Archivo por meses: octubre 2015

Nacimiento de Grace Slick (30/10/1939)

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Hace 76 años nacía en Evanston, Illinois (Estados Unidos), la artista Grace Barnett Wing, más conocida como Grace Slick. Una de las voces más emblemáticas del rock en general y del psicodélico en particular, figura del movimiento hippie en los años sesenta. Formó parte de las bandas The Great Society, Jefferson Airplane, Jefferson Starship y Starship. También es artista plástica, actividad a la que se ha dedicado desde que abandonó el mundo de la música a finales de los años ochenta.

La hinóptica Grace Slick, una de las mujeres más fascinantes de la historia del rock, auténtica musa de la psicodelia, fue una de las pioneras del rock femenino, inspiración para su amiga Janis Joplin o mujeres tan diversas como Stevie Nicks o Patti Smith.

Su carrera musical comenzó en 1965, cuando con su marido de entonces, Jerry Slick, quién era director de cine, junto a otros amigos formaría el grupo The Great Society. Grace era admiradora del trabajo de la banda Jefferson Airplane y cuando en 1966 pierden a su vocalista, asume su lugar.

Una suerte para el rock, ya que su fuerte e inconfundible voz quedó inmortalizada en canciones como «Somebody to Love» y «White Rabbit», de la cual también fue autora. El álbum «Surrealistic Pillow», publicado en 1967, es un disco fundamental para entender lo que supuso esa explosión creativa culminada en el año 1967 denominada psicodelia, centrada sobre todo en el área de San Francisco.

Precisamente allí surgió el llamado «Verano del Amor», que en principio fue un festival y concentración hippie, donde se reunieron varios de cientos de miles de personas para celebrar el nacimiento de esa entonces nueva contracultura.

White Rabbit tuvo un éxito inusitado, encontrándose hasta hoy en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Ésta hacía alusión a los libros de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas y Alicia a través del espejo, y los efectos del LSD, cuyo consumo fue uno de los signos distintivos de aquel movimiento.

Desde sus inicios, Grace Slick se convirtió en un ícono de la escena del rock y su gran personalidad le permitió decir y hacer cualquier cosa. Grace expresó sus ideas políticas, como el apoyo a Las Panteras Negras, su oposición a la censura y a la guerra de Vietnam y su aguda crítica a la moral en la sociedad.

Después de algunos años de éxito, Jefferson Airplane se separó en 1972, convirtiéndose sucesivamente en Jefferson Starship y después simplemente en Starship. Nueva formación y en un nuevo contexto social, pero tal vez con canciones más olvidables, que habían perdido la magia de antaño y su capacidad de experimentación, derivando a un rock con un perfil más plano. También inició una carrera en solitario con discos muy interesantes, hasta su retirada a finales de los ochenta.

Grace Slick en la actualidad

Jefferson Airplane (White Rabbit) 1967

Jefferson Airplane (Somebody To Love) 1967

Grace Slick (Full Moon Man) 1980

Guadiana y Diego del Morao (30/10/2015)

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Viernes, 30 octubre, 2015 – 21:00
Teatro el Albéitar ULE

ENTRADAS: 50%  DE  DESCUENTO:    MIEMBROS   DE   LA COMUNIDAD UNIVERSITARIA   PREVIA PRESENTACIÓN   DEL  CARNET   UNIVERSITARIO Y DNI

VENTA ANTICIPADA  (10 €) en: Cafetería San Francisco, Cafetería Casa Rula, Cafetería Azaila 1930, Discos Maci 3

VENTA TAQUILLA (15 €): 2 HORAS ANTES DEL ESPECTÁCULO

RAÍCES DE MI TIERRA

Antonio Suárez Salazar, Guadiana, nace en Badajoz en 1955. Pertenece a una de las más prestigiosas familias del flamenco: la saga cantaora extremeña de los Porrina. Es hermano de Ramón el Portugués, sobrino de Porrina de Badajoz, primo de La Negra y Juan Salazar.

Tenía apenas diecisiete años cuando debutó en el tablao madrileño Café de Chinitas. Durante los ochenta trabajó en tablaos como Torres Bermejas y Los Canasteros.

Es uno de los cantaores más solicitados para acompañar al baile: El Güito, La Tati, Javier Barón, La Tolea y, más recientemente, Merche Esmeralda y Antonio Canales. Su colaboración también ha sido requerida para espectáculos internacionales de cantaores como Enrique Morente o guitarristas como Pepe Habichuela, quien incluye un cante suyo en el disco Yerbagüena (Nuevos Medios, 2001).

El cantaor pacense grabó Cuando el río suena, su primer disco, en 1999, y Brillo de Luna, en mayo de 2002.

También está abierto a nuevas experiencias musicales, como demuestra su participación en Chanson Flamenca, proyecto en el que un nutrido elenco de cantaores flamenquiza la canción francesa.

En 2004 actúa en Pirineo Sur ( XIII Festival Internacional de las Culturas), en la obra Carmen-Carmela de Antonio Canales y colaboró en el disco de Paco de Lucía Cositas Buenas.

En 2005 colabora en el disco del Tomate Agua Dulce.

Como compositor su trabajo también ha sido reconocido por sus compañeros de profesión, especialmente por Antonio Canales, para quien ha escrito la música de muchos de sus espectáculos. Compuso temas de éxito que se alejan de los estilos tradicionales, entre ellos alguno de Pata Negra.

En 2012 publica Sonakai disco en el que cuenta con la participación de grandes del flamenco como Enrique de Melchor y Tomatito.

Jaleo (2014) es su último trabajo discográfico, en el que aparece con dos temas propios su hermano Ramón.

Diego Moreno Jiménez  mas Conocido como Diego del Morao nació en Jerez de la Frontera en 1979 y su afición a la guitarra le llega por vía paterna, pues su progenitor es Moraíto Chico Diego, sin embargo, aunque es un gran seguidor de la escuela familiar de los Morao, es el miembro de la saga más destacado técnica y armónicamente Ha acompañado a un gran número de figuras pese a su juventud y en los últimos tiempos es el guitarrista habitual de Tomasa La Macanita

Profesionalmente se estrenó acompañando  Y, poco a poco, se ha convertido en uno de los guitarristas más solicitados para el acompañamiento al cante,de la mano de  La Macanita, José Mercé,  Diego Cigala, Niña Pastori, Diego Carrasco han sido los artistas que con más frecuencia han solicitado sus «servicios» en sus giras

El año crucial en su carrera ha sido 2004, al participar en la grabación y los directos de discos como «Confí de fuá» de José Mercé, «No hay quinto malo» de Niña Pastori y «La Rosa Blanca» de Montse Cortés

El propio Paco de Lucía ha contado con él para producir el disco de la joven cantaora La Tana,publicado en 2005 Desde entonces ha publicado varios discos en solitario , con su ultimo trabajo Orate revoluciona al mundo flamenco por su estilo de trasmitir y su sonikete , Diego del Morao esta como unos de los mejores Guitarristas del selecto mundo del Flamenco .

Fallece Gloria Van Aerssen (Vainica Doble) 22/10/2015

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Gloria van Aerssen - Vainica doble

Ayer conocimos la triste noticia de la muerte de Gloria Van Aerssen, mitad superviviente del dúo Vainica Doble; la otra componente, Carmen Santonja,  murió en el año 2000.

Hablar de Vainica Doble es hablar de una explosión de creatividad, sensibilidad, una visión totalmente iconoclasta de la vida, de unas letras audaces y personales. Lo podemos considerar, sin exageración alguna, el grupo de culto por excelencia de la música popular española, que influenció y mucho a bandas de la «movida» y del «indie» español.

Con motivo de los últimos días de Gloria Van Aerssen, sus cuatro hijos le escribieron un emocionado y emocionante texto de despedida, que se reproduce en su integridad, nadie mejor que ellos para conocer y homenajear a esta gran mujer:

“Estos últimos días de espera, como todos los hermanos hacen cuando el final de su madre está cerca, hemos estado recordando.

De repente te ves de pequeño, llegando a casa del colegio, entrar corriendo en el salón, mamá y la tía Mari Carmen con sus guitarras o al piano, el maravilloso Stainway de cola herencia de la tía Albertina, las dos componiendo los temas del primer LP y contándonos la historia de una ballena azul, de una niña llamada Mari Luz… Y paraban para merendar con nosotros en la cocina, pan y mantequilla, leche o té.

Y luego las fiestas en casa con su pandilla de amigos tan divertidos, para nosotros como si fueran de la familia. Con el tiempo supimos que esa familia de amigos hacía cosas maravillosas en el cine, la pintura, la música, el baile.

Todo empezó cuando conoció a la tía Mari Carmen en una parada de autobús. Estaba silbando Tanhauser y nuestra madre se acercó y se unió a ella silbando una segunda voz, y a partir de ese momento se hicieron inseparables, y más adelante formarían Vainica Doble.

Por aquel entonces nuestra madre estudiaba Bellas Artes, entró muy joven en la escuela de San Fernando con trece o catorce años. También bailaba y salía de gira internacional con la compañía de Pilar López, de la que su hermano era primer bailarín. Dejó de bailar cuando conoció a nuestro padre, un hombre con un sentido del humor maravilloso, muy divertido y pintor de gran talento.

A nuestra madre le gustaban muchas cosas que siempre compartía con nosotros. Veíamos películas de los hermanos Marx, de Lubitch, o de Billy Wilder; hacíamos tartas y galletas, nos enseñaba a Fra Angélico, Mantegna o Vermeer. Nos contagió su amor por los libros y siempre había cerca alguno de Conrad, Tolstoi o Galdós. Por supuesto la música fue su gran pasión, Bach, Schumann, Brahms, Falla, Stravinsky, los Rolling, Beatles, Traffic, Who…

Todo este batiburrillo, toda esta mezcla parecía y era natural. Nos enseñó a mirar y a escuchar con atención, a descubrir lo maravilloso en lo cotidiano, a rodearnos de belleza.

No le importaba que anduviésemos pisando charcos y llegáramos a casa llenos de barro. Todo este amor por las artes y las cosas bonitas de la vida nos las transmitió, y nosotros a nuestros hijos, sus queridos nietos, Clara, María, Juan, Paloma, Lola, Gonzalo e Ignacio.

Hemos aprendido que la música, la pintura, el cine, etc. te ayudan a disfrutar los buenos momentos y superar los malos. Nos ayudarán ahora a decir adiós a las meriendas, a los paseos, a las partidas de gin rummy, a los gin tónics, a las conversaciones disparatadas.

Siempre nos dijo que quería morir comida por un oso polar, tal y como hacían los esquimales en Los dientes del diablo. No hemos conseguido encontrar un oso, pero sí un hospital en medio de un bosque en Cercedilla, donde ha sido tratada con mucho cariño, y la han ayudado a morir sin sufrimiento.

‘…..era una noche obscura y tormentosa….’”

Ignacio, Laura, Álvaro y Diego de Cárdenas Van Aerssen-Beyeren.

Vainica Doble (Caramelo de Limón) 1971

Los Módulos

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El pasado día 11 de octubre falleció a los 69 años de edad Juan Antonio García Reyzábal, batería y violinista del grupo Los Módulos, este triste acontecimiento me da la oportunidad de realizar una semblanza de este mítico grupo, reivindicar su legado y que sirva de homenaje póstumo a este gran músico que se nos ha ido.

Los Módulos, quizás el último gran grupo surgido en España al final de la década de los sesenta junto con Los Iberos, tuvo su origen en 1968, cuando el guitarrista y vocalista Pepe Robles, que había sido bajista en otra banda, Los Ángeles, recibe la oferta del productor Rafael Trabucchelli para grabar en solitario. Robles, sin embargo, prefiere dar forma a un grupo, el productor acepta y de este modo nace Módulos, una formación orientada hacia el rock progresivo y sinfónico con ribetes pop, que vivirá su momento de mayor popularidad en 1970 con su primer disco, “Realidad”, y con la canción de Reyzábal y Robles «Todo Tiene su Fin».

Rafael Trabuchelli, productor estrella de Hispavox, apuesta desde el primer momento por el proyecto y proporciona un local de ensayo en los sótanos del mismo edificio Hispavox. Para febrero de 1969, Los Módulos comienzan sus maratonianos ensayos (hasta ocho horas diarias), conformado como un cuarteto con Tomás Bohórquez (órgano Hammond y piano), Emilio Bueno (bajo), Juan Antonio García Reyzábal (batería y violín eléctrico) y el propio Pepe Robles (guitarra y voz).

Poco antes del verano de 1969 aparece su primer single «Ya no me Quieres», con letra de Reyzábal y música de Robles. El disco se vende bastante bien y está varias semanas en las listas de los más vendidos. A raíz de este éxito, Hispavox les firma un contrato por cuatro LPs en cuatro años consecutivos.

Tras el verano se meten en el estudio de grabación para lo que será su primer larga duración. En una las últimas sesiones de grabación, Reyzábal aparece con ocho compases de una melodía. Trabuchelli les apremia a terminar el trabajo, ya que el LP queda algo corto de minutaje y el grupo desarrolla rápidamente aquel apunte melódico. De ahí surgirá su tema estrella, con el que serán recordados para siempre, «Todo Tiene su Fin».

Hispavox aprovecha el momento cumbre del single para lanzar en 1970 «Realidad», un excelente trabajo que incluye siete temas propios y dos versiones de Los Beatles.

En 1971 se edita el LP «Variaciones» en la línea del anterior, con instrumentaciones parecidas aunque con menos frescura. Este disco contiene una joya: “Solo tú”, que será editada en single. Dicha canción vuelve a colocar a Módulos arriba en las listas y propicia para el grupo un segundo verano cargado de galas por toda España.

En los primeros meses de 1972 graban el LP «Plenitud». Aquí surgen las primeras discrepancias con la discográfica, cuando el grupo quiere aproximar su música a las grandes bandas de Rock Progresivo de la época (Yes, King Crimson, Genesis), pero la compañía quiere continuar con lo hecho hasta entonces primando la comercialidad. El LP, un tanto incomprendido, se vende poco; sin embargo, el single «No Quiero Pensar en ese Amor» escala los primeros puestos de las listas y está entre los más vendidos de aquel verano.

A partir de 1973 empieza la decadencia del grupo. En un accidente de tráfico, Robles está a punto de morir y su recuperación se prolonga durante meses; esto supone un parón para el grupo, que cuando tienen que grabar su 4º LP, por obligación contractual con Hispavox, resulta su trabajo más flojo, derivando a un Pop más ligero, lejos de los desarrollos instrumentales del pasado. El disco es un fracaso y será el último larga duración hasta que graben en 1978 «Módulos», un disco autoproducido por ellos, quizás el más personal, que no tuvo la acogida que se merecía.

De todas formas hubo cambio de integrantes entre medias, en 1974 se marcha Juan Reyzábal y en 1976 lo hace el bajista Emilio Bueno. En 1979 se produce la disolución del grupo.

¿Qué queda de Los Módulos a día de hoy?, el recuerdo de su gran éxito «Todo Tiene su Fin», y un total olvido del resto de su fructífera carrera, la cual modestamente he querido recordar y homenajear.

Todo Tiene su Fin (1969)

Solo Tu (1971)

Tú Eres tu Mundo (1974)

Perdido en mis recuerdos (1975)

Manuel Valencia (22/10/2015) / Aira da Pedra (23/10/2015)

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MANUEL VALENCIA

Guitarra Flamenca
jueves, 22 octubre, 2015 – 21:00
Teatro el Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de media hora antes del recital en la taquilla del teatro.

Manuel Valencia creció con una guitarra bajo el brazo. Espejos siempre tuvopero su más firme instructor fue, sin duda, su tío Fernando Terremoto. Él fue el encargado de hacer emerger en Manuel un amor y una dedicación a este instrumento fuera de toda lógica.

Su carrera acaba de comenzar pero ya acumula una experiencia a tener en cuenta a nivel nacional e internacional que lo posiciona como una de las realidades más notorias del panorama flamenco actual. Muchos artistas de reconocida trayectoria como Vicente Soto ‘Sordera’, Manuel Agujetas,Pansequito, Tomasa ‘La Macanita’, Juana del Pipa, el propio Fernando Terremoto, Jesús Méndez o David Lagos, han requerido su toque y compás para arroparles al cante.

Además, este joven guitarrista ha experimentado su toque acompañando para baile a la bailaora jerezana María del Mar Moreno y a la malagueña Rocío Molina (Premio Nacional de Danza 2010).

Como solista, debutó en el año 2010 en el Festival de Jerez, cosechando un valioso éxito. También ha tocado en los escenarios del Festival Enclave de Sol de Trebujena, Jueves Flamencos de Cádiz, Viernes Flamencos de Jerez, Festival de Mont de Marsan o la Fiesta de la Bulería de Jerez.

Recientemente ha sido galardonado con el premio de la ‘Venecia Flamenca al Toque’ por el Festival Flamenco de la Mistela ‘atendiendo a los méritos que concurren en su persona, en lo referente a la creatividad, interpretación, aportación de nuevas formas expresivas que casan tradición y contemporaneidad así como a sus cualidades personales de seriedad profesional, estudio y aprendizaje permanente junto a los grandes maestros, como viene demostrando en su carrera profesional’. Por otro lado, la Bienal de Sevilla, en su reciente edición de 2014, ha querido contar en su escenario de Santa Clara con un recital en solitario de esta joven promesa, formando parte del homenaje que se rindió a la guitarra en recuerdo a Paco de Lucía. Tras a celebración de dicho recital, se le ha galardonado con el Giraldillo Revelación ‘por sus originales aportaciones al toque tradicional’.

Manuel Valencia actúa acompañado por David Carpio (voz) y Ángel Sánchez «Cepillo» (percusión).

AIRA DA PEDRA

CELTA
viernes, 23 octubre, 2015 – 21:00
Teatro el Albéitar ULE

ENTRADAS   (8 €):   A  PARTIR   DE   UNA   HORA   ANTES  DEL  CONCIERTO  EN  LA  TAQUILLA  DEL  TEATRO.  50%  DE  DESCUENTO:    MIEMBROS   DE   LA  COMUNIDAD   UNIVERSITARIA   PREVIA  PRESENTACIÓN   DEL  CARNET   UNIVERSITARIO  Y DNI

“Salimos a la calle para expresarnos, para decir lo que llevamos dentro. Hoy y siempre, la música acompaña lo lúdico y lo reivindicativo, lo emocional, lo creativo”.

Aira da Pedra cumple 18 años sacando su cuarto disco, “ A la Calle”, donde está la gente, a quienes va dirigido este nuevo álbum. Una nueva mixtura de temas tradicionales de la región del Bierzo y de composiciones propias. Nuevos temas  con los que el grupo continua su camino musical,  jugando con  ritmos, armonías y timbres diversos que conjugan un disco variado, divertido y emocionante. Este ha sido el primer disco que el grupo graba con sus propios medios, en el Bierzo, en casa, sin prisas, algo tan importante en la creación artística. Todo ello, unido al excelente trabajo de producción de Isaac Palacín y de  masterización de Pancho Súarez, ha desembocado, sin duda alguna, en el mejor trabajo discográfico de Aira da Pedra.

Nacimiento de John Entwistle (09/10/1944)

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¿El mejor bajista de la historia?, se puede decir que es una opinión practicamente unánime al respecto; personalmente creo que es así, no ha habido un bajista más influyente, imitado y que hiciera evolucionar más el instrumento que el; junto con Keith Moon como miembros de The Who, formaron la mejor sección rítmica de la historia del rock.

En 1964 Rogel Daltrey invitó a John a formar parte de su banda, The Detours, posteriormente este recomendó la incorporación de Pete Townsend, amigo de la infancia de John, como guitarrista; con la posterior llegada del batería Keith Moon, se completo la formación de la banda, posteriormente se cambiaron el nombre por The Who y ahí empezó la andadura de uno de los grupos clave en la historia del rock británico y mundial.

Tenía dos apodos: The Ox (El buey), el más famoso, por su semblante impasible en escena; y Thunderfingers (Dedos de trueno), por la fuerza y agilidad de sus dedos tocando el bajo.

Esta característica propia de John, su figura completamente estática en el escenario frente a la explosividad en escena de los otros miembros de la banda, el lo contrarrestaba con una impavidez total, pero a cambio estaba interpretando las lineas de bajo más creativas que se han hecho jamas.

Los expertos dicen que en los discos no se mostraba tanto este estilo único de tocar el bajo, a diferencia de lo que ocurría en los conciertos. En este sentido, vale la pena escuchar “Live At Leeds” (1970), para muchos el mejor álbum de rock en vivo de todos los tiempos, para notar que Entwistle era un virtuoso.

Las transiciones casi perfectas entre el uso de los dedos y los diferentes niveles de presión hacia las cuerdas hacían que, más que un soporte rítmico, el bajo de John fuera casi como un teclado. John Entwistle no sólo toca el bajo de forma convencional, sino que a ratos en vez de pulsar las cuerdas, las teclea como si tocara un piano, lo que denota su amplia formación instrumental, pero también una vocación para buscar nuevas sonoridades.

Otro aspecto a resaltar es que sus habilidades musicales no se centraban solo en el bajo, era un más que competente trompetista, y en su habilidad como dibujante, centrando esta faceta en retratos y caricaturas de otras figuras del rock. La portada del Disco «The Who by Numbers» de 1975, es obra suya.

Desde 1971, y viendo que no todo lo que componía podía acabar en el grupo, empezó a grabar en solitario, fue el primero en hacerlo, en paralelo a The Who. Murió en el año 2002, en Las Vegas, como consecuencia de un ataque al corazón.

 Solo de John Entwistle (Royal Albert Hall) 2000, enlace al vídeo.

María del Mar Bonet (L’Águila Negra) 1981

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María del Mar Bonet i Verdaguer (Palma de Mallorca, 27 de abril de 1947), es una cantante y compositora española en lengua catalana, con una larga trayectoria de investigación en las músicas populares de las islas Baleares, Cataluña, y de todo el entorno mediterráneo.

Estudió cerámica en la escuela palmesana de artes y oficios y en la Massana, pero acabó dedicándose a la canción. Trasladándose en el año 1967 a Barcelona; en sus comienzos fue miembro de Els Setze Jutges y colaboradora de El Grup de Folk, dos formas diferentes de entender la música. Así, María del Mar dejaba claro un rasgo que le acompaña hasta hoy: su independencia. Ha flirteado con el rock, el jazz, la balada… pero su eterno amor es el folklore mallorquín, y por extensión el del mediterráneo. Mujer de sólida coherencia, que pone al día la música popular sin necesidad de electrificarla o hacer concesiones a la moda, ha ganado profundidad en su voz e interpretación con el paso del tiempo. Cantando siempre en catalán, ha actuado con éxito por casi todo el mundo.

Su primer LP, sin título específico, se editó en 1970. En él incorporó algunos temas grabados anteriormente; otros nuevos extraídos del cancionero popular, y varias canciones creadas por ella misma, como «Dóna’m sa mà», una bellísima canción de amor.

Por esas mismas fechas, María del Mar entró en contacto con el productor Alain Milhaud, que le aconsejó cambiar de sello discográfico; el cambio se concretó y firmó con el sello Bocaccio Records, creado por Oriol Regàs, empresario y promotor cultural, uno de los máximos representantes de lo que se denominó la “Gauche Divine”, movimiento de intelectuales y artistas de izquierda que se extendió por la Barcelona de los años sesenta y comienzos de los setenta

En Bocaccio, con Milhaud como productor, grabó la canción «L’águila negra», bellísima canción de la que era autora la cantante francesa Barbara, donde el citado Milhaud hace una producción exquisita del tema, apoyado en los arreglos de Jacques Denjean.

Cuenta Alain Milhaud que, tras el sorprendente éxito que tuvo aquella canción, la división francesa de la discográfica CBS quiso editar y hacer una gran promoción de la canción «L’àguila negra» cantada por María del Mar en francés, lo que significaba una gran oportunidad para su proyección artística; oportunidad que ella rechazó, manteniendo su postura, en aquel momento claramente ideológica y siempre inalterable, de no cantar más que en catalán; postura que María del Mar siempre ha mantenido con una extraordinaria coherencia personal.

En el sello Bocaccio Maria del Mar editó también su segundo LP en el que además de algunos temas propios y otros populares, incluyó cinco canciones basadas en textos de grandes poetas. En 1974, Maria del Mar decidió rescindir su contrato con Bocaccio.

Originalmente «L’àguila negra» se editó solo en formato single en 1971. En 1981 se reeditó el álbum anteriormente citado añadiendo está canción, que dio título a ese disco, posteriormente se editaría en formato CD en 1991.

L´Águila Negra (enlace a la canción)

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