Glen Campbell (That Christmas Feeling) 1968

Este es el primer disco navideño del cantante y guitarrista Glen Campbell. Cuando se editó, en 1968, estaba en la cúspide de su éxito, encadenando un hit con otro. Su popularidad llegó a tal extremo, que de 1969 a 1972 tuvo su propio show en la cadena de televisión CBS: «The Glen Campbell Goodtime Hour».

Su estilo era una fusión del pop con la música country. Sus éxitos dominaron las listas en la segunda mitad de los años sesenta. Compuestos en su mayor parte por Jimmy Webb, contaban con unos soberbios arreglos orquestales. Todo unido a la cálida y muy bien modulada voz de Campbell, convirtieron a temas como «Wichita Lineman», «By the Time I Get to Phoenix» o «Galveston» en clásicos imperecederos de la música popular.

Pero su éxito como cantante no debe olvidar su otra faceta, la de guitarrista. Durante la primera parte de los sesenta, participó como músico de estudio en la grabación de más de quinientos álbumes, siendo de los más solicitados por la industria en Los Ángeles. Cabe reseñar también, su fugaz paso por The Beach Boys a mediados de la década.

«That Christmas Feeling» es un álbum meditativo y reflexivo, y las voces matizadas de Campbell son notables como un monólogo interior sobre el significado de la Navidad. Además contó con el productor Al De Lory, quien fue responsable de producir y arreglar la música que puso a Glen Campbell en la cumbre del éxito entre 1967 y 1970. Sin excepción, los arreglos de De Lory aquí son maravillas que apoyan sutilmente las canciones con arreglos que fluyen suavemente por y alrededor de las melodías.

El álbum es una combinación de clásicos navideños con temas de autores contemporáneos. «That Christmas Feeling» alcanzó el puesto nº 1 en la lista de discos de Navidad del Billboard y se mantuvo en las listas durante 10 semanas en 1968. Con el paso de los años, el álbum se convirtió en todo un clásico de la música navideña, siendo reclamada su reedición con insistencia. El tema «Christmas Is for Children», alcanzó  el nº 7 en la lista de sencillos de Navidad.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

Emmylou Harris (Light of the Stable) 1979

Si hubiera que elegir a la reina de la música country, esa corona solo podría ser para la maravillosa Emmylou Harris. Artista con casi cincuenta años de carrera, edificada sobre un compromiso y una honestidad, cómo ha habido pocos en la historia de la música popular. Alejada de modas pasajeras. Ninguneada por una industria que solo busca el éxito fácil, y no entienden la fidelidad de esta extraordinaria mujer a las raíces de la música americana.

Premiada en el pasado año 2015 con el Polar Music Prize, considerado el Nobel oficioso de la música, que recogió en Estocolmo en una emotiva ceremonia.

Por tanto, nada mejor que empezar a celebrar musicalmente la Navidad, que con su disco dedicado a la misma de 1979. Como dijo Elvis Costello: «Cantar con Emmylou Harris debe ser lo más parecido a estar en el cielo». Entremos pues en el.

Portada de la reedición del disco en 2002

Emmylou Harris es un artista con una rara especie de voz que transmite una humanidad y una honestidad apabullante, mientras que posee una pureza cristalina que raya en lo angélico. En resumen, es una cantante nacida como pocas para hacer un gran álbum de Navidad, y en 1979 hizo precisamente eso con «Light of the Stable». En el fusiona el sonido de sus últimos álbumes con canciones que honraban las raíces espirituales y emocionales de la Navidad.

La gestación del álbum comenzó en 1975, con la mayor parte del material registrándose progresivamente. Pero Harris y el productor Brian Ahern dieron al proyecto un sonido admirablemente unificado, que habla de la Navidad con una dignidad tranquila y reverente, este es uno de los pocos álbumes de Navidad de un artista que apenas menciona a Papá Noel al enfocarse claramente en el nacimiento de Cristo. Harris y Ahern reunieron a un reparto estelar para estas sesiones, que incluyen a Ricky Skaggs, al estratosférico guitarrista James Burton y a Rodney Crowell, mientras que Willie Nelson, Linda Ronstadt, Dolly Parton y Neil Young hacían los coros en algunos temas. Los resultados son pura magia, que trascienden al espíritu navideño y uno se deja mecer por unas canciones de una belleza devastadora.

Portada de la Edición Original de 1979

Si lo que busca es un disco que vaya a animar ruidosamente su fiesta de Navidad, «Light of the Stable» no lo es. Pero si quiere escuchar una música de una belleza tranquila e infinita, pero convincente, que recoge el verdadero significado de las navidades, entonces usted encontrará que este álbum es una experiencia inolvidable para atesorar.

Christmas Time´s a Coming

O Little Town of Bethlehem

Away in a Manger

Angel Eyes

The First Noel

Beautiful Star of Bethlehem

Little Drummer Boy

Golden Cradle

Silent Night

Light of the Stable

Eagles (Hotel California) 40º Aniversario

El ocho de diciembre pasado, se cumplieron cuarenta años de la publicación de un disco fundamental en la historia del rock. «Hotel California» fue el punto álgido de la carrera de los Eagles, y la culminación y casi el punto final de un sonido, plenamente californiano, que había estado presente desde finales de los sesenta, el country rock.

A finales de la citada década surge el fenómeno del country rock. Fusión de los dos géneros, cuya paternidad habría que otorgarla a Gram Parsons, que tras su paso por The Byrds y la creación de The Flying Burrito Bothers, sentó las bases de este estilo que reinaría durante gran parte de la década de los setenta. Una de las bandas señeras de este estilo musical sería The Eagles, por lo menos en su primera etapa.

En 1971 Glenn Frey y Don Henley, músicos del grupo de acompañamiento de Linda Ronstadt, decidieron crear su propia banda, y con tal fin reclutaron al bajista Randy Meisner y al guitarrista Bernie leadon, que venía precisamente de los Flying Burrito anteriormente mencionados.

http://direct-ns.rhap.com/imageserver/v2/playlists/pp.216596453/albums/images/500x500.jpeg?montage=3x1

Sus dos primeros trabajos, “Eagles” y “Desperado”, son de una clara influencia country. En su siguiente álbum “On the Border”, que supone la entrada del guitarrista Don Felder, empiezan una evolución musical, que les irá alejando paulatinamente de ese sonido country.

Esta evolución se completa con su disco de 1975  “One of This Nights”, donde su sonido es mucho más duro y plenamente rockero; esto, sumado a la lucha de egos que se estaba produciendo en la banda, llevó a Leadon a abandonar la misma y propiciar la llegada del gran guitarrista y compositor Joe Walsh. Con estos mimbres afrontan lo que sería su obra maestra, “Hotel California”.

The Eagles empezaron a preparar “Hotel California” con mucha calma. La compañía, ansiosa por seguir exprimiendo el filón económico que suponía la banda, editaron un recopilatorio titulado “Their Greatest Hits (1971-1975)”. La jugada les salió redonda: se convirtió en el tercer disco más vendido de todos los tiempos y el más vendido de la historia en Estados Unidos.

Al final del verano de 1976, los Eagles alquilaron un rancho en Calabasas, a pocos kilómetros de Los Ángeles. Allí oirían todas las maquetas para elegir los temas que fueran a grabar y ensayarlos en una sala enorme. La idea era registrar primero las canciones elegidas en los Record Plant de Hollywood y, después, producirlas definitivamente en los Criteria Studios de Miami.

Durante la grabación de “Hotel California” las tensiones fueron todavía a más, si es que eso era posible: los hasta entonces inseparables Frey y Henley empezaron a tener cada vez más encontronazos entre ellos, llegando al punto de apenas relacionarse por nada que no tuviese que ver con la música. El alto consumo de ciertas sustancias en el seno de la banda no ayudaba precisamente. El resto del grupo, Meisner, Walsh y Felder hicieron piña entre ellos ante el totalitarismo de los otros dos, llegando a fantasear con independizarse de sus jefes y crear una banda entre los tres.

En ese mismo año 1976, Don Felder estaba en su casa de la playa en Malibú rasgueando una guitarra acústica de doce cuerdas. En un momento dado, Don creaba una fascinante progresión de acordes de guitarra, con tres y cuatro partes prodigiosas y lo registró en una maqueta casera con la ayuda de una grabadora de cuatro pistas. Esta fue una de las maquetas que Felder propuso al grupo. Don Henley y Glenn Frey le pusieron letra y se acabaría convirtiendo en “Hotel California”, el tema principal del disco del mismo nombre y una de las canciones definitivas de la historia de la música popular moderna.

https://3.bp.blogspot.com/-WRewklgDYfU/VuWIeT728ZI/AAAAAAAALh4/9kaONBE9wd4Bif-FLPcF-nJGndi-LvBGg/s1600/ee855c3b244f665bb7b4d80398a9f3a1.jpg

Siempre es difícil hablar de una canción tan mítica como “Hotel California”, sobre la cual se ha escrito tanto durante tantas décadas. Las notas arpegiadas que componen su progresión de acordes, la maravillosa voz de Henley, el demoledor solo de dos minutos al término de la canción en un duelo memorable de guitarras entre Felder y Walsh, con la extraordinaria aportación de Randy Meisner al bajo, fundiéndose al fin en una sola voz que conduce al tema hasta el éxtasis.

Pero es tal la popularidad del tema homónimo del álbum, que ha eclipsado al resto de las composiciones del mismo. «New kid in town» es una proeza compositiva, delicada canción con una cadencia country evidente, dónde a una preciosa melodía se le une una voz de Glen Frey y unos coros celestiales, con un estribillo antológico. «Life in the fast line» es un tema rockero, con un sonido cercano al rock sureño, pero eso sí, dando su sello con las voces, aquí Don Henley lleva la principal. «Wasted time» es un tema lento pero bello a más no poder que a Henley le iban al dedillo cantarlos, con un piano que describe la melodía, un gran tema. El reprise de «Wasted time» cierra la cara A del vinilo.

La cara B, es una transición instrumental. Llega «Victim of love», ese lado rockero de la banda que vuelve, y le da mucha riqueza al disco, con esos guitarrazos controlados y medidos del inicio para que Henley entre a saco con la voz, un tema tremendo. «Pretty maids all in a row» es una canción exquisita que canta Joe Walsh y también da esa riqueza sonora con una pausada melodía, de corte clásico y un bonito estribillo de grandes coros. Llega el tema de Randy Meisner, «Try and love again», deliciosa composición, la más country del disco y que recuerda como no, a los primeros Eagles, descomunal voz y melodía brillante, muy brillante y esas armonías increíbles que casi solo ellos podían hacer. El álbum termina con «The last resort», una melodía devastadóramente hermosa con piano y la voz de Henley perfectamente a tono con la canción, que describe una historia épica. Una manera única de cerrar un disco único como pocos.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

Eagles1_zpsphchoesvEAGLES (LIVE AT CAPITAL CENTER) MARZO 1977

Lya (18/Diciembre/2016)

Domingo, 18 diciembre, 2016 – 21:00 H.

Teatro El Albéitar

Venta anticipada (15€): Cafetería San Francisco, Discos Maci3, Bar Los Pelayos y Casa Rula. Entradas sin descuento.

Venta en taquilla (20€): a partir de una hora antes en el teatro. 50% de descuento para miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación de DNI y Carnet Universitario.

Lya es el nombre artístico de la cantante cordobesa Amalia Barbero, nacida en 1987. Desde muy joven actúa como corista o cantaora para otros artistas, hasta que llama la atención de Alejandro Sanz, quien le propone grabar un disco solista para su flamante compañía discográfica, Lola Records. El álbum, titulado «Un Pellizco de tu Voz» y de estilo flamenco pop/romántico, es lanzado en 2010. Posteriormente edita otros tres álbumes, siendo el último, «Detalles que Guardé», publicado este mismo año 2016.

https://www.facebook.com/lyaoficial

Te Vás (2010)

De Colores (2012)

Así lo Siento (2015)

Detalles que Guardé (2016)

Greg Lake (1947-2016): En la Corte del Rey Carmesí

«Ayer perdí a mi mejor amigo tras una larga y dura batalla contra el cáncer. Greg Lake permanecerá en mi corazón para siempre, donde siempre lo ha estado». Con esas palabras lo despidió su mánager Stewart Young. Y con la partida del músico Greg Lake, a los 69 años, se fue también una parte fundamental de la historia del rock progresivo de los setenta.

Si la legendaria banda Emerson, Lake & Palmer tuvieran que reunirse de nuevo en un concierto especial, en el cartel sólo pondría Palmer. No es una broma macabra. Es la desgraciada constatación de que en 2016, año funesto de por sí para el rock en general, nos han dejado dos de los tres miembros de un grupo que llevó el rock progresivo a sus máximas cotas de complejidad. Si Keith Emerson se quitó la vida el pasado marzo; este 7 de diciembre, Greg Lake, quien fue la voz también de los primeros King Crimson, ha muerto a los 69 años de edad a causa de un cáncer.

Con la muerte de Lake se va otra leyenda del rock. Quizás menos conocida que algunas de las grandes estrellas que han fallecido este año, pero leyenda al fin y al cabo. Guitarrista y bajista, será recordado especialmente por su voz potente e intensa, con la que cantó grandes himnos del rock progresivo desde finales de los años sesenta y principios de los setenta.

King Crimson (1969)

Porque los primeros pasos en la música de este inglés nacido en 1947, fueron nada menos que con su compañero de escuela Robert Fripp, en la banda King Crimson. Debutaron con un álbum excepcional: «In the Court of the Crimson King» (1969), que muchos consideraron fundacional del nuevo estilo. Su voz, y también su bajo, impregnó las grandes canciones de aquel disco, que fue un gran éxito. Pero el hechizo duró poco y Lake, por diferencias con la dominante personalidad de Fripp, decidió abandonar la banda apenas un año después.

King Crimson (In the Court of the Crimson King) 1969

En 1970 surgió la sociedad con Keith Emerson, teclista que venía de The Nice, y Carl Palmer, batería que había pasado por Atomic Rooster. Con este grupo pudo desarrollar sus ideas musicales y plasmarlas en una de las más interesantes bandas británicas del rock progresivo de los setenta.

La potencia del rock, el coqueteo con la música clásica (con las obras de Bartók, Janacek o Músorgski, especialmente este último) y algunas canciones bellísimas como «Lucky Man», escrita e interpretada por Lake. Fueron algunas de las características de esta banda que se terminó con la década, en 1979 y que se reagrupo en 1991. El regreso duró hasta 1998 y más tarde hubo un reencuentro fugaz en 2010 con tono de celebración.

El álbum debut «ELP» (1970) supuso un gran éxito, en el que Lake contribuyó decisivamente con la canción más recordada, la antes mencionada «Lucky Man», que compuso cuando todavía estaba en el colegio. Los siguientes discos, «Tarkus» (1971), «Trilogy» (1972) o «Brain Salad Surgery» (1973), entre otros, mantuvieron un listón alto de complejidad, una de las marcas de la casa del ambicioso proyecto, cada vez más alejado de los estándares comerciales. Personalmente, fue su edad de oro. Se convirtió en una de las voces más reconocibles del rock con los temas épicos de la banda. «Still You Turn Me On» o «From the Beginning», entre otras, llevan su sello inconfundible.

Emerson, Lake & Palmer (Lucky Man) 1970

En medio de esos intervalos Greg Lake hizo una carrera solista donde no faltaron algunos éxitos, como «I Believe in Father Christmas». Entre 1981 y 2002 publicó siete álbumes en solitario. Durante todo ese tiempo también colaboró con grupos como Asia.

En 2005, vivió una suerte de segunda juventud en solitario volviendo retomando grandes giras y sorprendiendo a sus fans con una voz más profunda y densa. Sus grandes éxitos de los sesenta y setenta volvieron a recorrer medio mundo.

Greg Lake (I Believe in Father Christmas) 1974

 

25 Años sin Freddie Mercury. Recordando Su Testamento Musical: Innuendo (1991)

http://media.udiscovermusic.com/img/essentials/Queen/albums-400x400/innuendo.jpg

El pasado 24 de noviembre se cumplieron 25 años del fallecimiento del que sin duda, ha sido el vocalista más carismático de la historia del rock. Quizás Mick Jagger o Roger Daltrey estén casi a su altura, pero la teatralidad, el exceso en el buen sentido en escena, su potencia vocal, han hecho de Freddie alguien único e inimitable.

Estos días se ha recordado este aniversario de muchas maneras, haciendo un recorrido biográfico por su vida o recordando sus mejores canciones. Yo quiero poner el foco en su último trabajo. Un disco grabado con sangre, sudor y lágrimas, dado el muy deteriorado estado de salud de Freddie, que sin estar a la altura de sus grandes clásicos grabados por Queen en los setenta, fue un epílogo más que digno a una carrera irrepetible.

A escasos meses del lanzamiento de «The Miracle» (1989), la salud de Freddie Mercury comenzó a deteriorarse cada vez mas rápido. Lo único que lo distraía de su sentencia de muerte era la música, y es por eso que tan solo unos meses después del lanzamiento de «The Miracle», la banda ya se puso a trabajar en un nuevo disco. «Innuendo» sería el ultimo disco que la banda terminaría y publicaría en vida de Freddie.

«Innuendo» es un disco muy intenso emocionalmente. La revelación de que el final esta cerca esta escalofriantemente presente. Intencionalmente o no, hay una cierta oscuridad que hacía mucho tiempo no estaba presente en un disco de Queen. Escuchamos un sonido mucho mas rockero, complejo y pesado, similar de alguna forma al Queen de los setenta, pero en ocasiones incluso aún mas duro y oscuro.

«Innuendo», el decimocuarto álbum de estudio de Queen, y el primero en los noventa, fue grabado entre los estudios Metrópolis de Londres, y los Mountain Studios de Montreux, Suiza, entre Marzo de 1989 y Noviembre de 1990. Fue publicado el 4 de Febrero de 1991, y una semana más tarde, entró al Nº 1 de la lista de ventas inglesa, hasta ser disco de platino. Fue Nº 1 en Holanda, Suiza, Alemania, Finlandia, Portugal e Italia. Publicado un día después en EE.UU., donde llegó al Nº 30 y fue disco de oro, el primero de Queen en América desde «The Works» en 1984.

Cuando empezó la grabación de «Innuendo», sólo los más allegados a Freddie conocían la gravedad de su enfermedad, y el poco tiempo que le quedaba. Como quedó demostrado después varias veces, el grupo cerró filas en torno a Freddie y le brindaron todo su apoyo hasta sus momentos finales. Esto incluía mantener en absoluto secreto el estado real de Freddie de cara a los medios de comunicación hasta el último momento. Los fans, mientras tanto imaginaban que algo no iba bien, tras ver una aparición de Freddie en televisión en los premios BPI, o su aspecto en algunos vídeos.

Music

Superando su sufrimiento y su angustia personal, Freddie encontró de alguna manera la fuerza para ofrecer unas interpretaciones vocales extraordinarias, llenas de emocion, profundas y conmovedoras. Alcanzaría notas deslumbrantes, como si descubriera una nueva dimensión de su voz, y puso toda su alma en cada nota. Considerando su estado físico, Freddie hizo toda una proeza. Freddie apenas podía levantarse durante las sesiones finales. Cada hora que pasaba en los estudios Mountain requerían esfuerzos sobrehumanos, y sin embargo, nada de eso se nota en el resultado final del álbum. Parece mentira que la extraordinaria voz que aparece en las canciones del álbum, es la de una persona muy enferma y debilitada al punto en que se encontraba Freddie. Muchos están de acuerdo en que estas interpretaciones son no solo excelentes, sino también las mejores y más emotivas de su carrera.

Es muy difícil escuchar este disco sin asociarlo a la muerte de Freddie y al hecho de que la banda básicamente se estaba “apurando” a grabar antes de que ocurriera lo inevitable. Sobretodo cuando tenemos canciones que no tratan de ser livianas o alegres y que nos ponen la piel de gallina con cada nota.

El ultimo disco de estudio de Queen, registra para la posteridad el amor de Mercury por la música. Físicamente muy mermado por su enfermedad, Freddie no tenía ningún tipo de obligación o ambición monetaria que perseguir para emprender la nunca sencilla tarea de escribir y grabar un disco. Aún así nos deja con algunas de sus interpretaciones vocales mas poderosas, honestas y desgarradoras de su carrera. Un cierre musicalmente impecable a una de las discografías mas brillantes de la historia del rock.

Hay que destacar dentro del álbum, el tema que le da nombre, «Innuendo». Con más de 6 minutos de duración, es el sencillo más largo desde «Bohemian Rhapsody» y fue el primero en ser extraído del álbum. Tema épico con varios estilos, sello distintivo del sonido de Queen,  y con un extraordinario solo de guitarra española a cargo de Steve Howe (guitarrista de Yes), fue publicado el 14 de Enero de 1991.

El vídeo de «Innuendo» fue dirigido por Jerry Hibbert y Rudi Dolezal, y es una maravilla de animación. Monigotes de plastilina, se tardó cuatro semanas en crearlos, son uno de los momentos memorables del vídeo; un vídeo de más de 6 minutos que es uno de los más espectaculares, caros y memorables de Queen.

QUEEN (INNUENDO) 1991: VÍDEO DEL TEMA PRINCIPAL

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

Víctor Antón Group (09/Diciembre/2016)

Viernes, 9 diciembre, 2016 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

CREACIÓN INJUVE

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla

Víctor Antón Group nace de la inquietud del guitarrista y compositor zamorano Víctor Antón, que se rodea de buenos amigos y excelentes músicos para interpretar composiciones originales que se han plasmado en su primer trabajo discográfico como solista, «Motion». La banda surge entorno al Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene) donde se gestan las composiciones y los primeros ensayos. El proyecto ha sido llevado a cabo gracias a la colaboración del INJUVE y se ha grabado en Zamora entre los días 30 y 31 de Octubre de 2015 con la ayuda del ingeniero de sonido Juanan Ros. Lo edita el sello discográfico Errabal.

La música de Jazz supone una constante renovación del lenguaje tradicional que se va superando para dar lugar a nuevos tipos de construcción de temas y de comunicación entre músicos. Es por eso que los temas originales de este proyecto se nutren del jazz tradicional y el lenguaje del bebop pero a la vez buscando ingredientes nuevos que entroncan directamente con el jazz contemporáneo e incluso con la fusión y el rock. Se presenta en formación de quinteto y los instrumentos que lo integran son: saxo alto, guitarra eléctrica, piano, contrabajo y batería, un formato clásico en la música de jazz pero buscando algunas sonoridades y formas de interacción nuevas.

Motion es, en definitiva, un disco en el cual Víctor Antón se muestra tal y como es en este momento de su trayectoria humana y musical: sus logros, sus avances, sus preguntas, sus respuestas, sus inquietudes y sus referencias. Decía Stan Getz que en los viejos tiempos los músicos de jazz grababan los discos no tanto por una cuestión de crear un producto vendible y cariñoso con el bolsillo, sino con la finalidad de documentar algo en lo que se ha estado currando y en lo que se cree, un desarrollo personal o la apuesta colectiva de una banda. Ese testimonio queda ahí para el futuro y para ser compartido por quienes conocen y saben apreciar el esfuerzo de un puñado de músicos por crear música juntos, por compartir. En este sentido, hay que darle la enhorabuena a Víctor y a todos quienes han participado en Motion por haber sido capaces de dejarnos con ganas de más, y pronto.

Formación:

Víctor Antón: composición y Guitarra

Josu Salegui: saxo alto

Juan Ortiz: piano y rhodes

Chuchi García: contrabajo

Aarón Castrillo: batería

Underground (2016)

No Function (2016)