Serge Gainsbourg II (1964 – 1968). Viviendo en la Era Pop

Siguiendo con la serie dedicada al genial Gainsbourg con motivo del 25º aniversario de su muerte, hoy entramos en la que fue su etapa puramente pop, la segunda mitad de los sesenta. El siempre minusvaloró las composiciones que hizo para los artistas del naciente ye-ye francés, y las que cantó el mismo. Se justificaba diciendo que eran ejercicios de estilo, obras menores, como avergonzándose de ellas.

Nada más lejos de la realidad, las piezas pop de Gainsbourg son auténticas joyas engarzadas en lo más granado de su época, de hecho, el fue de los que dignificó la música ligera de entonces, y consiguió ese difícil equilibrio entre calidad y comercialidad.

Marilu) (1966)

Docteur Jekyll et Monsieur Hyde (1966)

Gainsbourg, completamente desmoralizado por el escaso éxito de sus álbumes y su nula capacidad para las actuaciones en directo, recibe a principios de 1964 el encargo del editor de discos Phillips (su discográfica) Denis Burgeois, para componer temas destinados a la emergente figura del pop francés France Gall, cuya primera canción había sido un éxito total.

El primer tema que le compuso Gainsbourg, «N’écoute Pas les Idoles» (No escuches a los ídolos), fue todo un éxito en Francia llegando a permanecer dos semanas en el top de las listas en marzo de 1964.

La asociación de Gall y Gainsbourg produjo muchos sencillos populares, continuando en el verano de 1964 con su éxito «Laisse Tomber les Filles» (Deja tranquilas a las chicas).

Gall fue entonces seleccionada para representar a Luxemburgo en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1965. De las 10 canciones propuestas para ella, eligió la de Gainsbourg, «Poupée de cire, poupée de son». El 20 de marzo de 1965 se celebró la final del concurso en Nápoles, donde su interpretación, empapada de ternura juvenil y femineidad, llamó la atención llegando a obtener el primer premio, a pesar del nulo apoyo de países de habla francesa como Francia y Bélgica. El sonado éxito obtenido en Eurovisión garantizó que llegara a ser conocida fuera de Francia y grabó el tema en varios idiomas. En el 50ª aniversario de Eurovisión fue elegida como una de las mejores actuaciones de la historia.

France Gall (Poupée de Cire, Poupée de Son) 1965

Otra composición de Gainsbourg, «Les Sucettes» (Las piruletas) de 1966, la envolvió en cierta polémica por el juego de palabras que Serge impuso, pasando la letra de tratar de la inocente situación de una niña (Annie), a la que le gustan las piruletas, a ser una pretendida alegoría de cierta práctica sexual. Cuando ella se enteró del doble sentido del tema, quedó afectada al momento y rompió su relación laboral con Gainsbourg, quien con esto quiso poner a prueba la imagen tierna e inocente de la cantante.

Realmente fue una maldad enorme por parte de Serge, que cuando se dio cuenta de la enorme magnitud del episodio, intentó pararlo sin conseguirlo. Después del daño causado, intento también que France le perdonara regalándole un brazalete de Hermés, pero nada se pudo hacer ante la enorme decepción que sufrió la cantante, que por cierto, adoraba a Gainsbourg.

France Gall & Serge Gainsbourg (Les Sucettes) 1966

Ese mismo año (1966) Michèle Arnaud, la primera que confió en Serge y le apoyó a finales de los cincuenta, decide volver a grabar ese año, y tuvo claro a quién recurrir. Gainsbourg le compuso varias canciones, y destacando entre todas «Les Papillons Noirs».

Es una auténtica maravilla, con unos arreglos prodigiosos a cargo de Michel Colombier; toda una pieza de la mejor orfebrería pop. Es con diferencia la mejor canción que le compuso a Michéle y una de las mejores del cancionero del propio Gainsbourg.

Michéle Arnaud & Serge Gainsbourg (Les Papillons Noirs) 1966

En la parte final de 1966, Serge estuvo involucrado en un proyecto muy especial para el, un musical que sería emitido en la televisión francesa, pero nada mejor que su director Pierre Koralnik para explicarnos el argumento: «Anna es la historia de un joven exitoso que dirige una agencia de publicidad,  y que por azar, ve la fotografía de una chica que no puede borrar de su cabeza. Desde ese momento solo tiene una obsesión, encontrarla. La busca por todo París. Lo gracioso de la historia, es que la tiene frente a él, es su asistenta. Para él es invisible, tras sus ropas de trabajo y las gafas de culo de vaso que la camuflan. Es todo bastante extravagante. La música, toda de Serge Gainsbourg, está pensada como un script de cine. Es muy rock & roll y también muy pop. Se muestra toda la modernidad de su música  y sus textos son, como en él es norma, magníficos”.

Para el papel protagonista, Gainsbourg pensó en la actriz danesa afincada en Francia Anna Karina, recién separada del cineasta Jean Luc Godard, para quién se convirtió en su musa y compañera. Ella acogió con ilusión el proyecto, porque le permitía cantar y salir de los films que acostumbraba a hacer, inmersos en la intelectualidad, a veces asfixiante, de la Nouvelle Vague francesa.

Para la grabación de “Anna”, Gainsbourg recluta a Michel Colombier como arreglista y director musical, siguiendo los consejos de su amigo, el productor Alain Goraguer. Colombier hace un trabajo formidable, habituado y cómodo con los sonidos «sixties» como estaba. Esta toma de contacto es tan solo la primera de una serie de fructíferas asociaciones.

Aunque no tuvo el éxito que Gainsbourg esperaba, hoy podemos decir que es una obra sorprendente y que simboliza un estado de gracia creativo extremadamente pop, por lo demás muy atípico en la acartonada televisión de la Francia de De Gaulle.

Anna Karina & Serge Gainsbourg (Ne Dis Rien) 1967

Gainsbourg está instalado en el Olimpo musical, es famoso, rico, trabaja para quien quiere,  y en esas circunstancias, aparece alguien que le vuelve la vida del revés, y que tendría como consecuencia uno de los periodos más fértiles en su creación artística. Nos referimos, como no, a Brigitte Bardot.

En el otoño de 1967, Brigitte estaba preparando un especial para la televisión que se iba a emitir el día de año nuevo de 1968. Empezaba a estar preocupada porque el proyecto estaba paralizado por la falta de ideas del equipo de realización. En estas circunstancias, decide recurrir a Gainsbourg para que le componga alguna canción para incorporar al programa.

El ya le había compuesto algún tema en el pasado. Ante su petición le presentó dos temas extraordinarios, la icónica «Harley Davidson» y la más experimental y no menos fascinante «Contact».

Durante el tiempo que pasaban juntos ensayando las canciones surgió un romance entre ambos. Ella estaba hastiada de su matrimonio con el millonario Gunter Sachs, y el quedó fascinado por la figura de quién era el mayor mito erótico del momento. Fue una relación corta, pero muy intensa por las dos partes.

Bardot grabó tres canciones con Gainsbourg. «Comic Strip», incluida en su especial televisivo, se desarrolla en un escenario lleno de globos hinchables y decorados con letras psicodélicas diseñados por Topin. Allí vemos a B.B. desgarrar una tela y avanzar insolente, ceñida de la cabeza a los pies dentro de un maillot, una pequeña capa de heroína de cómic y una peluca morena, como un negativo de Barbarella. Todo un delirio pop de principio a fin.

Brigitte Bardot & Serge Gainsbourg (Comic Strip) 1967

Serge recuerda: “Tenía una fijación con B.B. Cenamos juntos una noche y me burlé de ella. Me llamó a la mañana siguiente y me preguntó porque hacia eso. Le dije que porque estaba aterrorizado por su belleza. Me contestó “Escribeme la más bella canción de amor que puedas imaginar”. Esa noche compuse “Je t’aime, moi non plus ” y “Bonnie & Clyde”.

Brigitte Bardot & Serge Gainsbourg (Bonnie & Clyde) 1967

Brigitte recuerda aquella relación: “Fue un amor loco, un amor como en sueños, un amor que quedará en nuestros recuerdos y en la memoria. Todavía hoy, cuando se habla de Gainsbourg, se le asocia siempre a Bardot, pese a todas las mujeres que jalonaron su vida y todos los hombres que compartieron la mía. Desde ese día, desde esa noche, desde ese instante, ningún otro hombre cuenta más para mi. El era mi amor, el me abrió los ojos, me hizo hermosa, fui su musa”

Tres semanas antes de la difusión del “Show Bardot” en televisión, registran la primera y mítica versión de “Je t’aime, moi non plus”.

”Grabamos “Je t’aime, moi non plus” bien entrada la tarde, casi de noche, en los estudios Barclay. Cada uno tenía su micro. A un metro escaso el uno del otro, nos cogíamos de la mano. Yo estaba un poco avergonzada de imitar lo que hacia Serge, suspirando y gimiendo delante de los técnicos del estudio. Hizo que se marcharan. Pero después de todo, yo no hacia más que interpretar un papel, como en las películas que rodaba. Y después Serge me daba confianza con un apretón en la mano, un guiño, una sonrisa, un beso”

Brigitte Bardot & Serge Gainsbourg (Je T’aime Moi Non Plus) 1967

Si, estamos hablado del buque insignia de la producción musical de Gainsbourg, su tema más conocido, muchas veces maltratado y parodiado. Es una autentica maravilla, que para mi gusto, supera a la versión conocida por todos, la realizada con Jane Birkin. Ese órgano que es como el río donde va fluyendo la canción, la voz de Brigitte más intensa y con más matices que la Birkin. En fin, una obra maestra fruto de la genialidad de Gainsbourg, y no nos olvidemos, de la maestría de Michel Colombier en el estudio y como supo envolver la canción con una producción exquisita, donde nada sobra y nada falta.

¿Qué pasó después?, presionada por su marido, que escandalizado y muy ofendido tras escuchar la grabación, y después de una discusión terrible, éste le da a elegir entre Gainsbourg o él. B.B. se asusta, prefiere la seguridad y envía un telegrama a Philips pidiendo cancelar la salida del disco. Serge Gainsbourg, consciente que el drama comienza a tomar proporciones imprevisibles, acepta suprimir en el último momento la canción en un álbum que salia pocas semanas más tarde. Serge Gainsbourg jamás volvería a hablar de ello.

Finalmente, la canción se publicaría en 1986, con fines benéficos destinados a la fundación que la actriz constituyó para la defensa de los animales.

Fruto de su desesperación, surgió una canción, toda una declaración de amor de Serge a Brigitte. «Initials B.B.» está en la cumbre creativa del autor, ello realzado casi hasta lo sublime por la producción de Arthur Greenslade.

Gainsbourg le manda una carta por medio de un amigo periodista de France soir, quién le sirve de correo en esas circunstancias. Esa misiva, larga y triste, en la que le explica que acaba de componer “Initials B.B.”, un himno nostálgico, que ensalza como nunca su imagen de diosa venerada. Ella al conocer la canción comentará: «Es la mayor declaración de amor que se haya hecho nunca».

Initials B.B. (1968)

Cortometraje que recoge los procesos de creación y grabación de la canción

Antes de que termine el año, Gainsbourg, a petición de Françoise Hardy, pondrá letra y hará nuevos arreglos a una canción de unos autores británicos editada dos años antes, «It Hurts to Say Goodbye», que quedará convertida en «Comment te Dire Adieu?», pieza básica del repertorio de Françoise y un éxito sideral de aquel año.

Françoise Hardy (Comment te Dire Adieu?) 1968

Después llegaría el amor de su vida, Jane Birkin, y algunas de sus obras maestras y también, de algún disco más que olvidable, pero esa etapa será objeto de la próxima entrada dedicada a este artista único e irrepetible.

 

Renata Tebaldi

Renata Tebaldi fue la gran soprano de mediados del siglo pasado, eclipsada en gran medida para el gran público por la carísmática y mediática figura de María Callas. Aunque dicho conflicto entre divas fue más bien una estrategia comercial que hizo mucho más rentable, si cabe, el éxito de ambas.

En 1947, cuando su carrera estaba empezando, coincidía en Verona con María Callas. Ambas cantantes tendrían en la Scala su trampolín a la fama mundial. No es de extrañar que cuando la Callas llegó a Milán a principios de los años cincuenta, y Renata llevaba ya un tiempo afianzada en la ópera milanesa, el choque de egos tuviera lugar encima y detrás del escenario.

Nacida en Pesaro en febrero de 1.922, Renata Tebaldi triunfó ya a muy temprana edad. Su debut se produjo en Rovigo, donde en 1944 encarnó a la Elena de «Mefistofele», pero fue su interpretación de Desdémona en Triste (1946) la que le abrió las puertas de los grandes teatros y la que hizo que el gran Toscanini, recién llegado de Estados Unidos y en busca de nuevos talentos líricos, la citase para una audición en la Scala. El maestro la escogió para intervenir en la reinauguración del coliseo milanés, y a entonces se debe la célebre leyenda de “La voz del ángel”.

A pesar de la idea, tan extendida, de que Renata Tebaldi se limitó a cantar personajes operísticos mil veces interpretados, mientras que a Maria Callas le correspondía el mérito de recuperar papeles y óperas que yacían en el olvido, resucitándolas con una pasión inusitada, lo cierto es que también Renata Tebaldi incorporó a su repertorio óperas poco representadas en su época, entre las que se encuentran algunas de Gioachino Rossini, de Gaspare Luigi Spontini o la misma «Giulio Cesare», de Georg Friedrich Haendel, que tanto se representa hoy en día.

Entre los papeles que Renata Tebaldi cantó con más éxito figuran los de «Aída», la protagonista de la ópera del mismo título compuesta por Verdi, así como los de «Tosca», de Giacomo Puccini, o el de la Condesa de la ópera «Las Bodas de Fígaro», de W. A. Mozart.

Pero el público y la crítica italiana se situaron injustamente al lado de María Callas casi con unanimidad, resaltando la impresionante fuerza expresiva de esta cantante como opuesta al rigor técnico de Renata Tebaldi, un rigor que, sin embargo, sí fue apreciado por otros públicos que preferían, ante todo, la contención expresiva (que no falta de expresividad) y la elegancia escénica que siempre acompañaron a la soprano italiana a lo largo de los casi treinta años que duró su carrera sobre los escenarios.

La que fuera una de las cantantes más importantes del planeta en los cincuenta o los sesenta se retiró sin hacer ruido a comienzos de los setenta. En el Palau de Barcelona se le rindió un gran homenaje en diciembre de 1974. Después publicó unas Memorias. Luego fue desapareciendo con una sencillez y una modestia ejemplares. Únicamente su muerte volvió a traer el recuerdo emocionado de una de las cantantes más importantes de toda la Historia. Una cantante grande, irrepetible.

Renata Tebaldi falleció el 19 de diciembre de 2004 a los 82 años en su casa de San Marino. La cantante, cuyo estado de salud se había agravado, residía en esa pequeña República cercana a la Costa Adriática.

«O mio Babbino Caro» de la ópera «Gianni Schicchi» de Giacomo Puccini

«Un bel di Vedremo» de la ópera «Madama Butterfly» de Giacomo Puccini

«Si mi Chiamano Mimì» de la ópera «La Boheme» de Giacomo Puccini

«Ave Maria» de la ópera «Otello» de Giuseppe Verdi

«Piangero la sorte mia» de la ópera «Giulio Cesare» de Georg Friedrich Händel

Fermín Villanueva (Violoncello) y Mizuki Waki (Piano) 23/Febrero/2016

Martes, 23 febrero, 2016 – 20:15 H.

Auditorio del Conservatorio Profesional de Música de León

Entrada libre, hasta completar aforo

Ciclo Juventudes Musicales

FERMÍN VILLANUEVA

Fermín Villanueva nace en Pamplona en 1993 y comienza sus estudios de violoncello a la edad de 7 años en el Conservatorio Pablo Sarasate de Navarra. A los 18 años  se graduó por el Centro Superior de Música del País Vasco “Musikene” y en 2014 obtuvo el título de master con honores por la Universidad de Música y Teatro “Felix Mendelssohn Bartholdy” de Leipzig donde estudió con Peter Bruns.

Primer Premio por unanimidad en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España 2014 y el ‘EMCY Prize’ de la “European Union of Music Competitions for Youth“, así como galardonado en el Concurso Nacional Joaquín Maya (Pamplona, 2005), en el Concurso Internacional Dotzauer (Dresden, 2009), en el Concurso de Duo “Clara Schumann” (Leipzig, 2014) y en el Concurso Internacional “Young Virtuosos” (Sofia, 2015). Desde 2012 es miembro de la asociación “Live Music Now e.V.” Yehudi Menuhin y en 2015 apoyado por la Fundación “Alexander von Humboldt”.

Como solista ha actuado con orquestas como la Orquesta Sinfónica de Euskadi, la Camerata Internacional de Madrid, la Robert-Schumann-Sinfonieorchester, la Wetzlar Sinfonieorchester, la Orquesta Sinfónica de la UA, la Leipziger Sinfonieorchester, Orquesta Sinfónica de la Radio Rumanía, la Orquesta Sinfónica de la RTVE, entre otras.

Fermín ha ofrecido recitales en salas como el Teatro Principal de Vitoria, el Auditorio Miramón de San Sebastián, el Palacio Euskalduna, la Sala BBK de Bilbao, el Ateneo de Madrid, el Auditorio Baluarte de Pamplona, Teatro Principal de Monóvar, el Auditorio ADDA de Alicante, el Palau de la Música Catalana, el Teatro Monumental de Madrid y en festivales como el Musika-Música de Bilbao (2011), el Festival Internacional Pablo Casals de Prades (2011), la Quincena Musical de San Sebastián (2012), el Leipziger Notenspur (2013, 2014), el BachFest de Leipzig (2013), el Festival de Lucerna en Suiza (2013), Born am Darß Musikfestival (2014, 2015), ‘Serenates’ de Valencia (2015), Schubertíada de Vilabertran (2015) y el Russiches-Kammermusikfest de Hamburgo (2015).

Sus actuaciones han sido retransmitidas en directo para RNE, TVE, Catalunya Música, ClassicFM Bulgaria, EITB, InfoTVLeipzig y MDR.

Entre sus próximos proyectos destacan conciertos en destacados festivales y auditorios en Europa y Asia, y la grabación de su primer CD editado por Columna Música.

MIZUKI WAKI

la pianista de nacionalidad japonesa absolvió sus estudios de Bachelor en la Universidad de las Artes de Kyoto, donde estudió con el Prof.Hiroyuki Abe. Poco después de comenzas los estudios de Postgrado en Düsseldorf, fue laureda con el segundo premio en el concurso Schmolz-Bickenbach-Wettbewerb.

En octubre de 2012 se trasladó a Leipzig para estudiar en la Hochschule für Musik und Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ in Leipzig, donde realizó su especialidad en acompañamiento de Lied bajo la tutela de Prof. Alexander Schmalcz.

A comienzos del 2013 fue galardonada con el premio especial a la mejor pianista acompañante en el concurso de canto Lortzing-Gesangswettbewerb y en 2014 con el tercer premio en el concurso para Duou «Clara Schumann“-Wettbewerb.

Desde 2015 trabaja como profesora en la Hochschule für Musik und Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ de Leipzig. Mizuki Waki trabaja con asiduidad con instrumentistas y cantantes tanto en Europa como en su país natal, Japón.

 

PROGRAMA:

Franz Schubert – Sonata Arpeggione D. 821

Claude Debussy – Sonata en Re menor

— PAUSA —

Johannes Brahms – Sonata en Fa Mayor op.99

 

J.S. Bach – Suite Nº 6 in D major BWV 1012 (Prélude)

 

 

TESLA (Festival de Experimentación Sonora en Tres Jornadas y un Epílogo) 19-22/Febrero/2016

19, 20, 21 Y 22 DE FEBRERO DE 2016 EN LEÓN

PÁGINA WEB DEL FESTIVAL

JORNADA PRIMERA [19 de febrero]

JORNADA PRINCIPAL [20 de febero]

JORNADA TERCERA [21 de febero]

EPÍLOGO [22 de febrero]

INVITACIONES: media hora antes del concierto en taquilla

Hara Alonso  es pianista y compositora afincada en Lyon, Francia. Compagina su labor concertista con la composición, la pedagogía y las nuevas tecnologías, colaborando en proyectos multimedia, danza, video arte y performance. Dedicada a la difusión de la música contemporánea, ha realizado conciertos como solista y en ensemble en diversos paises europeos: Alemania, Estonia, Italia, Francia, Suecia, Finlandia y Rusia.

Natural de Astorga, León, comienza los estudios musicales con el profesor Adolfo Muñoz y se traslada a Salamanca para estudiar el Grado Superior de Piano con la profesora Sophia Hase, repertorio contemporáneo con Héctor Sánchez y de acompañamiento vocal con Javier San Miguel.Durante el 2008 y 2011 ha sido pianista de la Joven Orquesta Sinfónica de Castilla y León, ofreciendo recitales alrededor de toda la geografía española y europea.

Finaliza los estudios superiores en la Academia Sibelius en Helsinki (Finlandia) dentro del programa Erasmus, donde estudia con la profesora Hamsa Juris. En Helsinki comienza una colaboración con el compositor colombiano Sergio Castrillón, el cual le introduce en el mundo de la composición y la improvisación. Posteriormente se translada a la Academia de Música de Estonia, donde realiza el Máster de Improvisación Contemporánea con el maestro Anto Pett, Anne Liis-Poll y Taavi Kerimae en música electroacústica.

Actualmente es parte del  Máster Europeo CoPeCo, Contemporary Performance and Composition (www.copeco.net), para 8 músicos, intérpretes y compositores de todo el mundo, en el que durante dos años estudia en cuatro ciudades, un semestre en cada una: Tallinn, Estocolmo, Lyon y Hamburgo. Este máster es una oportunidad única para realizar colaboraciones, establecer lazos internacionales y conocer cuatro conservatorios europeos de primer nivel.

Pagina web: http://www.haraalonso.com
Soundcloud: https://soundcloud.com/hara-alonso
Bandcamp: https://haraalonso.bandcamp.com
Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCZElOo56lPwLVSCm__hc_Zw

SIX ENCORES FOR PIANO (LUCIANO BERIO) 2014

SOLO PIANO (2014)

PIANO & LIVE ELECTRONICS (2015)

 

Mayka Romero (19/02/2016)

Viernes, 19 febrero, 2016 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (10 €): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI

Voz, imagen, personalidad, elegancia, derroche de simpatía y seguridad en el escenario, es la definición más acertada para esta artista malagueña. Su elegancia y frescura son los valores más a destacar de MAYKA ROMERO.

Cantante, presentadora y actriz. Comenzó su faceta artística como modelo de pasarela y publicidad, fue imagen de primeras marcas y desfiló para grandes diseñadores. Años más tarde se decantó por la música y comenzó su carrera como cantante. Desde el primer día ha sido muy bien recibida y querida por el público.

Fue concursante de la 3ª edición del programa Se llama Copla de Canal Sur televisión, donde fue una de las concursantes más queridas de la edición. Ha cantado en numerosos escenarios nacionales e internacionales, incluso a cantado en el Estadio de fútbol Rosaleda delante de más de 30.000 personas.

A pesar de su corta trayectoria ha conseguido dar grandes pasos en el panorama musical.

Grabó su primer disco en 2012 en Miami llamado AMAR, Donde la nombraron Embajadora del amor, Firmó con EMI MUSIC y en 2014 grabó su segundo disco titulado DAME UNA COPLA.

En 2015 MAYKA ha sido la protagonista de la película COPLA, en la que además pone voz a la canción principal de la película, ha participado en la película AMO QUE TE AMEN. Ambas películas dirigidas por Gonzalo García Pelayo, director de cine y productor musical, con el que actualmente está inmersa en su tercer disco.

Tras el éxito recibido este verano en Miami, El Condado de Miami, La Florida, le ha otorgado LA LLAVE DEL CONDADO DE MIAMI, LA FLORIDA, galardón que solo poseen tres grandes artistas españoles (Rocío Jurado, Sara Montiel y Julio Iglesias ). Además también fue coronada como Reina de la Comunidad Gay de Miami.

Actualmente es una de las protagonistas de la obra teatro/musical DOS ESTRELLAS, UN FIRMAMENTO.

Embrujá por tu Querer (2015)

Miguel Ángel Chastang Quintet (18/02/2016)

Jueves, 18 febrero, 2016 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

ENTRADA GRATUITA,  retirar invitación a partir de quince minutos antes del concierto

Uno de los maestros nacionales del contrabajo, Miguel Ángel Chastang, presenta «From Harlem to Madrid», una ambiciosa serie de cinco cd’s que lleva ahora al directo con nueva banda.

From Harlem to Madrid es una colección de cinco CD’s  subvencionados por la Comunidad de Madrid y cuyas grabaciones se realizaron entre 2.009 y 2.014. Son colaboraciones entres músicos nacionales y músicos americanos de Harlem realizadas en Madrid.  Para esta serie de conciertos Chastang nos presenta una nueva banda compuesta de músicos nacionales de primera línea y  que interpretan básicamente las composiciones recogidas en estas grabaciones.

Miguel Ángel Chastang nace en Madrid en 1952. Estudió en City College of Music of the City University of New York. Graduado superior en Jazz y Música Moderna en  ESMUC (Barcelona). Obtuvo una beca del «Comité Conjunto Hispano-Norteamericano para la Cooperación Cultural y Educativa» de dos años de duración para estudiar en Nueva York
Real Conservatorio de Música de Madrid.  También estudió en la Escuela Técnica superior de Arquitectura (3 cursos). Ha impartido seminarios con David Thomas, Pedro Iturralde, Chuk Israel, Ted Daniel, Ray Brown, Thad Jones, Ed Summerline, David Del Tredice, Dave Holland o Ron Carter.

Ha recibido Iº Premio III Jornadas de Jazz de San Isidro 83- 15.05.83, Beca de ampliación de estudios
artísticos en el extranjero (dos años) del ComitéConjunto Hispano-Norteamericano para la Cooperación Cultural y Educativa- 1.986/88. Ier Premio Festival Internacional de San Sebastián. 22.07.87. “Seymour Peck Creative Award,” N.Y.- 26.02.88. Ier Premio «Jazz entre Amigos»- 03.04.91. Trofeo Dexter Gordon. Ier Premio Trayectoria Jazzística de la Universidad Rey Juan Carlos, 28 Marzo 2.007. Vicepresidente de AMA (autores de música asociados) 2.012.Ha trabajado con artistas como Eddie Henderson, Larry Willis, Leon Thomas, Junior Cook, Wallace Ronney, Gary Bartz, Sonny Fortune, Al Foster, etc.

Ha participado en más de cincuenta grabaciones discográficas, en once de ellas como líder de sus propios grupos.

Miguel Ángel Chastang (contrabajo y dirección musical) actúa acompañado de Luis Verde (saxo alto y soprano), Ove Larsson (trombón), Juan Sebastián Vázquez (piano) y Guillermo Mc’Gill (batería).

Sombras (2015)

Walking Ahead (2015)

From Harlem to Madrid (2015)

Carole King (Tapestry), 45º Aniversario

Si algún aficionado a la música se propusiera tener una colección con los trabajos más importantes de la historia de la música popular contemporánea, este álbum de Carole King sería uno de los imprescindibles en dicha colección.

El 10 de febrero de 1971 Ode Records lanzó «Tapestry», el segundo álbum de esta cantautora norteamericana. Este ocupó el Nº 1 de la revista musical Billboard durante 17 semanas y se mantuvo en la lista de los más vendidos por espacio de 6 años. Además ganó 3 premios Grammy: mejor álbum, mejor canción (“It’s Too Late” / ”I Feel the Earth Move”) y mejor vocalista femenina.

El día antes de que se diera a conocer «Tapestry», Carole King cumplió 28 años y para ese momento ya había estado en el negocio musical durante más de una década. Su primera grabación fue a los tres años en Coney Island.

La recepción ante este álbum fue entusiasta. John Landau, de la revista Rolling Stone, dijo que el disco era un trabajo «que traspasa la intimidad personal y el logro musical». Además se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos con un total de más de 25 millones, 10 de ellos durante la década de los setenta.

En 2003 «Tapestry» fue uno de los 50 discos elegidos por el Registro de Grabaciones Nacionales para permanecer en la Biblioteca del Congreso como parte de la herencia musical de Estados Unidos.

Es 1970, Carole tiene 28 años, dos hijas y un gato. La luz de las colinas de Hollywood se cuela por los cristales, blanqueando una parte de su rostro y de su rizada melena. El resto de la habitación permanece en penumbra.

Dos años antes, en 1968, Carole se divorció. Cambió Manhattan por la Costa Oeste y comenzó una nueva vida junto a sus hijas. Su aspecto ahora es muy diferente al de aquella jovencita que se convirtió, junto a su marido Gerry Goffin, en una de las parejas de compositores más famosas de los años sesenta.

El Brill Building es un edificio de oficinas situado en Broadway. En los años sesenta albergó la mayor concentración de músicos y letristas por metro cuadrado de la historia. Decenas de compositores se hacinaban en pequeñas salas en las que solo cabía un piano. Su trabajo era producir, como en una fábrica de automóviles, un éxito tras otro. Carole King y su marido Gerry Goffin pasaron gran parte de esa década prodigiosa encerrados en edificio Brill, junto a futuras leyendas como Paul Simon o Neil Diamond. Aretha Franklin, Bobby Vee, Tina Turner, The Monkees, The Drifters, incluso The Animals, The Byrds y Manfred Mann cantan composiciones de este matrimonio.

Carole compone y compone para los demás y se cansa. Comienza a escribir pensando en ella, en su delicada y frágil voz. Edita su primer trabajo en solitario en 1970, pero «Writer» fue un fiasco y supongo que ese hecho y otros más íntimos comenzaron a resquebrajar el matrimonio. Finalmente Carole y Goffin se divorciaron. Lo que podría ser un momento vital desastroso de los que te hacen caer a lo más profundo del pozo y no salir jamás provoca en Carole unas ganas enormes de triunfar y comienza a escribir las canciones para el que sería no sólo su mejor disco sino también uno de los mejores discos jamás realizados.

Ya desde esa portada mítica, «Tapestry» es especial, es mágico. Ahí está ella, relajada, mirando por la ventana, descalza, con el gato en su cojín y ella bordando un tapiz, todo tan cercano, tan cálido y placentero, como el disco, como la música que contiene, música maravillosa, mucho más, divina.

Este álbum único, donde el jazz, el soul, el folk y el pop se dan la mano. Un disco melancólico, dulce y apasionado. Lleno de verdad y sentimiento. Un disco con grandes canciones, algunas de ellas grabadas a fuego en el recuerdo de muchísima gente.

Para quién no lo conozca será todo un descubrimiento. Para los que hemos cumplido años amando estas canciones, será volver al hogar, donde todo es acogedor, donde todo es posible, donde todo es mágico.

Hannah Epperson (13/02/2016)

13 de Febrero 2016, 21.30 H.

Entrada libre

Sede de la Fundación

La Fundación Antonina y Cinia de Cerezales del Condado (León) ofrece el sábado, a las 21.30 horas y con entrada gratuita, el concierto de la norteamericana Hannah Epperson, que expondrá las capas de voz y violín. La artista nacida en Salt Lake City (Utah) ganó como mejor intérprete los premios del 2013 de British Columbia y ha sido reconocida internacionalmente por la crítica como una compositora potente, con temas que provocan una emoción clásica, en conjunción con la energía de la música ‘indie’.

Nacida en Utah, criada en Canadá, y residente en Brooklyn, la jovencísima Hannah Epperson ha encontrado tiempo en su intenso trasiego vital para, además de adquirir formación clásica como violinista, abandonar la dictadura de la partitura y encontrar su discurso.

Apelando a una significativa economía de recursos, la norteamericana factura irresistibles canciones pop, empapadas de magia y emotividad. Se suma así a esa hornada de músicos que, formados en el conservatorio,  han decidido enfrentarse al mundo con su instrumento subvirtiendo las fronteras de la música popular.

Con un violín, un pedal loop y su voz como armas, Hannah Epperson compone bellos paisajes musicales poco indulgentes y tampoco saturados. Como solista, emociona, y como acompañante de un gran elenco de artistas, ha probado géneros muy variados, como por ejemplo, con el poeta Shane Koyczan,  con Julianna Barwick, Porcelain Raft o con We Are The City, entre otros. En los últimos tiempos, esta exploración creativa la ha llevado a componer e interpretar música para compañías de danza y para el cine, en Nueva York, donde reside, y también a lo largo de EE UU. Este espíritu de colaboración incluye actuaciones en la calle, en Berlín, o viajes por Escandinavia y Europa; giras en velero con su proyecto en solitario junto a permaculturistas; tocar para acompañar a bailarines flamencos en España; o terminar su carrera en Geografía en la Universidad de British Columbia en 2012.

Este camino tan versátil y repleto de colaboraciones, nutre la creatividad de las composiciones para violín de esta artista. Una voz cálida y cercana que armoniza a la perfección con el tono de las 4 cuerdas, que van formando capas que evocan a Andrew Bird mezclado con las melodías vocales de Feist; o a Owen Pallett reinterpretado por Lykke Li.

Los sonidos de Hannah van más allá de los géneros y siempre ofrecerán, al que los escuche, niveles diferentes de exploración musical.

Hannah está de gira por Europa con el que será su próximo álbum:»slowdown//upsweep», producido por la compañía de Los Ángeles, STINT.

Fundación Cerezales Antonino y Cinia

c/ Antonino Fernández, 76

24150

Cerezales del Condado, León

Shadowless (2015)

Brother (2015)

Luar Na Lubre (12/02/2016)

Viernes, 12 febrero, 2016 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

VENTA DE ENTRADA ANTICIPADA:

https://www.ticketea.com/entradas-concierto-luar-na-lubre-leon/

VENTA DE ENTRADA EN TAQUILLA: 20 €

50% DE DESCUENTO EN TAQUILLA:  Miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del Carnet Universitario y DNI

Luar Na Lubre se fundó en 1986 en A Coruña con la vocación de desarrollar y dar a conocer la música y la cultura gallegas. Con un repertorio basado fundamentalmente en músicas de raíces gallegas, Luar Na Lubre es actualmente la banda más internacional de Galicia y ha actuado desde Palestina a Canadá, desde Alemania a Argentina. En 1996, Mike Oldfield incluyó en su álbum Voyager una versión de la canción O son do ar, que daba título al primer disco de la banda coruñesa, publicado en 1988. Tras este debut, Luar Na Lubre lanzó álbumes como Beira atlántica (1990), Plenilunio (1997), Cabo do mundo (1999), XV aniversario (2001), Espiral (2002), Hai un paraíso (2004), Saudade (2005), Camiños da fin da terra (2007), Ao vivo (2009), Solsticio (2010) y Mar maior (2012).

El 6 de noviembre de 2012, Luar Na Lubre publica Sons da lubre nas noites de luar, una caja con 3CD+DVD que recoge lo mejor de sus 25 años de carrera. Son 45 canciones, siete videoclips y un concierto grabado en directo en Santiago de Compostela el 31 de julio de 2012 que recorren la trayectoria de uno de los grupos más emblemáticos de la música española. “La caja ofrece una selección de música con lo más significativo de nuestro repertorio” dice Bieito Romero, fundador de Luar Na Lubre, que traduce libremente al castellano el título de la caja (Sons da lubre nas noites de luar) como Los sonidos del bosque mágico en las noches de plenilunio.

Es la música de Luar Na Lubre, sugerente, variada, que permite el baile y la ensoñación. Son canciones vitales, con alma, bien elaboradas y con vocación de permanencia. De gran alcance colectivo y que vuelan por encima de las fronteras. “Escuchando estas canciones que resumen 25 años de nuestra vida, uno siente un vértigo hacia delante. Si miramos hacia atrás, el sentimiento es de satisfacción”, explica Bieito Romero. “El nuestro es un trabajo de homiguitas, de ir avanzando en cada álbum, en cada concierto, superándonos en cada momento, siempre activos. Somos una banda numerosa, equilibrada, que busca el trabajo bien hecho y está satisfecha de los resultados”.

“Nuestro primer disco contenía O son do ar (incluída en esta caja), la canción que le daba título, y de la que Mike Oldfield hizo una versión. En España, Oldfield era una especie de dios y nuestra música se disparó. Nos sirvió de mucho, la gente se acercó a Luar Na Lubre, continúa Bieito Romero. “Desde entonces, creo que hemos seguido una evolución ascendente y no es palabrería. Buscamos que cada disco sea mejor, ir un poco más allá, evolucionar hacia una superación mayor. Hemos publicado 13 álbumes y nuestra carrera no es de grandes saltos, sino de una consolidación continua”.

Esta permanencia de 25 años es más significativa y meritoria al haberse desarrollado con constancia y fidelidad en el universo del folk. “Interpretamos músicas tradicionales, viejas canciones, siempre desde nuestra visión”, afirma Bieito Romero. “Trabajamos sobre músicas de raíz aportando nuestro color, lo mismo que con nuestras propias composiciones, que siempre tienen inspiración en la música gallega”. Y cuando aparece el término “fusión”, Bieito deja las cosas bien claras: “Somos un país permeable, a lo que ha contribuido la emigración de ida y vuelta, el Camino de Santiago… El carácter lo da la forma de entender la música, las sonoridades. Con las fusiones hay que tener cuidado y conocer muy bien los estilos. Fusión no es confusión”.

Pero la música de Luar Na Lubre no entiende de fusiones y confusiones, de modas y de vaivenes. Es un ejemplo de lealtad a una manera de hacer, de descubrir enlaces entre la raíz y lo contemporáneo, de constancia en tiempos difíciles que siempre da frutos. Son más de 25 años en la brecha con un recorrido que se ofrece en la caja Sons da lubre nas noites de luar, un reflejo de lo más significativo de un repertorio que Luar Na Lubre lleva elaborando desde 1986.

Luar Na Lubre está formado por Bieito Romero (gaitas, acordeón, zanfoña), Paula Rey (voz), Xulio Varela (bouzouki, voz, percusión), Eduardo Coma (violín), Paxti Bermúdez (bodhran, tambor, djimbek), Pedro Valero (guitarra acústica), Xavier Ferreiro (percusión latina, efectos) y Xan Cerqueiro (flautas). A lo largo de este cuarto de siglo de vida, por la banda han pasado voces como las de Ana Espinosa, Rosa Cedrón y Sara Louraço Vidal, hasta llegar a la actual de Paula Rey. Todas, junto al elevado y preciosista carácter instrumental de Luar Na Lubre, han marcado la música de un grupo único y referencial por su tratamiento de las músicas tradicionales de raíz fundamentalmente gallega.

A lo largo de su carrera, Luar Na Lubre ha vendido más de 300.000 ejemplares de sus álbumes (Plenilunio y Cabo do mundo han sido discos de oro) y ha recibido nueve Premios de la Música (concedidos por la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música), dos Premios Luar (otorgados por el programa Luar de TVG) y un Premio Ideal (concedido por El Ideal Gallego), entre otros reconocimientos. En sus más de 25 años de trayectoria, Luar Na Lubre ha dado más de mil conciertos en más de 23 países, participando en los principales festivales de World Music junto a artistas como Mike Oldfield, The Waterboys, The Corrs o Bob Geldof.

El “EXTRA MUNDI” de LUAR NA LUBRE

Extra Mundi es el nuevo trabajo de Luar Na Lubre. Realizado y producido en tiempo record es un trabajo fresco, intenso, lleno de matices, de sensibilidad y fuerza que no dejará indiferente a nadie. Es la reinvención del folk desde el propio folk sin caer en lo obvio, lo fácil y lo predecible. Es una apertura al mundo desde la misma tierra que une todas y cada una de las culturas de este planeta. En este nuevo trabajo Luar Na Lubre reinterpreta y versionea temas clásicos llenos de carga emotiva procedentes de culturas cercanas pero diferentes como la vasca, a través del universal y único «Txoria Txori» bien conocido a través de la voz del gran maestro Mikel Laboa o «El Rossinyol», esa pieza imprescindible de la música popular catalana entroncada con la lírica provenzal, «Nel campu ñacen flores» de la más pura tradición asturiana, «La Muixeranga» concebida como un gran homenaje a las tierras valencianas o «La Molinera», un tema tradicional en buena parte de las tierras del occidente de la península desde el norte cantábrico hasta el sur andaluz en su vertiente más occidental y siempre interpretado con la delicadeza pura de la oralidad más auténtica. Y es que Extra Mundi es ese mundo exterior, que al mismo tiempo, en esencia, es nuestro propio mundo, visto desde nuestros sentimientos más musicales y universales, y que queremos reflejar en este nuevo trabajo a modo de homenaje a todas esas tierras y gentes que nos acogen con los brazos abiertos, en hermandad.

También la tradición musical de Galicia está fuertemente representada a través de temas tan emotivos como «Fisterra», canto de marineros y mezcla de himno con matices de rezo ancestral, las “Muñeiras de Ramón da Chiculateira” recogidas a uno de los gaiteros más importantes de nuestra tradición, las “Foliadas de A Coruña y Rebordelo”, muestra de la viveza y popularidad de lo nuestro o la «Xota de Xosé”, y muchas otras incluidas donde el baile y la fiesta se imponen definitivamente, reflejo del sentir de una tradición y de un pueblo vivo y con ganas de seguir avanzando.

Y es que la mágica combinación de los instrumentos, las músicas y cada uno los componentes de Luar Na Lubre se convierte en alquimia con el resultado esperado de alegrar los corazones, emocionar contenida o abiertamente al oyente e invitar a pensar, bailar y creer que la música en su esencia más pura es capaz de ser la mejor de las terapias.

CONCIERTO EN RADIO 3 (2012)

CONCIERTO SALA GALILEO (2015)

LUAR NA LUBRE (LA MOLINERA) 2015

Serge Gainsbourg I (1957 – 1963). De la Chanson al Jazz por las Orillas del Sena

El próximo 2 de marzo se cumplen 25 años de la desaparición de Serge Gainsbourg, un personaje fundamental en la historia de la música, no solo francesa, sino internacional, Gainsbourg es una especie de «patrimonio musical de la humanidad». Un artista total, inconformista, que nunca dejó de experimentar, que nunca se conformó con lo hecho hasta el momento; su mente bullía continuamente nuevos retos y proyectos. Muchas veces el término «genio» se ha otorgado con mucha ligereza, todo lo contrario que en este caso, pocos se lo merecen tanto como el.

Pretendo hacer un modesto repaso por la carrera de este artista único, que logicamente no puedo resumir en una sola entrada. Su obra es de tal magnitud y variedad, que lo dividiré entre sus diversas etapas musicales, muy diferenciadas entre si, pero con la misma calidad, grado de perfección y una influencia que llega hasta nuestros días.

Nacido como Lucien Ginsburg, el tímido y nervioso hijo de unos inmigrantes judios ucranianos, es un claro ejemplo de hombre hecho a sí mismo, que escogió un nombre poco francés (Serge, que recuerda su procedencia del Este, y Gainsbourg, en referencia al paisajista inglés Thomas Gainsborough) para lograr, a través de la música, una identidad que su propio carácter y la sociedad de su época no le dejaba perfilar.

Durante su infancia, el pequeño Lucien vive en París en los barrios más populares. Su padre se encarga de su aprendizaje musical, enseñándole a tocar el piano y animándole a adentrarse en el mundo de la pintura.

Los años de la guerra son duros para Lucien, que se refugia en las provincias del interior y se ve obligado a llevar la estrella de David («una estrella de sheriff», dirá más tarde con sorna). Incluso se vio forzado a esconderse tres días en un bosque mientras las SS buscaban a judíos como el.

Ya de vuelta en París, la familia se instala en el distrito 16. Su fracaso escolar le impide acabar el instituto. Se inscribe entonces en la Escuela de Bellas Artes, pero el alto nivel exigido en matemáticas le desalienta y abandona.

Hasta la edad de treinta años, Serge subsiste a base de pequeños trabajos. A veces hace de profesor de dibujo, de canto, vigilante escolar, etc., pero su actividad principal es la pintura. Le hubiese gustado ser un genio de la misma como Francis Bacon o Fernand Léger, de quien fue alumno, pero abandona rápidamente la bohemia para convertirse en un «crooner» de piano-bar en los cabarets parisinos como el Madame Arthur.

En 1957, y fruto de una casualidad, Michèle Arnaud, cantante a la que acompaña a la guitarra en sus actuaciones en el cabaret Milord l’Arsouille (donde el resto del tiempo es pianista de ambiente) descubre con estupefacción las composiciones de Gainsbourg y lo anima a interpretar su propio repertorio en el mismo cabaret. Michèle fue su primera intérprete, grabando desde 1958 los títulos: «La Recette de l’amour fou», «Douze belles dans la peau», «Jeunes femmes et vieux messieurs» y «La Femme des uns sous le corps des autres». Fue entonces cuando comenzó su carrera, componiendo numerosas canciones e incluso editando una revista.

Su primer álbum, «Du chant à la une !», en el que aparece la canción «Le Poinçonneur des Lilas», el primero de sus ícónicos clásicos, desconcierta, pero es bien acogido por la crítica. Un sector de la misma se fija en él y dice que sus canciones «tienen la dureza de un atestado». Su amigo y protector Boris Vian, antes de morir en 1959, lo compara con Cole Porter.

Le Poinçonneur des Lilas (1959)

Creador sin límites, Gainsbourg acabaría ensanchando las fronteras de la Chanson a los más diversos géneros y expresiones. Tomando un clásico como «Las hojas muertas» de Jacques Prévert y Joseph Kosma, Gainsbourg reflexiona sobre el amor y la huella del tiempo, y de paso, sobre la propia magia de la canción para guardar la memoria de los sentimientos.

La Chanson de Prévert (1961)

Iniciada la década de los sesenta, con la llegada de la época ye-ye, Gainsbourg es practicamente un  desconocido. Actúa como telonero en algunos conciertos de Jacques Brel o Juliette Grecó, pero la crítica lo agrede burlándose de su prominente nariz y sus grandes orejas.

Precisamente para Juliette Grecó, la gran diva de la canción francesa de entonces, compone el que sería otro de sus grandes clásicos, «La Javanaise». El título es un juego de palabras entre el «javanais», un argot francés, y un estilo de danza. Fue interpretada tanto por ella como por Serge en 1963. Las primeras grabaciones de ambos artistas constituyeron las caras B de cada uno de los dos singles .

La Javanaise (1963)

Fue entonces cuando conoció a Elek Bacsik y Michel Gaudry y les propuso colaborar en un disco. Este proyecto se convertirá en «Gainsbourg Confidentiel», impregnado de un jazz contemporaneo y minimalista que Gainsbourg adoraba, pero que no le llevaría al éxito. Este disco (según algunos su mejor obra) sólo vendió 1.500 copias. Serge, ante semejante fracaso y el de su posterior disco de 1964, «Gainsbourg Percussions», tomó una decisión radical: «Voy a lanzarme al mercado comercial y a comprarme un Rolls». Su paso al naciente pop de entonces, será el objeto de la siguiente entrada dedicada a su figura.

All the Things you Are (1964)