Cuando miramos hacia atrás, y pensamos en los Moody Blues desde una perspectiva estrictamente histórica, una cosa queda inmediatamente clara: es sorprendente que la banda pudiera sobrevivir a su efímero éxito inicial, y por supuesto que llegara hasta nuestros días.

The Moody Blues son una banda, que en circunstancias normales, la historia debería haber dejado de lado, un grupo que sería relegado para siempre al simple, y a veces penoso estado del One Hit Wonder y dejado en los márgenes del gran libro de la historia del rock. Después de todo, fue en 1964 cuando este pequeño grupo de R & B obtuvo el número 1 en el Reino Unido con «Go Now», una versión de una canción de un oscuro cantante llamado Bessie Banks. En ese momento, los Moodys ni siquiera tenían su alineación más famosa. La banda estaba compuesta por Mike Pinder, Ray Thomas, Graeme Edge, Denny Laine y Clint Warwick, los últimos dos de los cuales ni siquiera estarían con el grupo dos años después de «Go Now» y su infructuosa búsqueda de un camino a seguir.

Formación original de The Moody Blues (Mike Pinder, Denny Lane,Clint Warwick, Graeme Edge, Ray Thomas)

The Moody Blues (Go Now) 1964

Con la llegada  de John Lodge y Justin Hayward en 1966, el grupo de repente encontró una dinámica que era cómoda, atrevida y ambiciosa, todo al mismo tiempo. Aunque Pinder y Thomas llevaban componiendo canciones durante años, fue Hayward quien demostró tener un toque especial: un compositor con un don para crear melodías radiables, que eran tan lujosas como accesibles. Los cinco miembros eran formidables compositores, pero en realidad a su sello no le importaba. Decca Records tuvo a la banda bajo control, ya que varios singles no cumplieron con las expectativas de ventas, dejando a la banda con una gran cantidad de deudas. Bajado de ser cabeza de cartel a ser músico de sesión, Decca sintió que podría usar a este grupo tan melódico para un pequeño experimento: traerían la innovación del sonido envolvente a Gran Bretaña.

Con el fin de promocionar un nuevo sistema de sonido, el Deramic Sound System (DSS), y bajo el paraguas de su filial Deram, les encargaron la grabación de una versión «rockera» estereofónica de la «Sinfonía del Nuevo Mundo» de Dvorak. La banda fue enconmedada a un productor de primer nivel (Tony Clarke), una orquesta completa y, lo más crítico, el director y arreglista Peter Knight. Aunque las sesiones iniciales fueron admirables, los Moodys simplemente no pudieron reunir el entusiasmo necesario para finalizar el proyecto. Aún así, con una orquesta a mano (y con el colorido talento de Knight para organizarla), la banda pudo convencer a Clarke de grabar algunas de las canciones del grupo. Aunque Decca inicialmente se horrorizó de que la banda fuera lo suficientemente atrevida para secuestrar su proyecto favorito, lo dejaron pasar, y el resultado fue «Days of Future Passed», uno de los éxitos más inverosímiles de toda la historia del rock.

The Moody Blues en 1967: Mike Pinder, Justin Hayward, Ray Thomas, Graeme Edge y John Lodge

Para muchos es el big bang del rock progresivo. La adición de una orquesta a sus composiciones, con un protagonismo a veces exclusivo de esta. Elevó las ambiciones y la creatividad de su música a niveles nunca alcanzados hasta ese momento. Hay que añadir dos elementos esenciales de este álbum: el impacto planetario que tuvo la composición de Hayward, «Nights in White Satin», auténtico clásico intemporal de la historia de la música. Y el uso del mellotron. Se trataba de un teclado capaz de reproducir en tres canales, cintas pregrabadas accionadas con ambas manos: con la izquierda se podían seleccionar 18 ritmos diferentes y con la derecha otros tantos instrumentos. Mike Pinder era prácticamente el maestro de este instrumento, el que más lo desarrolló. Con lo cual, el sonido de la banda tenía un sello inconfundible.

Mike Pinder en primer plano tocando el mellotron

Inicialmente, Deram estaba desconcertada por esta grabación y no estaba seguro de cómo comercializarla. El álbum fue lanzado en el Reino Unido en noviembre de 1967, y en Estados Unidos en abril de 1968. El concepto del álbum se centra en la narración de un día en la vida de un hombre común (presumiblemente un martes durante el verano) desde el amanecer hasta la noche. The Moody Blues y la London Festival Orchestra crearon una mezcla tan articulada de melodías rock y orquestaciones clásicas que es casi imposible determinar si se trata de un álbum de rock con inserciones clásicas, o viceversa. Sin embargo, los aspectos más importantes de esta increíble creación pueden haberse pasado por alto.

Además de la orquestación exuberante y unas melodías excepcionales, el álbum también introdujo una obertura y un epílogo poéticos declamados por Mike Pinder; un concepto estructurado; instrumentos de viento; arpa; varias formas de percusión, incluyendo xilófono, triángulo y gongs; una gran cantidad de otros instrumentos diversos; y por supuesto, la contribución imprescindible del ya citado Mellotron. Esta grabación también presenta las armonías vocales del grupo, que se convertiría en una marca registrada de su inconfundible sonido único durante toda su carrera.

La portada del álbum es una pintura tipo collage, que contiene muchas imágenes entremezcladas, que haciendo honor al título del disco, contienen referencias al pasado (caballeros medievales) y al futuro (naves espaciales). Tanto en términos musicales como visuales, este LP estaba adelantado a su tiempo.

A todos los efectos,»Days of Future Passed» es el primer álbum conceptual genuino en la historia del rock, ya que cada canción se relaciona con un tema central y la historia de principio a fin de una manera muy progresiva, Un logro increíble cuando se considera que este fue solo el segundo esfuerzo de estudio para Pinder, Edge y Thomas y el primero para Hayward y Lodge, anterior a la ópera rock «Tommy» de The Who en casi ¡dos años!.

Otro aspecto que a menudo se pasa por alto de «Days of Future Passed» es que fue el primer álbum de rock en incorporar una orquesta clásica en su totalidad, no solo en ciertos puntos.

Posiblemente debido a su lanzamiento al rebufo del monumental «Sgt. Pepper» o porque la audiencia en 1967 aún no estaba lista para el primer álbum de fusión clásica / rock, este brillante conjunto de música nunca ha recibido el reconocimiento que merece; sigue siendo para muchos sinónimo del éxito de «Nights in White Satin».

«Days of Future Passed» es un viaje ininterrumpido de 41 minutos y 47 segundos a través de uno. un solo día en la vida de un hombre. «Days of Future Passed» está lleno de emoción, está bien elaborado y aún suena tan rico y nítido como el día de su lanzamiento inicial.

Tal vez en un futuro cercano, esta maravillosa grabación será reconocida como el trampolín fundamental en el que el rock dobló la esquina de la canción pop de dos o tres minutos y se expandió al territorio conceptual. Con suerte, «Days of Future Passed» ya no se pasará por alto.

Enlace al Álbum (Sonido 5.1 + Extras)

The Moody Blues Interpretan Tres Temas del Álbum en la Gala del Midem de 1968 (1-Peak Hour, 2-Tuesday Afternoon, 3-Nights in White Satin)

En 1997, a la edad de 67 años, desapareció repentinamente Barbara. Era un 24 de noviembre, mes que ella odiaba. Veinte años después de su muerte, la dama de negro es sin duda la cantante francesa más respetada, incluso entre las generaciones más jóvenes. Con una obra tan densa como apasionada, es una de las pocas mujeres, tal vez la única, que aparece en el círculo muy limitado de maestros de la canción clásica francesa junto a monumentos como Brel, Brassens o Ferré. Con todos ellos, Barbara simbolizaba la “nouvelle chanson” dejando atrás la generación del cabaret.

Su hipnótica y misteriosa imagen, a menudo la hacen parecer una mujer oscura y seria. Es cierto que Barbara era extremadamente estricta con su trabajo y tan exigente que podía ser feroz con sus colaboradores. Pero a la vez, sus amigos recuerdan su peculiar sentido del humor, las horas que pasaba tejiendo bufandas o cocinando en su casa de Precy-sur-Marne .

Un carácter directamente derivado de las ansiedades que amasaban a esta mujer, cuya infancia fue una pesadilla. Nacida como Monique Serf en 1930, en París, en una familia judía, debe abandonar la capital muy rápidamente para peregrinar por las cuatro esquinas de Francia entre 1940 y 1945, con el fin de escapar del horror nazi. En este momento apocalíptico, ella también debe enfrentarse a un padre incestuoso … Sus tormentos, que vienen de la infancia o el resultado de su problema cardíaco, de los cuales Barbara nunca se atrevió a expresarlos en público. O muy poco. Sus canciones, por otro lado, dicen mucho sobre sus miedos y dolores. En ellas encontró la fuerza para exorcizar sus demonios.

Nacida Monique Serf en 1930 en París, llega Barbara, como Serge Gainsbourg, Michel Polnareff y otros artistas de la misma generación, procedente de una familia judía de Europa Central. Su infancia está marcada por numerosas mudanzas. Después de la Segunda Guerra Mundial, la familia se mudó a Vésinet en la región de París. La niña comienza a tomar clases de canto y teoría musical. En 1947, la familia se trasladó al distrito 20 de París y Barbara se matriculó en el Conservatorio. Aprende algunas piezas clásicas, estudiando a Fauré, Debussy y Shumann. Rápidamente, abandona el conservatorio porque quiere actuar en el escenario. Ella lo intenta en los cabarets de París, pero no logró abrirse paso.

A principios de los años cincuenta, viajó a Bélgica para probar suerte. Elige un nombre artístico, Barbara Brodi, derivación del nombre de uno de sus lejanos ancestros eslavos (Varavara Brodsky) y repite el repertorio de Edith Piaf. Pero después de dos años sin éxito, regresa a París. Actuó en varios cabarets. En 1958 logró una audición en el Ecluse, el cabaret del momento. Ella comienza a darse a conocer, y en julio del mismo año, es invitada a cantar en el espectáculo nocturno del cabaret. Descubierta por Pathé Marconi, grabó su primer sencillo, y lanzó su primer álbum en la primavera de 1959, «Barbara at the Ecluse».

Durante estos años se mezcló con una multitud de artistas en ciernes entre los que se incluyen Georges Moustaki, Serge Gainsbourg, Serge Lama y Brigitte Fontaine. Su repertorio se expande: a la canción realista de antes de la guerra, agrega textos de Brassens, Jacques Brel y Léo Ferré, luego tímidamente prueba ante esta audiencia sus primeras creaciones.

En 1960, Barbara lanzó un álbum, «Barbara Chante Brassens», que tuvo un gran éxito. En marzo de 1965, publicó su primer álbum como autora, «Barbara Chante Barbara». El álbum recibe el premio de la Academia Charles-Cros y definitivamente lanza la carrera de la cantante. Unos meses más tarde, escribe «Ma plus histoire d’amour», una canción que dedica a su audiencia. Continúa conciertos y giras con éxito. En 1970, publicó «L’Aigle Noir», su undécimo álbum, que da título también a la canción homónima incluida en el mismo, auténtico icono de su carrera musical. En este álbum rompe con el minimalismo habitual en la producción de sus trabajos, gracias a los esplendororos y ajustados arreglos del genial Michel Colombier.

En medio de la explosión yé-yé, Barbara no cede. Sus canciones son un monólogo interno de melancólica poesía negra, que representa heridas personales que a menudo se pueden identificar, o que hablan sobre el amor en bocetos que intentar sonar románticos. El resultado es una relación con su audiencia que ha sido descrita como un concierto de diván psicoanalítico donde se revela a sí misma en momentos que rayan en la catarsis.

En la década de los setenta, después de una despedida de la escena que no podrá respetar, emprende colaboraciones más o menos fructíferas que la llevan al teatro con «Madame» de Remo Forlani, donde interpreta el papel de una mujer gobernando sola un burdel abandonado en África, y en el cine con «Franz», bajo la dirección de Jacques Brel. Estas aventuras conducen a fiascos críticos y financieros, pero sus fanáticos la siguen. También colabora con escritores y arreglistas talentosos, incluido François Wertheimer, quien escribió en 1973 el álbum «La Louve», misterioso y poético. Pero el éxito solo ha agravado la fragilidad de esta compleja personalidad. Asustada por la opresiva adoración de sus admiradores, atormentada por las heridas de su infancia, propensa al insomnio, Barbara intenta suicidarse en 1974 tragando siete tubos de barbitúricos.

Sentimentalmente, Barbara multiplica historias de amor apasionadas y violentas, con hombres de todas las edades. Nunca se casó, tampoco tendrá hijos.

Durante los años ochenta, publicó el álbum «Seule» (1981) y luego coescribió el espectáculo musical «Lily Passion» (1985). Después de dos giras por Francia y el extranjero en 1988 y 1991, regresa a la escena en el Châtelet de París y graba el álbum «Châtelet 93» que le permite ganar el premio de la música a la artista femenina del año en 1994 .

Nunca tanto odio generó tanta belleza. Podría ser el resumen del contenido de este álbum imprescindible. De los muchos clásicos perdidos producidos durante la explosión creativa del apogeo psicodélico de finales de los sesenta, el más grande puede ser este trabajo, el tercer álbum del grupo Love, con sede en Los Ángeles.

La portada de «Forever Changes», es un mosaico caleidoscópico de las caras del grupo en forma de corazón. «Forever Changes» se grabó en el epicentro del sueño hippie californiano, pero la atmósfera alrededor de su creación ofreció una prueba temprana de cómo el verano del amor pronto se agriaría. El amor ya estaba desesperadamente agotado cuando comenzaron a grabar, pero de alguna manera enterraron sus problemas (más una contundente enemistad personal) para cumplir la visión apocalíptica de su líder Arthur Lee.

Enlace al Álbum Completo