como nombrar bastantes bandas, cuyo enorme éxito comercial era mucho menos merecido. Esperemos que la historia corrija este triste error.

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Fotografía: PA/EMPICS

Leonard Bernstein, el legendario músico que inspiró a varias generaciones a lo largo del siglo XX, fue uno de los músicos clásicos más influyentes del siglo pasado. Extraordinario profesor, director brillante, buen compositor y pianista consumado. El próximo mes de agosto se conmemora el centenario de su nacimiento.

Leonard Bernstein era un músico de talento excepcional que cautivó a sus jóvenes admiradores con su estilo extravagante y sumamente pedagógico. De hecho, fue el músico clásico más dominante de su tiempo, que más influyó en la escena musical de su época. Como dijo uno de sus alumnos: «Cuando se sube al podio, me hace recordar por qué quería convertirme en músico».

Ningún músico del siglo XX tuvo una carrera tan controvertida como Leonard Bernstein. Su contribución a la música es realmente inmejorable. Su música fue profundamente inspirada por la realidad y las gentes de América. Bernstein fue capaz de popularizar los clásicos de una manera que ningún músico anterior había hecho alguna vez. Una generación entera de estadounidenses se sintió atraída por la música clásica a través de sus programas de televisión. Ningún músico en la historia de Estados Unidos conmovió a tantas personas tan profundamente y de tantas maneras distintas.

Leonard Bernstein con sus padres, Jennie y Samuel Bernstein, alrededor de 1921. Fotografía: Biblioteca del Congreso, División de Música

Bernstein nació en Lawrence, Massachusetts, el 25 de agosto de 1918, hijo de Samuel y Jennie Resnick Bernstein. Su padre, un vendedor de productos de belleza que había venido a los Estados Unidos desde Rusia cuando era niño, quería que Leonard se hiciera cargo del negocio cuando creciera. Durante muchos años, el padre se resistió a la intención de su hijo de ser músico.

Las historias de cómo descubrió la música, están envueltas en un halo de leyenda, acrecentadas por el paso de los años, pero todas las fuentes coinciden en que era un prodigio. La propia versión de Bernstein fue que, cuando tenía 10 años, su tía Clara, que estaba en medio de un proceso de divorcio, envió un piano a la casa de los Bernstein para que fuera almacenado. El niño lo miró, presionó las teclas y gritó: «¡Mamá, quiero lecciones!». Ahí comenzó una vida dedicada en cuerpo y alma a la música.

Como compositor, director de orquesta y educador, Leonard Bernstein surgió como una de las pocas figuras del siglo XX que realmente cambiaron la faz de la música. Como compositor, Bernstein dejó un legado de gran alcance que incluye tres sinfonías, una banda sonora sobresaliente (La Ley del Silencio) y un importante conjunto de obras escénicas, incluida una de las piedras angulares del teatro musical estadounidense, West Side Story (1957). Fue el primer director nacido en Estados Unidos en alcanzar el estrellato internacional, Bernstein causó una profunda impresión en el público; su estilo dirigiendo era dinámico, incluso extravagante, de una forma nunca vista antes. La actitud extrovertida de Bernstein generó muchas críticas de aquellos que lo presentaron como un mero exhibicionista; sus defensores, sin embargo, superaron en número a sus detractores.

Leonard Bernstein en 1955. Fotografía: Getty Images

Durante su estancia (1958-1969) como director musical de la Filarmónica de Nueva York, Bernstein llevó a ese conjunto a un nuevo nivel de prestigio y popularidad: cada concierto y grabación de Bernstein se convirtieron en un acontecimiento muy esperado. Bernstein se hizo particularmente conocido como intérprete de Mahler y Copland; hizo mucho para labrar el lugar prominente en el repertorio de conciertos que ambos compositores todavía mantienen. Destacar especialmente su serie de Conciertos para jóvenes, que fueron televisados a partir de 1958, recordados con cariño por muchos como su introducción al mundo de la música clásica.

Bernstein redujo sus actividades como director en los últimos años con el fin de dedicar más tiempo a la composición. Poco de la música de Bernstein de la década de 1970 ha alcanzado el mismo nivel de popularidad logrado por sus obras anteriores; aún así, comprende un conjunto de obras muy destacables que incluye «Mass» (1971), la ópera «A Quiet Place» (1983) y el ciclo de canciones «Arias and Barcarolles» (1988).

Leonard Bernstein murió el 14 de octubre de 1990, cinco días después de anunciar su retirada, como consecuencia de un infarto de miocardio.

Lista de reproducción de Leonard Bernstein