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Soledad Vélez (24/Noviembre/2017)

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Viernes, 24 noviembre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria previa presentación del carnet universitario y DNI

SOLEDAD VÉLEZ canta a VIOLETA PARRA «Violeta siempre»

La cantante chilena, afincada en España, Soledad Vélez pone en escena «Violeta Siempre», su particular homenaje a la gran Violeta Parra, compatriota y referente. Mientras ultima su próximo disco, a editar en la primavera del 2018, reinterpreta y se lleva a su terreno canciones inmortales como Arauco tiene una pena, Gracias a la vida oVolver a los diecisiete.

Soledad Vélez es una cantante, músico y compositora chilena afincada en Valencia que ha desarrollado toda su carrera musical en España, donde ha actuado en festivales como el FIB de Benicàssim, Primavera Sound o el Día de la Música, entre los más de 300 conciertos que ha realizado entre España, Portugal y México.

La prensa la compara con PJ Harvey, con Beach House, con Florence and the Machine… y no es para menos,  es para mucho más: Soledad Vélez posee el carisma, la magia, la elegancia, la personalidad, esa seducción salvaje que solo las grandes tienen.

Nacida en Concepción (Chile) en 1988, a los 13 años, influida por el ambiente musical de su casa, comienza a cantar sobre los discos de jazz y blues de su padre mientras los escucha. Al mismo tiempo comienza a tocar la guitarra. Con 17 años opta por cambiar su residencia y probar fortuna en España, concretamente en Valencia. Ya en España durante una larga temporada canta en un cuarteto de jazz y finalmente lo deja para dedicarse solo y exclusivamente a sus canciones.

En 2010 autoedita “Four reasons to sing” un EP de cuatro canciones grabado en el home estudio de un amigo. Comienzan los conciertos por toda la ciudad. En 2011 edita “Black Light in the Forest”, su segundo EP, grabado en los estudios La Mina de Sevilla y durante ese año realiza cerca de 40 conciertos por toda España.

En 2012 pasó a formar parte de Absolute Beginners viendo la luz su primer disco titulado “Wild Fishing” y realizando una importante gira por toda España además también de visitar Inglaterra, México, Chile y Portugal. El disco salió reseñado en las más importantes revistas especializadas de ámbito nacional (Rockdelux, Mondosonoro, Go-Mag, Ruta 66…) e incluso internacional (Uncut y The Skinny).

En noviembre del 2013 se editó “Run with wolves”, su segundo álbum. Después de dos intensos años girando por toda España ficha por Subterfuge Records y publica su tercer trabajo “Dance and Hunt” el 11 de Marzo del 2016. En “Dance and Hunt”, Soledad incorpora sonidos electrónicos a su folk oscuro, creando un trance místico e hipnótico que te atrapa y no te suelta.

Soledad Vélez (Lista de Reproducción)

Soledad Vélez (Arauco Tiene una Pena) Canción de Violeta Parra

 

Rodrigo García: El Gran Trovador del Pop Español Cumple 70 Años (1ª Parte)

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El pasado 10 de noviembre, cumplió 70 años un personaje imprescindible de la música popular española de los últimos cincuenta años. Rodrigo García, quizás el más excelso letrista de todo este periodo, vive en el más absoluto de los olvidos, cuando la calidad y profundidad de su obra harían palidecer a compositores mucho más afamados.

Pintor de la palabra, escultor de la melodía. Sus composiciones son auténticas filigranas, donde se desliza la pulsión amorosa, la sátira descarnada, la desolación de los paisajes humanos, la ventana abierta al sol de nuestras ensoñaciones. Nadie queda indiferente, cuando este trovador de nuestros días doma la palabra y se enseñorea del verso. Su dominio del lenguaje deja a casi todos como efímeros párvulos, balbuceado las primeras letras.

Todo ello acompañado de su voz, breve y rota, la más «Dylaniana» del pop español. Aquella que fue mascarón de proa de la saga más fértil y lúcida del pop patrio: Solera, y posteriormente, Cánovas, Rodrigo, Adolfo & Guzmán (CRAG). Auténtico Santo Grial de la música popular española.

The Speakers (Rodrigo es el 3º por la Izquierda)

Rodrigo García Blanca nace en Sevilla el 10 de noviembre de 1947. A los seis años inicia sus estudios de violín, estudios que finaliza en 1963. En esta época ya domina otros instrumentos como el piano, la guitarra, empieza a cantar y a realizar sus primeras composiciones.

Entre tanto, su familia se traslada a Colombia, donde entra en contacto con la efervescente escena musical del momento. Rodrigo forma el grupo The Speakers, que serán pronto un referente de la música criolla. Evolucionan del sonido beat de sus comienzos hasta una psicodelia fronteriza ya con el rock progresivo, cuyo mayor exponente será el álbum «En el Maravilloso Mundo de Ingeson» de 1968. Disco fundamental de la psicodelia iberoamericana, de buenas críticas y pocas ventas, que el paso del tiempo no ha hecho más que reivindicar. En este trabajo, Rodrigo toca una cantidad enorme de instrumentos, lo que demuestra su capacidad casi extraterrestre para la música: Guitarras, clavecín, maracas, tiple, piano, armónica, carillón, pandereta, gorgorita, marimba y bajo.

The Speakers (En el Maravilloso Mundo de Ingeson) 1968

Rodrigo retorna a España en 1969, donde realiza el servicio militar, y se va abriendo un hueco dentro del panorama musical como músico de estudio y de directo. Colabora con Juan Pardo, y se integra en 1971 en una de las dos formaciones de Los Pekenikes, que en ese momento sufrían un conflicto fraticida entre los miembros de la banda original.

Participa en el álbum «Ss.Ss.Ss.Q.E.S.M.», abreviatura de un formulismo de cortesía ya anticuado en la época usado en las cartas, que significa «Su seguro servidor que estrecha su mano». Dentro de este último trabajo, que cerró la época clásica del grupo, Rodrigo aporta una composición realmente sublime. «Trío» es un tema instrumental, de corte casi barroco, con dos partes muy definidas que culminan en un crescendo apoteósico.

Los Pekenikes (Trío) 1971

Ese mismo año, Rodrigo conoce a un dúo llamado José y Manuel formado por los hermanos José Antonio y Manolo Martín. Con ellos graba, como guitarrista de sesión, dos discos con una orientación folk pop. En el último coincide con el prestigioso bajista de  sesión José María Guzmán, y entre los cuatro deciden echar a andar un nuevo proyecto conjunto. Ese proyecto será Solera, primer capítulo de una saga musical irrepetible.

Y así surge Solera, y su disco homónimo, un álbum variado, con unas armonías perfectas, trufado de muchas influencias, con un sonido cercano al de la Costa Oeste de Estados Unidos. La calidad de las canciones es enorme y con esa materia prima, Rafael Trabucchelli, productor del disco, dota de una orquestación a los temas que  los envuelve, pero no quedan nunca ahogados en ella.

El disco tuvo muy buenas críticas, pero escasas ventas, falta de promoción sobretodo. Dentro del grupo, empezaron las diferencias creativas que llevaron a su disolución. Posteriormente Rodrigo y Guzmán se integrarían en CRAG, pero ese fue el siguiente capítulo de esta historia.

Solera (1973)

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, son el grupo de culto por excelencia, junto a Vainica Doble, del pop español. Su unión en 1974 nos legó un álbum, «Señora Azul», que está esculpido en el mármol patrio con letras de oro. Disco grabado a contracorriente de las tendencias musicales de entonces.  Consiguen aunar de una manera magnífica unas composiciones brillantes con unas letras inteligentes, y por si fuera poco, contaron nuevamente con la ayuda en tareas de producción de Rafael Trabucchelli, el creador del sonido Torrelaguna. Santo y seña de la discográfica Hispavox.

Nuevamente,  a pesar del unánime reconocimiento de su trabajo, el éxito les es, de nuevo, esquivo, y tras realizar una gira acompañando a Karina (para la cuál Rodrigo también componía y producía canciones en esa época), se disuelven para seguir caminos separados.

Sin quitar mérito a nadie, la piedra angular del álbum fueron las contribuciónes de Rodrigo. Suyas son «Solo Pienso en Ti», «Señora Azul» y «María y Amaranta». Canción que narra un amor homosexual, que siempre dejó perplejo al autor que superara la férrea censura de la época.

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán (Señora Azul) 1974

En la segunda parte de esta entrada, nos centraremos en la que fue su carrera en solitario, con fugaces nuevas aventuras con CRAG. Quizás sea la etapa del Rodrigo más personal, más sutil y emocional, pero sin perder nunca la riqueza de sus textos, donde las palabras bailan al ritmo de la batuta de este creador sin par.

John Coltrane (Blue Train) 60º Aniversario

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Es fácil valorar el «Tren Azul» de John Coltrane y, al mismo tiempo, no hacer justicia a su importancia. 

Fue la primera y única grabación de Coltrane para Blue Note. Fue el primer álbum en el que tuvo una elección libre de los músicos con los que quería grabar. Es el álbum en el que John Coltrane se acerca más al hard bop.

Pero luego, el argumento es que «Blue Train» no es el sonido característico de este saxofonista imprescindible. De alguna manera, hace demasiadas concesiones al «sonido» de Blue Note. Si hubiera habido más grabaciones para esta etiqueta, quizás su música podía haber ido en esa dirección, pero resulta que se unió a Miles Davis en su revolución modal, y luego firmó como líder con Atlantic y luego Impulse, donde su música se desarrolló en nuevas direcciones con «Giant Steps» y «A Love Supreme». La paradoja es que, por todo ello, «Blue Train» sigue infravalorado en muchos aspectos.

Hay una conexión con la vida personal de John Coltrane en este momento. Había vencido su adicción a la heroína que había comenzado en Filadelfia en 1953 y que se había superpuesto a una adicción adquirida anteriormente al alcohol.

John Coltrane Durante la Grabación del Álbum (15/09/1957). Foto: Francis Wolff

En otoño de 1956 (y nuevamente en marzo de 1957 después de un breve regreso), Miles Davis se vio obligado a despedirlo de su banda. Como Miles recordó en su autobiografía: «Le dije a Trane que unos productores habían venido a escucharlo, pensando en darle un contrato, pero cuando lo vieron asintiendo y perdido, se resistieron. Parecía entender lo que yo le decía. Pero siguió con la heroína y bebiendo como un pez».

Al regresar a casa con su esposa Naima un día en la primavera de 1957, después de que Miles lo hubiera despedido, John Coltrane declaró que iba a dejar las drogas. Se retiró a su habitación, bebió solo agua y después de cuatro días abandonó sus hábitos alcohólicos y de heroína.

Finalmente, al liberarse de las drogas, pudo concentrarse por completo en el desarrollo de su música por primera vez. Como más tarde escribió en el momento de grabar «A Love Supreme»: «Durante el año 1957, experimenté la gracia de Dios, un despertar espiritual que me conduciría a una vida más rica, más plena y más productiva. En ese momento, en agradecimiento, pedí humildemente que se me dieran los medios y el privilegio de hacer felices a los demás a través de la música «.

Curtis Fuller, Lee Morgan y John Coltrane. Foto: Francis Wolff

Trabajó con Thelionious Monk que expuso a John Coltrane al enfoque radical del pianista. Miles Davis pudo darle la bienvenida nuevamente a su quinteto en diciembre de ese año; iban a pasar a la transición a la música modal con «Milestones» y «Kind of Blue».

Experimentar con nuevas ideas armónicas fue exactamente lo que se alentó en los entornos de Miles Davis y Thelonious Monk, con Miles especialmente como animador y mentor. Fue Miles quien le compró a John Coltrane un saxofón soprano como regalo y sugirió que debería trabajar con el. Coltrane estaba visitando Blue Note para encontrar grabaciones del gran clarinetista y saxofonista Sydney Bechet, fue lo que llevó a John Coltrane a contactar con Alfred Lion, cofundador de Blue Note y a la posterior eclosión de la idea de un álbum para ese sello. Y fue Miles Davis quien le animó a Coltrane a desarrollarse musicalmente. Como recordó, le resultó «fácil aplicar las ideas armónicas que tuve … Empecé a experimentar porque me esforzaba por lograr un desarrollo más individual».

La canción principal, «Blue Train» se basa en un breve tema de blues menor que cambia a mayor cuando John Coltrane abre con un solo liberador. No es demasiado simplista decir que capta ese sentido de la apertura a las posibilidades que le había traído su cambio de dirección en la vida. De una manera emblemática, encapsula todo lo que llegó a sentir John Coltrane como un centro de orgullo negro y optimismo de que la opresión sería superada. Lo que llevó a Miles Davis a decir tras la muerte de John Coltrane en julio de 1967: «La música de Trane representó, para muchos negros, el fuego, la pasión, la ira, la rebelión y el amor que sentían, especialmente entre los jóvenes intelectuales y revolucionarios negros de esa época. Fue así también para muchos blancos y asiáticos. La muerte de Trane me entristeció mucho porque no solo era un gran y hermoso músico, sino que era una persona amable, bella y espiritual que yo amaba. Lo extraño, su espíritu y su imaginación creativa».

John Coltrane y Lee Morgan. Foto: Francis Wolff

El personal de «Blue Train» es tan impresionante como la propia música que están tocando. Junto a Coltrane (saxo tenor), están Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Kenny Drew (piano), Paul Chambers (bajo) y Philly Joe Jones (batería).

Los arreglos incorporan una densidad sonora adicional que sigue siendo una marca exclusiva de esta banda y este álbum. De particular interés es el trombón de tono uniforme de Fuller, que recorre toda la canción principal así como la frenética «Moments Notice». Otros solos incluyen riffs sutilmente discretos de Paul Chambers en «Blue Train», así como la gran energía e impacto de las contribuciones de Lee Morgan y Kenny Drew durante «Locomotion». La pista también cuenta con algunas contribuciones breves pero vitales de Philly Joe Jones, cuyos esfuerzos a lo largo de todo el áibum figuran entre sus mejores momentos como intérprete. De los cinco temas que componen «Blue Train», la balada de Jerome Kern y Johnny Mercer, «I’m Old Fashioned» es el único estándar del disco; en términos de sentimiento, esta versión es indiscutiblemente impecable. Los ricos tonos de Fuller y los solos de Drew ejecutados con buen gusto envuelven limpiamente los ritmos lánguidos de Jones.

Sin reservas, «Blue Train» puede ser fácilmente considerado unos de los trabajos más importantes e influyentes no solo de la carrera de John Coltrane, sino también de toda la historia de jazz.

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Enlace al Álbum Completo

Carmen París (17/Noviembre/2017)

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Viernes, 17 noviembre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria previa presentación del carnet universitario y DNI

Premio Nacional de Músicas Actuales 2014

Presenta su espectáculo “París al piano”

“PARÍS AL PIANO” es un espectáculo íntimo, cercano, donde Carmen París no esconde ni guarda nada. Es un momento de sinceridad y de conexión con el público. Carmen conoce como pocas nuestra música y nuestras raíces y las combina con maestría con raíces de tierras lejanas para dar sentido a su arte y a la forma que tiene de entender la vida misma.

Sola, acompañada únicamente de un piano, desgrana lo mejor de su repertorio. Canciones que el tiempo ha asentado y ha dado cuerpo en unos casos y otras que conservan la frescura del mismo momento en que fueron escritas.

“París al piano” es un momento a solas, una confesión irrepetible de una mujer que lleva en la sangre la palabra arte, y que en sus canciones nos deja destellos de magia y reminiscencias del verdadero arte de la música.

BIOGRAFÍA

Carmen París es una artista compositora, pianista y letrista que ha renovado la jota aragonesa y ha revitalizado el folklore ibérico mezclándolo magistralmente con ritmos y melodías del Mediterráneo y de África y América. Carmen París, artista aragonesa irrumpió en la primavera del 2002 en el panorama musical nacional, con un disco que revisa el folklore aragonés con un punto de vista universal y contemporáneo. Este álbum de debut, «Pa’ mi genio»(2002, Warner Music), vendió 40.000 copias y recibió estupendas críticas por su calidad además del premio de la música al mejor álbum de musica tradicional. Su segundo disco fue «Jotera lo serás tú» (2005, Warner Music) compuesto por once nuevas composiciones de París que amplían aún más su desprejuiciado universo musical, donde sigue hermanando la jota aragonesa, en esta ocasión con la habanera, el chotis, la ranchera, el cha-cha-cha y ritmos del folklore castellano o brasileños entre otros. En 2008 publica su tercer trabajo, «InCubando», gestado y compuesto en La Habana en el que sigue navegando en el eclecticismo musical hermanando la jota con la música cubana. En 2011 Carmen París colaboró con  la saxofonista chilena afincada en Nueva York, Melissa Aldana con la que realizó una gira nacional bajo el título de Epheminity: Ejazz con jota, colaboración con la que participaron en la Feria Internacional de World Music WOMEX en Copenhague dentro del marco de Sounds from Spaincon la participación de SGAE, Fundación Autor, INAEM e ICEX.

En 2013, se edita el cuarto disco de Carmen París “Ejazz con Jota” donde por primera vez la jota suena acompañada por una Jazz Orchestra de prestigiosos músicos norteamericanos con Melissa Aldana, su maestro el legendario saxofonista George Garzone y el baterista Joel Rosenblatt como artistas invitados. Estos últimos años, Carmen ha estado girando por España y al nivel internacional (Uruguay, Argentina, Tuñez, Alemania, Francia, La India, Rumanía, Bulgaria).

http://www.carmenparis.net

 

Susana Gómez (14/Noviembre/2017)

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Martes 14 de Noviembre, 20:15 H.

Auditorio del Conservatorio Profesional de Música de León

Nacida en Alcalá de Henares (Madrid) en 1995, Susana Gómez Vázquez se presenta como una pianista emergente en el panorama español e internacional. Comenzó sus estudios de piano en el Conservatorio de Alcalá de Henares con el profesor Miguel Angel Martínez Guillén. Entre 2007 y 2013, su formación pianística ha estado a cargo de la profesora Patsy Toh en la Royal Academy of Music de Londres y en la Purcell School, donde también estudió composición con los profesores Simon Spears y Gary Carpenter. Bajo la tutela del profesor Tom Marandola, obtuvo el grado 8 de canto de ABRSM con “distinction”. Continúa sus estudios en la Royal Academy of Music, donde ha realizado un Grado Superior en la especialidad de piano con el profesor Hamish Milne, obteniendo la más alta cualificación; sus estudios han sido patrocinados por “Santander Universities UK”,  “Stroma Sutherland Award” y AIE. Actualmente realiza un Máster con Josep Colom en el Conservatorio Superio de Música del Liceo de Barcelona.

Su interpretación pianística se ha visto enriquecida por las clases magistrales de  maestros como Fou Ts’ong, Cristina Ortiz, Josep Colom, Tatiana Sarkissova, Albert Atenelle, Martino Tirimo, Julián Martín, Claudio Martínez- Mehner, Kenneth Weiss, Yong-Hi Moon, Joanna MacGregor, Stephen Montague, Mikhail Petukhov, Pascal Devoyon, Kathryn Stott, Menahem Pressler y Gabriela Montero.

Desde su debut en el año 2006 en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, ha interpretado recitales como solista o con agrupaciones de cámara en España, Reino Unido, Alemania, Suiza e Italia, en festivales de música y en prestigiosas salas de conciertos como Wigmore Hall, Sala Steinway de Londres, St Martin in The Fields, St James Piccadilly,  Duke’s Hall de Londres, Colston Hall, St George’s Bristol, Corral de Comedias de Alcalá de Henares, Sala Pump de Bath, Sala Fazioli de Sacile, Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares, Ateneos de Madrid y Miranda de Ebro, Aula Fundación Vital de Vitoria, Festival de Leeds (UK), Purcell Room en Southbank Centre (Londres), Wolfson College de la Universidad de Oxford, Hochschule fur Musik und Theater Hamburg, Pré-Fête de la Musique en Cologny, Sendesaal Bremen, entre otras.

Como parte de su labor camerística, ha realizado grabaciones para la radio BBC 3 de un espectáculo de música y poesía  conmemorativo del primer centenario del inicio de la Primera Guerra Mundial,  y del trío para piano no. 1 de Mendelsshon.

Susana Gómez Vázquez es una activa intérprete de música contemporánea. Ha tocado piezas de compositores actuales como Enrique Téllez, Antonio Plaza (estrena su obra “Blumen”), Albert Llanas Rich (estrena su obra Tyche), Stephen Montague y Oliver Knussen, trabajando con ellos su  interpretación. Participó en un recital con la integral de sonatas e interludios de John Cage en Purcell Room de Southbank y en un concierto en Hamburgo sobre la obra de Schnittke; también ha estrenado un trío de su autoría en Wigmore Hall, y ha formado parte de numerosos ensambles de música contemporánea, entre ellos el Manson Ensemble.

Entre sus numerosos galardones, se encuentran el primer premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España 2016,  los primeros premios en las ediciones VII y X del Certamen Intercentros-Madrid (2006 y 2009), el primer premio en el concurso internacional Ciutat de Carlet 2009 (incluyendo mejor interpretación de música española) y el primer premio en la competición Iris Dyer de la Royal Academy of Music 2010. Durante su estancia en la Purcell School, ganó las competiciones Freddy Morgan y Wigmore (modalidad solista y música de cámara), y se le otorgó el primer premio de piano y de composición de la promoción 2013. También ha sido galardonada con el segundo premio en el concurso Cavatina Intercollegiate Chamber Music 2017 y con el Isaac and Pirani Piano Trio Prize 2015, el Maud Hornsby Award 2016 y el Franz Reizenstein Prize 2017 de la Royal Academy of Music. Ha sido seleccionada por la fundación Piumosso para participar en su ciclo “El Primer Auditorio” en 2018.

En el ámbito de la composición, algunas de sus obras han sido estrenadas en el Wigmore Hall, en la Royal Academy of Music, en Amaryllis Fleming Concert Hall, en la Purcell School de Londres y en el Queen Elizabeth Hall, por las orquestas Milton Keynes, Aurora y otras agrupaciones profesionales. En 2010, ganó el primer premio de la categoría senior en la competición del North London Festival of Music and Drama. También fue galardonada con “Highly Commended” en la categoría junior del concurso de composición “BBC Proms Inspire Young Composers 2011”. En 2013, obtuvo el primer premio en el concurso de composición orquestal de la Purcell School, siendo su obra interpretada en el Queen Elisabeth Hall de Londres.

PROGRAMA
F.Schubert (1797-1828)___Sonata en Mi bemol Mayor D 568 (27’)

1.Allegro moderato
2. Andante molto
3. Menuetto y Trio, Allegretto
4. Allegro moderato

Brett Dean (1961-) ____Equality (4’40’’)

E.Granados (1867-1916)___-Allegro de ConcIerto (8’)

PAUSA

E.Granados (1867-1916)___   -Quejas o la Maja y el Ruisenor (6’)
-El Pelele   (4’ 20’’)

Susana Gomez Vazquez (1995-)___Ella (5’)

A.Ginastera (1916-1983)______Sonata No.1 op.22 (15’)
1. Allegro Marcato
2. Presto misterioso
3. Adagio molto appassionato
4. Ruvido ed ostinato

http://www.susanagomezvazquez.com/

 

Son Ciempieses (10/Noviembre/2017)

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Viernes, 10 noviembre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (3 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI

Son Ciempieses son Humberto Pena (Voces) Y Juan Herreros (Guitarra y voces), una colaboración musical que empezó en los principios de los años 90 en León, cuando Juan militaba en The Crépitos y Humberto era la voz de los Terremotors. Desde entonces han colaborado en diferentes proyectos musicales, hasta la formación de Son Ciempieses

Son Ciempieses nacieron por casualidad en los poemas de Gloria Fuertes, cocinando los temas a fuego lento hasta que en Noviembre 2016 publican ”Vista a lo Bestia”, su primer album, 10 poemas musicados extraídos del libro ”Historia de Gloria: Amor, Humor y Desamor”. Con la colaboración de Alex Olmedo (Musicrea) que también produjo el álbum, ”Vista a lo Bestia” es un ecléctico collage de paisajes sonoros de viaje por el universo de la genial escritora madrileña.

Coincidiendo con el centenario del nacimiento de Gloria y con la intención de divulgar y celebrar su excepcional persona y obra, Son Ciempieses realizarán una serie de conciertos acústicos presentando el disco en el mes de Noviembre, el ”Blusa de Blasa Tour”.

https://sonciempieses.bandcamp.com/releases

 

 

Fats Domino (1928-2017): La Cara Amable del Rock & Roll

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«Mucha gente parece pensar que yo inicié este negocio», dijo Elvis Presley a la revista Jet en 1957. «Pero el rock & roll estuvo aquí mucho tiempo antes de que yo apareciera. Nadie puede cantar esa música como la gente de color. Reconozcámoslo: no puedo cantar como Fats Domino. Lo sé».

Fats Domino, el cantante de Nueva Orleans, cuyo piano boogie-woogie y voz relajada, le convirtieron en una de las estrellas más importantes de la era del rock & roll. Murió el 25 de octubre en su ciudad natal, Nueva Orleans. Tenía 89 años.

Fats Domino consiguió más de tres docenas de éxitos en el Top 40 durante la década de los cincuenta  y principios de los  sesenta, entre ellos «Blueberry Hill», «Is not It a Shame» (también conocido como «Is not That a Shame», que es la letra real), «I’m Walkin», «Blue Monday» y «Walkin’ to New Orleans». Vendió 65 millones de singles en esos años, con 23 discos de oro, siendo solo superado por Elvis Presley como fuerza comercial.

De físico rotundo y con una estatura de 165 cm, bromeaba diciendo que era tan ancho como alto. Domino tenía una gran sonrisa contagiosa, una afición por los ornamentados anillos con incrustaciones de piedras preciosas y una actitud desenfadada cantando, incluso en las canciones más lastimeras. Su voz tenía siempre una sonrisa.

Antoine Dominique Domino Jr. nació el 26 de febrero de 1928. Era el menor de ocho hermanos de una familia con raíces criollas. Creció en el Noveno Distrito de Nueva Orleans, donde pasó la mayor parte de su vida.

La música llenó su vida desde la edad de 10 años, cuando su familia heredó un viejo piano. Después de que su cuñado Harrison Verrett, un músico de jazz tradicional, anotó las notas en las teclas y le enseñó algunos acordes, Antoine se arrojó sobre el instrumento con tanto entusiasmo, que sus padres lo trasladaron al garaje para que practicara.

Era casi totalmente autodidacta, recogiendo ideas de maestros de boogie-woogie como Meade Lux Lewis, Pinetop Smith y Amos Milburn. «En aquel entonces solía tocar todos los registros«, dijo a la revista de música de Nueva Orleans Offbeat en 2004. «Solía ​​escuchar discos, escucharlos cinco, seis, siete, ocho veces y podía tocarlo como el disco porque tenía un buen oído para atrapar las notas».

En su adolescencia, comenzó a trabajar en un club llamado Hideaway con una banda dirigida por el bajista Billy Diamond, quien lo apodó «Fats». Domino pronto se convirtió en el líder de la banda.

El fallecimiento por causas naturales, fue confirmado por Mark Bone, director de la oficina del forense del distrito de Jefferson de la ciudad (Getty Images)

Fats Domino en 1950 (Getty Images)

A comienzos de la década de los cincuenta, Domino produjo una serie de éxitos, ocupando lo que parecía una residencia permanente en los tramos superiores de las listas de R & B. Sus discos comenzaron a llegar a las listas pop también.

En esa era racialmente segregada, los artistas blancos usaron sus éxitos para construir sus carreras. En 1955, «Is not it a Shame» se convirtió en número 1 para Pat Boone como «Is not That a Shame», mientras que la composición de una canción tradicional, «Bo Weevil», de Domino, fue versioneada por Teresa Brewer.

El acercamiento de Domino a los adolescentes blancos se amplió cuando se embarcó en giras nacionales y apareció en festivales de rock mixtos como el Moondog Jubilee de Stars Under the Stars, presentado por el disc jockey Alan Freed en Ebbets Field en Brooklyn. Las apariciones en la televisión nacional, en los espectáculos de Steve Allen y Ed Sullivan, lo colocaron en millones de salas de estar. Nunca hizo alarde de su condición de innovador ni como arquitecto de un poderoso movimiento cultural.

«Fats, ¿cómo comenzó todo esto del rock  &roll ?», Le preguntó un entrevistador de un noticiario en 1957. Domino respondió: «Bueno, lo que ellos llaman rock & roll es el rhythm and blues. Lo he estado tocando durante 15 años en Nueva Orleans».

Distintas Imágenes de Fats Domino con Elvis Presley (Fotografías: Texas Elvis Fan Club archives)

En una conferencia de prensa en Las Vegas en 1969, después de reanudar su carrera, Elvis Presley interrumpió a un periodista que lo había llamado «el rey». Señaló a Domino, que estaba en la sala, y dijo: «Este es el verdadero rey del rock & roll».

Domino tuvo su mayor éxito en 1956 con su versión de «Blueberry Hill», una canción que había sido grabada por la big band de Glenn Miller en 1940. Alcanzó el puesto número dos en las listas de popularidad y vendió tres millones de copias.

«Tuve la suerte de escribir canciones que tenían un buen ritmo y contar una historia real que la gente podía sentir que también era su historia, algo que los mayores o los niños podían disfrutar», dijo Domino a Los Angeles Times en 1985.

A principios de la década de los sesenta, Fats siguió llegando a las listas de pop y rhythm and blues con canciones como «Whole Lotta Lovin», «I’m Ready», «I’m Gonna Be a Wheel Someday». «Be My Guest», «Walkin to New Orleans» y «My Girl Josephine».

Fats Domino con The Beatles

Su última aparición en el Top 100 fue en 1968, con una versión de «Lady Madonna», la canción de los Beatles inspirada en el estilo de piano de Domino.

Pasó a actuar regularmente en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans, y en 1987 Jerry Lee Lewis y Ray Charles se unieron a él para un especial de Cinemax, «Fats Domino and Friends». Lanzó un álbum navideño, «Christmas is a Special Day», en 1993.

Recluido y notoriamente resistente a las solicitudes de entrevistas, Domino se quedó en casa incluso cuando recibió un Premio Grammy por toda su trayectoria en 1987. Viajó a Nueva York cuando fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 1986 como uno de sus primeros miembros, aunque no participó en la jam session que cerró la ceremonia. En 1999, cuando fue galardonado con la Medalla Nacional de las Artes, envió a su hija Antoinette a la Casa Blanca para recoger el premio.

Incluso se negó a dejar Nueva Orleans cuando el huracán Katrina devastó la ciudad el 29 de agosto de 2005, permaneciendo en su casa inundada, hasta que fue rescatado en helicóptero el 1 de septiembre. «No estaba demasiado nervioso por esperar a ser rescatado», le dijo al New York Times en 2006. «Tenía vino y un par de cervezas; estaba bien».

File:Fats Domino, George W. and Laura Bush, Lower 9th Ward of New Orleans, Louisiana - 20060829.jpg

Fats Domino y el Presidente George W. Bush a las Puertas de la Casa del Primero en 2006

A menudo se lo veía por Nueva Orleans, saliendo de su mansión conduciendo un Cadillac rosado. «Simplemente tomo mis cervezas, cocino cualquier cosa que me apetece», le dijo al Daily Telegraph en 2007 describiendo su retiro.

En 1953, en la revista Down Beat, el productor de Atlantic Records, Jerry Wexler hizo una predicción audaz que resultó ser, en retrospectiva, bastante tímida. «¿Te imaginas a un coleccionista en 1993 descubriendo un disco de Fats Domino en un mercadillo del Ejército de Salvación y corriendo a casa para ponerlo en el plato giratorio?». Seguramente, todos correríamos a escucharlo. Buen viaje maestro.

Fats Domino (Lista de Reproducción de sus Grandes Éxitos)

Ukulele Clan Band (03/Noviembre/2017)

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Viernes, 3 noviembre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (3 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI

Ukulele Clan Band es un grupo sin prejuicios. Un grupo que se atreve a mezclar el ukelele con el washboard y el cajón flamenco, que puedes encontrar tocando en un gran festival, en una azotea o en una esquina de tu ciudad.

Desde sus inicios nace con una marcada vocación por la música de calle, viajando y tocando en las calles de toda España. Melodías inspiradas en el folk americano y europeo pero con su toque característico y ritmo pegadizo que interpretan con un arsenal de más de 10 instrumentos acústicos a los que se han añadido para este nuevo disco la batería y la guitarra eléctrica.

Para esta temporada vuelven con nueva formación y un EP en castellano, el preludio de lo que será su primer LP producido por Estudio Uno que verá la luz en octubre de 2018 siendo la primera referencia del estudio como sello discográfico.

Este EP irá acompañado de una sesión de estudio que mostrará a la banda en un formato en el que el se mueve como pez en el agua: el directo.

Los nombres de las islas no son más que el reflejo de esa personalidad que navega en el tiempo. «Cayo amargo», “La Parranda” , «Epifanía» y «Columbaria».

Información en los siguiente enlaces:

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David McWilliams (Days of Pearly Spencer) 50º Aniversario + Otras Versiones

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Estamos ante una de las más grandes canciones de la historia. «Days Of Pearly Spencer» es profundamente subyugante, de una delicadeza infinita. En estos días celebramos el 50º aniversario de su publicación. David McWilliams, autor e intérprete de la canción, era un completo desconocido cuando este norirlandés editó con 22 años esta maravilla de pop orquestal. Su secreto fue como trenzó el pop y el folk, a Dylan y a Donovan, con los increibles arreglos orquestales de Mike Leander, cercano a los Beatles.

Dentro de aquel año bendecido por Dios como fue 1967, esta canción se colocó en la conciencia colectiva como la banda sonora del Swinging London junto a «Nights in White Satin» de los Moody Blues y «A Whiter Shade of Pale» de Procol Harum.

Para grabar su primer single, «God and My Country», McWilliams registró algunas demos en un estudio de grabación de Belfast. En ese momento, El empresario Mervyn Solomon escuchó las cintas de McWilliams y se puso en contacto con su hermano Phil, quien quedó igualmente impresionado por el material. Como McWilliams ya había firmado con CBS, Solomon se ofreció a quedarse con McWilliams. La oferta fue aceptada, y Solomon llevó a McWilliams con él a Londres para grabar la canción.

La canción tenía, según Stuart Bailie de Radio Ulster, un «estilo parpadeante y casi documental» donde llevó a los oyentes a las partes más deterioradas de la ciudad norirlandesa de Ballymena, donde la gente caminaba entre los escombros, derrotados, pareciendo mucho más viejos de lo que eran en realidad. McWilliams dijo que había escrito la canción sobre un hombre sin hogar encontrado en Ballymena. Narraba la vida de un individuo desgarrado por la pobreza y el alcohol. Sin embargo, algunos de los allegados a McWilliams afirmaron que estaba escribiendo sobre dos damas de su ciudad natal.

La grabación fue producida por Mike Leander quien compuso un impresionante arreglo orquestal para la canción. Leander previamente había proporcionado arreglos para discos como «She’s Leaving Home » de The Beatles y el éxito de Marianne Faithfull «As Tears Go By». McWilliams había encontrado al productor perfecto para su delicada y sincera composición, así como también para sus guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas y la asociación floreció. 

Para hacer el disco más interesante, la línea de coro tenía una voz distorsionada, como si David estuviera cantando a través de un megáfono, dándole a la canción un extraño «estribillo» telefoneado.

El disco fue lanzado originalmente el 6 de octubre de 1967 como cara B de «Harlem Lady», pero «Days of Pearly Spencer» recibió una emisión considerable en Radio Caroline, emisora sin licencia de emisión, para algunos directamente una radio pirata, de la cual Salomón era un ejecutivo, y en anuncios en la prensa musical del Reino Unido.

Se publicaron anuncios a doble página en todos los principales periódicos musicales y en la página principal del New Musical Express apareció, definiéndola como  «el single que te hará volar la mente» y el álbum que lo acompaña, «el álbum que hará cambiar el curso de la música». Los anuncios se repartieron por todas partes, y en 2012 Stuart Bailie de Radio Ulster comentó que «no había forma de escapar de David McWilliams». Los anuncios de la canción aparecieron incluso en autobuses de dos pisos , pero McWilliams «caminaba por Londres sin dinero en el bolsillo para subir a uno de esos autobuses», y una publicación puso el costo total de la promoción en cerca de £ 20,000 ( equivalente a £ 330,000 en 2015).

La BBC se negó a emitir el disco, debido a la participación de Solomon en  Radio Caroline, y por lo tanto, el registro no pudo alcanzar en el Reino Unido o la República de Irlanda toda la difusión que hubiera podido tener. En Europa continental, la canción encabezó la lista de singles francesa, fue nº 2 en Bélgica y nº 8 en Holanda. Sin embargo, la canción se volvió a publicar en tres ocasiones distintas y sigue siendo un elemento básico de las estaciones de radio que programan viejos éxitos.

Después de “Pearly Spencer”, David McWilliams publicó algunos discos más con nula repercusión.

McWilliams murió de un ataque al corazón en su casa de Ballycastle en 2002. Tenía 56 años y dejó ocho huérfanos.

Vídeo Original de la Canción

Actuación en la TV Francesa

Actuación en Directo Interpretando la Canción

Otras Versiones

Las versiones de esta canción han sido innumerables. La más exitosa sin duda fue la de Marc Almond a principios de los noventa. Aquí recogemos versiones en varios idiomas, muchas veces cambiando la letra, incluyendo versiones orquestales, y alguna de aficionados como la del irlandés MrWhaps, realmente notable. Hay dos versiones en castellano, la temprana de Los Javaloyas, y la más conocida de Ana Belén «Vuelo Alto de Gaviota» de 1979.

Los javaloyas (Los Días de Pearly Spencer) 1967

Caravelli (Days of Pearly Spencer) 1968

Caterina Caselli (Il Volto Della Vita) 1968

Raymond Lefevre (Days of Pearly Spencer) 1968

The Avengers (Days of Pearly Spencer) 1968

The Grass Roots (The Days of Pearly Spencer) 1969

Ana Belén (Vuelo Alto de Gaviota) 1979

Vietnam Veterans (The Days of Pearly Spencer) 1988

Marc Almond (The Days of Pearly Spencer) 1991

MrWhaps & Winbone (The Days of Pearly Spencer) 2011

 

 

Amateur (27/Octubre/2017)

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Viernes, 27 octubre, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Amateur es el nuevo proyecto musical de Mikel Aguirre, Cheli Lanzagorta e Iñaki de Lucas, todos ellos miembros del desaparecido grupo donostiarra La Buena Vida además de integrantes y/o colaboradores de algunas de las bandas que han participado activamente en el devenir de la creación musical de Donostia y la escena pop estatal durante las últimas tres o cuatro décadas, con una notable repercusión en los medios y un amplio reconocimiento de público y crítica.

Tras la triste y desafortunada pérdida en 2011 de su compañero y co-autor en La Buena Vida Pedro San Martin, y tras una temporada en dique seco, estos tres donostiarras sintieron la necesidad de retomar viejas costumbres y comenzaron a enredar semanalmente durante los tres últimos años en el estudio de grabación. De ahí surge Amateur, que ahora sale a la luz y se presenta al público como una nueva aventura musical que, partiendo de los planteamientos de su anterior formación —composiciones refinadas con aires vintage, guiños a los clásicos, arreglos orquestales y textos en castellano—, aporta nuevos matices y atmósferas a las canciones que en esta nueva etapa formarán parte de lo que será su primer trabajo discográfico (Debut!).

En la delicada y minuciosa elaboración de Debut! han participado otros notables músicos donostiarras, como Diego Vasallo, Irantzu Valencia, Jaime Stinus o Joserra Senperena entre otros, y a la hora de presentarlo en directo les acompañarán en escena Fernando Neira al bajo, Paul San Martín al órgano Hammond y Joseba Irazoki a la guitarra.

WEB OFICIAL  http://www.amateurmusica.com/

Amateur (Debut!) 2017