CANTORÍA (Cuarteto vocal): Música antigua (03/Marzo/2020)

03-03-2020

 20:15 H
 TEATRO EL ALBÉITAR

 

INVITACIONES: A partir de 15 minutos antes en taquilla

Cantoría es un ensemble vocal dirigido por Jorge Losana, formado en el verano de 2016 en el Festival Internacional de Música Antigua de Sierra Espuña, y que tiene su origen en la Escuela Superior de Música de Cataluña. Está formado por Inés Alonso (soprano), Samuel Tapia (contratenor), Jorge Losana (tenor y dirección) y Valentín Miralles (bajo).

Desde que fueron seleccionados por el programa EEEmerging 2018 (Emerging European Ensembles), un proyecto de cooperación apoyado por la Unión Europea y organizada por el Centre Culturel de Rencontre de Ambronay (Francia), están construyendo una carrera internacional gracias a conciertos en Italia, Alemania, Francia, Polonia, Reino Unido, Bélgica, Croacia, Lituania, España y Países Bajos. De la misma manera, en 2017 fueron seleccionados como jóven promesa por el IYAP (Presentación Internacional de Jóvenes Artistas) de Amberes, la edición fringe del Festival de Música Antigua de Brujas y la edición fringe del prestigioso Oude Muziek Festival en Utrecht, actuando como “Fabulous Fringe Ensemble” en 2019.

En 2018 Cantoría ganó el Premio del Público en el Festival EEEmerging de Ambronay, fue seleccionado por el programa de residencia de La Cité de la Voix, en Vézelay, e invitado para formar parte del proyecto MuSAE de Juventudes Musicales España, actuando en la Biblioteca Nacional de España y el Museo del Prado. En 2019, el grupo ganó el Premio de Música Antigua FestClásica, que les otorgó una gira de conciertos por toda España, debutó en la radio alemana (WDR3), y comenzó una colaboración en el Centro di Musica Antica Ghislieri de Pavía como ensemble residente.

El repertorio de Cantoría está basado principalmente en la música vocal de la Edad de Oro española. Junto a la investigación de técnicas interpretativas históricamente informadas, Cantoría explora y aprovecha el carácter teatral y comunicativo de la Música vocal renacentista e investiga las técnicas vocales del Renacimiento Ibérico. Cantoría es apoyada por Acción Cultural Española, el Instituto Nacional de Artes Escénicas y Música, la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid y el Instituto de las Industrias Culturales de Murcia.

Cantoría (2019): Sus, sus, sus [Música Renacimiento Iberico, s. XVI]

Concierto Presentación Nacional: “ORGAN SOLO” (28/Febrero/2020)

28-02-2020

 21:00 H
 TEATRO EL ALBÉITAR

 

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la  taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné  universitario y DNI.

Groove, boogaloo, latín, jazz, lounge, rythm & blues, rock…

Organistas: LUCA FRASCA, PABLO GUTIÉRREZ CALVO, JULIAN MAESO y DANIEL DE MADARIAGA + artistas invitados.

 

 

Led Zeppelin (Physical Graffiti) 1975

Resultado de imagen de physical graffiti

Durante sus doce años como banda, Led Zeppelin lanzó ocho álbumes de estudio, todos los cuales fueron excelentes en diferentes grados. Pero “Physical Graffiti” destaca por dos razones. Primero es matemática simple, ya que es su único álbum de estudio doble. Y la segunda razón sería, la gran diversidad de este trabajo, que combina material recién compuesto con tomas de los tres álbumes de estudio anteriores del grupo y en el proceso captura una increíble variedad de estilos, producción y métodos de composición. Todo esto, más el simple hecho de que las actuaciones individuales están repletas de una musicalidad innovadora y sobresaliente.

Pero primero hay que situarse a mediados de los años setenta, para comprender el alcance e impacto de esta banda. Cada uno de sus cinco álbumes anteriores se había convertido en platino, vendiendo más de un millón de copias; uno, “Led Zeppelin (IV)”, había vendido más de tres millones. Establecieron nuevos récords de asistencia a conciertos en los Estados Unidos, atrayendo 56,800 espectadores a un solo espectáculo en Tampa, Florida, en 1973, y 120,000 a seis conciertos en el área de Nueva York en 1975. A tenor de estas cifras, Led Zeppelin era, sin duda, la banda de rock más popular del mundo. Definitivamente, los setenta fueron suyos, musicalmente hablando.

Resultado de imagen de led zeppelin earls court 1975

Robert Plant, John Paul Jones y Jimmy Page, durante un concierto en el Earl’s Court de Londres, en Mayo de 1975. Fotografía: Michael Putland / Getty Images

En sus primeros tres años como banda, Led Zeppelin grabó y lanzó cuatro álbumes con títulos numéricos secuenciales. En el transcurso de estos álbumes, el material se diversificó desde el blues hasta el folk, y muchos subgéneros que sutilmente iban apareciendo en sus grabaciones. Lanzado en 1973, “Houses of the Holy”, se construyó más en el estudio que cualquiera de sus predecesores, aprovechando los avances tecnológicos y el uso de sobregrabaciones para forjar el sonido. Para su siguiente trabajo, el grupo fue a Headley Grange en East Hampshire, a finales de 1973. Habían grabado anteriormente, “Led Zeppelin IV”, con el Mobile Studio de Ronnie Lane en este lugar, pero estas sesiones posteriores se abandonaron pronto ya que el nuevo material no terminaba de desarrollarse y el bajista John Paul Jones había enfermado. En cambio, las sesiones se entregaron al nuevo grupo Bad Company, que recientemente había firmado con el nuevo sello Swan Song, creado por los Zeppelin, y se utilizó la ubicación para grabar su álbum debut homónimo de 1974.

El grupo se volvió a reunir en Headley Grange en enero de 1974 y fue mucho más fructífero, registrando ocho nuevas pistas durante las siguientes semanas. El tiempo de ejecución de estas pistas se extendió más allá de la duración de un álbum convencional (en ese momento, los álbumes de vinilo generalmente duraban alrededor de 45 minutos), por lo que el grupo decidió extenderlo a un LP doble al incluir varias canciones inéditas de Led Zeppelin de las sesiones de sus anteriores álbumes Esto extendió el proyecto un poco más, ya que se requirieron sobregrabaciones adicionales para lograr la consistencia sonora necesaria, por lo que la mezcla final no tuvo lugar hasta octubre de 1974. El título del álbum fue acuñado por el guitarrista y productor Jimmy Page, que quería transmitir cuánta “energía física” había invertido en la producción de este álbum. El título también provocó la idea de su exclusiva cubierta, con una funda troquelada a través de la cual se pueden alternar varias imágenes en las ventanas de una casa de piedra rojiza de la ciudad de Nueva York.

Resultado de imagen de john bonham and son

Led Zeppelin: John Bonham, Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones. Fotografía: Chris Walter / WireImage

“Physical Graffiti” fue un éxito comercial y crítico, llegando a la cima de las listas después de su lanzamiento, obteniendo, una vez más, el platino en ventas. Con la mitad del álbum como un recorrido por las múltiples fases por las que este grupo, con una increíble diversidad musical, había pasado durante sus primeros cinco años de existencia, y cinco álbumes de estudio, y en la otra mitad, mostraba a la banda progresando hacia adelante con la fusión del funk, hard rock, pop, soul, y la modernidad de su sonido. Este álbum sigue siendo el mejor ejemplo de lo que hizo de Led Zeppelin una fuerza musical tan tremenda.

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

Apasionante Música de Cine (20/Febrero/2020)

 20-02-2020

 21:00 H
 TEATRO EL ALBÉITAR

 

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la  taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné  universitario y DNI.

El programa que este trío nos presenta reúne una selección de melodías universales que forman parte de la memoria colectiva. Son temas que nos han acompañado en momentos de intensa emoción y que han reflejado, de la mano de sus autores e intérpretes, las intensas sensaciones que los directores cinematográficos querían transmitir.

La aventura, el amor, la pasión, el miedo, la duda, la sorpresa, la risa, el odio, la ingenuidad, la ambición, la melancolía, la alegría,…. todo ello se ha visto fielmente reflejado en las partituras de los autores elegidos para este programa: Nino Rota, Henry Mancini, Ernest Gold, Ennio Morricone, Lalo Schifrin, Mikis Teodorakis, etc.

De la mano de ellos, directores como Otto Preminger, Howard Hawks, John Huston, Federico Fellini, Stanley Kubrick y tantos otros nos han transportado a lugares en el espacio, en el tiempo y en el alma, que no se podrían entender sin el apoyo fundamental de su música.

El siglo XX ha visto desarrollarse el cine, y sobre su expresión varias generaciones han asentado gran parte de sus bases culturales y emocionales, ya que no sería posible hablar de una civilización moderna sin contar con la participación del bien llamado “séptimo arte”.

En este programa se han seleccionado aquellas partituras que han tenido algún significado especial para los intérpretes. Durante el concierto se presentan las películas y se dan detalles de los rodajes de cada una de ellas.

No se trata de una antología, sino de un amable paseo por aquellas melodías que nos han emocionado en la penumbra de la sala de proyección, con un inolvidable sabor a pipas, que hoy ha sido sustituido por el de las palomitas, pero que sirve igualmente a nuestros propósitos.

PROGRAMA
Amarcord y 8 y 1/2
Mi Tio
Cinema Paradiso
El Padrino
Solo ante el Peligro
La Muerte Tenía un Precio
Los Siete Magníficos
El Bueno, el Feo y el Malo
El Golpe
Desayuno Con Diamantes
La Pantera Rosa
Ultimatum a la Tierra
Zorba, el Griego
El Dia de los enamorados
Las Chicas de la Cruz Roja
Bienvenido Mr. Marshall

Emmylou Harris (Pieces of the Sky) 1975

Resultado de imagen de Emmylou Harris (Pieces of the Sky

Aunque otros artistas han vendido más discos y son más famosos, pocos han tenido un impacto tan profundo en la música contemporánea como Emmylou Harris. Bendecida con una voz cristalina, un don notable para el fraseo, y un espíritu creativo inquieto, ella ha tenido una trayectoria artística singular, llevando orgullosa la antorcha de la música americana pasada por su mentor Gram Parsons. Pocas estrellas de la música han creado un cuerpo musical tan extenso como consistentemente, iconoclasta, ecléctico o atrevido; Después de cinco décadas de carrera, sus últimos trabajos son tan sinceros, visionarios y vitales como sus primeras grabaciones.

Harris nació el 2 de abril de 1947, en una familia, cuyo padre, militar de profesión, estaba destinado en Birmingham, Alabama. Después de pasar gran parte de su infancia en Carolina del Norte, se trasladó a Woodbridge, Virginia, donde se graduó en la escuela secundaria. Después de ganar una beca para la Universidad de Carolina del Norte, comenzó a introducirse seriamente en la música, aprendiendo a tocar canciones de Bob Dylan y Joan Baez. Pronto Harris estaba actuando en un dúo con su compañero de estudios Mike Williams, abandonando la Universidad para mudarse a Nueva York, para encontrarse una comunidad de músicos folk languideciendo a causa de la psicodelia.

Sin embargo, Harris permaneció en Nueva York, actuando en el circuito de salas del Greenwich Village antes de convertirse en un habitual de Gerdes Folk City, donde se unió con otros amigos folkies. Después de casarse con el compositor Tom Slocum en 1969, grabó su LP de debut, “Gliding Bird”. El álbum contiene cinco composiciones folk de Harris, influidas por Joan Baez y Joni Mitchell, así como versiones de temas country de Bob Dylan y Fred Neil. Poco después del lanzamiento del disco, la discográfica de Harris se declaró en bancarrota, y mientras esperaba su primer hijo, su matrimonio comenzó a desmoronarse. Después de mudarse a Nashville, ella y Slocum se divorciaron, dejando sola a Harris para criar a su hija Hallie por su cuenta. Después de varios meses de lucha y pocos recursos económicos, regresó con sus padres, que habían comprado una granja a las afueras de Washington.

Resultado de imagen de emmylou harris David Gahr

Emmylou Harris en 1968. Fotografía: David Gahr

Allí ella volvió a actuar, formando un trío con los músicos locales Gerry Mule y Tom Guidera. Una noche de 1971, mientras tocaba en un club llamado Clyde’s, el trío tocó a una multitud que incluía a miembros de los pioneros del country rock, los Flying Burrito Brothers. A causa de la salida de Gram Parsons, el fundador de la banda, los Burritos estaban liderados por el ex Byrd Chris Hillman, que quedó tan impresionado por el talento de Harris que consideró invitarla a unirse al grupo. En cambio, Hillman los dejó para unirse a Stephen Stills en su proyecto de Manassas, pero la recomendó a Parsons, que quería una vocalista femenina para completar el sonido de su primer trabajo en solitario. Su conexión fue instantánea, y pronto Harris se fue introduciendo en la música country cantando en el debut en solitario de Parsons , el álbum “GP” de 1972, y en 1973 regresaron al estudio para grabar el siguiente LP de Parsons “Grievous Angel”.

El 19 de septiembre, pocas semanas después de que terminaran las sesiones de grabación del álbum, la mala vida de Parsons le pasó factura, y lo encontraron muerto en una habitación de hotel en el parque nacional de Joshua Tree en California. En ese momento, Harris estaba de vuelta en Washington, recogiendo a su hija para un traslado planeado a la costa oeste. En cambio, permaneció allí, reuniéndose con Tom Guidera para formar la Angel Band. El grupo firmó con Reprise y se trasladó a Los Ángeles para comenzar a trabajar en el 2º álbum de Harris, después del anecdótico “Gliding Bird”.

“Pieces of the Sky” es una impecable colección de canciones compuestas en gran parte por diversas influencias que iban desde Merle Haggard hasta los Beatles. En este maravilloso álbum, Emmylou Harris establece rápidamente el patrón que seguiría la gran mayoría de sus trabajos posteriores: “Pieces of the Sky” es sumamente variado, está impecáblemente realizado y es dolorosamente hermoso. En medio de una colección de canciones impresionante, emerge la pieza central del disco, y quizás la canción más icónica de Harris, ”Boulder to Birmingham”, que es su sentido homenaje a Gram Parsons.

Resultado de imagen de emmylou harris Gijsbert Hanekroot

Emmylou Harris durante un concierto en Amsterdam en 1975. Fotografía: Gijsbert Hanekroot / Redferns

Grabado en Los Ángeles con el productor canadiense Brian Ahern, con quien Emmylou se casaría unos años más tarde. Trajo las influencias de la escena del country rock de California en la que Emmylou había estado inmersa durante su convivencia con Gram Parsons, fusionándolas con elementos mucho más tradicionales.

Los músicos que arroparon a Emmylou en este álbum, incluyeron a Herb Pedersen (más tarde miembro de la Desert Rose Band de Chris Hillman) como la principal voz masculina de apoyo, más guitarras y banjo. Bernie Leadon de los Eagles, tocando una variedad de instrumentos. Los futuros miembros de su banda, la influyente Hot Band, y antiguos colaboradores de Elvis Presley, James Burton y Glen D. Hardin, y Fayssoux Starling y su íntima amiga Linda Ronstadt, en los coros. La propia Emmylou tocaba la guitarra acústica en varias pistas.

El álbum se vendió bastante bien, llegando al nº 7 en las listas country.

Resultado de imagen de female acoustic country

Fotografía: Philip Gould / Corbis

“Pieces of the Sky” es el vuelo de un ángel, con una de las voces más personales y bellas de la música popular. Es su declaración de independencia artística, ya sin necesidad de ninguna mano que la guíe. Fueron los cimientos para construir una de las trayectorias musicales más coherentes y sólidas que han existido. Emmylou harris es sencillamente imprescindible. En otros, este calificativo puede sonar a exageración, En el caso de Emmylou, seguramente nos quedaremos cortos al utilizarlo.

Elvis Costello dijo una vez, que cantar con Emmylou Harris debía de ser lo más parecido a estar en el cielo. Escuchándola en este álbum, y en los posteriores, ya nos sentimos en el paraíso.

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

 

Mariola Membrives – “Las Canciones de García Lorca” (13/Febrero/2020)

13-02-2020

 21 horas
 Teatro el Albéitar ULE

 

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la  taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné  universitario y DNI.

Mariola Membrives es la VOZ y el rostro de una nueva generación de artistas que está dando un renovado y necesario impulso de búsqueda y personalidad propia en el panorama musical español.Después   de   su   debut   discográfico,   “Llorona”  (2014), a   dúo   con   el   contrabajista   japonés   de   jazz Masa   Kamaguchi,   recorrió   los principales   festivales   del   país   con   su   propuesta   “Omega   20.16”   y estrenó su dúo con Chano Domínguez en el Teatre Grec de Barcelona.

Es la voz flamenca de los espectáculos   “FreeBach212”   de   La   Fura   dels   Baus y “Federico   García”   de   Pep   Tosar. En 2018 estrena “Sed libera nos a malo” con la  Piccola Orchestra Gagarin en el Festival Ciutat Flamenco de Barcelona y su nueva  propuesta de directo “La Enamorada” se presenta en los festivales de Jazz Tánger, Tetuán, Madrid y Barcelona, y el festival Intramuros de Jérez, entre otros.

En   2019   publica   su   nuevo   disco   a   dúo   con   el   guitarrista   norteamericano Marc   Ribot,   “Lorca, Spanish Songs” y tienen entre sus proyectos su propuesta teatral-musical “La reina Toro”.Ha sido galardonada por la Junta de Andalucía por su trayectoria artística con el premio ‘Córdoba a Escena’.

Javier   PedreiraGUITARRA,  es   uno   de   esos   grandes   instrumentistas   de  nuestro   país   que   acompaña   a artistas   y   grupos   de   la   talla   de   La  Frontera,   Emilio   Aragón,   Mikel   Erentxun,   OBK,   Luz Casal, Alex Ubago, Amaral, Quique González, Amaia Montero, Najwa y Carlos Jean, Jorge Pardo, Tino Di Geraldo, Txetxo Bengoetxea, Tomasito etc. Mientras desarrolla sus propios proyectos musicales en el entorno de la Free Improvisation y de los sonidos más creativos y originales.

PÁGINA WEB DE MARIOLA MEMBRIVES:   https://www.mariolamembrives.com/

The Smiths ‎(Meat is Murder) 1985

La influencia inconmensurable de los Smiths, arroja una larga sombra sobre la escena musical que se ha mantenido hasta nuestros días. La banda es frecuentemente anunciada con elogios como “La banda más influyente de los ochenta”, y la “más importante”. Los Smiths, examinados en retrospectiva, fueron una respuesta directa a la pomposidad de sus contemporáneos musicales de la New Wave. Muchas bandas generalmente se transformaron de brillantes esperanzas de algo original, en música de  consumo generalizado para las masas. La banda buscó mantenerse al margen de la fórmula del sintetizador que repentinamente estaba de moda y totalmente sobreexplotada. La brillantez del dúo de compositores: Steven Patrick Morrissey y Johnny Marr, fue clave para presentar otra opción musical.

Muchos se preguntarán por qué este álbum en particular, y The Smiths, en general, han tenido tanto impacto. La respuesta es complicada, pero se reduce a su esencia. Los Smiths capturaron la angustia existencial de la vida. “Meat is Murder” fue también un repudio al panorama musical británico de la época, cargado de sintetizadores. Donde el movimiento New Wave, en su mayor parte, no tenía más que un enfoque lúdico en su propuesta musical. Los Smiths, por el contrario, eran una mezcla de angustia, realismo, sinceridad, humor autocrítico y un catálogo de obsesiones varias.

Resultado de imagen de kevin cummins smiths

The Smiths: Andy Rourke, Morrissey, Mike Joyce y Johnny Marr. Fotografía: Kevin Cummins / Getty Images

El énfasis de los Smiths no estaba en los ganadores, sino en esos inadaptados y excéntricos, muchas veces socialmente incómodos, que pueblan nuestra sociedad, la de entonces y la de ahora. Morrissey escribiría sobre la realidad del aislamiento, la angustia y los acontecimientos cotidianos que agobian a una persona. A lo largo del álbum, el consumidor de su música encuentra personajes con los que pueden identificarse fácilmente. Muchos sintieron lo mismo, los Smiths, en sus canciones, estaban poniendo voz a una gran cantidad de experiencias de la gente. Había algo completamente atrayente en la eficaz suma de la música compuesta por Johnny Marr y las letras de Morrissey, que una vez escuchadas, las hacían imposibles de olvidar.

Antes de grabar “Meat is Murder”, la banda estaba decepcionada con su debut homónimo, sintiendo que la producción no había sido lo que pretendían. Para este nuevo álbum, Morrissey y Marr tomarían el timón de la producción con la ayuda del ingeniero Stephan Street.

The Smiths

Fotografía: Stephen Wright

Con un arranque bastante tímido en las listas. “Meat is Murder” sería su único lanzamiento de estudio nº 1. Los singles oficiales del álbum fueron: “That Joke is Funny Anymore” y “Barbarism Begins at Home”, pero esos dos singles quedarían eclipsados ​​en el tiempo por “How Soon is Now” que eventualmente se incluiría en lanzamientos posteriores del álbum.

“Meat is Murder” es un paseo por el lado oscuro de la existencia humana y las muchas indignidades que se experimentan a lo largo de la vida. Hay una serie de temas oscuros y siniestros que se tratan. Temas de los que a la sociedad le gusta apartar la vista porque es más fácil fingir que no existen que encontrar una mejor manera de resolverlos y afrontarlos. The Smiths combinaron estos temas con sonidos atractivos. La música era fácil de abordar, lo que ayudaba a que las duras verdades que se exponían en sus canciones arraigaran, mientras se envolvían en un envoltorio musical tan fascinante. Ese es secreto de este álbum, y por qué, 35 años después, sigue impactando como lo hace.

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

Dan Wilson & The Counterfactuals (6/Febrero/2020)

06-02-2020

 21:00 H.
 TEATRO EL ALBÉITAR

 

Entradas (8 €): a partir de media hora antes de la función en la  taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné  universitario y DNI.

Dan Wilson, cantante de The Cubical, banda de garage / blues rock’n’roll, está presentando con su segundo álbum en solitario, tras el éxito de All Love is Blind, esta vez respaldado por un ejército de músicos de ragtime increíblemente variados, conocidos como The Counterfactuals.

Su álbum debut “All Love is Blind” fue publicado en 2015 y la canción que da nombre al
álbum fue seleccionada como una de las “hot tracks” de iTunes durante varias semanas. El álbum recibió excelentes críticas a nivel internacional y Dan tocó en festivales europeos y algunos conciertos junto a Bob Dylan, Mark Lanegan y Jim Jones, por nombrar algunos.

Este segundo álbum de Dan Wilson and The Counterfactuals, “Victims” salió publicado en 2019. Es un compositor prolífico, y ha escrito la música de un cortometraje “Swimming Man” (2012) y la obra “Tony Teardrop” en la iglesia de St Lukes de Liverpool (2013), y se le ve a menudo colaborando con otros músicos en proyectos eclécticos.

Su banda, The Counterfactuals, tiene una formación curtida en mil batallas, y para la ocasión le acompañan Rense Slings (Automatic Sam, Ane Lux) y Simon James (The Cubical, Wizards of Twiddly, Kevin Ayers, Gorki’s, Super Furry Animals,…).

Cosas que se han dicho de él:
“Hace que Waits suene como Tiny Tim” – The Guardian
“Cautivador e impresionante al estilo de Leonard Cohen y Nick Cave”- www.elgiradiscos.com
“Un británico Johnny Cash” – Dave Sardy – productor de Oasis, Primal Scream ..
“Genio” Mojo
“Increíble” Musiknyheter Noruega
“Con el corazón en una mano y la navaja en la otra”. Y la creencia de que tenemos un artista deslumbrante. Underground. Pero enorme. Entre los mejores discos del año hasta ahora. “RUTA 66 (España).

Pepa Flores, Goya de Honor 2020. La Larga Huida de Marisol

Foto: César Lucas

Fotografía: César Lucas

Este presente año 2020, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España ha otorgado su Goya de Honor a Pepa Flores (Marisol). Si hay un mito que ha perdurado en el tiempo en la cultura popular española, ha sido el de su figura. Quizás ayudó el que se retirara tan pronto, a mediados de los ochenta, de la presencia pública. Desde entonces vive retirada en su Málaga natal, con su pareja, sus perros y como ella misma dice, aprendiendo a quererse a sí misma, cosa que nunca consiguió en su etapa artística.

Prueba evidente de la importancia de su recuerdo, fue el protagonizar de nuevo la portada de la revista Interviú en su número de despedida, publicado hace dos años. Recuperando aquella foto mítica, inicialmente publicada en septiembre de 1976, que supuso uno de los símbolos de la naciente transición española. España empezaba a cambiar, pero también Marisol lo estaba haciendo.

Como decíamos, Marisol es un mito, aunque el recuerdo que ha quedado de ella para muchos, puede que se reduzca a las películas que rodó en los sesenta, cuando aquella niña rubia y pizpireta deleitaba a las familias con aquel cine tan meloso. Con ello estaremos obviando la parte más interesante de su carrera. Si hablamos de su faceta musical, la cosa se complica aún más, como mucho se acordarán de “Tómbola”, “Corazón Contento” o “Mami Panchita”, algún iniciado de “Háblame del Mar, Marinero”.

Fotografía: César Lucas

Marisol ha sido una de las mejores voces femeninas de la música popular española; esa voz grave, capaz de transmitir todos los matices posibles al cantar, de una ductilidad asombrosa, con ese “deje” malagueño que salía de vez en cuando a relucir.

Si hay un punto de inflexión musical en la carrera de Marisol, este fue cuando en 1976 Manuel Alejandro le compone el álbum “Háblame del Mar Marinero”. Una Marisol más comprometida e inquieta, inicia una maduración a nivel musical, como ya la había empezado en el cine años antes.

Pero esto no supone despreciar su etapa anterior. Pasados los años de estrella infantil, y llegando la difícil transición a la edad adulta. Marisol comienza una segunda etapa, que en su parte musical da lugar a un pop de un cierto nivel, respaldada por autores como Juan Pardo, Fernando Arbex o Juan Carlos Calderón, completó un catálogo de canciones más que digno.

Fotografía: César Lucas

Pero a mediados de los setenta surge otra Marisol, surge ya Pepa Flores, aunque nominalmente no lo sea todavía. El final de su relación con la familia Goyanes, tanto personal como profesional, se une el conocer e iniciar una relación con el bailarín Antonio Gades. Fruto de todo ello fueron una serie de discos excepcionales que Marisol grabó desde 1976 a 1983, donde en un esfuerzo titánico por huir de su etapa de niña prodigio, y arropada por los mejores compositores de este país, el citado Manuel Alejandro, Luis Eduardo Aute o “Caco” Senante, dejó registradas una serie de canciones, hoy desgraciadamente casi olvidadas, sentidas y profundas, que tendrían que estar esculpidas en mármol en la historia de la música popular española.

Destacar especialmente su álbum de 1979, “Galería de Perpetuas”. Seguramente su mejor trabajo, y el más sentido. El subtítulo ya indica el carácter del disco, “Canciones para Mujeres”. Álbum desgarrador, sin concesiones. Denunciando las mil penurias y abusos que una sociedad machista y despiadada  ha cometido con las mujeres. Las letras del poeta Pedro Cobos, y la música de José Nieto, dan lugar a un disco austero, sin artificios. Donde solo importa la palabra, la denuncia, y en muy pequeñas dosis, la esperanza.

La carrera artística de Marisol, ya Pepa Flores, se cierra a mediados de los ochenta, cuando rodó su última película, y en su faceta musical, se cerró con una desastrosa gira de dieciséis conciertos, que quedaron en diez, donde el público quería oír “Tómbola” y no “Marinero en Tierra”.

Pepa Flores ha sido una artista excepcional. Este premio es un acto de justicia y consideración con su inmensa figura. Sería deseable que se le otorgara un galardón similar en el ámbito musical, que sería tan merecido, o más, que en el cinematográfico.

Colores (1968)

Corazón Contento (1968)

Tu Nombre me Sabe a Yerba (1969)

Felicidad (1969)

Aquel Verano (1970)

Ven, Ven (1973)

Mi Propia Ley (1973)

Dile que Vuelva (1976)

Háblame del Mar, Marinero (1976)

Balada Para la Soledad de mi Guitarra (1977)

Ser Gaviota (1978)

Si no te Quisiera Tanto (1978)

En la Bodega del Barco (1979)

La Trenza (1979)

Una Mujer Enamorada (1983)

Ay de Tí, Ay de Mí (1983)

 

 

Los Músicos de Urueña – “La Música en las Tres Culturas” (31/Enero/2020)

31-01-2020

 21:00 H.
 TEATRO EL ALBÉITAR

 

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la  taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné  universitario y DNI.

“La Música en las Tres Culturas”

Luis Delgado – César Carazo

Si bien la convivencia no fue en todos los casos un espacio idílico, tal y como a veces se pretende mostrar, no existe duda histórica de la imbricada convivencia que se desarrolla en diferentes puntos de la Península entre judíos, musulmanes y cristianos.

En muchos pueblos y ciudades la llamada a la oración del almuédano desde su alminar dejaba paso al tañer de los campanarios cristianos, en unas calles en las que los sefardíes celebraban su fiesta de Purim.

En definitiva, hablamos de un periodo protagonizado y compartido por tres religiones, que frecuentemente es tomado por historiadores y sociólogos como ejemplo de convivencia humana.

En este repertorio se realiza un recorrido por la música de estas tres sociedades que, si a pesar de haber llegado hasta nosotros en forma desigual, en su momento compartieron espacio, tiempo y música.

Tras más de veinticinco años de trabajo en diversas formaciones, y con una profunda experiencia en el campo de la música medieval, César Carazo y Luis Delgado fundan en 1998 el Los Músicos de Urueña.

Su propósito es el de llevar a cabo un trabajo creativo pero riguroso sobre la música medieval de la Península Ibérica, contando para ello con la proximidad cultural y geográfica del Magreb y de la Occitania medieval.

El nombre de Urueña se toma de la villa murada vallisoletana, que es sede del Museo de Instrumentos del Mundo, en el que se exponen al público parte de los fondos de la colección de instrumentos de Luis Delgado. Ésta reúne más de 1200 piezas.

Las transcripciones utilizadas parten del trabajo de los musicólogos especializados en el tema: Higinio Anglés, Arcadio Larrea Palacín, Ismael Fernández de la Cuesta, Luis Lozano Virumbrales, Julián Ribera Tarrago, etc.

La Música en las Tres Culturas:

Si bien existen numerosas fases de encuentros y desencuentros en la dilatada historia de la convivencia medieval en España, no existe duda histórica de la imbricada sociedad que se desarrolla en entre judíos, musulmanes y cristianos. En muchos pueblos y ciudades de la Península la llamada a la oración del almuédano desde su alminar dejaba paso al tañer de los campanarios cristianos, en unas calles en las que los sefardíes celebraban su fiesta de Purim. Hablamos de un periodo de nuestra tradición protagonizado y compartido por tres religiones, que frecuentemente es tomado por historiadores y sociólogos como ejemplo de convivencia.

En este repertorio se realiza un recorrido por estas tres músicas que compartieron espacio, tiempo e instrumentos. Canciones Sefardíes recogidas en la tradición balcánica y en el Magreb, canciones de trovadores, Música Andalusí de la Tradición Marroquí, Cantigas de Alfonso X el Sabio, etc.

En la selección de los instrumentos el grupo utiliza las réplicas de diferentes épocas para acercarse a la tímbrica que estas tradiciones pudieran utilizar en otros tiempos.

Disfrutemos, pues, de un paseo por estas melodías centenarias, dejando que nuestros sentidos se empapen de las sensaciones transmitidas por esta música, que antaño resonara en las calles de nuestras ciudades y pueblos, acompañando la cotidianidad y las celebraciones de nuestros antepasados.