Lole & Manuel (Nuevo Día) 1975

En la línea de grandes trabajos que revitalizaron el flamenco en los años setenta, el primer álbum de Lole y Manuel es una delicia de principio a fin. La voz profunda de Lole se compenetra a la perfección con la guitarra de Manuel, conformando una estupenda colección de canciones, entre las que destacan: «Nuevo Dia» y «Todo es de Color».

La voz superdotada de Lole Montoya es arropada magistralmente por la guitarra racial y descriptiva de Manuel Molina, pero también por alguna guitarra eléctrica, piano o bajo eléctrico. Incluso hay por ahí un mellotron.

Con Nuevo Día estamos ante toda una revolución. Desde el barrio sevillano de Santa Clara, Lole y Manuel supieron imbuirse de tendencias de todo tipo para vestir su flamenco de un ligero barniz casi progresivo, que no oculta la pureza de su arte, pero que lo diferencia de todo lo que se había hecho hasta entonces.

La producción del Ricardo Pachón, que ya había coincido con Molina en los pioneros Smash, hace el resto con una producción exquisita, rompedora, pero a la vez respetuosa con las esencias básicas del flamenco.

Camarón (La Leyenda del Tiempo) 1979

Pocas veces, por no decir ninguna, se ha reunido tanto talento para elaborar un disco en España. Camarón, impresionado por los trabajos de Lole y Manuel, y cansado de la monotonía creativa de sus últimos trabajos, prácticamente sin ningún tipo de arreglo. Contactó con Ricardo Pachón, productor de Lole y Manuel, para intentar hacer un álbum parecido.

Descartado el propio Manuel Molina como productor, esa era la idea inicial, y solventados los problemas de Camarón con su discográfica. Se puso en manos de pachón para realizar el álbum que había soñado.

Pachón reunió en torno a Camarón a lo más granado de la escena musical sevillana, con añadidos tan gloriosos como Tomatito a la guitarra, los hermanos Amador o Kiko Veneno. “Concentrados” en la finca sevillana de Pachón, Crearon uno de los trabajos más revolucionarios, arriesgados, y a la vez fascinantes de la historia de la música popular española.

En lugar de degradar al flamenco, lo ennoblece y lo hace accesible al mundo entero. Es el canto desgarrador que describe las heridas de la vida, y a la vez es el bálsamo que las cura.

El disco fue un fracaso absoluto, comercial, que no artístico. He hizo que Camarón volviera rápidamente a la ortodoxia flamenca. Pero 40 años después pocos álbumes han sido tan rompedores como La Leyenda del Tiempo. Y esa perspectiva de los años lo coloca con todos los honores, como uno de los cinco mejores discos de nuestra historia musical.

Triana (El Patio) 1975

Durante la primera mitad de los años setenta, el rock vivió en España una de sus épocas más oscuras. Reducido casi a la clandestinidad, y sin ningún tipo de visibilidad pública. El rock hispano quedó sepultado por una maraña de cantantes melódicos y músicos que hicieron del activismo político y social su bandera de enganche.

Pero a partir del ecuador de la década, la situación lentamente comenzó a cambiar. De los rescoldos de la música underground y las bandas progresivas de principios de la década, surgen dos corrientes que insuflarán nueva vida al alicaído rock patrio. Estamos hablando del Rock Andaluz y el Rock Urbano.

Pero estos movimientos le deben mucho a dos personajes irrepetibles, que fueron los catalizadores de este renacer rockero, a través de los sellos discográficos que crearon, impulsando y normalizando la escena musical española. Estamos hablando de Gong y Chapa. Estamos hablando de Gonzalo García Pelayo y Vicente «Mariscal» Romero.

Estos dos sellos dieron cancha a cantidad de nuevas bandas, que sin el apoyo de estas discográficas, lo hubieran tenido muy difícil para poder grabar. Todos estos movimientos fueron la banda sonora de La Transición. Eran tiempos de esperanza y de cambios, y el rock no solo no fue ajeno, sino que fue un instrumento más para lograrlo.

Asfalto (Asfalto) 1978

El Rock Andaluz, fusión deL Rock Progresivo con las raíces musicales andaluzas, cuyo mascarón de proa fue Triana, pero no fueron los creadores de este sonido. Todo comienza con la llegada de Manuel Molina a Smash, el grupo señero del underground sevillano a principios de los setenta. Canciones como “El Garrotín” y “Tangos de Ketama”, dan fe de la embrionaria mezcla del rock con el flamenco. Más tarde, Triana inició su lento despegue con la publicación de su primer trabajo, El Patio, a los que seguirían Hijos del Agobio y Sombra y Luz. Todos ellos en el olimpo del rock español. Absolutamente imprescindibles.

El Rock urbano español es un movimiento originado a finales de los años setenta. Musicalmente, está influenciado por el Hard Rock clásico, aunque tiende a estar desprovisto de las influencias del blues características de este género. El sonido del rock urbano también recuerda la aparente simplicidad de las primeras bandas de Punk. Líricamente, estas bandas generalmente se enfocan en problemas de la vida real, enfatizando el lado más marginal de la vida urbana (alcohol, drogas, desempleo, prostitución, etc.), y en este aspecto también se parecen al punk.

Asfalto, con su antológico primer trabajo (1978), junto a Leño, fueron los grandes exponentes del Rock urbano. Sin olvidar a bandas como Topo, Ñu o Coz. De todas formas, el Rock Urbano no fue exactamente un género sino un movimiento, por lo que el estilo de estos grupos, a pesar de mantener unos puntos comunes y ser reconocibles, difieren notablemente entre sí.

VIERNES 21 junio – 20 H.
BANDA DE MÚSICA JJMM – ULE
DÍA EUROPEO DE LA MÚSICA
Auditorio “Ángel Barja” del Conservatorio Profesional de León | Entrada libre

MIÉRCOLES 26 junio – 20:30 H.
ORQUESTA JJMM-ULE & TALLER LÍRICO DEL CONSERVATORIO DE LEÓN
CONCIERTO PARA AMNISTÍA INTERNACIONAL LEÓN – “EL BARBERO DE SEVILLA” Zarzuela
Auditorio Ciudad de León  |  Entradas en taquillas y web Auditorio

VIERNES 28 junio – 20:30 H.
CORO “ANGEL BARJA” JJMM-ULE
FIESTAS DE LEÓN
Iglesia de San Marcos  |   Entrada libre

DOMINGO 30 junio – 12 H.
BANDA DE MÚSICA JJMM-ULE, CORO JUVENIL “ÁNGEL BARJA” & ORQUESTA JJMM-ULE & MARÍA CASARES
CONCIERTO FINAL DE CURSO JJMM-ULE
Auditorio Ciudad de León  |  Entrada libre

King Crimson (In the Court of the Crimson King) 1969

Es imposible decir de manera definitiva cuál fue el primer álbum verdaderamente progresivo de la historia, pero nadie discute que el LP debut de King Crimson en 1969, In the Court of Crimson King, fue un paso monumental hacia adelante para el género. Es difícil imaginar grupos como Yes y Genesis, como habrían evolucionado sin tener este álbum como una influencia. La primera formación no duró más allá de este LP, pero canciones como «In the Court of the Crimson King» y «21st Century Schizoid Man» siguen siendo las piezas más famosas del grupo. Las dos canciones son cantadas por Greg Lake, quien formó Emerson, Lake y Palmer un año después de que este álbum llegara a las estanterías.

In the Court of Crimson King fue ciertamente influyente en términos de abrir la puerta a lo que ahora denominamos «rock progresivo», pero en este caso, es tan bueno (o mejor) que todo lo que lo siguió. La combinación de un virtuosismo musical excepcional y el talento y el esfuerzo musical que se incluyeron en esta grabación lo convirtieron no solo muy adelantado a su tiempo,  sino también una obra de arte atemporal.

Para Pete Townshend de los Who, es uno de los mejores álbumes de la historia. Y como manifestó el excelente productor Julián Ruiz: “La portada con el dibujo de Barry Godber, es el grito más maravilloso desde los tiempos de Edward Munch”.

Emerson, Lake & Palmer (Brain Salad Surgery) 1973

Emerson, Lake y Palmer alcanzaron su clímax progresivo con su cuarto álbum de estudio Brain Salad Surgery. Fue el álbum más ambicioso y exitoso del grupo, con una mezcla de rock y música clásica, junto con algunos sonidos electrónicos de vanguardia, utilizados por primera vez en cualquiera de los discos del grupo. El álbum fue el primero en el nuevo sello Manticore del trío y fue producido por el guitarrista, bajista y vocalista del grupo, Greg Lake. Lake coescribió las letras del álbum con el ex compañero de King Crimson, Pete Sinfield. Esta fue la primera vez que un músico externo apareció en un álbum del trío.

Brain Salad Surgery fue un esfuerzo concertado por parte del grupo para producir un álbum que se pudiera realizar en su totalidad en vivo, a diferencia del material de su álbum anterior Trilogy. Empleando algunas de las tácticas utilizadas por Pink Floyd, la banda compró un cine y lo transformó en sala de conciertos para poder sentir lo que sería tocarlo en vivo, reelaborando los arreglos para capturar la emoción del directo. La mayor parte del material se compuso como piezas instrumentales con algunas letras añadidas más adelante.

Tras el éxito de Brain Salad Surgery, Emerson Lake y Palmer realizaron algunas giras muy exitosas (aunque extravagantes) hasta 1974, incluida una transmisión a nivel nacional en los Estados Unidos. Luego, después de tres años de descanso, reinventaron su música, pero nunca más pudieron repetir su éxito, lo que llevó a la ruptura del grupo a finales de la década.

La portada del álbum es considerada como una de las más memorables (y a menudo perturbadoras) de su tiempo. Creada por H. R. Giger, creador junto a Carlo Rambaldi, de la criatura y algunos escenarios de la película Alien, el octavo pasajero, de Ridley Scott.

Boston (Boston) 1976

Durante quince años (1976 – 1991), el primer trabajo de Boston fue el álbum debut más vendido de la historia.

Aunque representado como una verdadera «banda», Boston fue realmente un proyecto en solitario del ingeniero Tom Scholz. Un graduado del MIT que trabajaba para Polaroid. Sholz construyó un estudio casero en Massachusetts a principios de los años 70 y comenzó a experimentar con sonidos innovadores y a desarrollar canciones.

Como perfeccionista que era, Scholz trabajó en las canciones durante unos siete años, enviando con frecuencia cintas a sellos discográficos para que fueran rechazados. Finalmente, en 1975, Sholz llamó la atención de Epic Records que firmó con él.

Publicado el álbum en agosto de 1976, Boston resucitó el formato de rock clásico que parecía estar dando paso a los nuevos y divergentes géneros del punk rock y la música disco. La fusión del hard rock con delicados motivos y melodías en capas armónicas, fue la clave del éxito de Boston.

El buque insignia del álbum, «More Than a Feeling», es la mejor canción que Boston jamás haya creado. Es una canción de rock perfecta en muchos sentidos. Sholz tardó cinco años en perfeccionarla y su insistencia seguramente valió la pena.

Nº 41 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Fleetwood Mac (Rumours) 1977

Rumours es el mejor disco y el más popular de la banda anglo-americana Fleetwood Mac, ganador de un premio Grammy, y del que se han vendido más de 40 millones de copias en todo el mundo, siendo uno de los álbumes de mayores ventas de todos los tiempos.

En Rumours, Fleetwood Mac convirtió su agitada vida privada en un arte público brillante y melódico. Las dos parejas de la banda, el bajista John McViey la cantante y teclista Christine McVie y el guitarrista Lindsey Buckingham y la vocalista Stevie Nicks, estaban en medio de rupturas durante las prolongadas sesiones del álbum. Esto le dio un aura confesional muy cargada a canciones como «Go Your Own Way» de Buckingham, «Dreams» de Nicks, «Don’t Stop» de Christine

Tras su lanzamiento en febrero de 1977, llegó a vender 800.000 copias por semana en su máximo apogeo, y su éxito hizo de Fleetwood Mac un fenómeno cultural. Se convirtió en un tótem de los excesos de los años setenta. Rumours es un producto de ese momento y sirve como un criterio por el cual medimos cuán “setentas” eran los setenta.

Sin embargo, es difícil no entrar en la mitología de Rumours tanto como un álbum, como un paradigma de la cultura pop. Un registro impecable sacado de los restos de la vida real de los miembros de la banda. Como uno de los álbumes fundamentales del rock clásico, se mantiene mejor que cualquier otro éxito comercial de esa época. Ahora podemos usarlo como una especie de punto de referencia nostálgico, que ya no hay grupos como ese, que no hay una banda de rock tan apetecible que edite el álbum más vendido en los Estados Unidos durante 31 semanas. Rumours era simplemente perfecto.

Nº 26 en la lista de los 500 mejores álbumes.