Lucho Gatica (1928/2018). Adiós al Rey del Bolero

Fallece cantante y actor chileno Lucho Gatica

A principios de 1950, un joven cantante llamado Lucho Gatica, se puso muy nervioso frente a un micrófono en el estudio de grabación de Odeon en Santiago de Chile. Había alcanzado una modesta popularidad como cantante de folk, pero ahora, para esta sesión de grabación, los productores acordaron dejar que probara los boleros más orientados al pop. La sesión produjo varias canciones que conmovieron a todos los presentes en el estudio. Sabían que algo muy especial había ocurrido ese día …

De hecho, cuando las grabaciones llegaron a las emisoras de radio en Chile y el resto de América Latina, causaron un impacto popular enorme. Prácticamente de la noche al día, Lucho Gatica se había convertido en un ídolo para millones de personas en todo el continente. La interpretación de los boleros de Lucho ha influido en cada vocalista de habla hispana desde entonces.

Esta semana Lucho nos ha dejado. Setenta años de carrera que han sido la banda sonora de varias generaciones. Todo hemos partido en su barca y su rejoj ha marcado nuestras horas. Queda el recuerdo y el homenaje a este chileno inmortal, que ayudo como poc@s a convertir el bolero en la expresión máxima de la canción romántica.

Lucho Gatica  con su esposa Mapita Cortés. Fotografía: Archivo Fundación Nacional para la Cultura Popular

Luis Enrique Gatica Silva, “Lucho Gatica”, nació el 11 de agosto de 1928 en Rancagua, un pueblo minero en el centro de Chile. Sus padres, José Agustín Gatica y Juana Silva, tuvieron otros cuatro hijos antes de Lucho y una hija después de él. El padre murió cuando Lucho tenía solo tres años y Juana tuvo que criar a sus seis hijos sola y con grandes dificultades económicas. Se mudaron a Santiago en 1945, donde se matriculó en el Instituto Alonso de Ercilla, pero dejó sus estudios para dedicarse a la música.

En 1949, realizó su primera grabación profesional, en la que cantó junto a su hermano Arturo. En 1951 graba “Me Importas Tú” que se convirtió en un mega éxito en América Latina, abriendo muchas puertas para Gatica. Éxito que encadenó con “Contigo en la Distancia” de 1952. Gatica grabó además una versión del “Bésame Mucho” de Consuelo Velázquez en 1953. En 1954 graba uno de sus grandes clásicos: “Sinceridad”.

Lucho cantó los boleros de una manera nueva y fresca. Había pasión y había calidez en su voz aterciopelada. De hecho, Lucho pudo hacer que la gente “sintiera” las letras de sus canciones como nadie lo había hecho antes. Desde entonces, Lucho Gatica se convirtió en un prolífico artista, que consiguió éxito tras éxito. “El Reloj”, “La Barca”, “Novia Mia”, “No Me Platiques” y otras cuarenta canciones más fueron éxitos en América Latina, España y Portugal rompiendo todos los récords de ventas anteriores y ganando para Lucho muchos Discos de oro.

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Lucho Gatica con Nat King Cole recibiendo sendos premios (1959). Fotografía: Otto Rothschild / Los Angeles Philharmonic Archives

Por razones estratégicas, Lucho decidió establecerse en México, donde Odeon tenía mejores instalaciones de grabación y distribución. Además, la prolífica industria cinematográfica mexicana quería contar con el. En 1956 apareció en cuatro películas cuyo principal reclamo era la frase mágica “con actuaciones musicales de Lucho Gatica”.

En aquella época, en todos los lugares donde Lucho actuó, hubo un auténtico pandemonium antes, durante y después de sus conciertos. Pero nunca pudo imaginar que su llegada a España en 1959 también pasaría a la historia.

5.000 fans lo esperaban en el aeropuerto de Barajas en Madrid. Sus actuaciones en España fueron eventos sociales que atrajeron a la realeza, políticos, estrellas de cine y jet set de toda Europa. Una de sus fans más devotas en España fue la actriz Ava Gardner, y aunque los periódicos hicieron alusión a un posible romance entre la estrella de cine y el joven Lucho, la relación se convirtió en una sólida amistad que duró muchos años.

Lucho Gatica descubriendo su estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood (2008). Fotografía: Cordon Press

Los logros de Lucho en esos primeros diez años de carrera lo seguirán durante los siguientes cuarenta años. Grabó durante los años 60, 70 y 80 y continuó actuando en todo el mundo, triunfando ante audiencias tan distantes como Oriente Medio y Japón. Para entonces, sus canciones se consideraban estándares y cada nueva generación de cantantes rendiría homenaje a su genio al grabar su material. En 1990, EMI-España lanzó un edición de 2 CDs con los mejores éxitos de Lucho, que acertadamente llamaron “Bolero es … Lucho Gatica” y, para sorpresa de todos, la colección comenzó a subir en las listas de ventas y alcanzó el puesto número uno. Terminó vendiendo más que Madonna, Michael Jackson y todos los artistas pop que previamente habían dominado las listas. 400,000 copias fueron vendidas en las dos  primeras semanas.

A pesar de su fallecimiento, el romance del público con Lucho Gatica nunca terminará. Fue y es el “Rey” y el público nunca se cansará de escuchar sus canciones. Lucho dijo una vez a un reportero de una revista que “mientras la gente se enamore, mis canciones serán populares”. El tiempo lo ha probado sin duda alguna.

El Reloj

La Barca

Yo Vendo unos Ojos Negros

Sinceridad

Contigo en la Distancia

Voy Apagar la Luz

Historia de un Amor

Javier Navas Quartet (16/Noviembre/2018)

16-11-2018

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Entrada libre, hasta completar aforo. Recoger invitación a partir de quince minutos antes de la actuación en taquilla.

El cuarteto liderado por Javier Navas supone una visita a un repertorio jazzístico auténtico y lleno de modernidad, agrupación donde el vibráfono de Javier se desenvuelve con mayores dosis de expresión y energía.

Desde el año 2014, Javier viene trabajando con una sección rítmica de contrastada calidad musical. Juan Galiardo (Jerry Bergonzi, Joe Magnarelli, Dick Oatts, Dave Santoro, Gregory Hutchinson) al piano. Bori Albero (Chano Domínguez, Lee Konitz, Dado Moroni, Barry Harris) al contrabajo. Y Dani Domínguez (Jorge Pardo, Chano Domínguez, Perico Sambeat, Kase.O) a la batería. El grupo ha creado un lenguaje propio a través de más de cien conciertos en estos años, interpretando un amplio repertorio bajo la autoría de Javier Navas; repertorio que se apuntala en 2016 con la llegada de Enrique Oliver al saxofón tenor para completar el front line, convirtiendo al cuarteto en un grupo heterogéneo de cinco miembros.

A través de giras de conciertos y sesiones diversas, todo este trabajo cristaliza de forma natural en la publicación del primer disco de la formación, “Finally in my Hands” (Ambar Records, 2016). Con una excelente recepción de crítica y público, este trabajo permite al grupo visitar gran parte de la geografía española, en más de cincuenta conciertos de presentación (Jamboree Jazz Club, Jimmy Glass, Recoletos Jazz Club, Festival de Invierno de Málaga, Elcercano, Filloa Jazz Club, Nova Jazz Cava) y giras por Aragón, Galicia, Cataluña o Andalucía.

Fruto de esta buena acogida, son seleccionados para la realización de una gira de nueve conciertos en el II Circuito Andajazz, donde los diferentes profesionales del jazz en Andalucía escogen a distintos proyectos para su presentación por toda la comunidad. Esta gira toca a su fin en noviembre de 2017, dando por concluida la etapa de “Finally in my Hands”.

El siguiente trabajo discográfico, “Fresh Start” (Autoedición, 2018) supone la consolidación definitiva de un lenguaje propio, de una voz personal, tanto en las composiciones como en el propio sonido del grupo. Meses antes de su grabación, el grupo es incluído en el programa AIE Artistas en Ruta para realizar una gira por España en otoño de 2018. Esta gira coincide con la presentación oficial de “Fresh Start” por todo el país, permitiendo al grupo realizar quince conciertos de presentación, incluyendo importantes locales y festivales de otoño (Festival OFF Jimmy Glass, Festival Jazz Abierto de Málaga, Festival Internacional de Jazz de Lugo, Ciclo 1906, Ciclo Auditorio La Bilbaína).

https://www.javiernavasmusic.com/

Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). La música de cristal

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Retrato de Tchaikovski, obra de 1906 de Nikolai Dmitriévich Kuznetsov

Pyotr Ilyich Tchaikovsky es considerado el compositor ruso más popular de la historia. Su música siempre ha tenido un gran atractivo para el público en general gracias al atractivo de sus melodías, sus impresionantes armonías y su colorida orquestación, todo lo cual provoca una profunda respuesta emocional a su obra. Este año se cumple el 125º aniversario de su muerte.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky nació el 7 de mayo de 1840 en Votkinsk, región de Vyatka, Rusia. Fue el segundo de seis hijos (cinco hermanos y una hermana). Su padre, Ilya Tchaikovsky, era un ejecutivo de una compañía minera. Su madre, llamada Aleksandra Assier, era de ascendencia rusa y francesa.

Tchaikovsky empezó a tocar el piano a la edad de 5 años. Era un niño sensible y emocional, y quedó profundamente traumatizado por la muerte de su madre de cólera, en 1854. En ese momento, fue enviado a un internado en San Petersburgo. Se graduó en la Escuela de Derecho de esa misma ciudad en 1859, luego trabajó durante 3 años en el Departamento de Justicia. Entre 1862 y 1865 estudió música bajo la tutela de Anton Rubinstein en el Conservatorio de San Petersburgo. Entre 1866 y 1878 fue profesor de teoría y armonía en el Conservatorio de Moscú. En ese momento se encontró con Franz Liszt y Hector Berlioz, quienes visitaron Rusia con giras de conciertos. Durante ese período, Tchaikovsky escribió su primer ballet “El Lago de los Cisnes”, la ópera “Eugene Onegin”, cuatro Sinfonías y el brillante Concierto para piano n° 1.

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 Tchaikovsky en su juventud

Cuando era joven, Tchaikovski sufrió experiencias personales muy traumáticas. Estaba sinceramente enamorado de una hermosa soprano, llamada Desiree Artot, pero su compromiso no se materializó y ella se casó con otro hombre. Una de sus alumnas, Antonina Ivanovna Milyukova, estudiante del Conservatorio de Moscú, le escribía cartas de amor de manera persistente. Amenazó con quitarse la vida si Tchaikovsky no se casaba con ella. Su breve matrimonio en el verano de 1877 duró solo unas pocas semanas y le causó una crisis nerviosa. Incluso hizo un intento de suicidio lanzándose a un río. En septiembre de 1877 Tchaikovsky se separó de Milyukova. Ella finalmente terminó en un manicomio, Donde pasó más de 20 años hasta su fallecimiento. Nunca se volvieron a ver. Aunque su matrimonio fue anulado legalmente, Tchaikovsky la apoyó financieramente hasta su muerte.

Quien fue especialmente capturada con la música de Tchaikovsky fue Nadezhda von Meck, la viuda adinerada de un magnate ferroviario ruso. Von Meck había encargado algunos trabajos menores a Tchaikovsky y comenzó una relación epistolar justo antes de su matrimonio. Tchaikovsky, a su vez, le había pedido préstamos para cubrir sus gastos. Von Meck sugirió pagar a Tchaikovsky un subsidio anual de 6.000 rublos, en cuotas mensuales, para evitarle la vergüenza de pedir futuros préstamos. Esto también permitiría a Tchaikovsky renunciar al Conservatorio de Moscú en octubre de 1878 y concentrarse principalmente en la composición.

La correspondencia entre Von Meck y Tchaikovsky llegaría a más de 1.200 cartas entre 1877 y 1890. Los detalles de estas cartas son extraordinarios para dos personas que nunca se conocerían, salvo dos encuentros casuales. Tchaikovsky también estaba más preparado para confiarle a su benefactora sobre algunas de sus angustias vitales, que fueron muchas, y sobre sus procesos creativos que a cualquier otra persona.

Nadezha von Meck

Después del final de su breve matrimonio, Tchaikovsky viajó por Europa, escribiendo obras como el Segundo Concierto para piano, la Serenata para cuerdas, sus tres primeras suites orquestales y las óperas “La Criada de Orleans” y “Mazeppa”. A partir de 1889 fue muy conocido internacionalmente y escribió obras maestras como “La Reina de Espadas”, “La Bella Durmiente”, “El Cascanueces” y la Sexta sinfonía (conocida como “Patética”).

El 2 de noviembre de 1893, después de una agradable cena, bebió un vaso de agua del grifo. Sus amigos quedaron horrorizados. ¿No sabía que era la temporada del cólera en San Petersburgo, que no se debía beber agua sin hervirla antes? Tchaikovsky, al parecer, no estaba preocupado. El hecho es que Tchaikovsky murió de cólera cuatro días después de beber el agua.

Tchaikovski personificó como pocos el alma romántica. Profundamente melancólica, su música permanece intemporal. La construcción sinfónica tradicional, que hace milagros en sus sinfonías, se alterna con formas más libres de creación musical. Su expresión a menudo nostálgica y lírica, convirtió a Tchaikovsky en uno de los maestros de la música de ballet, al cual dotó de una calidad musical desconocida hasta entonces. Entre la genialidad y la miseria, el compositor dejó páginas imborrables en la historia de la música.

El Lago de los Cisnes (Selección)

Sinfonía Nº 4

El Cascanueces

Sinfonía Nº 6 (Patética)

Concierto para Piano Nº 1

 

Quinteto O´Globo (08/Noviembre/2018)

08-11-2018

 20:15 H.
 Teatro el Albéitar ULE

Entrada libre, hasta completar aforo. Recoger invitación a partir de treinta minutos antes de la actuación en taquilla.

Formado en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en el año 2015, todos sus integrantes se forman tanto en la Escuela en sus distintos departamentos de instrumento, como en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, con los profesores Hansjorg Schellenberger, Radovan Vlatković, Klaus Thunemann y Gustavo Núñez.

Han realizado numerosos conciertos por toda España en ciudades como Barcelona, Palma de Mallorca, Segovia, Ávila, Ibiza, Santander y Madrid.
Durante los cursos 2016-17 y 2017-18 reciben el premio al grupo más sobresaliente de música de cámara de la Escuela Superior de Música Reina Sofía a manos de la Reina Doña Sofía.

Actualmente está formado por Gala Kossakowski (flauta), Inmaculada Veses (oboe), Natacha Correa (clarinete), Andrea Pérez (fagot) y Jessica Rueda (trompa).

https://www.facebook.com/quintetoOGlobo/

Genesis (Selling England by the Pound) 1973

La formación clásica de Genesis estaba en su nivel más alto musicalmente cuando publicaron en 1973 “Selling England by the Pound”. La banda tuvo una progresión constante desde principios de la década de los setenta. Lo que se puede encontrar en este soberbio trabajo es un clímax que fusiona el rock progresivo, un fondo abiertamente teatral con la influencia del folk inglés, todo ello coronado con un increíble virtuosismo instrumental. Sin duda es uno de los mejores álbumes de la historia del rock progresivo.

“Selling England”  podría describirse como una antología de cuentos, entretejidos pero separados. Contiene un montón de alusiones literarias (T.S. Eliot en “The Cinema Show”, Tolkien en “The Battle of Epping Forest”). El álbum llegó al tercer puesto en las listas del Reino Unido y ha sido descrito como “el álbum definitivo de Genesis”.

Aquí la música no está limitada por el dogma no escrito de los tres minutos, sino que las pistas se extienden durante largos períodos para contar historias con temas musicales recurrentes que a menudo regresan en diferentes formas. Las letras evocan imágenes en tu mente; son inteligentes, a veces divertidas y contienen esa especialidad de Gabriel que son los juegos de palabras.

NEW YORK - NOVEMBER 20: Rock group Genesis (L-R: Tony Banks, Phil Collins, Peter Gabriel, Mike Rutherford, Steve Hackett) pose for a portrait on November 20, 1973 in New York City, New York. GENESIS: SUM OF THE PARTS. Copyright: David Gahr/ GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_017.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_009.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_00 9.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_013.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_013.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_014.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_014.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_010.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_010.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_016.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_016.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_015.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_015.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_011.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_011.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_012.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.18.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_012.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_001.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_001.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_002.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_002.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_003.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_003.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_004.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_004.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_005.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_005.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_006.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_006.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_007.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_007.JPG GENESIS_SUMOFTHEPARTS_008.JPG GENESIS: SUM OF THE PARTS 09.12.2014 GENESIS_SUMOFTHEPARTS_008.JPG Terms of Use | Privacy Policy | Feedback © 2014 CBS Broadcasting Inc. All Rights Reserved NEW YORK - NOVEMBER 20: Rock group Genesis (L-R: Tony Banks, Phil Collins, Peter Gabriel, Mike Rutherford, Steve Hackett) pose for a portrait on November 20, 1973 in New York City, New York. GENESIS: SUM OF THE PARTS. Copyright: David Gahr

Genesis en 1973: Tony Banks, Phil Collins, Peter Gabriel, Mike Rutherford y Steve Hackett. Fotografía: David Gahr

El álbum está repleto de música que es insuperable. Todo suena, todo encaja, todo inspira. Aquí están todos esos ingredientes que hacen que el rock progresivo de principios de los setenta sea tan incomparable. En “Selling England by the Pound”, el ambiente y la atmósfera que se crea es tan variada, que te atrapa y te arrastra sin remedio.

Por encima de todo está la maravillosa instrumentación. La única palabra que se puede usar es majestuosa. Aquí hay magníficos músicos que crean las formas más increíbles, los solos son verdaderamente sensacionales. De Steve Hackett se puede decir que su forma de tocar va más allá del tradicional guitarrista, aquí hay un verdadero virtuoso. El trabajo de piano y teclado de Tony Banks también es igualmente espléndido. Phil Collins en la batería y el bajo de Mike Rutherford añaden mucho más que una simple base rítmica. Todo ello presidido por Peter Gabriel, que da rienda suelta a todo su genio tanto lírico como teatral.

“Selling England by the Pound” no es solo uno de los mejores álbumes del subgénero del rock progresivo, sino que trasciende a esa etiqueta y se ubica como uno de los mejores de todos los tiempos. Y cuando lo escuchas, no es difícil ver por qué. Es único, tiene un gran sonido, tiene canciones maravillosas y es todo por lo que una banda debería esforzarse cuando hace un álbum: recuperar todos los puntos fuertes de cada álbum anterior y perfeccionarlos. Y eso es lo que hace que este disco sea tan genial.

Enlace al Álbum Completo

 

Nino Rota (B.S.O. Romeo y Julieta) 50º Aniversario

De “Romeo y Julieta” siempre se dice que es la primera tragedia romántica escrita, pero en realidad no es una tragedia. Es un malentendido trágico. Romeo y Julieta no tienen defectos, y no tienen la edad suficiente para ser culpados de nada, solo son esclavos de su inocencia y de la inconsciencia de su amor. Mueren a causa de la pelea entre sus familias, los Montescos y los Capuletos. Al escribir la obra, Shakespeare comenzó a dar forma al drama moderno, en el que los destinos de la gente común son tan cruciales como los de los poderosos.

“Romeo y Julieta” ha sido filmada muchas veces de muchas maneras; Norma Shearer y Leslie Howard protagonizaron la primera versión de Hollywood en 1936. Renato Castellani dirigió en 1954 a Lawrence Harvey y Susan Shentall en una versión ajustada al texto original. Las transformaciones modernas incluyen “West Side Story” de Robert Wise (1961), que lleva el conflicto a la guerra de pandillas en Nueva York; “China Girl” de Abel Ferrara (1987), sobre un romance prohibido entre una niña de Chinatown y un niño de Little Italy, y “Romeo + Juliet” de Baz Luhrmann (1996), donde cuenta la historia de unos jóvenes enamorados en Verona Beach, en un intento de dar un nuevo marco modernizado a la historia. Pero es probable que la mejor versión cinematográfica siga siendo, y lo será durante muchos años, la producción de 1968 de Franco Zeffirelli.

Su decisión crucial, en una película donde casi todo fue bien, fue elegir actores que tuvieran la edad adecuada para interpretar a los personajes (como obviamente no lo eran Howard y Shearer). Después de una búsqueda internacional bien publicitada, Zeffirelli seleccionó, entre 500 aspirantes, a la maravillosa Olivia Hussey, una actriz anglo-argentina de 16 años, y Leonard Whiting, un británico de 17 años.

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Zeffirelli dirigiendo a Olivia Hussey y Leonard Whiting. Foto: Rex Shutterstock

Pero una parte muy importante del resultado final de la película, y del éxito y popularidad que consiguió, se debe a la memorable partitura compuesta por Nino Rota. La banda sonora original de la película, fue uno de los álbumes de cine más vendidos de la historia del cine.

El compositor italiano Nino Rota, más conocido por su prolífica composición de partituras de películas, también fue un estimable profesor de música y compositor clásico que trabajó en óperas, ballets, misas y piezas orquestales y de cámara. Aunque trabajó con una variedad de directores, fue más conocido por componer la música de las películas más memorables de Federico Fellini y Francis Ford Coppola.

Rota decoró el paisaje sonoro de la película con ecos renacentistas, instrumentos de la época, fanfarrias, danzas de aquel periodo como pavanas o zarabandas. Rota comprendió que Romeo y Julieta eran el canto por excelencia del amor romántico, que su música personificaba plenamente su anhelo, ardor y angustia. Su creación es ahora icónica, y ha pasado a la leyenda de la música cinematográfica. El tema del amor fue luego interpretado como una canción, “A Time For Us”, fue arreglado por Henry Mancini. Rápidamente se convirtió en una sensación, liderando las listas en 1969 durante dos semanas. Esto llevó a muchos a pensar que Mancini escribió la melodía, en lugar de Rota.

El compositor Nino Rota. Foto: Keystone / Hulton Archive / Getty Images

Del tema de amor del film se grabaron dos canciones. La versión de la película se titula “What is a Youth”, con letra de Eugene Walter y cantada por Glen Weston. Esta versión fue lanzada en la edición de la banda sonora original. La versión alternativa, se tituló “A Time for Us”, con letra de Larry Kusik y Eddie Snyder, sobre los arreglos de Henri Mancini. Esta fue grabada por Johnny Mathis y Andy Williams, entre otros.

El sello que publicó la banda sonora original, Capitol Records, posteriormente lanzó otros tres álbumes inspirados en la partitura original. La popularidad del primero de ellos, fue lo que llevó a Capitol Records a lanzar este conjunto de cuatro discos recogiendo todas las pistas vocales y musicales de la película.

La partitura de Nino Rota es simplemente arrebatadora. Hay una inocencia eterna en esta música. No hay ningún tipo de artificio en esta composición. Es simple, delicada y hermosa.

Romeo y Julieta (Edición en CD de Cloud Nine Records)

Suite con una selección de los temas de la banda sonora

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Henri Mancini (Love theme from ‘Romeo and Juliet’) 1969

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Glen Weston (What Is a Youth) 1968

Andy Williams (A Time For Us) 1969

Montserrat Caballé (1933-2018). Adiós a la última “Prima Donna”

Montserrat Caballé, durante una actuación en 1979 en Viena.

Fotografía: Agence France-Presse

20 de abril de 1965. Montserrat Caballé es llamada para sustituir a la entonces diva de la ópera Marilyn Horne, en el papel principal de “Lucrezia Borgia” de Donizetti, en una versión en concierto en el Carnegie Hall de Nueva York. El éxito es absoluto y el diario The New York Times enjuicia su actuación con este titular: “Callas + Tebaldi = Caballé”Comenzaba la leyenda de esta artista universal fallecida el pasado 6 de octubre en su Barcelona natal.

En su última entrevista concedida a la prensa, pocos días antes de su muerte, Philippe Caloni le preguntó a María Callas si, en su opinión, tenía alguna sucesora. Ella respondió afirmando inequívocamente: “solo a Montserrat Caballé”. En 1980, a Renata Tebaldi se le preguntó qué pensaba del estado del bel canto en todo el mundo. Su respuesta fue simple: solo queda una prima donna: Montserrat Caballé. Ese mismo año, Magda Olivero, una de las últimas grandes sopranos del verismo, dijo: “los cantantes debemos arrodillarnos y agradecer a Dios por una voz como la de Caballé”.

Las tres divas tenían razón: Montserrat Caballé es considerada como una de las más grandes cantantes en la historia de la ópera. Según los biógrafos Robert Pullen y Stephen Jay Taylor, su grandeza como artista se ha basado principalmente en sus cualidades vocales: una de las voces más bellas y versátiles de la historia, aliada a una técnica virtualmente impecable. Además, muy pocos cantantes en la historia de la ópera, pueden reclamar un repertorio tan amplio, que incluye virtualmente toda la gama  posible de papeles del espectro de la lírica. Montserrat Caballé aparecerá en los anales de la historia operística como la poseedora de la voz más hermosa de su época.

Montserrat Caballé en sus inicios en el Liceo. Fotografía: Gran Teatre del Liceu de Barcelona

María de Montserrat Bibiana Concepción Caballé Folch nació en Barcelona el 12 de abril de 1933. Era hija de Carlos Caballé i Borrás y de su esposa, Anna Folch. Conoció los horrores la la Guerra Civil Española. Cuando tenía cuatro años, fue bombardeada su casa. Su fortuna cambió cuando una familia adinerada le pagó siete años de estudios en el Liceo, el conservatorio que había dado su nombre al templo de la ópera de su ciudad. Allí ganó la medalla de oro en 1954.

Ella afirmó que le debía prácticamente todo lo que había logrado a dos devotas maestras, Eugenia Kemeny y Conchita Badia, esta última una notable soprano española. Kemeny, que a la vez era atleta y cantante, enseñó a la joven Montserrat los estrictos ejercicios de respiración que practicó a lo largo de su carrera. A estos maestros, al incansable apoyo de su hermano Carlos y a su indomable voluntad, ella debía la longevidad de su carrera.

En 1956 comenzó su largo peregrinaje hasta llegar a esa mítica fecha de 1965 que comentábamos al principio. Primero en la ópera de Basilea, comenzó con pequeños papeles y trabajó como camarera. Posteriormente se mudó a Bremen en 1959. donde ya ejecutó papeles protagonistas en obras como “La Traviata” o “Madame Butterfly”. También actuó en templos de la ópera como La Scala de Milán, pero en papeles pequeños.

Danny Kaye y Luciano Pavarotti besan a Montserrat Caballé en los camerinos de la Ópera de San Francisco, en 1978.

El actor Danny Kaye y Luciano Pavarotti besan a Montserrat Caballé en los camerinos de la Ópera de San Francisco, en 1978. Fotografía: Ira Nowinski (Corbis / VCG – Getty Images)

A partir de su aclamada actuación esa mítica noche de abril de 1965, que además supuso su debut en Estados Unidos. “Cuando Caballé comenzó su primer aria, hubo un cambio perceptible en la atmósfera”, escribió el crítico John Gruen en el New York Herald Tribune . “Parecía por un momento que todos habían dejado de respirar”.

Caballé asumió la mayoría de los papeles principales para sopranos, incluyendo “Tosca” de Puccini, Mimi en “La Boheme”, también de Puccini , Violetta en “La Traviata” de Verdi y su favorita, “Salome” de Richard Strauss.

Pero si en algo destacó Montserrat Caballé, era en afrontar propuestas más arriesgadas y no encasillarse, ni conformarse con cantar siempre el mismo repertorio. Aunque su faceta más conocida son las obras del bel canto italiano del siglo XIX, incluyendo obras de compositores como Bellini, Donizetti y Puccini. Caballé también estaba cómoda con la música del siglo XVIII de Handel y Mozart; las óperas alemanas de Richard Wagner y Richard Strauss; y obras del siglo XX de Stravinsky, Prokofiev y Berg.

Montserrat Caballé, entre las ruinas del Gran Teatro del Liceo, devastado por un incendio, durante la grabación del programa 'Informe Semanal' de TVE, en 1994. Para la historia han quedado imágenes como las lágrimas de la artista ante el teatro del Liceo, la que fue su segunda casa, convertido en cenizas, y en cuya reconstrucción se implicó de forma personal.

Montserrat Caballé, entre las ruinas del Gran Teatro del Liceo, devastado por un incendio en 1994. Fotografía: EFE / TVE

En conciertos y recitales, Caballé amplió su repertorio para incluir canciones populares,  y, ocasionalmente, duetos con otros cantantes, incluido su esposo, el tenor Bernabé Martí.

Uno de sus compañeros de canto más improbables fue Freddie Mercury, el carismático vocalista de Queen, que idolatraba a Caballé y asistía a menudo a sus actuaciones. Su álbum de 1988, “Barcelona”,  fue uno de los últimos éxitos de Mercury antes de su muerte en 1991. Durante los años posteriores, Caballé lució una cinta roja en sus conciertos para mostrar su apoyo a la investigación sobre el SIDA.

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Freddie Mercury y Montserrat Caballé en las sesiones de grabación de “Barcelona” 

Montserrat Caballé ha sido la última “Prima Donna” en todos los sentidos del término. Ella encarnaba lo que significaba ser una estrella de la ópera: era temperamental, teatral, imperiosa y, sobre todo, profundamente musical.

Amplia selección de sus mejores interpretaciones

Geoff Emerick (1945-2018). El artesano que moldeó el sonido de The Beatles

La imagen puede contener: 2 personas, personas sentadas, mesa e interior

Geoff Emerick y Paul McCartney (17/Mayo/1967). Fotografía: Beatles Book Photo Library 

Aunque a George Martin generalmente se le atribuye la creación del sonido de The Beatles, los ingenieros de sonido de Abbey Road fueron clave para ayudar al grupo a realizar sus visiones. Podría decirse que ninguno fue tan influyente y crucial como Geoff Emerick, quien trabajó con The Beatles entre 1966 y 1969. Emerick falleció el pasado día 2 de octubre.

Incluso si Geoff Emerick, quien murió después de un ataque cardíaco a los 72 años, nunca hubiera grabado una nota con los Beatles, su lista de créditos como ingeniero y productor sería impresionante. Desde Art Garfunkel, Elvis Costello, Supertramp y Ultravox hasta Big Country, Mahavishnu Orchestra y Jeff Beck. Incluso diseñó la cinta de demostración de Kate Bush (producida por David Gilmour de Pink Floyd) que le aseguró un contrato de grabación con EMI.

Emerick nació en Londres el 5 de diciembre de 1945 y se unió a la discográfica EMI a la edad de 15 años. Participó en la primera sesión en EMI de The Beatles, el 6 de junio de 1962, en su primera semana de trabajo. Ayudó en varias sesiones de “Please, Please Me”, “With The Beatles” y “A Hard Day’s Night”.

REINO UNIDO - 01 DE ENERO: ABBEY RD STUDIOS Foto de George MARTIN y Geoff EMERICK, George Martin (productor de los Beatles) y Geoff Emerick (ingeniero de sonido del estudio de los Beatles de 1966 a 1970), posados ​​en una mesa de mezclas en Abbey Road Studios (Foto de Phil Dent / Redferns)

George Martin y Geoff Emerick en Abbey Road (1995). Foto: Phil Dent / Getty Images.

En abril de 1966, a la edad de 20 años, Emerick fue ascendido a ingeniero en la primera sesión de “Revolver”. La primera canción que se grabó fue “Tomorrow Never Knows”. Emerick lo recordaba así: “El gerente del estudio me llamó a su oficina y me preguntó si me gustaría ser el ingeniero de The Beatles. ¡Eso me cogió un poco por sorpresa! De hecho me aterrorizó. Recuerdo haber jugado un juego mentalmente, ¿debo decir que sí? ¿debo decir que no? La responsabilidad era enorme, pero dije que sí, pensando que aceptaría los golpes cuando llegasen”.

El hecho de que se pudiera enfrentar al desafío de esta extraordinaria pista (superándolo con nota) y su mezcla de psicodelia y ritmos orientales (incluida la famosa solicitud de John Lennon para que su voz sonara como “miles de monjes tibetanos cantando en la cima de una montaña”) fue una señal muy clara para su futuro con los Fab Four.

“El papel del ingeniero cambió con “Tomorrow Never Knows”. Ya no estaba allí solo para capturar el sonido. Ahora estaba creándolo”.

A lo largo de los años, llevó la tecnología del estudio a sus límites, inventando nuevas técnicas para manipular y combinar sonidos con la tecnología tan limitada disponible en los años sesenta.

Brian Epstein (izquierda), George Martin y Geoff Emerick (derecha) en la cabina de control en EMI Studios durante la transmisión de “Our World”. Foto: Associated Press

Pero sus experimentos no siempre tuvieron la debida aprobación. El truco de colocar los micrófonos justo al lado de la batería para capturar la energía y la inmediatez de la interpretación de Ringo Starr, lo metió en problemas con los altos mandos de Abbey Road “Recibí una carta que decía que estaba dañando los micrófonos porque la presión del aire del bombo estaba destruyendo las cápsulas del micrófono”, dijo a la estación de radio estadounidense NPR en 1987. “Pero me dieron un permiso especial para usar esa técnica con The Beatles”.

Trabajando en estrecha colaboración con el productor George Martin, Emerick fue el encargado de las incursiones más aventureras de los Beatles: “Revolver”(1966), “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967) y “Abbey Road” (1969), así como gran parte de “Magical Mystery Tour” ( 1967) y del Álbum Blanco (1968). Además, Emerick diseñó la transmisión televisiva mundial en vivo de “All You Need Is Love” en junio de 1967 (la primera vez que se intentaba semejante hazaña) y lo que muchos llaman el mejor single de doble cara jamás lanzado: “Penny Lane” / “Strawberry Fields Forever” (1967). Su innovador enfoque como ingeniero de sonido le valió cuatro premios Grammy.

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The Beatles (Tomorrow Never Knows) 1966

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The Beatles (A Day in the Life) 1967

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Wings (Band on the Run) 1973

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Supertramp (Give a Little Bit) 1977

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Paul McCartney (Tug of War) 1982

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Ultravox (Hymn) 1982

 

 

The Tibbs (18/Octubre/2014)

18-10-2018

 21 horas
 Centro Cultural Unicaja Banco. C/ Santa Nonia 4 – León

ENTRADAS   (6 €):   a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50%  de descuento: miembros la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Discípulos del Northern Soul y verdaderos conocedores de los fundamentos del Funk. The Tibbs son sin duda una de las mejores bandas de la escena retro Soul europea.

Echar un vistazo a su discografía da buena cuenta de ello. En 2014, tan solo dos años después de su formación, los de Ámsterdam publican su primer single en el sello Tramp Records. “Footprints in the Sand” se convierte así en su primera referencia editada.

Ese mismo año el grupo publica una demo a la que le seguirá en 2016 su fichaje por Record Kicks. El prestigioso sello italiano, que ya cuenta entre sus filas con artistas como Hannah Williams o Calibro 35, lanza al mercado “Takin´Over”, exitoso primer Lp que servirá para que la prensa especializada acabe comparando la voz de Elsa Bekmancon la de Janis Joplin. Y es que escuchar a la cantante de The Tibbs nos lleva a acordarnos de su poderosa voz pero también de la de su admirada Beth Hart.

Al igual que ellas, The Tibbs, con su apasionada frontwoman al frente, son animales del
escenario: organo Hammond, trompeta, saxo y saxo barítono repletos de Groove, regalando canciones como “Lies”, avance del nuevo larga duración que van a estar presentando en directo.

Video “Next Time” http://bit.ly/2GvWaJv

Video “Lies” http://bit.ly/2BEF3Bz

Video “Wild Way (Live)” http://bit.ly/2Eoybv7

Video “Washed My Hands (Live)” http://bit.ly/2rQBOaJ

Web http://thetibbs.nl