The Rolling Stones (Sticky Fingers) 45º Aniversario

Sucesor del también memorable «Let it Bleed» (1969), «Sticky Fingers» fue la puerta de entrada de los británicos a una nueva década, después de las convulsiones que vivió el grupo con la muerte del miembro fundador Brian Jones y la tragedia del concierto en Altamont (con varios fallecidos). Con el talentoso guitarrista Mick Taylor completamente integrado en la banda, y el dúo Jagger-Richards consolidados en la composición, los Stones dieron vida a un disco de transición que terminó siendo legendario, tan variado como sólido, con clásicos como «Brown Sugar», «Wild Horses», «Sister Morphine» y «Can´t you Hear me Knocking».

“Sticky Fingers fue la primera ocasión en la que añadimos trompetas, por la influencia que tenían en nosotros Otis Redding y James Brown”, declaró el batería del grupo Charlie Watts en una entrevista realizada el 2003.

Liberados de su contrato con Decca, este es el primer larga duración de la banda, donde se incluyen los sonidos más clásicos y que más influenciaron al grupo como son el blues, rock & roll, country y rhythm and blues. El disco se encumbró rápidamente a los números uno, tanto de Inglaterra como en los Estados Unidos, gracias también a la espléndida producción del disco que estuvo a cargo de Jimmy Miller.

El LP vió la luz el 23 de abril de 1971, pero se estuvo gestando desde hacía dos años. Se tomaron este periodo para poder realizar con todas sus influencias un disco que imprimiera su sello. Incluso, este álbum fue el primero que sacaron bajo su propio sello discográfico: Rolling Stones Records.

Aparte de todo esto, y sin entrar en la maravillosa colección de canciones que formaban el disco, «Sticky fingers» siempre será recordado por su original portada. En 1969, Andy Warhol presentó un peculiar diseño de carpeta para el álbum «Let it Bleed» en el que el disco se encontraba envuelto en unas medias de mujer dentro de unos pantalones vaqueros cortados; inmediatamente el personal de la oficina del grupo rechazó esta propuesta.

Warhol y los Stones retomarían dos años después la idea de los pantalones para la carpeta de «Sticky Fingers». La fotografía de la portada consiste en unos pantalones vaqueros ajustados, tan ajustados que podemos ver cierto bulto sospechoso; la contraportada muestra el trasero de esa persona embutido en sus pantalones. La peculiaridad de esta cubierta se encuentra en la ocurrencia que tuvo Warhol al colocar una cremallera auténtica. La cremallera que se podía subir y bajar de verdad. Como la cremallera podía rayar el disco, Warhol colocó detrás una fotografía de unos calzoncillos que se podían ver al bajar la cremallera y así proteger el vinilo.

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Sin embargo, la censura española de la época no supo apreciar el arte de Warhol y el paquete de los Stones no pasó el filtro de los censores, que consideraron la cubierta muy ofensiva. En una muestra más del delirio al que obligaban los censores, la portada de la edición española, en lugar de enseñar los provocativos pantalones, ofrecía una estampa mucho más macabra: unos dedos de mujer dentro de una lata de melaza acompañada de un abrelatas. El resultado fue una portada más literal con el título del disco (dedos pegajosos) y, a la vez, una imagen más siniestra y desagradable que la fotografía de la funda original. Al mismo tiempo, esta versión española se convirtió en una edición rara y muy codiciada para coleccionistas. En esta edición, la canción «Sister Morphine» tampoco tuvo el visto bueno de los censores españoles y fue sustituida por «Let it Rock».

El disco se convirtió posteriormente en un gran éxito comercial. Este trabajo de los Stones recibió muy buenas críticas, llegando a ser considerado por la crítica musical como uno de los mejores materiales de la banda, e incluso, de toda la Música Contemporánea. En 2003 la revista estadounidense «Rolling Stone» lo colocó en el nº 63 en su lista de «Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos».

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Jethro Tull (Aqualung). 45º Aniversario

Si hay en la historia del rock un grupo inclasificable ese es Jethro Tull. Unos juglares tocando rock duro con toques de blues, de jazz, de folk inglés, de música isabelina. Cualquier cosa cabe en la fastuosa coctelera que nos han regalado durante más de cuarenta años Ian Anderson y sus chicos. Por mucho que busquen, no encontrarán nada parecido. Tal vez por eso se han convertido, con el paso del tiempo, en una de las bandas más legendarias de la historia del rock.

El disco al que dedicamos esta entrada, «Aqualung», según Anderson, no es conceptual, aunque gira entorno al tema de la fe y la religión, y sobre todo cómo las religiones organizadas pervierten la relación de las personas con Dios. De hecho sus ataques directos a la Iglesia le supusieron problemas con la censura en la España de la época (no se publicó hasta 1976). Tampoco ayudó mucho la frase que adornaba la maquetación del disco: «en el comienzo, el hombre creó a Dios, y lo hizo a su imagen y semejanza». Por no hablar de que el protagonista del disco sea un vagabundo pedófilo o que la segunda canción hable sobre una prostituta menor de edad (y además bizca).

Tras tres discos que jugaban con el blues y el folk, Jethro Tull se metieron de lleno en una obra mucho más ambiciosa tanto lírica como estilísticamente. El salto hacia el folk rock que empezaron en su trabajo anterior, se confirma aquí, produciendo varios temas totalmente acústicos con partes claramente influenciadas por la música medieval. El hard Rock también está muy presente, aunque tenga menos peso que en anteriores entregas. También se dejan ver rasgos progresivos y sinfónicos que serían mucho más evidentes en los posteriores «Thick As a Brick» y «A Passion Play»

El álbum está dividido en dos partes bien diferenciadas en las caras A y B, Aqualung y My God respectivamente. La cara A habla de la parte más humana del espíritu del hombre, representada en un vagabundo llamado Aqualung, viejo y harapiento, con una tos que suena como un silbido de la que toma su nombre, es el estrato más bajo de la sociedad y el lugar en el que habría que buscar a Dios. La cara B habla de la religión y es un ataque mucho más directo hacia el cristianismo organizado y hacia la iglesia, el lugar, según Anderson, donde difícilmente nadie puede encontrar a ningún Dios que no sea el egoísmo y la hipocresía.

«Aqualung» salió a la venta el 19 de marzo de 1971. Desde el punto de vista comercial, obtuvo buenos resultados en las listas. En el UK Albums Chart, alcanzó la cuarta posición y, en los Estados Unidos, llegó al séptimo puesto en la lista Billboard También se situó entre los cinco álbumes más vendidos en países como Alemania, Australia, Canadá, Italia y Noruega.

«Aqualung» recibió buenas críticas por parte de los críticos musicales. Ben Gerson de Rolling Stone alabó su «buena musicalidad» y lo calificó como «serio e inteligente». Bruce Eder, de Allmusic, le otorgó cuatro puntos y medio de cinco, lo calificó como «una declaración audaz». Por su parte, Sean Murphy de PopMatters le concedió una puntuación de diez sobre diez y comentó que Aqualung «es la piedra angular del por aquel entonces naciente rock progresivo, pero que lo hizo desde los términos propios de un gran álbum de rock». Diego Manrique del diario El País señaló que «marca la maduración de Ian Anderson como creador ambicioso. Musicalmente, llama la atención su yuxtaposición de riffs roqueros y melodías folk».

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Carole King (Tapestry), 45º Aniversario

Si algún aficionado a la música se propusiera tener una colección con los trabajos más importantes de la historia de la música popular contemporánea, este álbum de Carole King sería uno de los imprescindibles en dicha colección.

El 10 de febrero de 1971 Ode Records lanzó «Tapestry», el segundo álbum de esta cantautora norteamericana. Este ocupó el Nº 1 de la revista musical Billboard durante 17 semanas y se mantuvo en la lista de los más vendidos por espacio de 6 años. Además ganó 3 premios Grammy: mejor álbum, mejor canción (“It’s Too Late” / ”I Feel the Earth Move”) y mejor vocalista femenina.

El día antes de que se diera a conocer «Tapestry», Carole King cumplió 28 años y para ese momento ya había estado en el negocio musical durante más de una década. Su primera grabación fue a los tres años en Coney Island.

La recepción ante este álbum fue entusiasta. John Landau, de la revista Rolling Stone, dijo que el disco era un trabajo «que traspasa la intimidad personal y el logro musical». Además se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos con un total de más de 25 millones, 10 de ellos durante la década de los setenta.

En 2003 «Tapestry» fue uno de los 50 discos elegidos por el Registro de Grabaciones Nacionales para permanecer en la Biblioteca del Congreso como parte de la herencia musical de Estados Unidos.

Es 1970, Carole tiene 28 años, dos hijas y un gato. La luz de las colinas de Hollywood se cuela por los cristales, blanqueando una parte de su rostro y de su rizada melena. El resto de la habitación permanece en penumbra.

Dos años antes, en 1968, Carole se divorció. Cambió Manhattan por la Costa Oeste y comenzó una nueva vida junto a sus hijas. Su aspecto ahora es muy diferente al de aquella jovencita que se convirtió, junto a su marido Gerry Goffin, en una de las parejas de compositores más famosas de los años sesenta.

El Brill Building es un edificio de oficinas situado en Broadway. En los años sesenta albergó la mayor concentración de músicos y letristas por metro cuadrado de la historia. Decenas de compositores se hacinaban en pequeñas salas en las que solo cabía un piano. Su trabajo era producir, como en una fábrica de automóviles, un éxito tras otro. Carole King y su marido Gerry Goffin pasaron gran parte de esa década prodigiosa encerrados en edificio Brill, junto a futuras leyendas como Paul Simon o Neil Diamond. Aretha Franklin, Bobby Vee, Tina Turner, The Monkees, The Drifters, incluso The Animals, The Byrds y Manfred Mann cantan composiciones de este matrimonio.

Carole compone y compone para los demás y se cansa. Comienza a escribir pensando en ella, en su delicada y frágil voz. Edita su primer trabajo en solitario en 1970, pero «Writer» fue un fiasco y supongo que ese hecho y otros más íntimos comenzaron a resquebrajar el matrimonio. Finalmente Carole y Goffin se divorciaron. Lo que podría ser un momento vital desastroso de los que te hacen caer a lo más profundo del pozo y no salir jamás provoca en Carole unas ganas enormes de triunfar y comienza a escribir las canciones para el que sería no sólo su mejor disco sino también uno de los mejores discos jamás realizados.

Ya desde esa portada mítica, «Tapestry» es especial, es mágico. Ahí está ella, relajada, mirando por la ventana, descalza, con el gato en su cojín y ella bordando un tapiz, todo tan cercano, tan cálido y placentero, como el disco, como la música que contiene, música maravillosa, mucho más, divina.

Este álbum único, donde el jazz, el soul, el folk y el pop se dan la mano. Un disco melancólico, dulce y apasionado. Lleno de verdad y sentimiento. Un disco con grandes canciones, algunas de ellas grabadas a fuego en el recuerdo de muchísima gente.

Para quién no lo conozca será todo un descubrimiento. Para los que hemos cumplido años amando estas canciones, será volver al hogar, donde todo es acogedor, donde todo es posible, donde todo es mágico.

Simon & Garfunkel (Sounds of Silence), 50º Aniversario

Esta historia comienza cuando tras la publicación de su poco exitoso álbum de debut llamado «Wednesday Morning, 3 A.M.», este dúo se separó con la marcha de Paul Simon a Inglaterra. Pero poco después algunas emisoras de radio comenzaron a recibir peticiones de una canción llamada «The Sounds of Silence», ante esta masiva petición sucedió algo inusitado. Los productores Tom Wilson y Bob Johnston reinterpretaron dicha canción con bajo, guitarra y una marcada batería. Esto llegó a oídos de Paul Simon quien, a pesar de estar descontento con esta «libertad» de los productores, volvió a Estados Unidos a reunirse con su compañero Art y juntos entraron al estudio dispuestos a grabar un nuevo larga duración.

El éxito de la canción podía haberles conducido a un disco de compromiso para aprovechar el tirón de la misma. Sin embargo sorprendieron con un álbum que sin rubor alguno podemos catalogar de clásico. Lo que tenemos aquí es un compendio de once canciones hechas desde la profundidad y el sentimiento más sincero y absoluto, las letras son pequeños y bellos poemas en sí mismos, y en general, nos deja la sensación de ser un disco que madura y crece con el tiempo. Sencillo pero críptico a la vez, alegre y al mismo tiempo triste, lleno de pequeños matices de rock que fluyen conjuntamente con las inquietudes propias del folk.

El disco se inicia con el que probablemente sea el punteo acústico más famoso de toda la historia de la música, y es que es sencillamente impresionante como unas cuatro notas pueden llegar a definir tanto. Sin embargo, éste se desvanece poco a poco para cuando la voz de Garfunkel surge desde las sombras y comienza a susurrar al oído del oyente esas cinco palabras que ya han hecho historia: «Hello darkness, my old friend…».

Art Garfunkel quizás no sea el mejor cantante de la historia, pero posee un registro envidiable y una capacidad de elevar su voz a tonos muy agudos absolutamente pasmosa. Paul Simon tampoco será el mejor autor de canciones, pero desde luego podemos incluirlo fácilmente en una lista de «los compositores más brillantes», además de que su voz, algo más limitada que la de su compañero Art, escuda perfectamente una armonía vocal cuyo único objetivo es hacer que te envuelvas y sientas las historias que te narran (muchas veces, autobiográficas del propio Simon). Juntos crearon algunas de las composiciones más ricas y vivas de la música folk-rock, y eso fue gracias a su talento.

Pero no podemos quedarnos solo con el tema que da título al álbum, este está repleto de maravillosas canciones. «Leaves That Are Green» es una historia que deja entrever una metáfora al amor no correspondido. «Blessed»  es un canto contra la hipocresía, donde nos invade un sonido más eléctrico que pronto deja paso a una delicada «Kathy’s Song». Unos acordes de guitarra y una hiriente confesión de amor son suficientes para que este tema se convierta en uno de los más emocionantes del álbum.

El animado «Somewhere They Can’t Find Me«, el sobrecogedor «Anji» con la guitarra como única protagonista, la alegría de «Richard Cory« a pesar de lo trágico que en ella cuentan o la dureza de «A Most Peculiar Man».

«April Come She Will» es una pieza de menos de dos minutos que se convierte en la pequeña gran obra del álbum y en la que la melodía y la voz se vuelven una contando el paso de las estaciones y llamando al amor. «We’ve Got A Groovy Thing Goin» es el frenesí después de la calma, y con «I´Am Rock» se despiden devolviendo el protagonismo a la guitarra y a los estribillos ascendentes que ellos dominaban tan bien.

I´Am a Rock

The Sounds of Silence

Kathy´s Song

A Most Peculiar Man

«Sounds of Silence» vendió más de cinco millones de copias en todo el mundo. En la actualidad, el disco es conservado por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos como parte «cultural, histórica y estéticamente significativa».

The Beatles (Rubber Soul), 50º Aniversario

Hoy, tres de diciembre, se cumplen cincuenta años de la publicación de «Rubber Soul» por parte de Los Beatles. Este disco marca un antes y un después en la carrera del cuarteto de Liverpool. Con el iniciaron su periodo de madurez musical, pasaron del pop de sus anteriores discos a una música mucho más elaborada, donde exprimieron las posibilidades del estudio y abrieron un camino a la experimentación que no abandonarían hasta el final de su existencia como grupo.

Pero se puede decir mucho más de este disco. Sin «Rubber Soul» no hubiera existido el «Pet Sounds» de Beach Boys. Sin el acicate de «Pet Sounds», Los Beatles no hubieran hecho «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band». Fue un principio de acción-reacción, de sana competencia entre genios musicales, como fueron ellos mismos y el propio Brian Wilson, líder de Los Beach Boys, que quedó fascinado con la música de «Rubber Soul».

A Los Beatles se les pidió en 1965, que completaran dos álbumes con material nuevo. No solo editaron «Help» sino también «Rubber Soul», su disco cara a las navidades. En tan solo un mes, los Fab Four completaron un LP sólido, innovador y revolucionario.

Después de publicar «Help», en agosto de 1965, el grupo se embarcó en una mastodóntica gira por los Estados Unidos y Canadá. A mediados de octubre, con muy poco tiempo de descanso, comenzaron las sesiones de grabación del disco que se prolongaron durante un mes.

En este álbum se incluyen por primera vez temas compuestos por George Harrison, en concreto dos, además contribuyó tocando el sitar en «Norwegian Wood», dado su creciente interés por la música y cultura Hindú.

De acuerdo con Richie Unterberger de AllMusic, en Rubber Soul «The Beatles y George Martin, su productor, empezaron a expandir los parámetros de la instrumentación más allá de la convencional para un grupo de rock al usar un sitar en «Norwegian Wood», los sonidos griegos en las líneas de guitarra de «Michelle» y «Girl», el bajo fuzz en «Think for Yourself», y el solo de piano eléctrico interpretado a la manera de un clavecín en la parte instrumental central de «In My Life», y que Harrison fue también desarrollando una mejor composición en sus dos contribuciones».

El productor George Martin comentó sobre el álbum, «Realmente, creo que «Rubber Soul» fue el primer álbum de The Beatles que presentaba unos nuevos Beatles al mundo. Hasta entonces, los álbumes eran más bien recopilaciones de sencillos. Ahora estábamos empezando a pensar en los álbumes como unidades artísticas propias. Y «Rubber Soul» fue el primero de esta nueva etapa».

La fotografía de la portada de «Rubber Soul» fue nuevamente tomada por Robert Freeman. Pero la forma en que los rostros aparecen ligeramente distorsionados en la cubierta fue el resultado de un feliz accidente mientras se proyectaba la imagen. También es interesante observar que el nombre del grupo está ausente de dicha portada.

El álbum se mantuvo ocho semanas en la cumbre de la lista de álbumes en el Reino Unido durante una estancia total de 42. Los pedidos por adelantado alcanzaron los 500,000 discos. Se vendieron 750.000 en el Reino Unido y alrededor de 3.000.000 en todo el mundo.

Control de calidad (más que contrastada)

The Beatles (The Making of «Rubber Soul»)

The Beatles (Rubber Soul) Playlist

50º Aniversario de Radio Clásica

Radio Clásica nació el 22 de noviembre de 1965 como «Segundo Programa» de RNE, un aniversario que la emisora, que ha difundido «438.000 horas de cultura» en ese tiempo, celebrará con programas especiales que recordarán desde sus inicios los hitos de una historia de la que «pocos pueden presumir».

Desde entonces ha sido «la mayor sala de conciertos» de España, afianzando su prestigio hasta convertirse en referente de la música clásica a través de las ondas.

Radio Clásica está centrada en la música clásica, aunque abarca también contenidos especializados de otras músicas como el jazz, el flamenco, la zarzuela o el folclore.

Web de Radio Clásica

Radio Clásica a la carta

Además Radio Clásica ha editado con motivo de su 50 aniversario un recopilatorio de cinco CDs que reúnen más de ochenta grabaciones en ocho horas de música que ofrecen un recorrido histórico desde el medievo a nuestros días.

La caja incluye un libreto de 56 páginas en el que los textos, escritos por los profesionales de Radio Clásica, acompañan al oyente a modo de guía de escucha y contextualizan las obras musicales contenidas en los cinco discos.

Ofrece, además, una breve historia de la emisora y detalla algunos de los acontecimientos más destacados que han marcado su trayectoria.

Nacimiento de Grace Slick (30/10/1939)

Hace 76 años nacía en Evanston, Illinois (Estados Unidos), la artista Grace Barnett Wing, más conocida como Grace Slick. Una de las voces más emblemáticas del rock en general y del psicodélico en particular, figura del movimiento hippie en los años sesenta. Formó parte de las bandas The Great Society, Jefferson Airplane, Jefferson Starship y Starship. También es artista plástica, actividad a la que se ha dedicado desde que abandonó el mundo de la música a finales de los años ochenta.

La hinóptica Grace Slick, una de las mujeres más fascinantes de la historia del rock, auténtica musa de la psicodelia, fue una de las pioneras del rock femenino, inspiración para su amiga Janis Joplin o mujeres tan diversas como Stevie Nicks o Patti Smith.

Su carrera musical comenzó en 1965, cuando con su marido de entonces, Jerry Slick, quién era director de cine, junto a otros amigos formaría el grupo The Great Society. Grace era admiradora del trabajo de la banda Jefferson Airplane y cuando en 1966 pierden a su vocalista, asume su lugar.

Una suerte para el rock, ya que su fuerte e inconfundible voz quedó inmortalizada en canciones como «Somebody to Love» y «White Rabbit», de la cual también fue autora. El álbum «Surrealistic Pillow», publicado en 1967, es un disco fundamental para entender lo que supuso esa explosión creativa culminada en el año 1967 denominada psicodelia, centrada sobre todo en el área de San Francisco.

Precisamente allí surgió el llamado «Verano del Amor», que en principio fue un festival y concentración hippie, donde se reunieron varios de cientos de miles de personas para celebrar el nacimiento de esa entonces nueva contracultura.

White Rabbit tuvo un éxito inusitado, encontrándose hasta hoy en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Ésta hacía alusión a los libros de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas y Alicia a través del espejo, y los efectos del LSD, cuyo consumo fue uno de los signos distintivos de aquel movimiento.

Desde sus inicios, Grace Slick se convirtió en un ícono de la escena del rock y su gran personalidad le permitió decir y hacer cualquier cosa. Grace expresó sus ideas políticas, como el apoyo a Las Panteras Negras, su oposición a la censura y a la guerra de Vietnam y su aguda crítica a la moral en la sociedad.

Después de algunos años de éxito, Jefferson Airplane se separó en 1972, convirtiéndose sucesivamente en Jefferson Starship y después simplemente en Starship. Nueva formación y en un nuevo contexto social, pero tal vez con canciones más olvidables, que habían perdido la magia de antaño y su capacidad de experimentación, derivando a un rock con un perfil más plano. También inició una carrera en solitario con discos muy interesantes, hasta su retirada a finales de los ochenta.

Grace Slick en la actualidad

Jefferson Airplane (White Rabbit) 1967

Jefferson Airplane (Somebody To Love) 1967

Grace Slick (Full Moon Man) 1980

Nacimiento de John Entwistle (09/10/1944)

¿El mejor bajista de la historia?, se puede decir que es una opinión practicamente unánime al respecto; personalmente creo que es así, no ha habido un bajista más influyente, imitado y que hiciera evolucionar más el instrumento que el; junto con Keith Moon como miembros de The Who, formaron la mejor sección rítmica de la historia del rock.

En 1964 Rogel Daltrey invitó a John a formar parte de su banda, The Detours, posteriormente este recomendó la incorporación de Pete Townsend, amigo de la infancia de John, como guitarrista; con la posterior llegada del batería Keith Moon, se completo la formación de la banda, posteriormente se cambiaron el nombre por The Who y ahí empezó la andadura de uno de los grupos clave en la historia del rock británico y mundial.

Tenía dos apodos: The Ox (El buey), el más famoso, por su semblante impasible en escena; y Thunderfingers (Dedos de trueno), por la fuerza y agilidad de sus dedos tocando el bajo.

Esta característica propia de John, su figura completamente estática en el escenario frente a la explosividad en escena de los otros miembros de la banda, el lo contrarrestaba con una impavidez total, pero a cambio estaba interpretando las lineas de bajo más creativas que se han hecho jamas.

Los expertos dicen que en los discos no se mostraba tanto este estilo único de tocar el bajo, a diferencia de lo que ocurría en los conciertos. En este sentido, vale la pena escuchar “Live At Leeds” (1970), para muchos el mejor álbum de rock en vivo de todos los tiempos, para notar que Entwistle era un virtuoso.

Las transiciones casi perfectas entre el uso de los dedos y los diferentes niveles de presión hacia las cuerdas hacían que, más que un soporte rítmico, el bajo de John fuera casi como un teclado. John Entwistle no sólo toca el bajo de forma convencional, sino que a ratos en vez de pulsar las cuerdas, las teclea como si tocara un piano, lo que denota su amplia formación instrumental, pero también una vocación para buscar nuevas sonoridades.

Otro aspecto a resaltar es que sus habilidades musicales no se centraban solo en el bajo, era un más que competente trompetista, y en su habilidad como dibujante, centrando esta faceta en retratos y caricaturas de otras figuras del rock. La portada del Disco «The Who by Numbers» de 1975, es obra suya.

Desde 1971, y viendo que no todo lo que componía podía acabar en el grupo, empezó a grabar en solitario, fue el primero en hacerlo, en paralelo a The Who. Murió en el año 2002, en Las Vegas, como consecuencia de un ataque al corazón.

 Solo de John Entwistle (Royal Albert Hall) 2000, enlace al vídeo.

Nacimiento de John Coltrane (23/09/1926)

John Coltrane fue uno de los gigantes del jazz, una de sus figuras más relevantes e influyentes, un músico formado en el clasicismo del género, pero siempre abierto a innovar, lo que le situó siempre en la vanguardia.

En sus comienzos tocó con algunas de las figuras más importantes de la época, como Dizzy Gillespie, pero su espaldarazo definitivo fue la llamada de Miles Davis en 1955 para formar parte de su nuevo quinteto; con el permaneció un año, donde dio muestras de su crecimiento como músico.

En 1957 publica «Blue Train», una de sus obras fundamentales, acompañado de un quinteto de lujo, grabó un disco tremendamente influyente que ya daba muestras de todo su talento.

En 1958 vuelve a la banda de Davis, ya convertida en sexteto, donde grabará dos discos históricos y definitivos en la historia de jazz, «Milestones» y la obra maestra absoluta de Davis, «Kind of Blue».

A partir de ahí, 1960, Coltrane deja a Davis y reanuda su carrera en solitario con una mayor carga experimental. Todo ese rodaje culminaría en 1964 con la edición de «A Love Supreme», su disco definitivo, con una estructura totalmente innovadora y con un fuerte componente religioso y espiritual.

Coltrane siguió evolucionando musicalmente hasta su temprana muerte en 1967. Queda su enorme legado, el ser uno de los mayores y más influyentes saxofonistas de todos los tiempos, y queda sobretodo la evolución de un genio inquieto que nunca se conformó con lo establecido.

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Fallecimiento de Víctor Jara (16/09/1973)

Víctor Jara fue el representante más visible de ese movimiento músico-social que se denominó «Nueva Canción Chilena», que se empezó a gestar en Chile a mediados de los años sesenta, llegando a su plenitud al comienzo de la década de los setenta.

Este movimiento reivindicaba la música de raíz popular, en contraposición a la influencia de la música anglosajona en lo músicos de su país; alumno aventajado de Violeta Parra, con cuya familia tuvo una relación muy estrecha, su labor como folklorista fue muy intensa en la recuperación de la música tradicional chilena y de la zona andina en general.

Su faceta como cantautor, quizá la más conocida, estaba teñida en gran parte de un claro matiz político, su vinculación total con el gobierno de la Unidad Popular de Salvador Allende, del cual fue embajador cultural, es notorio en muchas de sus canciones; Sin embargo, dejó canciones como «Te Recuerdo Amanda» y «Luchín», con un contenido social evidente, pero matizado por la intensidad de la melodía.

Fue inmediatamente detenido tras el golpe de estado del once de septiembre de 1973, trasladado al Estadio Nacional de Santiago, que actualmente lleva su nombre, y allí quedó truncada no solo su carrera artística, sino su vida, el dieciséis de septiembre, cinco días después de su detención.

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