Cubierta de una reedición de 1993

El público en general probablemente ha oído hablar de Génesis si vivió la década de los ochenta. Pero posiblemente no conocerán ningún otro aspecto de la banda que no sea su lado pop que los hizo superestrellas. La mayoría de la gente ni siquiera sabe que Peter Gabriel estuvo en la banda. Y la gran sorpresa: ¡Phil Collins no estuvo siempre!.

En marzo de 1969, Genesis lanzó su álbum debut, «From Genesis to Revelation». Este álbum ha sido tratado de manera muy injusta por parte de los críticos. Creo que entiendo por qué (los fanáticos de Genesis están en dos grupos) o les gusta el período progresivo del grupo, que más o menos comenzó con su segundo álbum, o les gusta el período pop posterior de la banda, que comenzó con «And Then There Were Three». Es probable que ninguno de los grupos de fans entre en este álbum: está demasiado orientado hacia el pop para los fans del progresivo, pero es un estilo pop de los años 60 que no atraerá a los fans del material pop posterior del grupo. Nunca escucharás ninguna de estas canciones en la radio. Como resultado, este álbum ha sido dejado atrás, ignorado incluso por la mayoría de los seguidores de Genesis, y ciertamente por todos los demás.

Hay que tener en cuenta que, cuando hicieron este álbum, Genesis no era realmente un grupo, muchos de los miembros todavía eran adolescentes. La banda no tenía realmente un nombre en este punto (ya que no era realmente un grupo), pero tomó el nombre de Genesis del título de este álbum. Es increíble escuchar la madurez de esta música considerando la edad de los miembros de la banda. Se conocieron en la escuela secundaria y comenzaron a escribir canciones juntos, pero no esperaban convertirse en una banda, tenían la esperanza de escribir canciones para otros artistas, formando una especie de cooperativa de autores. Peter Gabriel lo define perfectamente: «Para muchos músicos se trata de tocar en lugar de componer», continuó Gabriel. «Mientras que para nosotros, la composición fue el centro de todo».

Genesis (Octubre 1968) / Fotografía: Official Twitter page for the http://WorldofGenesis.com  fan site

Genesis se formó en 1967, mientras que todos los miembros de la formación original: Peter Gabriel en la voz, Mike Rutherford en el bajo y la guitarra, Anthony Phillips en la guitarra, Tony Banks en el teclado y el batería Chris Stewart, todavía asistían a la Escuela Charterhouse. La banda, todavía en su adolescencia, estaba atrapada en el espíritu de la época y quería dedicarse a la música a tiempo completo.

Un ex alumno de Charterhouse, Jonathan King, era un cazatalentos que trabajaba para Decca Records. La banda realizó una cinta de demostración para King, y en 1968 firmaron con el sello. El debut de Genesis es claramente muy diferente de todos los álbumes que hicieron después. Pero escuchando atentamente, se pueden escuchar indicios de lo que vendrá.

Claro que tiene defectos, pero teniendo en cuenta la falta de control artístico completo y el presupuesto limitado del estudio, es un logro notable. El alma de Génesis está presente desde el principio, la voz de Gabriel es tan rica y maravillosa como lo ha sido en cualquier otra parte de su carrera. Los teclados de Banks son imaginativos y frescos también, y todo el álbum está lleno de excelentes ideas melódicas y sólidas progresiones de acordes.

Genesis (Verano 1968) / Fotografía: Jonathan Silver

Las canciones navegan entre el pop barroco, con influencias de los primeros Bee Gees y los Moody Blues, incursiones en la psicodelia, leves toques folk, generalmente con del protagonismo del piano y la guitarra acústica. King quería que lanzaran un álbum de sonido suave para diferenciarlos de la música predominante de la época. Un montón de cuerdas y metales se añaden a las pistas aparentemente para dar a las canciones un sonido más completo. Pero los miembros de la banda no estaban muy contentos con la adición de cuerdas a sus canciones. De todas formas, era el sonido dominante de la época, y salvo excepciones, se acoplan bastante bien a las canciones sin sobrecargarlas.

Probablemente el aspecto más importante de este álbum es el crucial punto de inflexión que representó para la banda: después de este álbum, se tomaron en serio a sí mismos como músicos y ganaron la confianza suficiente para seguir grabando y convertirse en lo que fueron después.

Los fanáticos de Genesis sin duda amarán este álbum por lo que es y lo que representa. El público en general probablemente será menos entusiasta. No resiste las grabaciones posteriores de Genesis, pero sigue siendo un documento fascinante de los orígenes de una gran banda.

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El álbum más británico de la banda más brítánica de la historia del rock. Este registro sutil, divertido, surrealista y, en ocasiones, casi tierno, parecía haberse registrado en otro planeta. Entre la agitación social que reinaba en el mundo (los asesinatos de Martin Luther King y Bobby Kennedy, Vietnam, etc…) y la cosecha prodigiosa de los álbumes lanzados ese mismo año (The Beatles «White Album», Electric Ladyland, Music From Big Pink, Beggar’s Banquet). No era exactamente el mejor momento para ser los Kinks, pero creativamente, nunca fueron mejores.

A pesar de estos antecedentes, y la escasa repercusión, sobretodo en ventas, de este trabajo, «The Kinks Are the Village Green Preservation Society» se convertiría en uno de los álbumes más influyentes en la historia del rock. Como muchos grandes trabajos, el álbum nació de una serie de «accidentes felices». El compositor y líder de la banda, Ray Davies, originalmente quería hacer un álbum conceptual sobre la vida en Londres, pero después de un viaje a la zona rural de Devonshire, decidió trabajar en el concepto de la más tradicional idiosincrasia inglesa.

Además, para 1968 los Kinks habían comenzado a experimentar un éxito cada vez más reducido en las listas de éxitos de singles pop, por lo que hicieron un cambio hacia una producción musical más sustancial. Mientras que la mayoría de las bandas de la época estaban en su fase psicodélica y experimentando con nuevos sonidos, los Kinks volvieron a sus raíces inglesas y reflexionaron cuidadosamente sobre la pérdida de la Inglaterra rural por la modernización de los años sesenta.

Dave Davies, Pete Quaife, Ray Davies y Mick Avory. The Kinks fotografiados en 1965. Fotografía: Archivo GAB / Redferns

Junto a The Beatles, The Who y The Rolling Stones, The Kinks es la crème de la crème de la invasión británica. Formado en 1964, The Kinks lanzó la friolera de 23 álbumes de estudio antes de disolverse en 1996. Este mes se cumplen 50 años de la publicación de «The Kinks Are the Village Green Preservation Society».

El concepto del álbum es una mirada nostálgica de la vida rural inglesa. Cada canción trata sobre una parte particular de esa vida pasada. El álbum es el último en incluir a los cuatro miembros originales de The Kinks, ya que el bajista Pete Quaife abandonó el grupo a principios de 1969. Debido a los arreglos de estas canciones, el papel de Quaife se redujo en este álbum.

Ray Davies presenta una alternativa tranquila al paisaje urbano tumultuoso de Londres. Buscando un lugar en que la vida no fuera tan cáustica y frustrante. The Kinks viajaron «lejos de todo el hollín y el ruido de la ciudad». Detrás de la fachada de la campiña inglesa de tradiciones añejas, hay un camino a la serenidad que conduce directamente a través de «Village Green».

The Kinks disfrutando de la campiña inglesa. Fotografía: Barrie Wentzell

«The Village Green Preservation Society» afortunadamente ha sobrevivido y ahora se considera legítimamente como un clásico de los años sesenta. Una pieza de perfección pop repetidamente imitada, y posiblemente nunca mejorada. Es esencialmente un álbum que se recrea en lo anacrónico de sus planteamientos, que lamenta la decadencia de un estilo de vida británico imaginario, como la alegría de beber una pinta de cerveza o el último de los «buenos trenes de vapor» (que cesaron todas las operaciones en Inglaterra en 1968).

«Creo que «The Village Green Preservation Society» se trata del final de un momento para mí en mi vida», dice Ray Davies. “Es mi pueblo imaginario. Es el fin de nuestra inocencia, nuestra juventud. Algunas personas son bastante mayores, pero en «Village Green» nunca se te permite crecer. Siento el proyecto en sí mismo como parte de un ciclo de vida».

Musicalmente, al elegir no atarse a las modas musicales prevalecientes, Davies creó un álbum que se ha vuelto atemporal, que suena tan fresco y vital hoy, como lo hizo en su lanzamiento. Las tiendas pequeñas, las tazas de porcelana y la escuela dominical aún están bajo amenaza, algo que Davies seguramente sabía que estarían.

¡Larga vida a los Kinks, a las tazas de porcelana y a la mermelada de fresa!

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El 7 de octubre de 1978, los británicos Dire Straits lanzaban su primer álbum al mercado. Este álbum incluye nueve canciones compuestas por el guitarrista y vocalista Mark Knopfler, que logra mezclas ajustadas de rock, folk y música de raíces americanas, con un estilo distintivo de tocar la guitarra y una voz grave con un fraseo muy personal.

Como letrista, Knopfler escribe breves narraciones sobre los problemas mundanos de la gente común: problemas con las mujeres, problemas con el dinero, problemas con encontrar nuestro lugar en el mundo.

El grupo se formó a mediados de la década de 1970 por Mark y su hermano menor, el guitarrista David Knopfler. Originarios de Newcastle, los hermanos emigraron a Londres, donde Mark trabajaba como profesor mientras tocaba en pubs por la noche. El bajista John Illsley y el veterano batería Pick Withers fueron finalmente reclutados y la banda se formó con un nombre que hacía referencia a su precaria situación financiera. La banda consiguió un préstamo para grabar una cinta con cinco canciones, logrando que la cinta, que incluía ‘Sultans of Swing’, pasara a manos del disc jockey de la BBC Charlie Gillett, cuyo apoyo inicial ayudó a despertar el interés del futuro sello del grupo, Phonograph Records.

Dire Straits en Amsterdam (1979). Fotografía: Barry Schultz

En retrospectiva, es fácil apreciar lo que atrajo a los ejecutivos de  Phonograph de Dire Straits, pero también es importante reconocer que el sonido de la banda estaba completamente fuera de onda con todo lo que estaba sucediendo en el rock a finales de los setenta. Aunque la distintiva guitarra de Knopfler era a menudo el punto focal de la música, su interpretación se resistía a grandes alardes como solos explosivos, y la producción limpia de Muff Winwood del disco era la antítesis del sonido más crudo y pesado que era popular entre muchas bandas de entonces. Ni punk ni disco, ni glam ni heavy metal, Dire Straits eran casi un estilo en sí mismos.

En principio, Dire Straits parecían ser buenos candidatos para ser una de esas bandas de culto, y candidatos poco probables para el estrellato del pop. El debut discográfico de la banda, a pesar de una serie de críticas positivas, las ventas no explotaron de inmediato, especialmente en los EE. UU., donde el gran single del disco, «Sultans of Swing», tardó más de cinco meses en comenzar a despegar.

Dire Straits tocando en Hamburgo (1978). Fotografía: Heinrich Klaffs

Mientras tanto, la banda estaba ocupada recorriendo Europa, donde el público los recibía con más entusiasmo. Finalmente, para finales de 1979, habían llegado a la cima de las listas de álbumes de todo el mundo mientras enviaban «Sultans of Swing» al Top 5 en los Estados Unidos.

Los Dire Straits fueron uno de esos raros grupos que tuvieron un estilo distintivo desde el momento de su creación, una idea clara de sus cualidades y la mejor forma de emplearlas.

Dire Straits, o más específicamente Mark Knopfler en el papel de vocalista, guitarrista y letrista, creó un estilo único que resonaría durante décadas y daría como resultado un sonido verdaderamente atemporal.

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Cuando se publicó «Nevermind» en septiembre de 1991,  Nirvana  cambió para siempre el rock y empujó al genio responsable de su creación, al resplandor de un mundo del espectáculo para el que no estaba preparado. La historia de Kurt Cobain terminó en tragedia menos de tres años después. Incapaz de manejar su fama, en conflicto con las expectativas que tenía de sí mismo y de las que sentía que otros tenían de él, se suicidó en abril de 1994. Pero antes de su muerte, Nirvana lanzó otro álbum de estudio, «In Utero». El pasado 21 de septiembre se cumplieron 25 años de su publicación.

A pesar de que fue un éxito comercial inmenso, los tres miembros de Nirvana habían expresado su insatisfacción con la pulida producción de «Nevermind». Con esto en mente, la producción de «In Utero» se redujo considerablemente y se grabó en solo dos semanas. Producido por Steve Albini, el álbum suena crudo y abrasivo. Fue casi rechazado por el sello del grupo DGC. Finalmente la banda contrató a un productor secundario para hacer cambios menores en los dos singles del álbum. Aún así, el álbum se instaló inmediatamente en la cima de las listas de álbumes tras su lanzamiento, y desde entonces ha recibido cinco discos de platino.

La banda originalmente quería grabar durante el verano de 1992, pero una serie de circunstancias lo hicieron imposible. En octubre de 1992, grabaron varios temas instrumentales durante una sesión en Seattle con Jack Endino, quien había producido el álbum debut del grupo en 1989, «Bleach». En enero de 1993, el grupo grabó otro conjunto de demos durante una gira por Brasil. Usando estas demos, junto con otro material compuesto ya en 1990, Albini y los miembros de la banda decidieron imponerse un plazo de dos semanas para grabar y pagaron las sesiones de su propio bolsillo para limitar las interferencias de la discográfica.

Nirvana tocando en el especial «MTV Live and Loud» (Diciembre 1993)

Fotografía de Jeff Kravitz

Casi todo en «In Utero» es una reacción a «Nervermind»: las letras son a veces confusas y furiosas, atrapadas en la confusión que viene con la fama, mientras profundizan en asuntos personales. Incluso su pista más pop, el single «Heart-Shaped Box» tiene un tono de guitarra sucio y pesado y un solo disonante. Todo gracias al productor Steve Albini.

Albini fue elegido para producir «In Utero» específicamente porque era lo opuesto de Butch Vig, su anterior productor. Albini, mediante diferentes métodos, aparentemente más simples, logra una producción más seca y austera: micrófonos bien ubicados, habitaciones espaciosas con buena acústica y un empeño en emular el sonido en vivo. Incluso con pistas vocales adicionales, cuerdas y sobregrabaciones de guitarra, el registro aún suena crudo.

Como álbum, está lejos de la escucha suave y brillante de su predecesor. Cobain quería demostrar su valía a sí mismo, casi arrepentirse del éxito anterior, porque consideraba que se había vendido. También quería continuar criticando a los universitarios pijos, a los garrulos blancos y a los yuppies que conducían coches de importación, y que se habían sentido atraídos por «Nevermind». Él era un producto del underground musical. «In Utero» aborda esto con éxito.

Krist Novoselic, Kurt Cobain y Dave Grohl (Nirvana)

Quería sentir que no había traicionado a su público o que les despreciara. Necesitaba convencerles que había sido algo coyuntural, la masiva llegada de nuevos fans de la banda que solo conocían «Nevermind». «In Utero» es una instantánea, un vistazo al alma de un hombre en permanente lucha consigo mismo. En última instancia, sería una especie de epitafio

Pero toda la influencia revolucionaria que Nirvana representó como fuerza musical pura, el talento compositivo y la tormentosa personalidad de Cobain fueron la verdadera clave de su gran éxito, y la verdadera razón por la cual su legado continúa, siendo diseccionado y recordado mucho después de que el resto de sus contemporáneos  del «Grunge» cayeran en el más absoluto de los olvidos.

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Muchas veces el mito devora a la persona. No se si será el caso de Víctor Jara, no debería serlo. Las terribles circunstancias de su muerte pueden eclipsar el enorme calado de su obra. Su conversión por muchos en símbolo y mártir, no debe dejar de lado su inmensa labor como músico.

Víctor Jara es una figura enormemente importante en la música y la cultura de Chile. Su vida fue un reflejo de su país, de los tiempos tumultuosos en que vivió y de su filosofía personal. Victor Jara comenzó su vida en un pequeño pueblo, y con su talento, se convirtió en una de las figuras musicales más conocidas e influyentes de América Latina.

Víctor Jara fue el representante más visible de ese movimiento músico-social que se denominó “Nueva Canción Chilena”, que se empezó a gestar en Chile a mediados de los años sesenta, llegando a su plenitud al comienzo de la década de los setenta.

Este movimiento reivindicaba la música de raíz popular, en contraposición a la influencia de la música anglosajona en los músicos de su país; alumno aventajado de Violeta Parra, con cuya familia tuvo una relación muy estrecha, su labor como folklorista fue muy intensa en la recuperación de la música tradicional chilena y de la zona andina en general.

Fotografía: Patricio Guzmán

Víctor Jara nació 28 de septiembre de 1932 en Loquen, un pequeño pueblo a las afueras de Santiago. Sus padres eran granjeros. El padre de Victor Jara tenía un problema con la bebida, y su hogar a menudo fue testigo de muchas peleas. Después de algunos años de esta infelicidad, el padre de Víctor se marchó, y Amanda, su madre, se quedó sola para criar a Víctor y el resto de sus hermanos. Era una mujer extremadamente trabajadora y, en palabras de Víctor, su perspectiva optimista de la vida le dio fuerza a la familia. Ella cantaba y enseñó a Víctor a tocar la guitarra y también le enseñó muchas canciones populares tradicionales de Chile. El tiempo que pasó con su madre tuvo una gran influencia en su estilo musical.

Tristemente, Amanda murió cuando Víctor solo tenía 15 años. Dejó sus estudios de contabilidad y entró en el seminario. Estaba muy triste por la muerte de su madre, y también creía que la profesión de sacerdote era la más importante del mundo. Pero después de dos años, se desencantó de la religión y se fue para alistarse en el ejército. Después de cumplir el servicio militar, ingresó en el coro de la Universidad de Chile.

Durante este tiempo desarrolló un interés por el teatro, y comenzó a estudiar en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile. Allí mostró una inclinación hacia la dirección, y después de que se completara sus estudios, él comenzó en el programa de dirección. Durante estos años y en el futuro, Víctor Jara participó en innumerables producciones teatrales. También comenzó a cantar y estudiar música folclórica cuando conoció a Violeta Parra. Durante este tiempo también comenzó a involucrarse en la política de su país. En 1966, publicó su primer disco en solitario, titulado simplemente «Victor Jara». Cuatro años más tarde, abandonó el teatro para dedicar su atención a la música a tiempo completo.

Víctor Jara en 1962. Integrado en el conjunto Cuncumén, dedicado a la recopilación, estudio y difusión de los cantos y danzas de la región central de Chile. 

Las canciones de Víctor Jara están llenas de sus pensamientos sobre la gente sencilla de Chile. Procesaba un gran amor por la gente trabajadora de las pequeñas ciudades y pueblos, y muchas de sus canciones narran la vida de estas personas. Otras sin embargo, atacan las injusticias de la sociedad o los escándalos políticos.

Su faceta como cantautor estaba teñida en gran parte de un claro matiz político, su vinculación total con el gobierno de la Unidad Popular de Salvador Allende, del cual fue embajador cultural, es notorio en muchas de sus canciones; Sin embargo, dejó canciones como “Te Recuerdo Amanda” y “Luchín”, con un contenido social evidente, pero matizado por la belleza y ternura de la melodía.

Fue inmediatamente detenido tras el golpe de estado del 11 de septiembre de 1973, trasladado al Estadio Nacional de Santiago, que actualmente lleva su nombre, y allí quedó truncada no solo su carrera artística, sino su vida, el 16 de septiembre, cinco días después de su detención.

Víctor Jara con su esposa Joan y sus Hijas Manuela y Amanda

«Si se calla el cantor, calla la vida», cantaba Mercedes Sosa. Nunca mejor dicho que en el caso de Víctor Jara. El 16 de septiembre de 1973 calló la vida.

Te Recuerdo Amanda (1969)

El Derecho de Vivir en Paz (1971)

Luchín (1972)

Concierto de Víctor Jara en la Panamericana Televisión (Perú) 17/Julio/1973

Canal oficial de YouTube de Víctor Jara

Hubert Parry en 1893. Fotografía de W. & D. Downey

Sir Charles Hubert Parry tiene la inusual distinción de ser amado universalmente y ser casi desconocido por completo. Todo el mundo conoce su gran himno «Jerusalem», capaz de enardecer al más frío de los ingleses. Junto con Charles Stanford, cuya música detestaba, Parry inspiró lo que se ha llamado el «renacimiento musical inglés» de finales del siglo XIX. El próximo 7 de octubre se cumplirán 100 años de su muerte.

Hubert Parry fue una de las figuras clave del mencionado «renacimiento musical británico» de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, como compositor, educador y escritor. Nacido en la aristocracia terrateniente, estudió en Eton y Oxford, y bajo presión familiar entró a trabajar en la City, antes de que el creciente éxito de sus composiciones le permitiera, en 1877, dedicarse a tiempo completo a la música.

El estilo musical de Parry fue influenciado principalmente por la gran tradición alemana, donde logró equilibrar una afinidad tanto por Johannes Brahms como por Richard Wagner, en un momento en el que había pocos compositores  dispuestos a admitir que estaban influenciados por ambos. Gran parte de su producción consiste en música coral: oratorios, cantatas sagradas y seculares, motetes e himnos. Pero también compuso cuatro sinfonías, una Fantasía Sinfónica, un conjunto de Variaciones Sinfónicas y otras obras orquestales; música para piano, órgano y diversos conjuntos de cámara.

Hubert Parry en su juventud

La temprana carrera musical de Parry fue bastante poco conocida, con una serie de obras de pequeña escala como canciones, himnos y música de piano. No fue hasta 1875, cuando Parry comenzó a producir obras significativas. Las obras de cámara que compuso en los años siguientes reflejaban la clara influencia de brahms.

En su faceta docente destacar, que en 1893 fue nombrado director del Royal College of Music. En 1898, asumió funciones adicionales como profesor de música en Oxford.

En 1908, Parry sufrió un deterioro en el estado de su salud, debido principalmente a la carga de trabajo por sus responsabilidades en el Royal College y en Oxford. Por consejo de su médico, renunció a su puesto en Oxford y redujo sus actividades de composición durante un tiempo, retirándose a Sicilia para recuperar su salud. La receta funcionó, y su recuperación le permitió un período adicional de 10 años, en el que iba a producir algunos de sus mejores trabajos.

Hubert Parry en 1916

Pero no se puede hablar de Parry sin mencionar «Jerusalem» (1916), la obra por la que ha pasado a la posteridad, aunque casi nadie sabe que es composición suya, y eclipsara el resto de su producción musical. La letra del himno está extraída de “Jerusalem”, los versos que William Blake publicó en la introducción a su último gran poema, “Milton”, dedicado al autor de “El Paraíso Perdido”. La última estrofa dice (“No cesaré en mi lucha mental, ni dormirá mi espada en mi mano, mientras no hayamos construido una nueva Jerusalén, en la tierra verde y placentera de Inglaterra”)

Se cantó como himno final en la boda del futuro monarca británico, Guillermo, con Catherine Middleton. Se canta como colofón de la última noche en el festival anual de los Proms de la BBC. El Instituto de las Mujeres, que promueve desde 1915 la educación y los intereses de las mujeres británicas lo tiene como su himno. También se canta en el rugby o el cricket.

Esta pieza es tan popular en Inglaterra, que viene a ser una especie de himno nacional no oficial. Consiguió llegar a ser conocida por el gran público no británico al aparecer en la banda sonora de la película “Carros de Fuego” de 1981. Precisamente el título de la película salió de este himno, concretamente cuando dice: “Tráeme mi carro de fuego».

Jerusalem (Last Night of the Proms, BBC Proms) 2018

I Was Glad (Compuesta originalmente para la coronación del rey Eduardo VII en 1902)

Blest Pair of Sirens (BBC Proms) 2018

Magnificat

Sinfonía nº 3

Justo cuando Chris Hillman se inscribía en la UCLA, recibió una llamada de su antiguo manager, Jim Dickson, para unirse a una nueva banda que se estaba formando como bajista. Los Byrds, esta era la banda, estaban compuestos por Roger McGuinn, David Crosby, Gene Clark, Michael Clarke, y finalmente, Hillman. Nunca antes había tocado un bajo, pero su pasado bluegrass lo llevó a dominarlo rápidamente mientras desarrollaba su propio estilo con el instrumento.

A pesar de que permaneció en un discreto segundo plano en los primeros dos lanzamientos de la banda, rápidamente floreció como cantante y vocalista después de que Gene Clark dejara el grupo. En 1968, la banda se redujo a Hillman y McGuinn, después de que Crosby se despidiera. Para reemplazarlo, contrataron a Gram Parsons, quien junto con Hillman cambió el sonido de la banda para reflejar un estilo country rock, que era algo inaudito en la industria de la música en ese momento. Esta revolución fue capturada en el álbum «Sweetheart of the Rodeo», que se lanzó el 30 de agosto de 1968.

Roger McGuinn, Kevin Kelley, Gram Parsons y Chris Hillman

El nuevo álbum mantuvo a Hillman desempeñando un papel de apoyo una vez más, ya que Parsons y McGuinn compartieron el peso de las tareas vocales. Parsons, que era poco conocido en ese momento, fue elevado a la vanguardia del rock debido a este álbum.

Se suponía que «Sweetheart of the Rodeo» sería un reflejo de la música tradicional estadounidense incorporando elementos del Jazz y Rock & Roll, pero Parsons llevó el proyecto a convertirlo en un álbum country puro. Este proyecto fue muy controvertido, ya que para la industria de la música country, no eran más que una panda de hippies con el pelo largo que intentaban sabotear la sacrosanta música country. Entre tanto, Parsons dejó la banda, y ni siquiera era miembro cuando llegó la fecha de lanzamiento en agosto.

Una canción de Bob Dylan, «You Ain’t Going Nowhere», fue lanzada en abril como el sencillo principal del proyecto. La banda escuchó la melodía de una colección de demos de las grabaciones de Dylan en Woodstock y pensaron que era apropiada para publicarla. Alcanzó el puesto 74 en el Billboard Hot 100 Chart.

Hillman y McGuinn adaptaron un tema tradicional como segundo y último single, «I am a Pilgrim». La canción suena un poco más country que la versión del tema de Dylan gracias al banjo de McGuinn y a un hermoso violín interpretado por John Hartford.

Aún más famoso que los dos sencillos es «Hickory Wind» de Parsons, una balada que coescribió con Bob Buchanan en un viaje en tren desde Florida hasta Los Ángeles.

Y eso fue todo: principalmente estándares, un par de melodías de Parsons, una de Dylan. Los resultados fueron malos, en ventas y repercusión. Confundieron a los seguidores de los Byrds y a los puristas de Nashville, y el grupo nunca volvería a intentar un experimento tan radical. Pero ese sonido hipnotizante resuena hasta el día de hoy. Realmente eran un grupo de rockeros cantando canciones country. Pero este trabajo visionario, se entiende cada vez menos como un experimento fallido y más como el Libro del Génesis de un nuevo estilo.

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Un álbum debut impresionante e innovador, que ayudó a sentar las bases del rock progresivo. En los clubes nocturnos del Swinging London en 1967, la escena musical tuvo un cambio de generaciones. Las bandas como The Who y The Kinks ya se habían convertido en estrellas, por lo que fueron reemplazadas en la escena underground por bandas como Family, The Nice, Soft Machine y demás, que estaban experimentando sin los límites impuestos ​​por la industria de la música; la música de Family y las bandas relacionadas fue percibida y etiquetada por el público como «progressive music».

Family es otra banda total e injustamente olvidada de finales de los años sesenta / principios de los setenta, a veces denominada como un «conjunto progresivo menor», y por lo tanto ignorada en gran medida en favor de las bandas progresivas más «clásicas». Sin embargo, siendo estrictos, el sonido de Family apenas corresponde a la definición exacta de «progresivo». Dicho esto, Family tenía un estilo, tal vez sería más correcto decir que Family era un estilo en si mismo. Eran básicamente folk, pero con un ligero matiz de jazz-fusión, psicodelia y, a veces, incluso cierta aureola mística.

«Music In a Doll’s House» es un debut muy sólido de una banda que, desde el principio, tenía como objetivo ser diferente. Las canciones del vocalista Roger Chapman y el guitarrista Charlie Whitney abrieron nuevas posibilidades para el rock & roll, que van desde inquietas y sublimes baladas como «Mellowing Grey» hasta oscuras declaraciones románticas como «The Chase», pero el verdadero atractivo de «Music In a Doll’s House» es su exuberante instrumentación.

Pero si hubo algo que lastró a la banda, fueron sus constantes cambios en la formación del grupo. Esto es otra causa de la infeliz historia de Family: una banda que intentó triunfar durante siete años, pero que nunca logró abrirse camino en los Estados Unidos, y que tuvo poco más que seguidores de culto en Gran Bretaña. Una espantosa injusticia, como nombrar bastantes bandas, cuyo enorme éxito comercial era mucho menos merecido. Esperemos que la historia corrija este triste error.

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Fotografía: PA/EMPICS

Leonard Bernstein, el legendario músico que inspiró a varias generaciones a lo largo del siglo XX, fue uno de los músicos clásicos más influyentes del siglo pasado. Extraordinario profesor, director brillante, buen compositor y pianista consumado. El próximo mes de agosto se conmemora el centenario de su nacimiento.

Leonard Bernstein era un músico de talento excepcional que cautivó a sus jóvenes admiradores con su estilo extravagante y sumamente pedagógico. De hecho, fue el músico clásico más dominante de su tiempo, que más influyó en la escena musical de su época. Como dijo uno de sus alumnos: «Cuando se sube al podio, me hace recordar por qué quería convertirme en músico».

Ningún músico del siglo XX tuvo una carrera tan controvertida como Leonard Bernstein. Su contribución a la música es realmente inmejorable. Su música fue profundamente inspirada por la realidad y las gentes de América. Bernstein fue capaz de popularizar los clásicos de una manera que ningún músico anterior había hecho alguna vez. Una generación entera de estadounidenses se sintió atraída por la música clásica a través de sus programas de televisión. Ningún músico en la historia de Estados Unidos conmovió a tantas personas tan profundamente y de tantas maneras distintas.

Leonard Bernstein con sus padres, Jennie y Samuel Bernstein, alrededor de 1921. Fotografía: Biblioteca del Congreso, División de Música

Bernstein nació en Lawrence, Massachusetts, el 25 de agosto de 1918, hijo de Samuel y Jennie Resnick Bernstein. Su padre, un vendedor de productos de belleza que había venido a los Estados Unidos desde Rusia cuando era niño, quería que Leonard se hiciera cargo del negocio cuando creciera. Durante muchos años, el padre se resistió a la intención de su hijo de ser músico.

Las historias de cómo descubrió la música, están envueltas en un halo de leyenda, acrecentadas por el paso de los años, pero todas las fuentes coinciden en que era un prodigio. La propia versión de Bernstein fue que, cuando tenía 10 años, su tía Clara, que estaba en medio de un proceso de divorcio, envió un piano a la casa de los Bernstein para que fuera almacenado. El niño lo miró, presionó las teclas y gritó: «¡Mamá, quiero lecciones!». Ahí comenzó una vida dedicada en cuerpo y alma a la música.

Como compositor, director de orquesta y educador, Leonard Bernstein surgió como una de las pocas figuras del siglo XX que realmente cambiaron la faz de la música. Como compositor, Bernstein dejó un legado de gran alcance que incluye tres sinfonías, una banda sonora sobresaliente (La Ley del Silencio) y un importante conjunto de obras escénicas, incluida una de las piedras angulares del teatro musical estadounidense, West Side Story (1957). Fue el primer director nacido en Estados Unidos en alcanzar el estrellato internacional, Bernstein causó una profunda impresión en el público; su estilo dirigiendo era dinámico, incluso extravagante, de una forma nunca vista antes. La actitud extrovertida de Bernstein generó muchas críticas de aquellos que lo presentaron como un mero exhibicionista; sus defensores, sin embargo, superaron en número a sus detractores.

Leonard Bernstein en 1955. Fotografía: Getty Images

Durante su estancia (1958-1969) como director musical de la Filarmónica de Nueva York, Bernstein llevó a ese conjunto a un nuevo nivel de prestigio y popularidad: cada concierto y grabación de Bernstein se convirtieron en un acontecimiento muy esperado. Bernstein se hizo particularmente conocido como intérprete de Mahler y Copland; hizo mucho para labrar el lugar prominente en el repertorio de conciertos que ambos compositores todavía mantienen. Destacar especialmente su serie de Conciertos para jóvenes, que fueron televisados a partir de 1958, recordados con cariño por muchos como su introducción al mundo de la música clásica.

Bernstein redujo sus actividades como director en los últimos años con el fin de dedicar más tiempo a la composición. Poco de la música de Bernstein de la década de 1970 ha alcanzado el mismo nivel de popularidad logrado por sus obras anteriores; aún así, comprende un conjunto de obras muy destacables que incluye «Mass» (1971), la ópera «A Quiet Place» (1983) y el ciclo de canciones «Arias and Barcarolles» (1988).

Leonard Bernstein murió el 14 de octubre de 1990, cinco días después de anunciar su retirada, como consecuencia de un infarto de miocardio.

Lista de reproducción de Leonard Bernstein