Pierre Bastien (29/Noviembre/2018)

29-11-2018

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Entradas 6€ : a partir de media hora antes de la función en taquilla
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carné Universitario y DNI

PIERRE BASTIEN es un genio inclasificable, un artista con letras mayúsculas. Doctorado en literatura francesa del siglo XVIII, influido por John Cage,  Julio Verne, o Raymond Roussel, e inspirado por futuristas y dadaístas, el francés  ha desarrollado un particular universo combinando instrumentos tradicionales con máquinas sonoras de su propia invención. Bastien ha creado así auténticas orquestas de autómatas, ha colaborado con artistas de la talla de Pascal Comelade o Robert Wyatt, y ha sido comparado en su clarividencia a Aphex Twin. Único.

Web
http://www.pierrebastien.com/
Audio
https://pierrebastienmorphine.bandcamp.com/
Video
https://vimeo.com/84752077

Dire Straits. 40 Aniversario de su Álbum Debut

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El 7 de octubre de 1978, los británicos Dire Straits lanzaban su primer álbum al mercado. Este álbum incluye nueve canciones compuestas por el guitarrista y vocalista Mark Knopfler, que logra mezclas ajustadas de rock, folk y música de raíces americanas, con un estilo distintivo de tocar la guitarra y una voz grave con un fraseo muy personal.

Como letrista, Knopfler escribe breves narraciones sobre los problemas mundanos de la gente común: problemas con las mujeres, problemas con el dinero, problemas con encontrar nuestro lugar en el mundo.

El grupo se formó a mediados de la década de 1970 por Mark y su hermano menor, el guitarrista David Knopfler. Originarios de Newcastle, los hermanos emigraron a Londres, donde Mark trabajaba como profesor mientras tocaba en pubs por la noche. El bajista John Illsley y el veterano batería Pick Withers fueron finalmente reclutados y la banda se formó con un nombre que hacía referencia a su precaria situación financiera. La banda consiguió un préstamo para grabar una cinta con cinco canciones, logrando que la cinta, que incluía ‘Sultans of Swing’, pasara a manos del disc jockey de la BBC Charlie Gillett, cuyo apoyo inicial ayudó a despertar el interés del futuro sello del grupo, Phonograph Records.

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Dire Straits en Amsterdam (1979). Fotografía: Barry Schultz

En retrospectiva, es fácil apreciar lo que atrajo a los ejecutivos de  Phonograph de Dire Straits, pero también es importante reconocer que el sonido de la banda estaba completamente fuera de onda con todo lo que estaba sucediendo en el rock a finales de los setenta. Aunque la distintiva guitarra de Knopfler era a menudo el punto focal de la música, su interpretación se resistía a grandes alardes como solos explosivos, y la producción limpia de Muff Winwood del disco era la antítesis del sonido más crudo y pesado que era popular entre muchas bandas de entonces. Ni punk ni disco, ni glam ni heavy metal, Dire Straits eran casi un estilo en sí mismos.

En principio, Dire Straits parecían ser buenos candidatos para ser una de esas bandas de culto, y candidatos poco probables para el estrellato del pop. El debut discográfico de la banda, a pesar de una serie de críticas positivas, las ventas no explotaron de inmediato, especialmente en los EE. UU., donde el gran single del disco, «Sultans of Swing», tardó más de cinco meses en comenzar a despegar.

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Dire Straits tocando en Hamburgo (1978). Fotografía: Heinrich Klaffs

Mientras tanto, la banda estaba ocupada recorriendo Europa, donde el público los recibía con más entusiasmo. Finalmente, para finales de 1979, habían llegado a la cima de las listas de álbumes de todo el mundo mientras enviaban «Sultans of Swing» al Top 5 en los Estados Unidos.

Los Dire Straits fueron uno de esos raros grupos que tuvieron un estilo distintivo desde el momento de su creación, una idea clara de sus cualidades y la mejor forma de emplearlas.

Dire Straits, o más específicamente Mark Knopfler en el papel de vocalista, guitarrista y letrista, creó un estilo único que resonaría durante décadas y daría como resultado un sonido verdaderamente atemporal.

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Lista de Reproducción del Álbum

Mr Groovy and The Blue Heads (23/Noviembre/2018)

23-11-2018

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Entradas 6€: a partir de media hora antes de la función en taquilla

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carné Universitario y DNI

Una de las grandes bandas de Rhythm & Blues, de referencia en España. Doce años y más de 1000 conciertos les avalan, plagados de kilómetros, hoteles, discos…pero, sobre todo, plagados de éxitos. Mr Groovy and The Blue Heads  han recorrido los escenarios de los mejores festivales de Blues del país. Desde que esta banda decidió comenzar su andadura no ha parado de tocar y de componer. «Monday Club», «Blueseando», «Jauja» y «Somos Más» son sus cuatro discos oficiales. Swing, Rock & Roll, Blues, Funk, Country, Second Line… no hay estilo que se les resista.

Los conciertos de Mr Groovy and The Blue Heads son una fiesta de ritmo y blues. Han vendido más de 5.000 copias de sus discos y las descargas en internet se cuentan también por miles. La banda ha recorrido el país siendo elogiada por músicos de la talla de Toni Jurado (Loquillo, La Frontera, Antonio Vega, Ariel Rot…), Antonio Álvarez (La Vacazul, Amparanoia, Speak Low…), Quique Gómez (Gatos Bizcos) o profesionales de la música como Iñaki Elorriaga (Director del Festival Internacional de Blues de Getxo), Joan Ventosa (Bad Music Blues), Carlos Malles (Director del Festival internacional de Hondarribia), Dj Coe (Ruta 61 de Radio 3)… y ha tenido colaboraciones, tanto en disco como en directo, del pianista Juan Galiardo,los saxofonistas Pedro Cortejosa y Antonio Lizana, los teclistas Toni Romero y Javier Galiana o los armonicistas Marcos Coll y Mingo Balaguer, entre otros. Actualmente, algunos de ellos forman parte de la banda, que gira en formaciones desde 5 hasta 9 músicos.

ENLACE AL VÍDEO PROMOCIONAL DE MrGOOVY & THE BLUEHEADS

Lucho Gatica (1928/2018). Adiós al Rey del Bolero

Fallece cantante y actor chileno Lucho Gatica

A principios de 1950, un joven cantante llamado Lucho Gatica, se puso muy nervioso frente a un micrófono en el estudio de grabación de Odeon en Santiago de Chile. Había alcanzado una modesta popularidad como cantante de folk, pero ahora, para esta sesión de grabación, los productores acordaron dejar que probara los boleros más orientados al pop. La sesión produjo varias canciones que conmovieron a todos los presentes en el estudio. Sabían que algo muy especial había ocurrido ese día …

De hecho, cuando las grabaciones llegaron a las emisoras de radio en Chile y el resto de América Latina, causaron un impacto popular enorme. Prácticamente de la noche al día, Lucho Gatica se había convertido en un ídolo para millones de personas en todo el continente. La interpretación de los boleros de Lucho ha influido en cada vocalista de habla hispana desde entonces.

Esta semana Lucho nos ha dejado. Setenta años de carrera que han sido la banda sonora de varias generaciones. Todo hemos partido en su barca y su rejoj ha marcado nuestras horas. Queda el recuerdo y el homenaje a este chileno inmortal, que ayudo como poc@s a convertir el bolero en la expresión máxima de la canción romántica.

Lucho Gatica  con su esposa Mapita Cortés. Fotografía: Archivo Fundación Nacional para la Cultura Popular

Luis Enrique Gatica Silva, «Lucho Gatica», nació el 11 de agosto de 1928 en Rancagua, un pueblo minero en el centro de Chile. Sus padres, José Agustín Gatica y Juana Silva, tuvieron otros cuatro hijos antes de Lucho y una hija después de él. El padre murió cuando Lucho tenía solo tres años y Juana tuvo que criar a sus seis hijos sola y con grandes dificultades económicas. Se mudaron a Santiago en 1945, donde se matriculó en el Instituto Alonso de Ercilla, pero dejó sus estudios para dedicarse a la música.

En 1949, realizó su primera grabación profesional, en la que cantó junto a su hermano Arturo. En 1951 graba «Me Importas Tú» que se convirtió en un mega éxito en América Latina, abriendo muchas puertas para Gatica. Éxito que encadenó con «Contigo en la Distancia» de 1952. Gatica grabó además una versión del «Bésame Mucho» de Consuelo Velázquez en 1953. En 1954 graba uno de sus grandes clásicos: «Sinceridad».

Lucho cantó los boleros de una manera nueva y fresca. Había pasión y había calidez en su voz aterciopelada. De hecho, Lucho pudo hacer que la gente «sintiera» las letras de sus canciones como nadie lo había hecho antes. Desde entonces, Lucho Gatica se convirtió en un prolífico artista, que consiguió éxito tras éxito. «El Reloj», «La Barca», «Novia Mia», «No Me Platiques» y otras cuarenta canciones más fueron éxitos en América Latina, España y Portugal rompiendo todos los récords de ventas anteriores y ganando para Lucho muchos Discos de oro.

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Lucho Gatica con Nat King Cole recibiendo sendos premios (1959). Fotografía: Otto Rothschild / Los Angeles Philharmonic Archives

Por razones estratégicas, Lucho decidió establecerse en México, donde Odeon tenía mejores instalaciones de grabación y distribución. Además, la prolífica industria cinematográfica mexicana quería contar con el. En 1956 apareció en cuatro películas cuyo principal reclamo era la frase mágica «con actuaciones musicales de Lucho Gatica».

En aquella época, en todos los lugares donde Lucho actuó, hubo un auténtico pandemonium antes, durante y después de sus conciertos. Pero nunca pudo imaginar que su llegada a España en 1959 también pasaría a la historia.

5.000 fans lo esperaban en el aeropuerto de Barajas en Madrid. Sus actuaciones en España fueron eventos sociales que atrajeron a la realeza, políticos, estrellas de cine y jet set de toda Europa. Una de sus fans más devotas en España fue la actriz Ava Gardner, y aunque los periódicos hicieron alusión a un posible romance entre la estrella de cine y el joven Lucho, la relación se convirtió en una sólida amistad que duró muchos años.

Lucho Gatica descubriendo su estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood (2008). Fotografía: Cordon Press

Los logros de Lucho en esos primeros diez años de carrera lo seguirán durante los siguientes cuarenta años. Grabó durante los años 60, 70 y 80 y continuó actuando en todo el mundo, triunfando ante audiencias tan distantes como Oriente Medio y Japón. Para entonces, sus canciones se consideraban estándares y cada nueva generación de cantantes rendiría homenaje a su genio al grabar su material. En 1990, EMI-España lanzó un edición de 2 CDs con los mejores éxitos de Lucho, que acertadamente llamaron «Bolero es … Lucho Gatica» y, para sorpresa de todos, la colección comenzó a subir en las listas de ventas y alcanzó el puesto número uno. Terminó vendiendo más que Madonna, Michael Jackson y todos los artistas pop que previamente habían dominado las listas. 400,000 copias fueron vendidas en las dos  primeras semanas.

A pesar de su fallecimiento, el romance del público con Lucho Gatica nunca terminará. Fue y es el «Rey» y el público nunca se cansará de escuchar sus canciones. Lucho dijo una vez a un reportero de una revista que «mientras la gente se enamore, mis canciones serán populares». El tiempo lo ha probado sin duda alguna.

El Reloj

La Barca

Yo Vendo unos Ojos Negros

Sinceridad

Contigo en la Distancia

Voy Apagar la Luz

Historia de un Amor

Javier Navas Quartet (16/Noviembre/2018)

16-11-2018

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Entrada libre, hasta completar aforo. Recoger invitación a partir de quince minutos antes de la actuación en taquilla.

El cuarteto liderado por Javier Navas supone una visita a un repertorio jazzístico auténtico y lleno de modernidad, agrupación donde el vibráfono de Javier se desenvuelve con mayores dosis de expresión y energía.

Desde el año 2014, Javier viene trabajando con una sección rítmica de contrastada calidad musical. Juan Galiardo (Jerry Bergonzi, Joe Magnarelli, Dick Oatts, Dave Santoro, Gregory Hutchinson) al piano. Bori Albero (Chano Domínguez, Lee Konitz, Dado Moroni, Barry Harris) al contrabajo. Y Dani Domínguez (Jorge Pardo, Chano Domínguez, Perico Sambeat, Kase.O) a la batería. El grupo ha creado un lenguaje propio a través de más de cien conciertos en estos años, interpretando un amplio repertorio bajo la autoría de Javier Navas; repertorio que se apuntala en 2016 con la llegada de Enrique Oliver al saxofón tenor para completar el front line, convirtiendo al cuarteto en un grupo heterogéneo de cinco miembros.

A través de giras de conciertos y sesiones diversas, todo este trabajo cristaliza de forma natural en la publicación del primer disco de la formación, «Finally in my Hands» (Ambar Records, 2016). Con una excelente recepción de crítica y público, este trabajo permite al grupo visitar gran parte de la geografía española, en más de cincuenta conciertos de presentación (Jamboree Jazz Club, Jimmy Glass, Recoletos Jazz Club, Festival de Invierno de Málaga, Elcercano, Filloa Jazz Club, Nova Jazz Cava) y giras por Aragón, Galicia, Cataluña o Andalucía.

Fruto de esta buena acogida, son seleccionados para la realización de una gira de nueve conciertos en el II Circuito Andajazz, donde los diferentes profesionales del jazz en Andalucía escogen a distintos proyectos para su presentación por toda la comunidad. Esta gira toca a su fin en noviembre de 2017, dando por concluida la etapa de «Finally in my Hands».

El siguiente trabajo discográfico, «Fresh Start» (Autoedición, 2018) supone la consolidación definitiva de un lenguaje propio, de una voz personal, tanto en las composiciones como en el propio sonido del grupo. Meses antes de su grabación, el grupo es incluído en el programa AIE Artistas en Ruta para realizar una gira por España en otoño de 2018. Esta gira coincide con la presentación oficial de «Fresh Start» por todo el país, permitiendo al grupo realizar quince conciertos de presentación, incluyendo importantes locales y festivales de otoño (Festival OFF Jimmy Glass, Festival Jazz Abierto de Málaga, Festival Internacional de Jazz de Lugo, Ciclo 1906, Ciclo Auditorio La Bilbaína).

https://www.javiernavasmusic.com/

Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). La música de cristal

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Retrato de Tchaikovski, obra de 1906 de Nikolai Dmitriévich Kuznetsov

Pyotr Ilyich Tchaikovsky es considerado el compositor ruso más popular de la historia. Su música siempre ha tenido un gran atractivo para el público en general gracias al atractivo de sus melodías, sus impresionantes armonías y su colorida orquestación, todo lo cual provoca una profunda respuesta emocional a su obra. Este año se cumple el 125º aniversario de su muerte.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky nació el 7 de mayo de 1840 en Votkinsk, región de Vyatka, Rusia. Fue el segundo de seis hijos (cinco hermanos y una hermana). Su padre, Ilya Tchaikovsky, era un ejecutivo de una compañía minera. Su madre, llamada Aleksandra Assier, era de ascendencia rusa y francesa.

Tchaikovsky empezó a tocar el piano a la edad de 5 años. Era un niño sensible y emocional, y quedó profundamente traumatizado por la muerte de su madre de cólera, en 1854. En ese momento, fue enviado a un internado en San Petersburgo. Se graduó en la Escuela de Derecho de esa misma ciudad en 1859, luego trabajó durante 3 años en el Departamento de Justicia. Entre 1862 y 1865 estudió música bajo la tutela de Anton Rubinstein en el Conservatorio de San Petersburgo. Entre 1866 y 1878 fue profesor de teoría y armonía en el Conservatorio de Moscú. En ese momento se encontró con Franz Liszt y Hector Berlioz, quienes visitaron Rusia con giras de conciertos. Durante ese período, Tchaikovsky escribió su primer ballet «El Lago de los Cisnes», la ópera «Eugene Onegin», cuatro Sinfonías y el brillante Concierto para piano n° 1.

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 Tchaikovsky en su juventud

Cuando era joven, Tchaikovski sufrió experiencias personales muy traumáticas. Estaba sinceramente enamorado de una hermosa soprano, llamada Desiree Artot, pero su compromiso no se materializó y ella se casó con otro hombre. Una de sus alumnas, Antonina Ivanovna Milyukova, estudiante del Conservatorio de Moscú, le escribía cartas de amor de manera persistente. Amenazó con quitarse la vida si Tchaikovsky no se casaba con ella. Su breve matrimonio en el verano de 1877 duró solo unas pocas semanas y le causó una crisis nerviosa. Incluso hizo un intento de suicidio lanzándose a un río. En septiembre de 1877 Tchaikovsky se separó de Milyukova. Ella finalmente terminó en un manicomio, Donde pasó más de 20 años hasta su fallecimiento. Nunca se volvieron a ver. Aunque su matrimonio fue anulado legalmente, Tchaikovsky la apoyó financieramente hasta su muerte.

Quien fue especialmente capturada con la música de Tchaikovsky fue Nadezhda von Meck, la viuda adinerada de un magnate ferroviario ruso. Von Meck había encargado algunos trabajos menores a Tchaikovsky y comenzó una relación epistolar justo antes de su matrimonio. Tchaikovsky, a su vez, le había pedido préstamos para cubrir sus gastos. Von Meck sugirió pagar a Tchaikovsky un subsidio anual de 6.000 rublos, en cuotas mensuales, para evitarle la vergüenza de pedir futuros préstamos. Esto también permitiría a Tchaikovsky renunciar al Conservatorio de Moscú en octubre de 1878 y concentrarse principalmente en la composición.

La correspondencia entre Von Meck y Tchaikovsky llegaría a más de 1.200 cartas entre 1877 y 1890. Los detalles de estas cartas son extraordinarios para dos personas que nunca se conocerían, salvo dos encuentros casuales. Tchaikovsky también estaba más preparado para confiarle a su benefactora sobre algunas de sus angustias vitales, que fueron muchas, y sobre sus procesos creativos que a cualquier otra persona.

Nadezha von Meck

Después del final de su breve matrimonio, Tchaikovsky viajó por Europa, escribiendo obras como el Segundo Concierto para piano, la Serenata para cuerdas, sus tres primeras suites orquestales y las óperas «La Criada de Orleans» y «Mazeppa». A partir de 1889 fue muy conocido internacionalmente y escribió obras maestras como «La Reina de Espadas», «La Bella Durmiente», «El Cascanueces» y la Sexta sinfonía (conocida como «Patética»).

El 2 de noviembre de 1893, después de una agradable cena, bebió un vaso de agua del grifo. Sus amigos quedaron horrorizados. ¿No sabía que era la temporada del cólera en San Petersburgo, que no se debía beber agua sin hervirla antes? Tchaikovsky, al parecer, no estaba preocupado. El hecho es que Tchaikovsky murió de cólera cuatro días después de beber el agua.

Tchaikovski personificó como pocos el alma romántica. Profundamente melancólica, su música permanece intemporal. La construcción sinfónica tradicional, que hace milagros en sus sinfonías, se alterna con formas más libres de creación musical. Su expresión a menudo nostálgica y lírica, convirtió a Tchaikovsky en uno de los maestros de la música de ballet, al cual dotó de una calidad musical desconocida hasta entonces. Entre la genialidad y la miseria, el compositor dejó páginas imborrables en la historia de la música.

El Lago de los Cisnes (Selección)

Sinfonía Nº 4

El Cascanueces

Sinfonía Nº 6 (Patética)

Concierto para Piano Nº 1

 

Quinteto O´Globo (08/Noviembre/2018)

08-11-2018

 20:15 H.
 Teatro el Albéitar ULE

Entrada libre, hasta completar aforo. Recoger invitación a partir de treinta minutos antes de la actuación en taquilla.

Formado en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en el año 2015, todos sus integrantes se forman tanto en la Escuela en sus distintos departamentos de instrumento, como en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, con los profesores Hansjorg Schellenberger, Radovan Vlatković, Klaus Thunemann y Gustavo Núñez.

Han realizado numerosos conciertos por toda España en ciudades como Barcelona, Palma de Mallorca, Segovia, Ávila, Ibiza, Santander y Madrid.
Durante los cursos 2016-17 y 2017-18 reciben el premio al grupo más sobresaliente de música de cámara de la Escuela Superior de Música Reina Sofía a manos de la Reina Doña Sofía.

Actualmente está formado por Gala Kossakowski (flauta), Inmaculada Veses (oboe), Natacha Correa (clarinete), Andrea Pérez (fagot) y Jessica Rueda (trompa).

https://www.facebook.com/quintetoOGlobo/