La muerte nos rescata del olvido, aunque sea solo un momento. Esta máxima es perfectamente aplicable al recientemente fallecido Eduardo Rodrigo. La obra de este cantautor y compositor argentino, de padre español, ha quedado sumida en la nebulosa del tiempo, siendo conocido por el gran público, básicamente, por su matrimonio con Teresa Rabal, que le llevó a centrar su carrera en el mundo de la composición de temas destinados al público infantil. Suyas son las célebres composiciones «Veo, veo», «De oca a oca», «Me pongo de pie», «Palmitas con palmitas» o «El avión de Teresa».

Yo soy el primero en entonar el mea culpa. Seguramente sin la noticia de su muerte, nunca le hubiera dedicado una entrada. Hora es de reparar tamaña injusticia, y hacer una semblanza de una carrera, cuya enorme calidad es inversamente proporcional al poco conocimiento de la misma. De ese joven inmerso en su labor de folklorista, reivindicando la música autóctona de su país, hasta su evolución hacia la canción melódica.

Luis Eduardo Rodrigo nació en la ciudad argentina  de San Juan, el 15 de junio de 1943. Eduardo comenzó a escribir canciones y poemas a los 14 años. Estudió guitarra, armonía y composición, y se tituló como experto en folklore. La primera etapa de su carrera artística se desarrolló en Latinoamérica, donde publicó una veintena de discos con canciones como «Collar de Caracolas» y «Luna Playera».

En 1959, a los 16 años de edad, obtiene el Primer Premio en el Encuentro de Poetas Noveles de San Miguel de Tucumán. En 1963 es la revelación del Festival de Cosquín, Córdoba, (Argentina). En esta fecha, cursando segundo de derecho, comienza a definir su vida profesional encauzando sus objetivos hacia la música tradicional con textos nuevos y frescos en el panorama nacional argentino y comienza su carrera en Buenos Aires. Luego, Debuta en la televisión argentina. Actúa en Series, Fotonovelas y en dos películas: «Ritmo, amor y juventud» y «Cosquín, amor y Folclore».

Collar de Caracolas (1963)

De 1964 a 1969, graba 20 LPs, editando en Argentina, Chile, España, Uruguay, Venezuela, Paraguay, Japón, etc…, colocándose en los primeros puestos de las listas de venta. En esta etapa también obtiene premios en Festivales: Piriapolis, Viña del Mar y otros. Actúa en estadios tales como: Velez, San Lorenzo etc… Otros grandes éxitos son «Pedrito», “Nuestra Noche”, “Zamba de Ud”.

En 1970 realiza su primera gira europea: Italia, Francia y España. En España graba su poema premiado por Instituto de Cultura Hispánica «Los ojos de Charlie», basando el tema argumental en el suceso trágico de Charlie Manson y Sharon Tate, acompañándole una gran orquesta dirigida por el maestro Torregrosa.  En 1971 obtiene el primer premio y el de la Crítica del Festival de Almería.  En 1972 obtiene también el primer premio del Festival de Benidorm con su canción «A María yo Encontré».

En 1973 se afinca definitivamente en España, grabando para la RCA. Compone bandas sonoras para el cine y TVE, acompañándole un gran éxito con sus canciones, como: «Indio», «Por eso te quiero», «Uds. Mujeres», etc… Sus éxitos ocupan los primeros puestos en las listas españolas durante varios años. Escribe «Se necesita Presidente», una obra que critica el desarrollo político los discursos y acciones en la gestión de los países al sur de Norteamérica. Esta obra sufre la prohibición de su representación por el tinte político de la misma.

A María yo Encontré (1972)

En 1974. Codirige, produce y transforma en musical la obra teatral «Gigí» de Colette. En Madrid estuvo dos años en cartel, luego de una gira de extraordinario éxito. Obra por la cual Teresa Rabal , logra el “Margarita Xirgu”, premio a la Mejor Actriz.  En 1977, el 1º de Mayo, se casa con ella. Actriz y cantante, hija de los actores Asunción Balaguer y Francisco Rabal. La boda se realiza en una pequeña aldea murciana “La Cuesta de Gos”, campamento minero donde nació Paco Rabal. A esta boda asisten más de 6.000 invitados.

Actúa en TV y por toda España. Compone canciones para otros intérpretes, (Nino Bravo, Gloria, Antonio, los Machucambos, Teresa Rabal, etc….). Realiza las adaptaciones al mundo musical hispano de muchos temas ingleses. Compone las bandas sonoras de películas: «Ambiciosa». “La fierecilla domada” “loca por el circo”.  En 1979. Comienza a incursionar en el mundo de la cancón infantil y compone una obra musical para niños que titula «Una cigarra llamada Teresa». La estrena Teresa Rabal en el teatro de la Villa, obteniendo un gran éxito, que motiva la permanencia por varias semanas más.

Gloria (Por eso te Quiero) 1971 (Compuesta por Eduardo Rodrigo)

En 1980 el gran éxito de Teresa Rabal con los temas infantiles obliga al matrimonio a organizar sus conciertos en recintos de mayor aforo (plazas de toros, polideportivos) y deciden este año, hacerse con una gigantesca carpa para 4.600 localidades, para recorrer toda España con su espectáculo. Nace “El Circo Infantil de Teresa Rabal“ que viaja continuamente actuando por toda España, alternando con apariciones televisivas y grabaciones de discos. La gira dura diez años.

En 1984 produjo el exitoso largometraje, “Loca por el Circo”, con guión y música de él mismo, y protagonizado por su mujer.

Por estas fechas, logra colocarse entre los cuatro autores de lengua hispana más cantados en el mundo con más de mil obras musicales grabadas por diferentes artistas de diferentes nacionalidades. Entre éstas se incluyen obras musicales de teatro, televisión y 240 temas infantiles con más de 2.000.000 de copias vendidas.

El último gran éxito de Eduardo Rodrigo fue la obra de su autoría “Emmanuel”. Musical de corte religioso basado en la vida de Jesucristo, que grabó junto a su mujer Teresa Rabal, acompañados por la orquesta y coros de Televisión Española con 112 músicos, 90 voces y ballet.

Eduardo Rodrigo falleció en Madrid, el lunes 17 de abril de 2017 a la edad de 73 años.

Zamba de Usted (1964)

Indio (1972)

Teresa Rabal & Eduardo Rodrigo (Ustedes los Hombres) 1977

Emmanuel (Extracto de la Obra) 1996

En 1972, en el apogeo de su talento, Joan Manuel Serrat publicó «Miguel Hernández», un álbum de referencia que pone música a las palabras de uno de los más grandes poetas españoles. Serrat había conseguido una popularidad y un éxito increíbles gracias a «Dedicado a Antonio Machado» y «Mediterráneo». Fue entonces cuando decidió grabar uno de sus discos más pesimistas. No podía ser de otra manera si pretendía musicar a Miguel Hernández. Los textos elegidos cobraban mucho significado con Franco todavía en el poder. Le salió un trabajo impecable, sobrio y enérgico, en el que los versos del poeta se adaptan con una naturalidad pasmosa a los registros y las melodías de Serrat. Josefina Manresa, viuda de Hernández, agradeció tantas y tantas veces que se hubiera hecho este disco, que el propio Serrat llegó a sentir vergüenza, porque no quería restarle protagonismo a las letras.

Treinta y ocho años más tarde, con ocasión del centenario del nacimiento de Hernández, Serrat volvió a visitar la obra del poeta oriolano en «Hijo de la Luz y de la Sombra».

Joan Manuel Serrat (Miguel Hernández) 1972

Las situaciones en las que se grabaron los dos álbumes son completamente distintas. Serrat ya ha dejado de ser el huracán que volvió al mundo de habla hispana al revés entre 1965 y 1974, una influencia comparable sólo a lo que hizo Georges Brassens para la lengua francesa o Bob Dylan para el inglés. Además, la reputación de Hernández ha sufrido un cambio radical, desde ser un poeta prohibido y, por tanto, casi olvidado durante el régimen franquista, a uno de las principales figuras de la literatura española del siglo XX.

El álbum de Serrat en 1972 – Franco todavía estaba vivo y en el poder – era un gesto desafiante y revolucionario. Su álbum de 2010 es simplemente un anhelo, un tributo lleno de ternura. Sin embargo, es imposible no comparar ambos álbumes, no sólo porque su fuente y el artista son los mismos, sino también porque sus diferencias pueden ser más iluminadoras que sus similitudes. En lugar de ser «Miguel Hernández», Pt. 2, «Hijo de la Luz y de la Sombra» parece considerar la obra de Hernández desde otra perspectiva. Si el resultado final del álbum de 1972 fue contribuir en gran medida a la construcción de Miguel Hernández como símbolo de resistencia política. En su lugar, el disco de 2010 pide al oyente que preste atención a su poesía.

Joan Manuel Serrat (Hijo de la Luz y de la Sombra ) 2010

El álbum de 1972 era tan negro como su portada, su uniformidad de tono enviaba escalofríos por la columna vertebral, una historia angustiosa de sufrimiento, ira y desesperación tras otra, todo ello con austeros y elegíacos arreglos. Por el contrario, el álbum de 2010 elige en su lugar mirar la obra entera de Hernández, desde sus obras juveniles románticas hasta sus poemas sombríos tardíos, enriqueciendo esta colección con una mayor variedad de temas.

Los arreglos de Joan Albert Amargós, completamente distintos a la soberbia orquestación de Francesc Burrull en 1972, son sorprendentemente más ligeros, incluso para los textos más oscuros como «El Hambre». La comparación con una temática similar como «Nanas de la Cebolla» del álbum de 1972 es sorprendente. En particular, el uso de voces de fondo, que hubieran estado completamente fuera de lugar en la primera colección.

«Hijo de la Luz y de la Sombra» no llega a la altura de la primera aproximación de Serrat a la obra del poeta. Pero, sin embargo, esto no hace que sea un mal álbum. Lejos de ahí, es uno de los lanzamientos de Serrat más interesantes de los últimos tiempos. La voz de Serrat puede haber perdido la fuerza que tenía en 1972, pero puede moverse adecuadamente, sobre todo cuando se trata de textos que obviamente significan mucho para él, como la canción que da nombre al álbum. Huelga decir que las palabras hipnotizantes de Hernández son base suficiente para una garantía de calidad y emoción en cualquier álbum.

Las Tres Heridas de Miguel Hernández

(Documental de la Asociación Cultural Orihuela 2010)