26-09-2019

 21 horas

 Teatro El Albéitar ULE

Muestra del nuevo Jazz – AIE. Jazz-flamenco

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

Lole & Manuel (Nuevo Día) 1975

En la línea de grandes trabajos que revitalizaron el flamenco en los años setenta, el primer álbum de Lole y Manuel es una delicia de principio a fin. La voz profunda de Lole se compenetra a la perfección con la guitarra de Manuel, conformando una estupenda colección de canciones, entre las que destacan: «Nuevo Dia» y «Todo es de Color».

La voz superdotada de Lole Montoya es arropada magistralmente por la guitarra racial y descriptiva de Manuel Molina, pero también por alguna guitarra eléctrica, piano o bajo eléctrico. Incluso hay por ahí un mellotron.

Con Nuevo Día estamos ante toda una revolución. Desde el barrio sevillano de Santa Clara, Lole y Manuel supieron imbuirse de tendencias de todo tipo para vestir su flamenco de un ligero barniz casi progresivo, que no oculta la pureza de su arte, pero que lo diferencia de todo lo que se había hecho hasta entonces.

La producción del Ricardo Pachón, que ya había coincido con Molina en los pioneros Smash, hace el resto con una producción exquisita, rompedora, pero a la vez respetuosa con las esencias básicas del flamenco.

Camarón (La Leyenda del Tiempo) 1979

Pocas veces, por no decir ninguna, se ha reunido tanto talento para elaborar un disco en España. Camarón, impresionado por los trabajos de Lole y Manuel, y cansado de la monotonía creativa de sus últimos trabajos, prácticamente sin ningún tipo de arreglo. Contactó con Ricardo Pachón, productor de Lole y Manuel, para intentar hacer un álbum parecido.

Descartado el propio Manuel Molina como productor, esa era la idea inicial, y solventados los problemas de Camarón con su discográfica. Se puso en manos de pachón para realizar el álbum que había soñado.

Pachón reunió en torno a Camarón a lo más granado de la escena musical sevillana, con añadidos tan gloriosos como Tomatito a la guitarra, los hermanos Amador o Kiko Veneno. “Concentrados” en la finca sevillana de Pachón, Crearon uno de los trabajos más revolucionarios, arriesgados, y a la vez fascinantes de la historia de la música popular española.

En lugar de degradar al flamenco, lo ennoblece y lo hace accesible al mundo entero. Es el canto desgarrador que describe las heridas de la vida, y a la vez es el bálsamo que las cura.

El disco fue un fracaso absoluto, comercial, que no artístico. He hizo que Camarón volviera rápidamente a la ortodoxia flamenca. Pero 40 años después pocos álbumes han sido tan rompedores como La Leyenda del Tiempo. Y esa perspectiva de los años lo coloca con todos los honores, como uno de los cinco mejores discos de nuestra historia musical.

Triana (El Patio) 1975

Durante la primera mitad de los años setenta, el rock vivió en España una de sus épocas más oscuras. Reducido casi a la clandestinidad, y sin ningún tipo de visibilidad pública. El rock hispano quedó sepultado por una maraña de cantantes melódicos y músicos que hicieron del activismo político y social su bandera de enganche.

Pero a partir del ecuador de la década, la situación lentamente comenzó a cambiar. De los rescoldos de la música underground y las bandas progresivas de principios de la década, surgen dos corrientes que insuflarán nueva vida al alicaído rock patrio. Estamos hablando del Rock Andaluz y el Rock Urbano.

Pero estos movimientos le deben mucho a dos personajes irrepetibles, que fueron los catalizadores de este renacer rockero, a través de los sellos discográficos que crearon, impulsando y normalizando la escena musical española. Estamos hablando de Gong y Chapa. Estamos hablando de Gonzalo García Pelayo y Vicente «Mariscal» Romero.

Estos dos sellos dieron cancha a cantidad de nuevas bandas, que sin el apoyo de estas discográficas, lo hubieran tenido muy difícil para poder grabar. Todos estos movimientos fueron la banda sonora de La Transición. Eran tiempos de esperanza y de cambios, y el rock no solo no fue ajeno, sino que fue un instrumento más para lograrlo.

Asfalto (Asfalto) 1978

El Rock Andaluz, fusión deL Rock Progresivo con las raíces musicales andaluzas, cuyo mascarón de proa fue Triana, pero no fueron los creadores de este sonido. Todo comienza con la llegada de Manuel Molina a Smash, el grupo señero del underground sevillano a principios de los setenta. Canciones como “El Garrotín” y “Tangos de Ketama”, dan fe de la embrionaria mezcla del rock con el flamenco. Más tarde, Triana inició su lento despegue con la publicación de su primer trabajo, El Patio, a los que seguirían Hijos del Agobio y Sombra y Luz. Todos ellos en el olimpo del rock español. Absolutamente imprescindibles.

El Rock urbano español es un movimiento originado a finales de los años setenta. Musicalmente, está influenciado por el Hard Rock clásico, aunque tiende a estar desprovisto de las influencias del blues características de este género. El sonido del rock urbano también recuerda la aparente simplicidad de las primeras bandas de Punk. Líricamente, estas bandas generalmente se enfocan en problemas de la vida real, enfatizando el lado más marginal de la vida urbana (alcohol, drogas, desempleo, prostitución, etc.), y en este aspecto también se parecen al punk.

Asfalto, con su antológico primer trabajo (1978), junto a Leño, fueron los grandes exponentes del Rock urbano. Sin olvidar a bandas como Topo, Ñu o Coz. De todas formas, el Rock Urbano no fue exactamente un género sino un movimiento, por lo que el estilo de estos grupos, a pesar de mantener unos puntos comunes y ser reconocibles, difieren notablemente entre sí.

VIERNES 21 junio – 20 H.
BANDA DE MÚSICA JJMM – ULE
DÍA EUROPEO DE LA MÚSICA
Auditorio “Ángel Barja” del Conservatorio Profesional de León | Entrada libre

MIÉRCOLES 26 junio – 20:30 H.
ORQUESTA JJMM-ULE & TALLER LÍRICO DEL CONSERVATORIO DE LEÓN
CONCIERTO PARA AMNISTÍA INTERNACIONAL LEÓN – “EL BARBERO DE SEVILLA” Zarzuela
Auditorio Ciudad de León  |  Entradas en taquillas y web Auditorio

VIERNES 28 junio – 20:30 H.
CORO “ANGEL BARJA” JJMM-ULE
FIESTAS DE LEÓN
Iglesia de San Marcos  |   Entrada libre

DOMINGO 30 junio – 12 H.
BANDA DE MÚSICA JJMM-ULE, CORO JUVENIL “ÁNGEL BARJA” & ORQUESTA JJMM-ULE & MARÍA CASARES
CONCIERTO FINAL DE CURSO JJMM-ULE
Auditorio Ciudad de León  |  Entrada libre

King Crimson (In the Court of the Crimson King) 1969

Es imposible decir de manera definitiva cuál fue el primer álbum verdaderamente progresivo de la historia, pero nadie discute que el LP debut de King Crimson en 1969, In the Court of Crimson King, fue un paso monumental hacia adelante para el género. Es difícil imaginar grupos como Yes y Genesis, como habrían evolucionado sin tener este álbum como una influencia. La primera formación no duró más allá de este LP, pero canciones como «In the Court of the Crimson King» y «21st Century Schizoid Man» siguen siendo las piezas más famosas del grupo. Las dos canciones son cantadas por Greg Lake, quien formó Emerson, Lake y Palmer un año después de que este álbum llegara a las estanterías.

In the Court of Crimson King fue ciertamente influyente en términos de abrir la puerta a lo que ahora denominamos «rock progresivo», pero en este caso, es tan bueno (o mejor) que todo lo que lo siguió. La combinación de un virtuosismo musical excepcional y el talento y el esfuerzo musical que se incluyeron en esta grabación lo convirtieron no solo muy adelantado a su tiempo,  sino también una obra de arte atemporal.

Para Pete Townshend de los Who, es uno de los mejores álbumes de la historia. Y como manifestó el excelente productor Julián Ruiz: “La portada con el dibujo de Barry Godber, es el grito más maravilloso desde los tiempos de Edward Munch”.

Emerson, Lake & Palmer (Brain Salad Surgery) 1973

Emerson, Lake y Palmer alcanzaron su clímax progresivo con su cuarto álbum de estudio Brain Salad Surgery. Fue el álbum más ambicioso y exitoso del grupo, con una mezcla de rock y música clásica, junto con algunos sonidos electrónicos de vanguardia, utilizados por primera vez en cualquiera de los discos del grupo. El álbum fue el primero en el nuevo sello Manticore del trío y fue producido por el guitarrista, bajista y vocalista del grupo, Greg Lake. Lake coescribió las letras del álbum con el ex compañero de King Crimson, Pete Sinfield. Esta fue la primera vez que un músico externo apareció en un álbum del trío.

Brain Salad Surgery fue un esfuerzo concertado por parte del grupo para producir un álbum que se pudiera realizar en su totalidad en vivo, a diferencia del material de su álbum anterior Trilogy. Empleando algunas de las tácticas utilizadas por Pink Floyd, la banda compró un cine y lo transformó en sala de conciertos para poder sentir lo que sería tocarlo en vivo, reelaborando los arreglos para capturar la emoción del directo. La mayor parte del material se compuso como piezas instrumentales con algunas letras añadidas más adelante.

Tras el éxito de Brain Salad Surgery, Emerson Lake y Palmer realizaron algunas giras muy exitosas (aunque extravagantes) hasta 1974, incluida una transmisión a nivel nacional en los Estados Unidos. Luego, después de tres años de descanso, reinventaron su música, pero nunca más pudieron repetir su éxito, lo que llevó a la ruptura del grupo a finales de la década.

La portada del álbum es considerada como una de las más memorables (y a menudo perturbadoras) de su tiempo. Creada por H. R. Giger, creador junto a Carlo Rambaldi, de la criatura y algunos escenarios de la película Alien, el octavo pasajero, de Ridley Scott.

Boston (Boston) 1976

Durante quince años (1976 – 1991), el primer trabajo de Boston fue el álbum debut más vendido de la historia.

Aunque representado como una verdadera «banda», Boston fue realmente un proyecto en solitario del ingeniero Tom Scholz. Un graduado del MIT que trabajaba para Polaroid. Sholz construyó un estudio casero en Massachusetts a principios de los años 70 y comenzó a experimentar con sonidos innovadores y a desarrollar canciones.

Como perfeccionista que era, Scholz trabajó en las canciones durante unos siete años, enviando con frecuencia cintas a sellos discográficos para que fueran rechazados. Finalmente, en 1975, Sholz llamó la atención de Epic Records que firmó con él.

Publicado el álbum en agosto de 1976, Boston resucitó el formato de rock clásico que parecía estar dando paso a los nuevos y divergentes géneros del punk rock y la música disco. La fusión del hard rock con delicados motivos y melodías en capas armónicas, fue la clave del éxito de Boston.

El buque insignia del álbum, «More Than a Feeling», es la mejor canción que Boston jamás haya creado. Es una canción de rock perfecta en muchos sentidos. Sholz tardó cinco años en perfeccionarla y su insistencia seguramente valió la pena.

Nº 41 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Fleetwood Mac (Rumours) 1977

Rumours es el mejor disco y el más popular de la banda anglo-americana Fleetwood Mac, ganador de un premio Grammy, y del que se han vendido más de 40 millones de copias en todo el mundo, siendo uno de los álbumes de mayores ventas de todos los tiempos.

En Rumours, Fleetwood Mac convirtió su agitada vida privada en un arte público brillante y melódico. Las dos parejas de la banda, el bajista John McViey la cantante y teclista Christine McVie y el guitarrista Lindsey Buckingham y la vocalista Stevie Nicks, estaban en medio de rupturas durante las prolongadas sesiones del álbum. Esto le dio un aura confesional muy cargada a canciones como «Go Your Own Way» de Buckingham, «Dreams» de Nicks, «Don’t Stop» de Christine

Tras su lanzamiento en febrero de 1977, llegó a vender 800.000 copias por semana en su máximo apogeo, y su éxito hizo de Fleetwood Mac un fenómeno cultural. Se convirtió en un tótem de los excesos de los años setenta. Rumours es un producto de ese momento y sirve como un criterio por el cual medimos cuán “setentas” eran los setenta.

Sin embargo, es difícil no entrar en la mitología de Rumours tanto como un álbum, como un paradigma de la cultura pop. Un registro impecable sacado de los restos de la vida real de los miembros de la banda. Como uno de los álbumes fundamentales del rock clásico, se mantiene mejor que cualquier otro éxito comercial de esa época. Ahora podemos usarlo como una especie de punto de referencia nostálgico, que ya no hay grupos como ese, que no hay una banda de rock tan apetecible que edite el álbum más vendido en los Estados Unidos durante 31 semanas. Rumours era simplemente perfecto.

Nº 26 en la lista de los 500 mejores álbumes.

The Who (Who’s Next) 1971

Pete Townshend estaba lleno de ideas al llegar el cambio de década. The Who venía de su álbum más monumental, Tommy (1969), y la gira masiva que le siguió. Una generación entera quedo maravillada por el trabajo. Tommy fue un hito cultural que dejó a Townshend descolocado: ¿qué será lo próximo?

Para el guitarrista y principal compositor de la banda, la respuesta fue: otra ópera rock.

En 1970, Townshend comenzó a armar un nuevo proyecto para el quinto LP de la banda, Lifehouse, que era, como Tommy, un álbum conceptual. Pero Lifehouse se encontró algunos baches en el camino, entre otros, nadie podía dar sentido a aquella maldita cosa con un mínimo de coherencia.

Así que desechó a Lifehouse, aprovechó algunas de las canciones ya compuestas y comenzó a crear un sencillo disco de rock & roll. El resultado: Who’s Next. Se lanzó en agosto de 1971, y se mantiene como el mejor álbum de los Who. Una explosión guitarrera, con letras que despiertan las conciencias e himnos que ya son clásicos absolutos del rock.

Después de la publicación de Who’s Next, que llegó al nº 4 en las listas, Townshend hizo un pequeño par de intentos antes de decidirse por Quadrophenia, otra ópera rock que casi iguala a Tommy en el catálogo de los Who. Pero Who’s Next es su mejor trabajo. Despojados de las ambiciones, expectativas y pretensiones con las que se estaban enredando, crearon un álbum de puro rock & roll. Hubo un momento en que los Who eran una de las bandas más grandes e importantes de la música. Who’s Next prueba por qué.

Nº 28 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Pink Floyd (The Dark Side of the Moon) 1973

“The Dark Side of the Moon era una expresión de empatía política, filosófica y humanitaria que estaba desesperada por salir”, afirma Roger Waters, bajista y principal compositor de Pink Floyd. Venerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. “Dark Side” aborda crudamente temas de la vida cotidiana como la angustia, la soledad, la locura, la avaricia o la religión.

A pesar de haber mantenido el Nº 1 solo una semana, el álbum continúa manteniendo el récord de la mayor cantidad de semanas registradas en el Billboard 200 (cerca de 800 semanas) y fue una constante en esta lista de ventas desde su lanzamiento inicial, en 1973, hasta 1988. Se estima que vendió más de 45 millones de copias en todo el mundo, mientras que su legado artístico es posiblemente aún mayor.

Grabado en los Abbey Road Studios de Londres entre mayo de 1972 y enero de 1973, y habiendo sido desarrollado y ensayado durante una serie de presentaciones en vivo en los meses precedentes, “The Dark Side of the Moon” es la última expresión del arte sónico de Pink Floyd: un álbum conceptual que disecciona con precisión de cirujano, todas las inquietudes y miserias de su tiempo. Pero a pesar de esto, aún conserva la capacidad de deslumbrar y asombrar en la actualidad.

Nº 43 en la lista de los mejores 500 álbumes.

Serge Gainsbourg (Histoire de Melody Nelson) 1971

El mejor álbum, del mejor músico Francés de la segunda mitad del siglo XX. Serge Gainsbourg reapareció en 1971, tras recuperarse del escándalo ocasionado por su legendaria «Je t’aime» dos años antes. Y lo hizo con una obra provocadora e inquietante, pero totalmente fascinante.

Hay varios factores que juntos hacen de este un álbum algo extraordinariamente magistral. El uso de algunos legendarios músicos de sesión del Reino Unido en su grabación. Pero aquí hay más factores a tener en cuenta. El uso, y no abuso, de los elementos orquestales y corales, colocados de manera excelente y con moderación, para lograr un contraste y una potencia impresionantes. El responsable, Jean-Claude Vannier, que organizó gran parte de la música de Gainsbourg.

Serge Gainsbourg fue el ingrediente que faltaba, y sin él, todos los arreglos y las excelentes interpretaciones de este álbum serían en vano. Sus voces, febriles, melancólicas, pero también románticas, son la guinda de este álbum misterioso, atemporal y contradictorio.

La portada del álbum es una obra de arte en sí misma. En ella, Jane Birkin (pareja y musa de Gainsbourg por aquel entonces), aparece con una peluca pelirroja, cubriendo su pecho con un muñeco de peluche. Cuando Gainsbourg murió, en 1991, Jane Birkin depositó ese muñeco que sujetaba en el interior del ataúd. Una manera de sellar una unión definitiva, que no se logró en vida de él.

Kraftwerk (Autobahn) 1974

Aunque los tres primeros álbumes de Kraftwerk fueron innovadores por derecho propio, Autobahn es donde el hipnótico pulso electrónico del grupo realmente se hizo realidad. La canción que da título al álbum de 22 minutos, en una edición bastante recortada, se convirtió en un single de éxito musical, y sigue siendo la cima de los logros de la banda. Dentro del álbum encontramos las raíces del electro-funk, del ambient y del synth. Es unos de los discos más innovadores y pioneros de la historia. Absolutamente esencial.

A principios de la década de 1970, Ralf Hütter y Florian Schneider se conocieron siendo estudiantes universitarios, ambos estaban inscritos en una escuela de música en Düsseldorf. Habían tocado juntos en varias bandas y eran miembros activos de la escena musical «Krautrock». El dúo comenzó a hacer grabaciones experimentales, utilizando instrumentos tradicionales como guitarras, baterías, bajos y flautas … todas las cuales fueron procesadas electrónicamente para producir diferentes efectos. Con cada lanzamiento experimental, el grupo ahora llamado Kraftwerk, comenzó a incorporar más equipos electrónicos como sintetizadores y cajas de ritmos en sus sesiones de grabación.

Los sintetizadores y las cajas de ritmos existían antes de que Kraftwerk apareciera en escena, pero la mayoría de los músicos en ese momento los consideraban poco más que curiosidades electrónicas. Kraftwerk logró incorporar esta tecnología de una manera que nunca antes se había hecho, y su influencia todavía se puede sentir hoy.

Mike Oldfield (Tubular Bells) 1973

La historia detrás de la creación de este álbum es fascinante. Oldfield, retirándose del ambiente opresivo de su familia, pasó la mayor parte de su adolescencia encerrado en el desván de su casa componiendo música solo, tocando todos los instrumentos. Más tarde, viviendo en un apartamento en el norte de Londres, logró grabar una demo de producción propia.

Después de varios intentos de vender su demo (entonces conocida como “Opus 1”) a varias compañías discográficas, Oldfield mostró su grabación a los ingenieros de los Manor Studios, Tom Newman y Simon Heyworth, quienes la llevaron al propietario, Richard Branson. Después de escuchar la pieza completa, a Branson le gustó tanto, que permitió que Oldfield completara lo que se convirtió en la cara B. El disco, lanzado el 25 de mayo de 1973, se convertiría en el primer lanzamiento de Virgin Records, un éxito que creció como una bola de nieve, y que terminó en el número 1 en la lista de álbumes del Reino Unido.

Tubular Bells, es sin duda, el mejor conglomerado de instrumentos aislados combinados para formar una pieza única. Una variedad de sonidos se combinan para crear una multitud excitante de ritmos, tonos y armonías que se fusionan perfectamente unos con otros, lo que da como resultado una explosión de música asombrosa, donde Oldfield toca todos los instrumentos.

Cimentando aún más esta música en el imaginario colectivo de la cultura pop, el director William Friedkin usó el icónico tema de apertura del álbum para la banda sonora de su clásico de terror de 1973 “El Exorcista”. Al escuchar “Tubular Bells” hoy, es difícil no imaginar a una niña poseída, vomitando violentamente mientras gira la cabeza en círculos.

Jean Michel Jarre (Oxygène) 1976

Jean Michel Jarre, hijo del compositor de cine Maurice Jarre, es uno de los verdaderos pioneros de la música electrónica. Oxygène es uno de los álbumes fundamentales de la música electrónica. Ha resistido la prueba del tiempo y la evolución de la electrónica digital. El estilo compositivo de Jarre y sus impulsos rítmicos fueron básicos en 1976. Si bien su popularidad ha aumentado exponencialmente a lo largo de los años, nunca logró repetir la calidad de esta increíble grabación, dentro del enorme nivel de su obra. La inocencia y frescura aportan la mayor parte de su encanto. La técnica y la habilidad de Jarre proporcionan el resto.

Aunque inicialmente se lanzó solo en su Francia natal, fue número uno en las listas francesas y luego fue lanzado internacionalmente en 1977 con un éxito similar, llegando al top 10 en ocho países. Esto a pesar de que los críticos afirmaron que el álbum era «insípido» y preferían las obras de Mike Oldfield y Tangerine Dream. La historia demostraría que la reticente apuesta del editor Francis Dreyfus para presionar 50,000 copias del disco, fue una apuesta a caballo ganador. Oxygéne  ha vendido más de 15 millones de copias. Es el disco producido en Francia más vendido de la historia.

Grabado en un improvisado estudio en la casa de Jarre, el álbum se realizó con una variedad de instrumentos electrónicos, incluido un sintetizador digital, y se grabó en una cinta de 8 pistas. Fue el tercer álbum de Jarre, los dos primeros fueron bandas sonoras sin éxito. Oxygéne marcó el comienzo de una carrera exitosa para Jarre, además de ser ampliamente reconocido como una influencia y un punto de partida para una nueva ola de música electrónica.

Manassas (Manassas) 1972

Durante el transcurso de su carrera, Stephen Stills ha sido miembro de varios grupos. En Buffalo Springfield compartió liderazgo creativo con Neil Young. Los eternos Crosby, Stills & Nash son básicamente tres artistas solistas que crean su música y luego se unen de vez en cuando para grabar y hacer una gira. Manassas, a pesar de su corta duración, fue una banda en el sentido clásico de la palabra, aunque con el completo control de Stills. Su álbum de debut  fue uno de sus mejores logros creativos.

Stills reunió lo que era casi un grupo perfecto. Su amigo Chris Hillman, que estaba aburriéndose como una ostra con los Flying Burrito Brothers, era el guitarrista rítmico, tocaba la mandolina, y probablemente lo más importante, era la segunda voz del grupo. El resto eran los extraordinarios músicos que acompañaban entonces a Stills, e incorporaciones de lujo como el guitarrista Al Perkins.

Lanzado en abril de 1972, su auto-titulado álbum debut, fue uno de los mejores lanzamientos de la década. Fue uno de los pocos álbumes dobles que realmente merecieron dos discos. El nombre del grupo surgió por casualidad, al fotografiarse en la estación de Manassas (Virginia), después de una de sus primeras actuaciones. Es la foto que ilustra la cubierta del álbum.

El concepto del álbum es más fácil de seguir en el formato original en vinilo. Se dividió en cuatro secciones, cada una de ellas subtitulada y comprendiendo una cara de cada disco. Cara rara tenía un estilo musical definido: una combinación de rock y sonidos latinos, country y bluegrass, sonidos cercanos al folk y un conjunto explosivo de rock y blues.

Desafortunadamente, el álbum ha sido ignorado a lo largo de los años, a pesar de que Stills lo considera uno de sus mejores trabajos.

Eagles (Hotel California) 1976

«Hotel California» fue el punto álgido de la carrera de los Eagles, y la culminación y casi el punto final de un sonido, plenamente californiano, que había estado presente desde finales de los sesenta, el country rock.

Fue el quinto álbum de la banda, fue de transición de varias formas, incluida la música y el personal. El guitarrista Bernie Leadon, una fuerte influencia en el sonido country de la banda de los primeros años, fue reemplazado por el guitarrista Joe Walsh.

Los Eagles utilizaron California como un microcosmos de todo Estados Unidos, con comentarios sobre la naturaleza del éxito, y como resultado: una visión extremadamente pesimista del país.

Hay una gran injusticia en este trabajo. Es tal la popularidad del tema homónimo del álbum, que ha eclipsado al resto de las composiciones del mismo. “New kid in town” es una proeza compositiva, delicada canción con una cadencia country evidente. “Life in the fast line” es un tema rockero, con un sonido cercano al rock sureño, pero eso sí, dando su sello personal con las voces. “Wasted time” es un tema lento, pero bello a más no poder. El álbum termina con “The last resort”, una melodía devastadóramente hermosa con piano y la voz de Henley perfectamente a tono con la canción, que describe una historia épica. Una manera única de cerrar un disco único como pocos.

Nº 37 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Carlole King (Tapestry) 1971

Si algún aficionado a la música se propusiera tener una colección con los trabajos más importantes de la historia de la música popular contemporánea, este álbum de Carole King sería uno de los imprescindibles en dicha colección.

El 10 de febrero de 1971 Ode Records lanzó «Tapestry», el segundo álbum de esta cantautora norteamericana. Este ocupó el Nº 1 de la lista musical Billboard durante 17 semanas y se mantuvo en la lista de los más vendidos por espacio de 6 años. Además ganó 3 premios Grammy: mejor álbum, mejor canción (“It’s Too Late” / ”I Feel the Earth Move”) y mejor vocalista femenina.

Ya desde esa portada mítica, «Tapestry» es especial, es mágico. Ahí está ella, relajada, mirando por la ventana, descalza, con el gato en su cojín y ella bordando un tapiz, todo tan cercano, tan cálido y placentero, como el disco, como la música que contiene, música maravillosa, mucho más, divina.

Este álbum único, donde el jazz, el soul, el folk y el pop se dan la mano. Un disco melancólico, dulce y apasionado. Lleno de verdad y sentimiento. Un disco con grandes canciones, algunas de ellas grabadas a fuego en el recuerdo de muchísima gente.

Nº 36 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Carly Simon (No Secrets) 1972

Carly Simon es una de las cantautoras más influyentes de su generación. El álbum que la convirtió en una estrella mundial fue «No Secrets», que incluía la enigmática canción “You’re So Vain”, su mayor éxito comercial. El álbum pasó cinco semanas en el número uno de la listas de Estados Unidos.

«No Secrets» fue el pico creativo y comercial de Carly Simon. Publicado a finales de 1972, este trabajo es en el fondo un relato autobiográfico, centrándose en su relación con el cantautor James Taylor, con quien acababa de casarse.

Producido por Richard Perry, famoso por su trabajo con los Beatles, David Bowie y Elton John. Perry consigue en «No Secrets» lo que muchos creen que es el mejor sonido de cualquier disco de Simon. Sencillos, elegantes y agradables, los tratamientos de Perry hacen que las canciones parezcan flotar y la voz de Simon adquiere un tono más seguro y cercano. Los arreglos de cuerdas y las voces de apoyo se suman a una experiencia conmovedora, a la par con otros clásicos de la época, como «Tapestry» de Carole King o «Blue» de Joni Mitchell.

A lo largo del álbum, Simon destila hermosas baladas, piezas de folk y destellos de blues. Todo ello envuelto en dosis medidas de calma, sinceridad y franqueza. Ella hace que cada momento de «No Secrets» valga la pena saborearlo.