Club de Música ULE. Exposición “Los Discos del Cambio” (III) Volviendo a las Raíces

Mayall con Eric Clapton, John - Blues Breakers (vinilo)

John Mayall & The Blues Breakers with Eric Clapton (1966)

El blues es la religión, y John Mayall su profeta. Los Bluesbreakers, banda liderada por John Mayall, cuyo mayor legado es que fue como una incubadora para aquellos músicos británicos apasionados por el blues. Muchas de las bandas más conocidas que se crearon en Gran Bretaña en los años 60 y 70 tenían miembros que formaron parte de los Bluesbreakers en algún momento, formando la base del blues británico. Estamos hablando de Eric Clapton y Jack Bruce (más tarde en Cream). Peter Green, Mick Fleetwood y John McVie (quienes formarían Fleetwood Mac), Mick Taylor (Rolling Stones ) y muchos otros músicos.

“Blues Breakers with Eric Clapton” es el disco más importante del blues británico. Segundo trabajo de la banda, esta vez contaron con el protagonismo de Eric Clapton en la guitarra. Clapton se unió a Mayall tras abandonar los Yardbirds, acusándolos de abandonar el blues para derivar hacia el pop. Este trabajo dio lugar a las míticas pintadas que inundaron Londres en aquellos días, “Clapton is God”. Este disco convirtió a Clapton en el faro de los demás guitarristas. Su sonido, con una Gibson Les Paul a través de un amplificador Marshall, sería imitado por toda una horda de nuevos guitarristas, pero nunca sería igualado.

Nº 195 en las lista de los 500 mejores álbumes.

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Cream (Disraeli Gears) 1967

“Disraeli Gears”  fue el segundo álbum que Cream lanzó en su corta carrera, y más de cincuenta años después, aún brilla como su logro más importante. Publicado en noviembre de 1967, presenta a Cream evolucionando hacia la psicodelia mientras se mantenía fiel a las raíces del blues.

Cream fue una de las bandas capitales de los sesenta. Junto con la Jimi Hendrix Experience, introdujo el concepto del power trio (guitarra, bajo y batería). Formado por Eric Clapton, que venía de su colaboración con John Mayall, ya convertido en leyenda de la guitarra. Y los estratosféricos Jack Bruce al bajo y Ginger Baker a la batería, procedentes del prestigioso grupo de jazz rock y blues, Graham Bond Organization.

Nº 114 en la lista de los 500 mejores álbumes.

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The Byrds (Sweetheart of the Rodeo) 1968

La influencia de la música country en el rock & roll es casi tan antigua como el rock en sí, y una piedra de toque para artistas seminales como Elvis, Buddy Holly y los Everly Brothers. Pero para el country rock, 1968 fue el año cero, el surgimiento de un grupo de artistas que unen conscientemente esos géneros, dando lugar a un movimiento musical completamente nuevo.

Describir a un artista como un visionario es casi un cliché, pero si hubiera alguien que estuviera a la altura del título sería Gram Parsons, el creador de la “Cosmic American Music”: una mezcla de country, soul, rhythm & blues, con el rock. Parsons, un niño de familia bien de Florida,  ayudó a que fluyeran en la escena del sur de California los sonidos que salían de Nashville y Bakersfield. Con su llegada al grupo, dio un nuevo impulso a The Byrds, siendo el alma de  uno de sus mejores discos, Sweetheart of the Rodeo (1968), verdadero nacimiento del Country Rock. Tras su marcha de la banda, se asoció con Chris Hillman, que también abandonó a  los Byrds, para formar The Flying Burrito Brothers.

Se suponía que Sweetheart of the Rodeo sería un reflejo de la música tradicional estadounidense incorporando elementos del Jazz y Rock & Roll, pero Parsons llevó el proyecto a convertirlo en un álbum country puro. Este proyecto fue muy controvertido, ya que para la industria de la música country, no eran más que una panda de hippies con el pelo largo que intentaban sabotear la sacrosanta música country. Entre tanto, Parsons dejó la banda, y ni siquiera era miembro cuando llegó la fecha de lanzamiento en agosto de 1968.

Los resultados fueron malos, en ventas y repercusión. Confundieron a los seguidores de los Byrds y a los puristas de Nashville, y el grupo nunca volvería a intentar un experimento tan radical. Pero ese sonido hipnotizante resuena hasta el día de hoy. Realmente eran un grupo de rockeros cantando canciones country. Pero este trabajo visionario, se entiende cada vez menos como un experimento fallido y más como el Libro del Génesis de un nuevo estilo.

Nº 120 en la lista de los 500 mejores álbumes.

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The Flying Burrito Bros (The Gilded Palace of Sin) 1969

Después de encabezar la incursión de los Byrds en la música country con el influyente álbum “Sweetheart of the Rodeo”, Gram Parsons abandonó la banda cuando se negó a acompañarlos en una gira por Sudáfrica en 1968. Dos meses después, el bajista Chris Hillman también abandonó los Byrds. y se unió a Parsons para formar The Flying Burrito Brothers.

En 1969, The Flying Burrito Brothers dieron la bienvenida a los oyentes a su “Palacio Dorado del Pecado”. El álbum, publicado en el sello A&M, anunció un nuevo estilo de música, uno en el que el cofundador Gram Parsons bautizaría “Cosmic American Music”. De hecho, los sonidos que emanan de este “Palacio” son, al mismo tiempo, sorprendentemente tradicionales y completamente radicales.

Los Burritos fusionaron el alma del sur profundo, la instrumentación clásica de la música vaquera y la experimentación de la psicodelia. El sonido creado vendría a ser conocido como Country Rock, e influiría en una generación de artistas, quizás más notablemente en los Eagles, pero también en multitud de bandas hasta nuestros días.

Nº 192 en la lista de los 500 mejores álbumes.

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The Band (Music from Big Pink) 1968

Después de una década de giras como grupo de acompañamiento para otros artistas, últimamente de Bob Dylan. The Band lanzó un álbum debut increíble con “Music from Big Pink” en 1968. Al mezclar sus vastas influencias de country, Gospel, rock, folk y R & B, el grupo forjó un álbum que rompió bruscamente con las tendencias, cada día más exageradas de la psicodélia, y de toda la experimentación que la rodeaba.

The Band selló su destino en 1967, cuando se unieron a Dylan, que se estaba recuperando de un accidente de moto, en una casa en Woodstock, Nueva York, que llamaron Big Pink y grabaron un montón de canciones que se conocieron como “The Basement Tapes”.

“Music from Big Pink” suena como una colección de canciones incubadas y alimentadas por cinco músicos alejados del resto del mundo. Rústico, polvoriento y lleno de sabor de otras épocas, el álbum no tenía mucho en común con todo lo demás que se publicó en 1968.

El título del álbum proviene de la citada casa cerca de Woodstock. Si bien muchas grabaciones se realizaron allí, la grabación real del álbum, producida por John Simon, se llevó a cabo en estudios de Nueva York y Los Ángeles.

Nº 34 en la lista de los 500 mejores álbumes.

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Creedence Clearwater Revival (Cosmo´s Factory) 1970

En un momento en que el rock estaba evolucionando lejos de las fuentes que lo habían hecho posible. La Creedence Clearwater Revival llevó su música a las esas raíces abandonadas por casi todos, con su síntesis de rockabilly, folk, R&B y country. Las canciones de la Creedence, se convirtieron en clásicos atemporales del rock & roll. Bajo la tutela de John Fogerty, la Creedence Clearwater Revival definió el espíritu y el sonido del rock tan auténticamente como casi nadie había hecho.

“Cosmo’s Factory” es el quinto álbum de estudio de la Creedence, lanzado por Fantasy Records en julio de 1970. Con este trabajo, la Creedence alcanzó su cenit comercial. Fue su quinto álbum en dos años y se convirtió en un gran éxito internacional, encabezando las listas de éxitos en seis países.

El nombre del álbum proviene del almacén en Berkeley donde la banda ensayó al principio de su carrera. Fue apodado “The Factory” por el batería del grupo Doug “Cosmo” Clifford, porque era donde el líder de la banda John Fogerty los hacía ensayar allí casi todos los días, y fumaban tanto, excepto “Cosmo”, que parecía la chimenea de una fábrica.

Nº 265 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Club de Música ULE. Exposición “Los Discos del Cambio” (II) Beatles vs. Beach Boys. Persiguiendo el disco definitivo

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The Beatles (Rubber Soul) 1965

En 1965, las radios emitían canciones tan innovadores como “(I Can’t Get No) Satisfaction” y “Like a Rolling Stone”. En diciembre, The Beatles sobrepasaron a todos con “Rubber Soul”, una obra impresionante que conservó el enfoque pop de los discos anteriores de la banda al tiempo que presentaba un nuevo sonido, sofisticado y profundo. El productor George Martin describió a “Rubber Soul” como: “el primer álbum en presentar a unos nuevos y crecientes Beatles al mundo”, y así fue.

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The Beatles (Revolver) 1966

“No veo demasiada diferencia entre Revolver y Rubber Soul, dijo una vez George Harrison. “Para mí, podrían ser el volumen uno y el volumen dos”. “Revolver” extiende los aspectos más avanzados de su predecesor, su introspección, su psicodelia naciente, la demostración de las posibilidades reales del estudio. Parte del impulso revolucionario del álbum fue visual. Klaus Voormann, uno de los amigos artistas de The Beatles de sus días en Hamburgo, diseñó una llamativa portada en formato collage para el álbum. Con canciones como “Tomorrow Never Knows”, The Beatles demostraron que en la música popular, cualquier cosa, cualquier tema, cualquier idea musical, ahora podía realizarse.

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The Beach Boys (Pet Sounds) 1966

SinRubber Soul” (The Beatles) no hubiera existido “Pet Sounds”. Sin “Pet Sounds” no hubiera existido “Sgt. Peppers”. La “batalla” creativa entre los Cuatro de Liverpool y el genio creativo de The Beach Boys, Brian Wilson, dio como fruto los considerados por todos, los dos mejores discos de la historia. Nadie había llegado tan lejos hasta entonces.

¿Pero que tiene “Pet Sounds” para tener la consideración que tiene?, sencillamente marcó un antes y un después en la historia de la música popular. El líder del grupo, el genial Brian Wilson, impresionado por el trabajo de The Beatles con su disco “Rubber Soul”, editado a finales de 1965, decidió seguir por ese camino marcado por los Fab Four, y no solo seguirlos, sino superarles.

“Desde que escuché los primeros acordes, me enamoré de este disco”, recuerda Brian en una entrevista reciente. ”Voy a grabar el mejor disco de todos los tiempos” repetía Brian de forma obsesiva  a su mujer.

En la grabación del álbum es obligado destacar la fantástica labor de todo un conjunto de músicos de sesión de primer nivel, que ejecutaron magistralmente las ideas locas y casi imposibles de Brian, encontrando el ansiado “tono” que el buscaba. El resultado fue una joya de pop sofisticado, una maravilla melódica que combinaba una orquestación multicolor, con la psicodelia llamando a la puerta, y por supuesto, con las siempre pluscuamperfectas armonías vocales de The Beach Boys.

Nº 2 en la lista de los 500 mejores álbumes de la historia.

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The Beatles (Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band) 1967

“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” es el álbum más importante que se haya hecho, una aventura sin igual en concepto, sonido, composición de canciones, diseño de la portada y la tecnología desarrollada en el estudio por la mejor banda de todos los tiempos. Es la cima creativa de la carrera de The Beatles como artistas. Ningún otro disco de esa época, o desde entonces, ha tenido un impacto tan inmediato y absoluto.

La extravagancia visual del “Sgt. Pepper” convirtió la portada del álbum en una obra de arte. La foto de Michael Cooper de los Beatles con aquellos trajes satinados, frente a un público de figuras históricas recortadas en cartulina, creado por el artista Peter Blake, es la imagen más perdurable de la era psicodélica.

No se puede obviar la capital importancia de su productor, George Martin en el desarrollo, no solo de este disco, sino de lo grabado anteriormente por ellos. El fue partícipe e inspirador de cantidad de ideas que convirtieron este álbum en lo que acabaría siendo.

Nº 1 en la lista de los 500 mejores álbumes. Solo por la canción que cierra el disco, “A Day in the Life”, ya merecería ese puesto.

Sugato Bhaduri (23/Mayo/2019)

23-05-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

 

ENTRADAS (6 €): A PARTIR DE MEDIA HORA ANTES DEL CONCIERTO EN LA  TAQUILLA DEL TEATRO

50% DE DESCUENTO: MIEMBROS DE LA COMUNIDAD UNIVERSITARIA PREVIA  PRESENTACIÓN DEL CARNÉ UNIVERSITARIO Y DNI

Sugato Bhaduri, uno de los mandolinistas más solicitados en India actualmente, comenzó su carrera musical a una edad muy temprana. Mientras que él era tan solo un muchacho que acudía a la escuela, comenzó a estudiar la música vocal que le enseñaba su tío, y rápidamente se convirtió en un joven artista de la A.I.R, “All India Radio”.

Durante su periodo universitario, comenzó a recibir lecciones básicas de música occidental, centrando sus estudios de música instrumental en este instrumento de Occidente; LA MANDOLINA. Después de graduarse en ciencias, se dedicó a la música clásica indostánica, y durante un periodo de diecisiete años aprendió bajo la supervisión activa del reconocido sarodiya Pandit T. N Majumder. También tuvo el privilegio de formar parte de los trabajos realizados por Ustad Ali Akbar Khan, la legendaria figura de la música en India.

En el año 2001, este joven portador de la antorcha de Maihar- Seni Gharana fue galardonado con el célebre título “SURMANI” por Sun-Singar Samsad (Mumbai).

En el año 2012 recibió el prestigioso título GANDHARVA RATNA por Sangeet Samraat Ustad Khan Alladiya memorial, Kolhapur, Maharashtra.

La curiosa fusión entre Gayaki-ang (estilo vocal) y Tantrakari (estilo instrumental) resulta ser la característica más destacada de su música, dando como resultado una textura musical verdaderamente rica. Su complejidad rítmica y sus rápidos y virtuosos pasajes en staccato, técnica conocida como ekhara taans, son dignos de destacar. Profundo sentimiento y unión intelectual hacia el Raga, el sonido y su técnica resultan ser los componentes básicos de su música.

El sonido intenso y brillante de su instrumento evoca tonalidades de Veena, Rabab, Sarod y Sitar, los cuales han ayudado a nutrir su música de las fuentes más antiguas de la música clásica india, creando un sonido totalmente nuevo.

Desde 2005, Sugato ha viajado en diversas ocasiones por Europa; Reino Unido, Alemania, Italia, Dinamarca, Suecia, Bélgica, Holanda, Francia, Suiza, España, Portugal, Austria y Croacia, tocando en prestigiosos conciertos y festivales internacionales de música.

En mayo de 2006 participó en el EUROFESTIVAL ZUPFMUSIK, Bamberg, Alemania, siendo considerado como el mejor artista indio. En junio de 2006 y mayo del 2007, 2009 y 2012 participó también en el POUSSIERE DU MONDE FESTIVAL, Génova, Suiza.

En octubre del 2014 Sugato Bhaduri viajó a Ereván, Armenia, en representación de la India para participar en el Festival de música internacional de la Ruta de la Seda.

Club de Música ULE. Exposición “Los Discos del Cambio” (I) The Jazz Masters

La Facultad de Educación acoge una nueva actividad del Club de Música de la Universidad de León (ULE), organizada por la Biblioteca de la Facultad y el Área de Didáctica de la Expresión Musical. El miércoles 15 de mayo, se inaugura la exposición “Los Discos del Cambio: transformando la música y la sociedad”, con tesoros que marcaron el futuro de la música popular, en las décadas de 1960 y 1970.

La exposición permanecerá en el pasillo de la biblioteca, en la planta baja de la Facultad, hasta el 7 de junio. Todas las personas interesadas podrán acudir los miércoles de las siguientes semanas, a las 13.00 horas, para una visita guiada.

Esta segunda sesión del Club de Música tendrá también un “fin de fiesta” el día 29 de mayo, a las 12 horas, en el Aula de Música de la Facultad de Educación, donde todo aquel que desee puede acudir para escuchar una muestra de la selección musical. “Si te gusta lo que ves… ven a escuchar”.

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Miles Davis fotografiado con John Coltrane, Jullian “Cannonball” Adderley y Bill Evans durante las sesiones de grabación de “Kind of Blue” en marzo de 1959. Fotografía: Don Hunstein

La música, como casi todas las artes, ha estado presente en la vida de los diferentes pueblos y civilizaciones a lo largo de la historia. Sin embargo, siempre hubo una línea divisoria muy definida entre la música más popular y otra más “culta”, solo al alcance de una élite muy minoritaria.

En el siglo XX esto empieza a cambiar, y lo hace de manera exponencial a partir de su segunda mitad. La explosión del rock & roll en los años cincuenta, y su posterior desarrollo y fusión con otros géneros musicales, propicia la aparición de una nueva hornada de músicos, que desde el principio se dedican a romper todas las barreras creativas. Son empujados a su vez por una nueva generación, que quería cambiar por completo la sociedad heredada de sus padres, y que la música fuese no solo el símbolo máximo de ese impulso transformador, sino uno de los vehículos para conseguirlo.

Esta exposición trata de aquellos discos que lo cambiaron todo, que fueron protagonistas de la continua evolución que experimentó la música entonces. Estos discos son el fruto fecundo de una serie de músicos que nunca se conformaron con lo establecido, que siempre fueron más allá. Que crearon modas o que directamente fueron contra ellas. De un conjunto de iconoclastas, visionarios y heterodoxos que fusionaron lo que parecía imposible fusionar. Que diseccionaron las sociedades y las dejaron desnudas ante sus miserias. De Miles Davis a Camarón, de los Beatles a Pink Floyd. Su genialidad estaba escrita en su ADN, pero sobretodo, en la convicción de que imposible solo es una palabra.

Kind of Blue (Vinyl)

Miles Davis (Kind of Blue) 1959

“So What”

Pocas veces en la historia de la música se ha reunido tanto talento para elaborar un disco. Esta obra maestra se convertiría en uno de los álbumes más importantes, influyentes y populares de la historia del jazz. Pero en el momento en que se hizo, “Kind of Blue” fue una revolución, una ruptura radical de todo lo que estaba sucediendo.

Dando la espalda a las progresiones de acordes estándar, Miles Davis usó escalas modales como punto de partida para la composición y la improvisación, abriendo nuevos caminos con una calidez y una sutileza desconocidas en el Hard bop imperante en aquella época. Miles y su incomparable banda, el bajista Paul Chambers, el batería Jimmy Cobb, el pianista Bill Evans (que regreso con Miles exclusivamente para grabar este álbum) y John Coltrane y Julian “Cannonball” Adderley a los saxos, tuvieron ocasión de lucirse en varios solos a lo largo del álbum, caracterizados por la “variación melódica en lugar de armónica”, según Miles.

La revista Rolling Stone le ubicó en el puesto 12, en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

John Coltrane (A Love Supreme) 1965

“Acknowledgement”

“En 1957 experimenté, por la gracia de Dios, un despertar espiritual que me iba a llevar a una vida más rica y plena. En ese momento, por gratitud, humildemente pedí tener el privilegio de hacer felices a los demás con la música. Me parece que me lo han concedido, le doy gracias a Dios”.

Entre 1955 y 1957, mientras tocaba con el quinteto de Miles Davis, Coltrane se hundió en la adicción a la heroína, que logró superar solo después de un largo período de soledad en su casa de Filadelfia. La conducta errática de Coltrane durante esta época, provocó incluso que Miles Davis llegase a despedirlo de su banda. Esta situación dio lugar a un despertar espiritual que llegó a su clímax con este disco. “A Love Supreme”, el álbum que cambió la historia del jazz. Algunos incluso dicen que después de su lanzamiento, el género nunca se recuperó. Junto a “Kind of Blue” de Miles Davis, es el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos.

“A Love Supreme” es una suite en cuatro partes, profundamente sentida y musicalmente arriesgada, que sirve como punto medio entre la obra de Coltrane con influencias del Hard bop de los 50 y el jazz modal más improvisado que interpretaría hasta su temprana muerte en 1967. Puesto 47 en la lista de los 500 mejores álbumes de la revista Rolling Stone.

Entremares (José Luis Fraga & Daniel Santos) (17/Mayo/2019)

“Tras el Proyecto Entremares están José Luis Fraga en el clarinete, saxofón y texturas electrónicas, y Daniel Santos en la guitarra. Entre Galicia y Madrid. Se definen como “dos polizones en el barco de lo establecido”.  En las nueve piezas que han grabado recorren diferentes snetires de latitudes diversas, desde la cornisa gallega, los archipiélagos africanos y las cadencias transatlánticas.  “La música evoca paisajes marítimos en un formato íntimo y emotivo, desde Cabo verde a Galicia”. Composiciones instrumentales que tejen redes que atrapan, estructuras sonoras invisibles, delicadas y sensuales.

¿Qué evocan sus temas? Desde la saude lisboeta del fado, la morna caboverdinana, el choro brasileño, los fandangos de Huelva, ritmos celtas,… Un sonido compacto, reposado y firme, mucho más de lo que de un primer disco pudiera pensarse. Composiciones originales sobre músicas populares, intérpretes virtuosos e intrépidos músicos de una elegancia máxima. “(Crónica realizada por Paco Valiente para los Sonidos del Planeta Azul – UPV)

Fruto de este trabajo, fueron acreedores del Premio de Creación Injuve 2017, y ya han ofrecido más de 40 conciertos en España, Portugal y Cuba, en lugares destacados como La fábrica de Arte Cubano en la Habana, La Casa de Iberoamérica en Holguín, La Casa de la Música de Alicante o el Auditorio Casa de Campo de Madrid. El espectáculo, tiene cabida en la programación tanto de festivales de jazz y world music como de festivales clásicos a los que aporta un repertorio fresco y diferente. 2019 se presenta un año muy activo para esta creativa pareja, preparando el lanzamiento de un nuevo trabajo y ya cuentan con presentaciones en El Círculo de Bellas Artes de Madrid, o el Auditorio Paco de Lucía.

https://www.facebook.com/entremares.proyecto

https://twitter.com/PEntremares

Un canal de televisión online para la formación del profesorado

Los estudiantes participan en un proyecto innovador para la elaboración de videos didácticos sobre educación (musical)

El alumnado de la Mención de Educación Musical sigue en movimiento desde la Facultad de Educación de la Universidad de León (ULE). Este semestre participamos en el Proyecto de Innovación Docente, internacional y multidisciplinar, “La televisión on-line en la formación del profesorado: un recurso educativo multilingüe y multidisciplinar”, que coordina la profesora Marta García-Sampedro, desde la Universidad de Oviedo.

El proyecto pretende integrar el uso de la televisión a través de dispositivos móviles en la formación del profesorado para crear un canal televisivo multilingüe y multidisciplinar, con el objetivo de fomentar el aprendizaje a través del uso de las tecnologías móviles en educación. Para ello, proponemos fomentar el uso de las TIC de manera reflexiva y creativa para la elaboración de recursos con fines, en nuestro caso, didáctico-musicales. Así, el alumnado de Tercer Curso del Grado en Educación Primaria se encuentra inmerso en la elaboración de sus programas de televisión que difundiremos en la plataforma de YouTube a fines de mayo.

De este modo, elaboramos por grupos videos didácticos sobre un contenido a escoger de la asignatura de Audición Musical Activa, que imparte la profesora de la ULE, Diana Díaz González. La idea es desarrollar herramientas pedagógicas y comunicativas para mejorar los procesos de enseñanza-aprendizaje en educación musical. El desafío de avanzar hacia una educación en la que las tecnologías emergentes tengan una gran presencia pasa por un progresivo y sustancial cambio metodológico, que haga uso de la riqueza de herramientas, recursos y servicios, tanto para el alumnado como para el profesorado, favoreciendo así la creación de información siguiendo diferentes formatos (oral, escrito, visual y auditivo).

El canal de Educación Musical de la Universidad de León en YouTube se llamará DidacTic MUSICART ULE, y pronto estará activado. Así, el canal se unirá a otros canales “hermanos” del enlace general, que podéis consultar en la siguiente web principal del proyecto: https://didactictac2018.wixsite.com/didactictac-tv

En próximas entradas del blog os avanzaremos más sobre nuestros programas de TV online. Mientras, si queréis conectar con nosotros, interesados en este proyecto, podéis hacerlo a través del email: audimusac@gmail.com

¡Seguimos adelante!

Fársan (10/Mayo/2019)

10-05-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

 

ENTRADA EN TAQUILLA (8 €): A PARTIR DE MEDIA HORA ANTES DEL CONCIERTO
COMUNIDAD UNIVERSITARIA (50% DE DESCUENTO), PREVIA PRESENTACIÓN DE CARNÉ UNIVERSITARIO Y DNI

Fàrsan es un cuarteto de música folk, impulsado por cuatro de las voces más brillantes de una nueva generación de música tradicional, une canciones, bailes y música instrumental de las tradiciones gaélicas de Escocia y Cape Breton. Su combinación única de violín, gaita escocesa, piano, acordeón y step dance aporta una energía brillante a cada actuación.

 

Una historia de la música: la contribución de la música a la civilización, de Babilonia a los Beatles (Howard Goodall)

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Hace no tanto tiempo, la música era un murmullo ocasional y débil en un paraje silencioso. Ahora es tan ubicua como el aire que respiramos. ¿Cómo diablos ocurrió ese milagro? La música es una parte intrínseca de nuestra vida diaria y, sin embargo, la historia de su desarrollo, desde unas simples notas hasta la orquestación más rica, puede parecer un tema complejo, para especialistas.

Una historia de la música. La contribución de la música a la civilización de Babilonia a los Beatles abarca 42.000 años de historia en poco más de trescientas páginas. Se trata de una guía al alcance de todo el mundo y nos habla de la evolución de la música desde los instrumentos prehistóricos hasta el pop de hoy en día. Su autor, Howard Goodall, es un reconocido compositor que ha ganado diversos premios (como los EMMY, BRIT y BAFTA) por sus creaciones para musicales y bandas sonoras para el cine y la televisión. También escribió y presentó una versión para televisión de Una historia de la música, que fue emitida por la BBC con gran éxito de audiencia.

Howard Goodall prescinde de biografías pesadas, etiquetas inútiles y terminología trasnochada. En su lugar, nos relata la evolución de la música tal y como ocurrió, idea a idea, por lo que cada innovación musical –la armonía, la notación musical, el teatro cantado, la orquesta, la música para la danza, la grabación, la retransmisión– nos impacta con su fuerza original. Se centra en los cambios, cuándo y por qué ocurrieron, escogiendo los descubrimientos que revolucionaron el sonido creado por el hombre y retratando vívidamente a los visionarios de la música, desde el poco conocido Pérotin al coloso Wagner. Por el camino, también ofrece claras descripciones de lo que es la música y cómo funciona: de qué van las escalas, por qué algunos acordes suenan raros y qué tienen en común las canciones pop de las últimas décadas.

Una historia de la música ha sido traducido a seis idiomas y se han vendido ya más de 20.000 ejemplares del libro sólo en el Reino Unido. Incluye una lista de reproducción con temas clásicos y contemporáneos que constituye un repaso por los momentos clave de la evolución musical.

Enlace al Catálogo ULE

Papawanda y Mondo Loco (02/Mayo/2019)

02-05-2019

 20:15 H.
 Cafetería del Campus de Vegazana ULE

 

Invitaciones: quince minutos antes del concierto en la entrada de la cafetería

CREACIÓN INJUVE

Papawanda es una banda madrileña de música jamaicana que bebe de otras influencias, como el funk, el jazz o el afrobeat, fusión con la que eleva sus directos a una experiencia de energía, baile y color. El grupo presenta su tercer álbum, “Hasta que seamos Ceniza”, en el que muestran una visión crítica del mundo, donde la ironía y el nihilismo social característicos de su generación aún dejan un espacio para el optimismo.

Mondo Loco es una banda leridana de rock mestizo formada por Emili Regany, Miquel Sáez, Álvaro Pineda, Arnau Martínez y Joel Rovira. Bebe de influencias como el punk, el ska o el rap, fusión con la que sus conciertos se convierten en una fiesta de adrenalina y baile. Desde 2012, cuando se proclaman vencedores del concurso “Directo”, la banda comienza a girar por toda Cataluña, el País Vasco, el resto del territorio español y Francia, teloneando a artistas de la talla de: La Pegatina, La Raíz, Mojinos Escozíos, New York Ska Jazz Ensemble o Txarango.

Actualmente el grupo se encuentra presentando su cuarto trabajo discográfico, “Dueños de nada” (calaverita Records, 2019), grabado en los estudios RPM de Valencia contando con la producción de Roger García (La Raíz, Xavi Sarrià). En él se muestra un mensaje vitalista y provocador crítico con la evolución de la sociedad capitalista, la precarización y el maltrato a la naturaleza.

Hector Berlioz (1803-1869). La Pasión Romántica

Fotografía: Pierre Petit (1863)

El compositor archirromántico. La vida de Berlioz fue todo lo que usted esperaría de un artista del Romanticismo: turbulenta, apasionada, pasando continuamente del éxtasis a la melancolía. Excéntrico, excesivo, egoísta. Su influencia en el sonido orquestal moderno fue profunda; propagó el ideal de la música programática (música que tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo). Fue una vida extraordinaria y su mejor relator fue él mismo, escribiendo probablemente la mejor autobiografía de cualquier compositor. Este año se cumple el 150º aniversario de su muerte.

Louis Hector Berlioz nació en Francia, en La Côte St. André en 1803, cerca de Grenoble. Su padre era médico y el joven Hector también fue enviado a París para estudiar medicina. Berlioz se horrorizó por el proceso de disección y, para sorpresa de sus padres, abandonó su carrera de medicina para estudiar música. Luego asistió al Conservatorio de París estudiando ópera y composición. Se identificó desde el principio con el movimiento romántico francés. Entre sus amigos había escritores como Alejandro Dumas, Victor Hugo y Honoré de Balzac. Más tarde, Théophile Gautier escribiría: “Hector Berlioz me parece que forma con Hugo y Delacroix, la Trinidad del arte romántico”.

Se dice que Berlioz fue innatamente romántico, experimentando emociones profundamente desde la primera infancia. Esto se manifestó más tarde en una serie de asuntos amorosos. A los veintitrés años, su primer amor no correspondido por la actriz irlandesa Henrietta Constance Smithson fue la inspiración para su “Symphonie Fantastique”. Las cartas de Berlioz fueron consideradas tan apasionadas por Smithson que inicialmente rechazó sus intenciones. La naturaleza autobiográfica de esta pieza es más que evidente. En el mismo año del estreno de la sinfonía, 1830, Berlioz ganó el Premio de Roma. Después de su regreso a París, tras sus dos años de estudio en Roma, finalmente se casó con Smithson. Cuando ella finalmente asistió a una actuación de la “Symphonie Fantastique”. Rápidamente se dio cuenta de que era la descripción de sus apasionadas cartas a ella. Sin embargo, después de unos pocos años, la relación se desintegró rápidamente.

Retrato de Berlioz pintado por Emile Signol (1832)

Además de la “Symphonie Fantastique”, otras obras suyas destacadas son: “La Damnation de Faust”, “Romeo et Juliette” (ambas obras a gran escala para voces y orquesta), y el ciclo de canciones “Les Nuits d’Été” (originalmente para voz y piano, más tarde con un acompañamiento orquestal). Y “Les Troyens” (Los troyanos ), ópera en cinco actos (1859), inspirada en el poema épico de Virgilio, “La Eneida”.

El estilo poco convencional de Berlioz irritó el gusto establecido de la época y la escena operística. Berlioz tuvo que organizar sus propias actuaciones, así como pagarlas él mismo. Esto le afectó económicamente y emocionalmente. Tenía alrededor de mil doscientos asistentes leales a sus actuaciones que garantizaban la venta de entradas, pero la naturaleza de sus grandes obras con cientos de artistas dificultaba el éxito financiero. Sus habilidades periodísticas se volvieron esenciales para que se ganara la vida y sobrevivió como un crítico ingenioso que enfatiza la importancia del drama y la expresividad en la obra musical.

Durante su vida, Berlioz fue más famoso como director que como compositor; realizó regularmente giras por Alemania e Inglaterra, donde dirigió óperas y música sinfónica, tanto propias como de música compuesta por otros.

Archivo: Hector Berlioz por Kriehuber.jpg

Hector Berlioz en 1845. Autor: Josef Kriehuber 

La faceta literaria de Berlioz no se limitó a la crítica musical. Sin perder su estilo, audaz y vigoroso, a veces sarcástico. Escribió obras como “Les soirées de l’orchestre”(1852) que es una sátira mordaz de la vida musical provinciana en el siglo XIX en Francia. Su autobiografía, “Memorias de Berlioz” (1870), pinta un retrato magistral de la época romántica a través de los ojos de uno de sus principales protagonistas.

Una obra pedagógica, “Tratado de Instrumentación y Orquestación Moderna”, estableció su reputación como maestro de la orquestación. El trabajo fue estudiado de cerca por Mahler y Strauss, y sirvió de base para un libro de texto posterior de Nikolai Rimsky-Korsakov, quien, como estudiante de música, asistió a los conciertos que Berlioz realizó en Moscú y San Petersburgo.

La música de Hector Berlioz se cita como extremadamente influyente en el desarrollo de la forma sinfónica, la instrumentación y la representación de ideas programáticas, características centrales del Romanticismo. Sus innovaciones en la música fueron atrevidas, y con frecuencia prefiguraron nuevos estilos y técnicas.

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Retrato de Hector Berlioz (1850). Autor: Gustave Courbet

Como Harold Schonberg escribió en “The Great Conductors”, “Ningún compositor antes de Berlioz, y con toda probabilidad ninguno después, ni siquiera Mahler, tuvo una visión tan pura del sonido y cómo conseguirlo. Se deleitó con nuevas combinaciones tonales, en la potencialidad de cada instrumento, en una especie de súper música interpretada por una súper orquesta”.

Murió en 1869 a la edad de 65 años. Sus últimas palabras aseguran que fueron: “Enfin, on va jouer ma musique” – “Por fin, ahora tocarán mi música”. Está enterrado en el Cementerio de Montmartre.

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Actos de la celebración del 150º aniversario de la muerte de Hector Berlioz. http://berlioz150.org/

Symphony Fantastique Op.14

La Damnation de Faust, légende dramatique op. 24

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