Esta fotografía corresponde al álbum de Bob Dylan «The Basement Tapes», donde le acompañan  The Band. Fue lanzado el 26 de junio de 1975. Las canciones con la voz de Dylan fueron grabadas en 1967, ocho años antes del lanzamiento del álbum, en casas en y alrededor de Woodstock (Nueva York), donde Dylan y The Band vivían. Aunque la mayoría de las canciones de Dylan habían aparecido en discos piratas, «The Basement Tapes» marcó el primer lanzamiento oficial de las canciones.

Finalmente en 2014 se publicaron todas las grabaciones efectuadas en aquel verano de 1967. Casi cincuenta años tuvieron que pasar para descubrir toda la magia que se creó en aquel sótano, de aquella casa pintada de rosa a las afueras de Nueva York. Canciones pensadas para no se grabadas, que te atrapan precisamente por eso, por su frescura y espontaneidad. Bienvenidos al Santo Grial del rock.

Bob Dylan en 1966

En julio de 1966, Bob Dylan estaba en la cima del éxito tanto creativo como comercial. «Highway 61 Revisited» había alcanzado el número tres en la lista de álbumes de Estados Unidos en noviembre de 1965; el recientemente lanzado doble LP «Blonde on Blonde» fue ampliamente aclamado. De septiembre de 1965 a mayo de 1966, Dylan emprendió una extensa gira por los Estados Unidos, Australia y Europa, respaldada por los Hawks, una banda que anteriormente había trabajado con el músico Ronnie Hawkins. The Hawks lo formaban cuatro músicos canadienses – Rick Danko, Garth Hudson, Richard Manuel y Robbie Robertson – y un americano, Levon Helm. El público de Dylan reaccionó con hostilidad al sonido de su ídolo respaldado por una banda de rock. El viaje culminó en un famoso concierto en Manchester, en mayo de 1966, cuando un miembro de la audiencia gritó «Judas!» a Dylan por supuestamente traicionar la causa de la música folk. Dylan descubrió que su manager, Albert Grossman, había organizado otros 63 conciertos a lo largo de los Estados Unidos ese mismo año.

El 29 de julio de 1966, Dylan se estrelló con su motocicleta Triumph cerca de su casa en Woodstock, Nueva York, sufriendo daños en sus vértebras y una leve conmoción cerebral. Los conciertos que estaban programados tenían que ser cancelados. Su biógrafo Clinton Heylin escribió en 1990 sobre la importancia del accidente: «Un cuarto de siglo después, el accidente de motocicleta de Dylan sigue siendo visto como el eje de su carrera, como un repentino y abrupto momento en que su vida realmente explotó. La gran ironía es que 1967 -el año después del accidente- sigue siendo su año más prolífico como compositor «.

The Band junto a «Big Pink»

Rick Danko recordó que él, Richard Manuel y Garth Hudson se unieron a Robbie Robertson en West Saugerties, a pocos kilómetros de Woodstock, en febrero de 1967. Los tres se trasladaron a una casa en Stoll Road apodada «Big Pink» por el color rosa de la fachada. Danko y Manuel habían sido invitados a Woodstock para colaborar con Dylan en una película que estaba editando, «Eat the Document», un documental sobre la gira mundial de 1966.

En un cierto punto entre marzo y junio de 1967, Dylan y los Hawks (futuros The Band) comenzaron una serie de sesiones de grabación informales, inicialmente en el cuarto rojo de la casa de Dylan, Hola Lo, en el área de Byrd cliffe de Woodstock. En junio, las sesiones de grabación se trasladaron al sótano de Big Pink. El teclista Hudson instaló una unidad de grabación, usando dos mezcladores estéreo y un grabador prestado por Grossman, así como un conjunto de micrófonos prestados por el trío Peter, Paul y Mary. Más tarde, Dylan diría a Jann Wenner: «Esa es la manera de hacer una grabación, en un ambiente tranquilo y relajado, en el sótano de alguien, con las ventanas abiertas … y un perro tirado en el suelo».

Las canciones grabadas en las primeras sesiones incluyeron material escrito o popularizado por Johnny Cash, John Lee Hooker, Hank Williams y Eric Von Schmidt, así como canciones y estándares tradicionales. Vincular todas las grabaciones, tanto nuevas como viejas, es la forma en que Dylan se reenganchó con la música tradicional americana. El biógrafo Barney Hoskyns observó que tanto la reclusión de Woodstock como la disciplina y el sentido de la tradición en la musicalidad de los Hawks eran precisamente lo que Dylan necesitaba después de la «psicosis trotamundos» de la gira 1965-66.

Bob Dylan durante los meses que pasó aislado en Woodstock

Dylan comenzó a escribir y grabar nuevo material en las sesiones. Según Hudson, «Estábamos haciendo siete, ocho, diez y, a veces, quince canciones al día. Algunas eran viejas baladas y canciones tradicionales … pero otras veces Bob se inventaba a medida que avanzaba … Jugábamos con la melodía, Él cantaba algunas palabras que había escrito, y luego inventaba algo más, o simplemente sonidos con la boca o incluso sílabas a medida que avanzaba, es una buena manera de escribir canciones». Hudson agregó: «Me sorprendió la capacidad de escritura de Bob, cómo entró, se sentó a la máquina de escribir y escribió una canción, y lo sorprendente fue que casi todas esas canciones eran divertidas». Dylan grabó alrededor de treinta nuevas composiciones con los Hawks, incluyendo algunas de las canciones más célebres de su carrera. 

Una de las cualidades de «The Basement Tapes» que lo distingue de las obras contemporáneas es su sonido simple y realista. Las canciones fueron grabadas a mediados de 1967, el «Summer of Love» que produjo «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» de los Beatles, su álbum más elaborado técnicamente. En una entrevista de 1978, Dylan reflexionó sobre el período: «No sabía cómo grabar la forma en que otras personas estaban grabando, y yo no quería.» Los Beatles acababan de lanzar el Sgt. Pepper, Me pareció un disco muy indulgente, aunque las canciones en él eran muy buenas, no creía que toda esa producción fuera necesaria».

Después de circular en innumerables discos pirata. En enero de 1975, Dylan inesperadamente dio permiso para el lanzamiento de una selección de las grabaciones del sótano. El álbum recibió numerosas críticas por ceñirse muy poco a las grabaciones originales. El 4 de noviembre de 2014, Columbia / Legacy publicó una caja de 6 Cd que contiene 139 pistas, que comprende casi la totalidad de las grabaciones del sótano de Dylan, incluyendo 30 pistas nunca pirateadas.

Portada de la Edición Completa de «The Basement Tapes» (2014)

Andy Gill describe perfectamente la particularidad de estas grabaciones: «Musicalmente, las canciones estaban completamente en desacuerdo con lo que estaba pasando en el resto del mundo, que durante el largo y caluroso verano de 1967 se celebra el nacimiento del movimiento hippie con una explosión llamada Psicodelia. Música que es en su mayoría, fáciles loas al amor universal envueltas en interminables solos de guitarra «.

Varios artistas han reconocido la influencia de The Basement Tapes en su música. Según Billy Bragg: «Escuchar ahora «The Basement Tapes» me parece el comienzo de lo que se llama americana o country alternativo». Según Elvis Costello, el álbum «suena como si hubiese sido hecho en una caja de cartón. Creo que Dylan estaba intentando escribir canciones que sonasen como si las hubiese encontrado debajo de una piedra. Como si fuesen canciones de folk reales, porque si vuelves a la tradición folk, encontrarás canciones tan oscuras y profundas como éstas». En el mismo sentido, varios críticos musicales han señalado la influencia del álbum en diversos grupos. Al respecto, Stuart Bailie escribió: «Si el rock & roll es el sonido de una fiesta, «The Basement Tapes» es el de la mañana siguiente: nublado y melancólico y con potencia emocional. Innumerables grupos  han tratado de volver a ese lugar».

En 2016, la revista Rolling Stone revista clasificó a «The Basement Tapes» en el número 292 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

40 años han pasado desde aquel lejano 16 de agosto de 1977, cuando quedó vacío el trono del rock. Elvis Aaron Presley nos dejaba precipitadamente a los 42 años de edad. Glosar la figura de Elvis puede ser una labor titánica. Más de 20 años de carrera, donde contribuyó decisivamente al nacimiento y expansión del rock & roll. Con luces y sombras, su figura es imprescindible no solo para glosar la música del siglo XX, sino, la propia historia del mundo de aquellos años, donde fue un pilar básico de la cultura popular de entonces.

Huey Lewis dijo una vez que el corazón del rock & roll está en Cleveland. Sin embargo, si quieres ir a donde nació el rock & roll, Memphis lo es. Después de todo, esta es la ciudad que creó a Elvis, y sin Elvis no habría rock & roll.

Elvis nació en Tupelo, Mississippi y se trasladó a Memphis con su familia. Él era tímido, impopular en la escuela y parecía una opción inverosímil para convertirse en el artista más popular del mundo. Memphis tenía una vibrante escena musical, pero debido a la tensión racial de la época, era difícil promover a los artistas negros, pero no necesariamente en Sun Records. En el sello fundado por Sam Phillips en 1952, el lema era que registrarían a cualquiera .Según algunos relatos, Elvis fue a grabar un disco para su madre y ahí es donde todo comenzó, ya que Elvis finalmente capturó el “sonido de Memphis”.

Graceland: La Mansión de Elvis Presley en Memphis

Sun Records todavía funciona como un estudio de grabación. Además del Rey, Sun también fue el primer estudio para grabar y promover otros artistas legendarios como Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison. Usted puede visitar el estudio real donde Elvis grabó sus primeros singles e incluso posar con el micrófono que utilizó. Elvis grabó un buen número de demos durante un año, pero nada hizo clic en Phillips, que estaba buscando a un intérprete blanco para reproducir el ritmo y la música de blues que amaba de los clubes negros de Memphis.

Una noche, sin embargo, Elvis estaba tocando con otros dos intérpretes del estudio y de repente empezó a girar y cantar, una alejamiento de sus baladas habituales, y Phillips se dio cuenta de que había encontrado el sonido que había estado buscando. Sun Records consiguió que su álbum fuera transmitido y vendió su contrato dos años más tarde a RCA Records en Nashville.

The Million Dollar Quartet: Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Elvis Presley and Johnny Cash

La carrera de Elvis, como la de cualquier otro artista, tuvo sus buenos momentos junto a otros no tan afortunados, pero por encima de todo destacan dos períodos que definieron su historia musical: 1955-56, cuando adquirió una enorme popularidad en Estados Unidos y en el resto del mundo con un sonido que recogía influencias procedentes de distintos estilos, y los años setenta, cuando, tras haber regresado en dos ocasiones tras otros tantos alejamientos del mundo artístico, recuperó su imagen de mito gracias a sus giras de conciertos. Hoy, 40 años después de su muerte, el éxito que consiguió como artista se mantiene tan impactante como el primer día, y Elvis Presley sigue siendo el indiscutible Rey del Rock & Roll.

A pesar del trágico final que alcanzó su vida, los logros conseguidos por Elvis se mantienen como auténticos hitos históricos. En Estados Unidos ha conseguido 132 discos de oro, platino o multi-platino por sus álbumes y singles, muchos más que cualquier otro artista. Es la única persona que ha conseguido formar parte de los tres Halls of Fame, es decir, los dedicados al rock & roll, country y gospel. A nivel mundial, Elvis ha vendido más de mil millones de discos, más que ninguna otra estrella.

Heartbreak Hotel (1956)

Hound Dog (1956)

Jailhouse Rock (1957)

Are you Lonesome Tonight (1960)

Can’t Help Falling in Love (1961)

In the Ghetto (1969)

Suspicious Minds (1969)

An American Trilogy (1972)

Burning Love (1972)

Always on my Mind (1972)

Para todos los que conocen la trágica historia de la ascensión y el descenso meteórico de Syd Barrett en el mundo del rock, consideran que «The Piper at the Gates of Dawn» sigue siendo un testimonio de una mente que, por un breve período, no vio fronteras. Grabado en el período previo al verano del amor en un estudio junto al que los Beatles estaban dando los toques finales al Sgt Pepper, este álbum sigue siendo un pináculo de la música psicodélica inglesa. Está lleno de reflexiones de un poeta infantil, de una mente todavía no oprimida, pero libre de vagar entre los cuentos de hadas y exploraciones cósmicas y aún estar en casa a tiempo para el té.

«The Piper at the Gates of Dawn» ha inspirado a mucha gente, pero lo que es profundamente irónico,  es que una de los pocas bandas que no lo han copiado son ellos mismos, Pink Floyd. Antes de perder la cabeza, el principal compositor de Pink Floyd fue Syd Barrett, un estudiante de arte de clase media, sensible y atractivo de Cambridge. Sus canciones en «The Piper at the Gates of Dawn» reúnen a un grupo de gatos, zapatos de plata, unicornios, ratones llamados Gerald, motos, gnomos, y los colocan en la música psicodélica más inventiva y sorprendente jamás grabada.

Pink Floyd en 1967: Richard Wright, Roger Waters, Nick Mason y Syd Barrett

Los estudiantes de arquitectura Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright y el estudiante de arte Syd Barrett habían actuado bajo varios nombres desde 1962, y comenzaron a hacer giras como «The Pink Floyd Sound» en 1965. Se convirtieron en profesionales el 1 de febrero de 1967 al fichar por EMI. Su primer single, una canción sobre un travesti cleptómano titulado «Arnold Layne», fue lanzado el 11 de marzo, creando alguna controversia por su temática, no siendo emitida en algunas radios.

Tres semanas más tarde, la banda fue presentada a los principales medios de comunicación. El comunicado de prensa de EMI afirmó que la banda eran «portavoces musicales de un nuevo movimiento que implica la experimentación en todas las artes», pero EMI trató de poner cierta distancia entre ellos y la escena underground en la que se originó la banda. La banda regresó al estudio de Sound Techniques para grabar su próximo single, «See Emily Play», el 18 de mayo. El single fue lanzado casi un mes después, el 16 de junio, y alcanzó el número seis en las listas.

El título del álbum se toma de un capítulo de uno de los libros favoritos de Syd Barrett, «El Viento en los Sauces». Las imágenes líricas del álbum están llenas de colorido infantil, aunque filtradas a través de la lente perceptiva del LSD. Las canciones pop melódicas y pegadizas de Barrett, se equilibran con piezas más largas y experimentales que demuestran los trastornos instrumentales del grupo, a menudo usando temas de viajes espaciales como metáforas para experiencias alucinógenas. «Astronomy Domine» es un buen ejemplo de lo que decimos, Pero pistas como «Interstellar Overdrive» son algunas de las primeras incursiones en lo que ha sido etiquetado como rock espacial.

Pero a pesar de que las letras y melodías de Barrett son en su mayoría juguetonas y humorísticas, la música de la banda no siempre da fe de esos sentimientos. El trabajo de orquesta de Rick Wright, la disonancia, el cromatismo, los ruidos extraños y los efectos de sonido vocal se emplean en varios casos, dando la impresión de caos, y confusión al acecho bajo una brillante superficie. «The Piper at the Gates of Dawn» captura con éxito ambos lados de la experimentación psicodélica: los placeres de expandir la mente y la percepción, y una amenaza subyacente de trastorno mental e incluso de locura; Esta dualidad hace al disco aún más convincente a la luz del derrumbe posterior de Barrett, y lo clasifica como uno de los mejores álbumes psicodélicos de todos los tiempos.

«The Piper at the Gates of Dawn» es uno de los discos más influyentes en la historia. Su avanzado sonido, experimentación y combinación de distintos géneros como rock, pop y folk ha inspirado a distintos artistas. La exploración sónica del disco es absoluta: cuenta con cambios de métrica (pasando del regular 4/4 a métricas como 11/8). También podemos encontrar progresiones de acordes inusuales («Astronomy Domine») y escalas poco comunes en la música popular.

El álbum fue inicialmente recibido con críticas frías, pero con paso del tiempo se ha ganado un lugar en el olimpo de la música. George Starostin afirmó que este álbum es «La Biblia astral de la psicodelia». En NME, sobre la versión de 40 años de aniversario, escribieron que «Incluye dos singles de Barrett, censurados, no incluidos en el álbum original: «Arnold Layne» y «See Emily Play», que son tan buenas como cualquier cosa que los Beatles hayan grabado. Sobre esto, el portal Pitchfork comentó que «Mientras The Beatles ejercían un control absoluto en las herramientas del estudio, Pink Floyd usaba el estudio para perder el control». Los mismos también dijeron «Mientras la mayoría de los discos del Verano del Amor eran positivos y unían, The Piper era fracturado y terrorífico».

Después del lanzamiento del álbum en agosto de 1967, Pink Floyd continuó actuando en Londres, con audiencias cada vez más grandes. Pero el estado mental de Barrett continuó deteriorándose, y pronto llegó al punto en el que no podía actuar en el escenario. Aparte de unas pocas canciones más y una canción en el siguiente álbum del grupo, Barrett no volvería a tocar con la banda de nuevo, haciendo de «The Piper At the Gates of Dawn», una obra verdaderamente única.

Enlace a la Lista de Distribución del Álbum 

Pink Floyd (Arnold Layne) 1967

Pink Floyd (See Emily Play) 1967

Documental Dedicado a la Figura de Syd Barrett

Paz, amor, felicidad y música maravillosa. 1967 fue una potente mezcla de cambio cultural, cuestionamiento político y liberación personal, que resultó en una migración masiva de jóvenes a San Francisco. La ciudad era un centro de exploración psicodélica, centrándose alrededor del distrito de Haight-Ashbury, donde bandas y artistas como Grateful Dead, Jefferson Airplane o Janis Joplin, marcaron el camino a seguir. El Monterey Pop Festival de Junio fue el pináculo del verano, reuniendo a decenas de miles de personas durante tres días de música.

En el otoño, todo había cambiado y un lado oscuro distorsionó las aspiraciones esperanzadas de los hippies. El movimiento se había convertido en un espectáculo mediático y cada vez más  desordenado. San Francisco estaba repleta de traficantes y adolescentes fugitivos, y la escena de Haight-Ashbury se deterioró debido a la sobrepoblación, la falta de vivienda y el crimen. Al darse cuenta de que la paz y el amor no podían sostenerlos para siempre, la mayoría de los hippies finalmente tuvieron que volver a la universidad o conseguir un trabajo, aunque algunos encontraron maneras de continuar sus estilos de vida alternativos en casa o en el extranjero. Para la mayoría, sin embargo, el sueño utópico había llegado a su fin.

Y ese verano, tal vez más que cualquier otra época antes o después, tenía su propia banda sonora. En la vanguardia, creando el San Francisco Sound, que evolucionó a partir de bandas locales como Grateful Dead y Jefferson Airplane, y cambió para siempre el rostro del rock & roll. El estilo, sumamente colorido, era salvajemente improvisado y pesadamente psicodélico.

Fue un fenómeno fugaz, pero creó una cultura alternativa que sacudió los cimientos del orden establecido en occidente. La música fue una de sus señas de identidad. Quedan aquí los recuerdos musicales de aquella época, de cuando todo parecía posible, de aquella generación que pensó cambiar el mundo con flores en el pelo.

Scott McKenzie (San Francisco)

Jefferson Airplane (White Rabbit)

The Association (Windy)

The Mamas & The Papas (Creeque Alley)

Strawberry Alarm Clock (Incense & Peppermints)

The Electric Prunes (I Had Too Much To Dream Last Night)

The Jimi Hendrix Experience (Purple Haze)

Grateful Dead (The Golden Road To Unlimited Devotion)

Janis Joplin (Ball and Chain)

The Beatles (All You Need Is Love)

Aunque han pasado ya cincuenta años desde que el 17 de julio de 1967 falleciese el saxofonista John Coltrane a los 40 años de edad, su figura sigue siendo una de las más importantes en la actualidad en el mundo del jazz. Su influencia ha sido decisiva en la mayoría de los músicos que han venido tras él, e incluso, en la propia concepción del jazz. Aparte de las discusiones sobre cuál de las fases de su carrera es más interesante o sobre cuál es su mejor disco, entre los aficionados una de las preguntas recurrentes es hacia dónde habría evolucionado su música (y con ella el jazz) si no hubiera fallecido a una edad tan temprana.

John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926, en Hamlet, Carolina del Norte. La primera influencia musical de Coltrane fue su padre, sastre y músico a tiempo parcial. John estudió clarinete y saxofón alto cuando era joven y luego se mudó a Filadelfia en 1943. Allí continuó sus estudios en la Ornstein School of Music y los Granoff Studios. Fue reclutado en la marina en 1945 y tocó con una banda de su unidad hasta 1946; Él cambió al saxo tenor en 1947. A finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, él tocó en salas de conciertos y en las grabaciones con músicos tales como Eddie Vinson, Dizzy Gillespie, Earl Bostic y Johnny Hodges. El primer solo grabado de Coltrane puede ser escuchado en «We love to boogie» de Gillespie (1951).

Coltrane llegó a la cumbre cuando se unió al quinteto de Miles Davis en 1955. Su abuso de las drogas y alcohol durante este período condujo a la falta de fiabilidad, y Davis lo despidió a principios de 1957. Limpio de sus adicciones, se embarcó en un período de seis meses con Thelonious Monk y comenzó a hacer grabaciones bajo su propio nombre, como el soberbio «Blue Train», grabado en el estudio de Rudy Van Gelder para la Blue Note. En cada nuevo trabajo, demostró un nuevo nivel de disciplina técnica, así como una mayor sofisticación armónica y rítmica.

John Coltrane y Miles Davis (1960)

Durante este período, Coltrane desarrolló lo que llegó a ser conocido como sus «capas de sonido» su particular estilo improvisando, como describe el poeta LeRoi Jones: «Las notas que «Trane» estaba tocando en el solo se convirtieron en algo más que una nota tras otra. Las notas llegaron tan rápido y con tantos matices que tuvieron el efecto de que tocaba los acordes con rapidez, pero de alguna manera articulaba por separado cada nota en el acorde y sus vibrantes subtonos». La cascada de notas durante sus poderosos solos mostró su virtuosismo con progresiones de acordes, culminando en la virtuosa interpretación del álbum «Giant Steps» (1959).

El tono de Coltrane en el saxo tenor era enorme y oscuro, con definición clara y cuerpo completo, incluso en los registros más altos y más bajos. Su estilo vigoroso e intenso era original, pero las huellas de sus ídolos Johnny Hodges y Lester Young se pueden distinguir en su fraseo, en el que el instrumento se desliza de nota en nota sin pausas discernibles. De Monk aprendió la técnica del Multiphonic, por el cual un intérprete puede producir múltiples tonos simultáneamente usando una embocadura relajada (es decir, posición de los labios, lengua, y dientes), presión variada, y una digitación especial.

Coltrane regresó al grupo de Davis en 1958, contribuyendo a desarrollo del conocido como «jazz modal», cuya culminación fue «Kind of Blue» (1959), considerado como un ejemplo esencial del jazz moderno de los años cincuenta. Davis en este punto estaba experimentando con modos, es decir, patrones de escala distintos de mayor y menor.

John Coltrane, Julian «Cannonball» Adderley, Miles Davis y Bill Evans durante la grabación de «Kind of Blue» (1959)

Después de terminar su asociación con Davis en 1960, Coltrane formó su propio cuarteto, con el pianista McCoy Tyner , el contrabajista Jimmy Garrison, y el batería  Elvin Jones. En este momento Coltrane comenzó a tocar el saxofón soprano además del tenor. A lo largo de la década de los sesenta, Coltrane se centró en la Improvisación. Al mismo tiempo, su estudio de las músicas de la India y África afectó a su acercamiento al saxofón soprano. Estas influencias, combinadas con una interacción única con los tambores y el constante ritmo del piano y el contrabajo, hicieron del cuarteto de Coltrane uno de los grupos de jazz más destacados de los años sesenta. La esposa de Coltrane, Alice (también músico de jazz y compositor), tocó el piano en su banda durante los últimos años de su vida.

Durante el corto período comprendido entre 1965 hasta su muerte en 1967, el trabajo de Coltrane se expandió en una improvisación colectiva y libre basada en escalas preestablecidas. Fue el período más radical de su carrera, y sus experimentos vanguardistas dividieron a críticos y público.

El trabajo más conocido de Coltrane abarcó un período de sólo 12 años (1955-67), pero, debido a que grabó prolíficamente, su desarrollo musical está bien documentado. Su estilo temprano relativamente melódico se puede escuchar en los álbumes de Davis grabados para las etiquetas Prestige y Columbia durante 1955 y 1956. La unión con Thelonious Monk revela el crecimiento de Coltrane en términos de técnica y sentido armónico, una evolución más marcada de los álbumes de Davis «Milestones» y «Kind of Blue».

Grabación de «A Love Supreme». Diciembre 1964

La mayoría de los primeros álbumes en solitario de Coltrane son de una altísima calidad, particularmente el mencionado «Blue Train» (1957), quizás el mejor ejemplo grabado de su primer estilo, el hard bop. Grabaciones de finales de la década, como Giant Steps (1959) y «Mt Favorite Things» (1960), ofrecen la evidencia de su virtuosismo. Casi todos los álbumes que Coltrane grabó durante los primeros años se clasifican como clásicos; «A Love Supreme» (1965), un álbum profundamente personal que refleja su compromiso religioso, es considerado como su obra maestra, y una pieza fundamental en la evolución del jazz. Sus últimas incursiones en el jazz de vanguardia, están representadas por «Ascension» y «Meditations»  (ambos de 1965), así como varios álbumes publicados póstumamente.

El álbum «Blue Train» será objeto de una entrada monográfica, con motivo del 60º aniversario de su publicación.

Blue Train (1957)

Giant Steps (1959)

My Favorite Things (1961)

Impressions (1963)

A Love Supreme (1965)

Meditations (1966)

Jazz entre Amigos (TVE) Monográfico Dedicado a John Coltrane

Naxos fue creada en 1987 como una etiqueta de música clásica de bajo presupuesto, ofreciendo CDs al precio de un vinilo, en un momento en que los CDs costaban cerca del triple que un LP. La atención se centró en la grabación de un repertorio estándar con sonido digital. Desde estos humildes comienzos, Naxos se convirtió en una de las principales etiquetas clásicas del mundo, grabando una amplia gama de repertorio con artistas y orquestas de más de 30 países.

Naxos estrena alrededor de 200 nuevos títulos por año, ofreciendo muchas grabaciones de estreno mundial, pero también parcelas de enormes obras completas como la música de piano de Liszt y las sinfonías de Villa-Lobos. El catálogo de Naxos ahora consta de más de 9.000, grabado por artistas y orquestas consagrados, ganadores de premios y jóvenes estrellas en ascenso. El sello presenta muchas series dirigidas a mercados nacionales específicos, aunque ninguno más importante que sus «American Classics», cuyos compositores, orquestas, directores, solistas y productores han ganado 19 premios Grammy.

Paralelamente al crecimiento de la etiqueta, Naxos construyó una infraestructura mundial para su propia marca y para la mayoría de las otras etiquetas clásicas independientes. Ofrece a estas discográficas una amplia gama de servicios que van desde la distribución y logística física y digital, hasta la comercialización y promoción, la concesión de licencias y la administración y la recaudación de derechos discográficos. Naxos también ha traído un número de etiquetas clásicas independientes bajo su paraguas que les ofrece su infraestructura mientras que mantiene su independencia artística. Entre estas etiquetas se encuentran Capriccio, Dynamic, Ondine, Orfeo y otras 13.

Klaus Heymann (Fundador de Naxos)

Naxos es también el líder de la industria en la presentación digital de la música clásica. En 1996, hizo que los catálogos completos de Naxos y su marca hermana, Marco Polo, estuvieran disponibles para streaming, las primeras marcas en la historia de la industria para hacerlo. En 2002, la compañía lanzó Naxos Music Library, la primera plataforma de streaming de suscripción de la industria, cuatro años antes del lanzamiento de Spotify. Desde entonces, se lanzaron plataformas de streaming para el jazz, la world music y las producciones audiovisuales.

Las bibliotecas en línea de Naxos son utilizadas por miles de instituciones educativas y profesionales de todo el mundo. Ofrecen no sólo escuchar música, sino también una amplia gama de material de referencia, incluyendo un diccionario de música interactiva. Más allá de estas bibliotecas, Naxos ha hecho grandes inversiones en la educación musical que van desde libros con CD a libros electrónicos y aplicaciones. «My First Classical Music Book» se ha publicado en 10 idiomas y la aplicación basada en el libro ha sido una de las más exitosas de la música clásica. La Universidad de León también ofrece este fabuloso recurso, dentro de su catálogo de recursos electrónicos.

Enlace a Naxos en el Catálogo de la ULE

El Naxos Music Group celebrará el 30 aniversario con eventos en Munich y Londres, incluyendo un concierto de gala en la Capilla de la Corte en Múnich con los artistas de Naxos: Boris Giltburg, Tianwa Yang y Gabriel Schwabe.

En el evento de Munich, Klaus Heymann, fundador de Naxos, recibirá el Premio de Logros Especiales de los Premios Internacionales de Música Clásica (ICMA) otorgado el 1 de abril de 2017. El presidente de ICMA, Remy Franck, comentó: «Klaus Heymann ha cambiado la Industria y sin él nunca habría logrado la dinámica que tiene hoy, a pesar de todos los problemas que pudieran existir, debido a su visión, su increíble eficiencia y su profundo amor por la música, se convirtió en el principal actor de la industria».

Un set de edición limitada con 30 CDs, seleccionados del extenso catálogo de Naxos, fue lanzado en todo el mundo en abril. Ofrece grabaciones emblemáticas de los 30 años de historia de la etiqueta.

Canal de Naxos en YouTube

Hoy se cumplen 25 años de la muerte de Camarón. 25 años sin una de las figuras fundamentales, no solo del flamenco, sino de la música en general.

Camarón conjugó innovación, tradición, talento y esfuerzo, instinto y reflexión: un adelantado a su tiempo que sabía que el flamenco está vivo y que evoluciona, pero sin perder en ningún momento su raíz. Si hay un artista que ha contribuido en gran medida a esta difusión del flamenco, a su conocimiento y a su acceso a nuevos públicos y escenarios, ese fue José Monje Cruz, Camarón de la Isla.

Un cantaor que marcó un antes y un después en la historia de este arte. Su recuerdo, 25 años después de su fallecimiento, sigue siendo cercano y vigente, tanto que sigue atrayendo a muchos aficionados a los lugares señeros de su biografía, situados en San Fernando, localidad que llevó como insignia en su nombre artístico.

Hay muchas maneras de rendirle homenaje. Pero recordar lo que supuso su figura en el, a veces, anquilosado mundo del flamenco y lo revolucionario de su cante, es la mejor manera de homenajearle, Hubo un antes y un después, hubo un punto de inflexión, y fue Camarón. Y lo fue sobre todo por un  álbum: «La Leyenda del Tiempo». Uno de los mejores discos creados en este país. Un trabajo ignorado en su día, pero que como en otros muchos casos, el paso de los años no ha hecho sino reivindicarlo, hasta ser reconocido como uno de los dos o tres mejores discos de la historia de la música española.

Antonio Sánchez Pecino, padre de Paco de Lucía, fue el descubridor de Camarón y ejerció de productor al principio de su carrera. Hablar de producción en el flamenco tradicional de aquella época, es una guitarra y palmas. Camarón se sentía atascado artisticamente, quería evolucionar. Estaba fascinado con los innovadores arreglos de los primeros trabajos de Lole y Manuel.

Ricardo Pachón, productor de Lole y Manuel, hace una selección muy acertada de diversos textos de Federico García Lorca que musicaliza y presenta a Camarón, después de que este le hubiera dicho que no tenía ninguna canción de momento para su nuevo disco. Pero que José Monge dijera que no tenía ninguna canción, no significaba que no tuviera ninguna idea, tenía muy claro que quería hacer algo diferente, que quería salir de los estándares del flamenco (voz, guitarra y palmas) y abrir un nuevo horizonte.

Camarón y Ricardo Pachón

Ricardo Pachón fue el productor visionario que descubrió y grabó algunos de los mejores artistas del rock underground andaluz, especialmente sevillanos. Su figura, junto con la de Gonzalo García Pelayo, es fundamental para entender la evolución del rock español de los setenta.

Si esto fuera Estados Unidos, el chalet de Ricardo en Umbrete sería un centro de peregrinación. Los apasionados de la fusión flamenca se acercarían al lugar y, conteniendo la respiración, pisarían arrobados el suelo que pisaron Camarón, Lole y Manuel, los Pata Negra o Kiko Veneno, en la época más inspirada de sus vidas creativas. Allí Camarón desarrolló esta obra maestra, muy bien acompañado. Nunca se ha juntado tanto talento en este país para realizar un disco.

Camarón y Ricardo Pachón juntaron a un conjunto de músicos de tan difícil gobierno como rebosante genialidad. Estos imprimieron a la grabación el carácter revolucionario que todavía hoy desprende, acompañando la voz flamenca de Camarón con guitarras y bajos eléctricos, batería y percusión latina, sitar y saxofón. Una “maná de locos”, como los definió Tomatito, compuesta por personajes como Raimundo y Rafael Amador, el propio Tomatito, Juan el Camas, Jorge Pardo, Rubem Dantas, Manolo Rosa, Rafael y Manuel Marinelli, Pepe Roca, Gualberto García, Kiko Veneno…

Ricardo Pachón, Camarón y Raimundo Amador durante la grabación de «La leyenda del tiempo». Foto de Mario Pacheco

Ricardo Pachón siempre cita el disco «Sabicas, Rock Encounter with Joe Beck» (1970), como aquel que le sirvió de inspiración y de modelo para investigar y profundizar las posibilidades de fusión del flamenco con el rock y el blues. Sabicas, recordemos, era un guitarrista flamenco exiliado, que por aquel entonces residía en EEUU, y que se convirtió en el maestro de la nueva generación de guitarristas comandados por Paco de Lucía.

«La Leyenda del Tiempo» presenta canciones flamencas de estilo tradicional como «Romance del Amargo» y «Homenaje a Federico». Otras piezas como ‘La Leyenda del Tiempo’ y ‘La Tarara’ cuentan con solos de piano eléctrico y sintetizador de Manuel y Rafael Marinelli y guitarra eléctrica de Pepe Roca, los tres miembros de la banda de rock andaluz Alameda. Y por supuesto, «Volando Voy» de Kiko Veneno, La canción más conocida del álbum.

El último corte, la sobrecogedora «Nana del Caballo Grande», cuenta con Camarón acompañado por Gualberto en el sitar. Gualberto es una leyenda de la música underground andaluza (fue miembro de Smash). Sus discos en solitario, especialmente «Vericuetos» son grabaciones imprescindibles. 

«La leyenda del Tiempo» marcó un antes y un después en la música española. Abrió el camino de la renovación y la fusión en el flamenco, después tantas veces trillado tanto para bien como para mal. Sentó las bases incluso para su internacionalización. Y si a día de hoy, multitud de especialistas consideran a Omega, disco que en 1996 grabara el llorado Enrique Morente junto a Lagartija Nick, una de las cimas de la historia musical española, quizás no venga mal recordar que posiblemente aquel no hubiera sido posible, sin que unos años antes Camarón y Ricardo Pachón unieran su talento para dar forma a «La leyenda del Tiempo».

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

Camarón Interpretando el Tema Central del Álbum en TVE

«Tiempo de Leyenda». Documental Coproducido por TVE en 2009 sobre la Grabación del Álbum