Tino Casal In Memoriam (1950 – 1991)

Fue amaneciendo. Salía de una discoteca con tres amigos, camino cada uno de su casa, en un automóvil cuyo conductor, en un descuido, chocó contra una farola, en las inmediaciones del madrileño Puente de los Franceses, cerca de Aravaca, apenas a cinco kilómetros del centro de la capital. Todos resultaron ilesos menos quien ocupaba el asiento del copiloto, que falleció prácticamente en el acto, cuando lo llevaban en helicóptero a un hospital. Era el cantante asturiano Tino Casal, uno de los más activos y originales intérpretes del pop-rock en los años de la llamada «movida». Contaba tan sólo cuarenta y un años. Hoy se cumple el veinticinco aniversario de su temprana desaparición, aquel funesto 22 de septiembre de 1991.

Coetáneo de la nueva ola del pop español, Tino Casal formó parte activa dentro del primer núcleo gestor del nuevo panorama musical de los años ochenta en Madrid. Artista en toda la extensión de la palabra, aportó a la historia del pop español un buen puñado de álbumes rebosantes de pop electrónico y varios temas inolvidables como: «Embrujada», «Los Pájaros» o «Eloise», entre otros.

Tino Casal con Los Zafiros Negros (2º por la Izquierda)

Se llamaba José Celestino Casal Álvarez y había nacido el 11 de febrero de 1950 en un concello muy cercano a Oviedo. Tino Casal comenzó su trayectoria artística en su localidad natal, Tudela Veguín, a principios de la década de los años sesenta como cantante del grupo de rock Los Zafiros Negros. En 1967, Casal se integra en Los Archiduques, una banda experimentada y de gran proyección profesional. Aquel año, Casal registró como cantante de la mencionada banda el single: «No le ames»/ «Lamento de gaitas», un trabajo pionero en el concepto de fusionar elementos del folclore tradicional (como la gaita asturiana) con el rock y el soul. Tras aquel brillante disco registrado para el sello Columbia llegó un segundo sencillo: «Dimensión en Sol Mayor» que supuso la ruptura del cantante con aquella mítica formación.

Los Archiduques (Tino es el 1º por la Izquierda)

LOS ARCHIDUQUES (LAMENTO DE GAITAS) 1967

Inquieto siempre, ya a principios de la década siguiente hizo las maletas rumbo a Londres, capital europea del pop más sobresaliente. Y allí se convirtió en un confeso admirador de David Bowie, quien abanderaba una corriente musical etiquetada como glam rock. Los estilos de esa época eran descritos por los comentaristas en boga con nombres llamativos, tales como techno y new romantic.Tino Casal se empapó no sólo de aquellas modas musicales derivadas del nuevo rock, sino asimismo de las vanguardias estéticas, de la manera de vestir entonces; la capital británica la imponía entre los adolescentes y jóvenes desde mediados de los sesenta, desde aquella corta calle, Carnaby Street, que uno recuerda repleta de llamativas boutiques. Y cuando Tino regresó, se trajo un innovador repertorio de canciones y de trajes.

En 1977 Tino Casal regresa a España, donde firma un contrato con la discográfica Philips. El sello buscaba en él al sustituto de cantantes melódicos desaparecidos como Nino Bravo, y Casal edita dos sencillos de discreta acogida: «Olvidar, Recordar»/»Dam, Dam» y «Emborráchate»/»Besos, Caricias». En esos años se presenta a diversos festivales musicales, y en 1978 participa en el Festival de Benidorm, donde queda en segundo lugar a pesar de ganar varios galardones como «mejor cantante joven» o «mejor composición musical».

EMBORRACHATÉ (1978)

Totalmente influenciado por la impronta del glam-rock y el nuevo pop electrónico británico en 1981 emprende una nueva etapa profesional y consigue su primer éxito comercial a través de «Champú de Huevo», una canción extraída de su álbum de debut «Neocasal» producido aquel año por Julián Ruiz para el sello EMI, que a partir de entonces se hará cargo de toda su discografía posterior. Entre otros momentos brillantes, en este primer trabajo destacan sobremanera algunos cortes como «Billy Boy» o la versión del «Life on Mars» de Bowie. Para entonces, Tino Casal también es un reputado artista gráfico y comenzaba a despuntar como productor musical.

Tino Casal - Neocasal

CHAMPÚ DE HUEVO (1981)

BILLY BOY (1981)

Dos años después, en 1983, Tino Casal consolida su éxito a través de su segundo álbum: el magnífico «Etiqueta Negra», un trabajo que contiene hits del calibre de la maravillosa «Los Pájaros» o «Embrujada», un chispazo de tecno-pop deslumbrante que ratifica a Julián Ruiz como único productor para el resto de la carrera del cantante asturiano.

EMBRUJADA (1983)

LOS PÁJAROS (1983)

Un año más tarde, tras componer canciones para otros artistas y seguir produciendo a nuevas bandas de pop y rock como Obús, Goma de Mascar y Vídeo, publica «Hielo Rojo», un tercer trabajo que en un principio no parece lograr igualar el impacto comercial de sus dos trabajos precedentes, pero que finalmente lo consigue con creces debido a que el tema «Pánico en el Edén» es escogido como sintonÍa de la Vuelta Ciclista a España de aquel año.

HIELO ROJO (1984) ÁLBUM COMPLETO

De una forma absolutamente estúpida, Tino sufrió en 1985 un doloroso esguince durante un concierto en Valencia, al que no dio al principio importancia alguna. Se automedicó con antiinflamatorios y analgésicos. De la noche a la mañana sufrió una necrosis que a punto estuvo de mandarlo al otro mundo. Pasó una temporada en silla de ruedas. Dos años permaneció alejado del tinglado musical. Ave Fénix del pop español, en 1987 se editó su cuarto álbum, «Lágrimas de Cocodrilo», conteniendo el tema más popular de su discografía, la versión en español de «Eloíse», aquella sensacional balada de Barry Ryan de 1967.

ELOISE (1987)

LÁGRIMAS DE COCODRILO (1987) ÁLBUM COMPLETO

Dos años más tarde se edita su último disco, «Histeria», un trabajo de resultados comerciales discretos aunque repleto de temas brillantes y que también mantiene la costumbre del cantante de incluir un par de versiones en castellano como tributo al rock de los setenta («Killing me softly with his song») y al tecno-pop de los ochenta («Don´t you want me baby»). Para entonces Casal recupera su faceta como pintor, a la par que estudia la producción de nuevos talentos musicales, prepara otros proyectos como un nuevo vinilo en Japón, otro con canciones suyas destinadas a Los Salvajes, el estreno teatral de El Fantasma de la Ópera…

HISTERIA (1989) ÁLBUM COMPLETO

Todo quedó en agua de borrajas aquella madrugada del sábado al domingo del 22 de septiembre de 1991, cuando su corazón se detuvo para siempre en la carretera, a las puertas de Madrid. Se iba un grande del pop español. Divertido. Imaginativo. Con una voz potente, que encandilaba a sus miles y miles de fans. Al día siguiente, cuando iban a enterrarlo, en los escaparates de las tiendas de discos aparecía como novedad un álbum recopilatorio de sus grandes éxitos. Extraña casualidad.

Festival Internacional de Órgano Catedral de León (2016)

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XXXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE ÓRGANO CATEDRAL DE LEÓN

– SEPTIEMBRE / OCTUBRE 2016 –

 

MIÉRCOLES, 21 DE SEPTIEMBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

MARTIN HASELBÖCK, ÓRGANO

Obras de J. S. Bach, F. Liszt, R. Wagner

 

VIERNES, 23 DE SEPTIEMBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

ELOQVENTIA

Alejandro Villar, flautas

David Mayoral, percusión

Música instrumental del medioevo europeo

 

VIERNES, 30 DE SEPTIEMBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

JUAN DE LA RUBIA, ÓRGANO

Obras de J.S. Bach, C. Franck, M. Duruflé, R. Wagner

 

SÁBADO, 1 DE OCTUBRE

 CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

Cantantes seleccionados en el V Curso de interpretación vocal barroca

EDUARDO LOPEZ BANZO, clave y dirección

Obras del barroco europeo

Concierto en coproducción con el CNDM

XIV Ciclo de Músicas Históricas de León

 

MIÉRCOLES, 5 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

RAQUEL ANDUEZA, SOPRANO

LA GALANÍA

“Ayrezillos suaves”

Música sacra en la época de Sebastián Durón

Concierto en coproducción con el CNDM

XIV Ciclo de Músicas Históricas de León

 

VIERNES, 7 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 21 H.

GIAMPAOLO DI ROSA, ÓRGANO

Obras de O. Messiaen, P.Bruna y L.v. Beethoven

Concierto de presentación de la integral de la obra para órgano de Olivier Messiaen (1908-1992) en el XXV aniversario de su muerte

 

JUEVES, 13 DE OCTUBRE

 CATEDRAL DE LEÓN, 20,30 H.

VICENTE DUBOIS, ÓRGANO

Obras de J. S. Bach, C. Franck, C. Saint-Saëns, M. Duruflé, O. Messiaen

Concierto en coproducción con el CNDM

 

SÁBADO, 15 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN 21 H.

SCHOLA ANTIQUA

JUAN CARLOS ASENSIO, DIRECTOR

Concierto en coproducción con el CNDM

XIV Ciclo de Músicas Históricas de León

Música medieval inédita en el archivo de la Catedral de León: Liturgias procesionales de los Santos Isidoro, Antolín y Santiago

 

MIÉRCOLES, 19 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN 20:30 HORAS

CAPILLA JERÓNIMO DE CARRIÓN

ALICIA LÁZARO, DIRECTORA

“Afectos generosos”

Hidalgo, Durón, Marín y Carrión: nueva música inédita del s. XVII en España.

Concierto en coproducción con el CNDM

XIV Ciclo de Músicas Históricas de León

 

VIERNES, 21 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 20:30 H.

JEAN GUILLOU, ÓRGANO

Obras de C. M. Widor, J. Guillou, F. Liszt

 

LUNES, 24 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 20,30 H.

DANIEL OYARZABAL, ÓRGANO

Obras de J. S. Bach, F. Mendelssohn, J. Brahms, O. Messiaen

Concierto en coproducción con el CNDM

 

VIERNES, 28 DE OCTUBRE

CATEDRAL DE LEÓN 20:30 HORAS

PAOLO ORENI, ÓRGANO

Obras de W. A. Mozart, J. S. Bach, C. Franck, C. M. Widor, M. Dupré

 

JUEVES, 10 DE NOVIEMBRE

CATEDRAL DE LEÓN, 20:30 H.

NAJI HAKIM, ÓRGANO

Obras de C. Franck, J. B. Cabanilles, J. S. Bach y N. Hakim

Concierto en coproducción con el CNDM

ENLACE A LA WEB DEL FESTIVAL

 

Los Bravos (Black is Black) 50º Aniversario

«Black is Black» de Los Bravos, cumple 50 años desde su lanzamiento. Se trata del tema interpretado por un grupo español que más alto llegó en las listas inglesas y americanas, y su historia como la de todas las grandes canciones está llena de curiosidades y giros inesperados.

El grupo, resultado de la fusión de dos bandas anteriores, Los excelentes Sonor y el grupo procedente de Palma de Mallorca Mike & The Runaways. El bajista Miguel Vicens, el guitarrista Tony Martínez, el teclista Manuel Fernández y el batería Pablo Sanllehí junto con el cantante alemán, Michael Kögel, más conocido como Mike Kennedy, juntos formaron Los Bravos y de la mano de su manager/productor, el extraordinario Alain Milhaud, hicieron historia.

Milhaud quería que su banda tuviera un ascenso fulminante y proyección internacional, así que contactó con la discográfica Decca en Londres y seleccionó de su catalogo la canción perfecta: ”Black is Black”. Así es, Los Bravos no compusieron la canción, fueron tres desconocidos ingleses los que firmaron este tema: Hayes, Wadey y Grainger. «Si fuera el compositor no estaría aquí. Estaría en Miami, ja, ja. Son incalculables los derechos de autor que ha proporcionado», afirma Mike Kennedy en una entrevista reciente.

Pero aquí no acaba la cosa. Como la grabación sería en Londres y el sindicato de músicos británicos prohibía que un músico no inglés participase en los discos que se grabasen en Inglaterra, Los Bravos no pudieron ser los intérpretes en la grabación del disco. No les quedó más remedio que pasarse una semana observando cómo su cantante Mike superponía su voz por encima del tema instrumental, ayudado en los coros por Tony y Miguel, grabado con anterioridad por músicos de estudio. Circula la leyenda que uno de esos artistas fue ni más ni menos que el mismísimo Jimmy Page, guitarrista de estudio en aquel momento. Page comenó en una entrevista al respecto: «¿Que si toqué en el Black is Black de Los Bravos? No me suena. Tocar en el estudio era como fichar en una oficina. De las nueve a las doce con una cantante. De la una a las tres con un grupo. Por la tarde, con una orquesta. Muchas veces, ni sabíamos el nombre de la canción… ¡o del artista!».

«Black is Black» comenzó a sonar en la radio en 1966 y fue un éxito inmediato en España, donde vendió dos millones de copias y fue número uno en Los 40 Principales durante seis semanas consecutivas. Sin embargo, destacó sobretodo por ser el primer éxito comercial de un tema español a nivel internacional, alcanzando el nº 1 de las listas inglesas y canadienses, y el nº 2 de las americanas,  Los Bravos se convirtieron en un fenómeno global y en un grupo imprescindible para entender la historia de la música española.

El éxito de la canción a nivel internacional propició una versión en francés, «Noir c’est Noir», interpretada por Johnny Hallyday. Dicho tema fue número uno en la lista de singles francesa durante siete semanas consecutivas. Años después, «Black Is Black» fue versionado por otros artistas como La Belle Epoque, Rick Springfield o La Unión entre otros.

Actuación en TVE. Nochevieja de 1966

Escena de la Película «los Chicos con las Chicas» (1967)

Festival de Música Española de León (2016)

PROGRAMACIÓN DEL 29º FESTIVAL DE MÚSICA ESPAÑOLA DE LEÓN

15/09 -14/11/2016

Vestíbulo del Auditorio «Ángel Barja» del Conservatorio de León

 EXPOSICIONES

 

«El piano español de los siglos XVIII, XIX y XX. Maestros y predecesores»

Horarios de visita: Lunes a viernes; Septiembre (10:30h-13:30h) y Octubre (16:30h-20:30)

 27/09 -30/10/2016

Museo Etnográfico Provincial de León  (Mansilla de las Mulas)

«Sonando Cervantes. Instrumentos musicales en tiempo del Quijote»

Procedentes de la Fundación Joaquín Díaz y de la Colección Luis Delgado-Museo de la Música de Urueña (Valladolid)

Horarios de visita: 10:00h-14:00h y 17:00h-20:00h (Lunes cerrado)

 15/09/2016  

Auditorio Ciudad de León

CONCIERTOS

 

«Noches en los jardines de España»

ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN
JUAN PÉREZ FLORISTÁN_piano
JOSÉ R. PASCUAL VILAPLANA_director invitado

20:30h
 25/09/2016  Auditorio Ciudad de León «Andanzas y músicas de Don Quijote»

ORQUESTA IBÉRICA ENSEMBLE
DARÍO FERNÁNDEZ Y MANUEL FERRERO_actores

 20:30h
 29/09/2016 Auditorio Ángel Barja 
ALEJANDRO BUSTAMANTE_violín PATRICIA ARAUZO_piano  20:30h
 02/10/2016  Auditorio Ángel Barja HISPANIA EX-TEMPORE

Concierto con instrumentos históricos y con ilustraciones en directo a cargo de laPiLA (Profesionales de la ilustración de León Asociados)

20:30h
 09/10/2016  Auditorio Ángel Barja QUINTET VERGER  & PABLO LLEIDA_piano 20:30h
 16/10/2016  Auditorio Ángel Barja CUARTETO GRANADOS

David Mata_violín 1º, Marc Oliu_violín 2º, Andoni Mercero_viola y Aldo Mata_cello

ENLACE A LA WEB DEL FESTIVAL

20:30h

 

Rudy Van Gelder. El Arquitecto del Jazz (1924 – 2016)

¿Puede un ingeniero de sonido cambiar el curso de la historia?. La respuesta tiene un nombre: Rudy Van Gelder. “Hay algo que llamo el toque Van Gelder, explicaba el fabuloso trompetista Freddie Hubbard. “Para mí, ese toque es la definición perfecta de cómo debe sonar un disco de jazz”. Responsable, más directo que indirecto, de una lista mareante de obras maestras del jazz, falleció el pasado 25 de agosto, a los 91 años de edad.

Van Gelder es considerado el creador del sonido moderno del jazz. Ningún otro ingeniero de sonido logró el reconocimiento de este hombre capital en la difusión del género, que mantuvo su vinculación profesional con la música casi hasta su fallecimiento. Infatigable, apasionado, sumamente perfeccionista, compatibilizó durante casi tres lustros su trabajo como oftalmólogo con el realizado en distintos sellos discográficos. A él se debe en gran parte el sonido Blue Note, pero también dejó su sello en Prestige, Savoy y, más adelante, en Impulse y CTI. Entre sus muchos méritos, se encuentra la capacidad para trascender en el tiempo y marcar el paso en la evolución del jazz.

Van Gelder con Wes Montgomery

Van Gelder era radioaficionado y se interesó por la grabación de música, en especial por el jazz. Un tío suyo había sido batería de Ted Lewis e incluso Rudy tomó algunas clases de trompeta. Montó un estudio en casa de sus padres en Hackensack, Nueva Jersey. Ahí realizó sus primeras tomas y en 1952, su amigo y saxofonista Gil Melle, le presentaría a Alfred Lion, director del sello  Blue Note, quien le contrató como ingeniero de sonido. En 1959 se trasladó a un estudio en Englewood Cliffs, inspirado en la obra del arquitecto Frank Lloyd Wright (con techos altos y buena acústica), y empezó a grabar, a tiempo completo, a músicos como Miles Davis, Wayne Shorter, Thelonious Monk y John Coltrane en su etapa Impulse!, entre los que destaca su clásico “A Love Supreme” de 1964.  John Coltrane le pidió a Bob Thiele al firmar con su sello Impulse!, que le contratase como ingeniero. Sabía que era el mejor.

Su carrera abarca más de seis décadas de grabaciones, en las que se encargaba personalmente de colocar todos y cada uno de los micrófonos, así como las sillas y distribuir a los músicos en la sala para conseguir su característico sonido.

«Usaba micrófonos específicos situados en lugares que permitían que los músicos sonasen como si estuviesen tocando desde diferentes lugares en la sala, algo que era cierto en la realidad. Así se creaba una sensación de dimensión y profundidad», dijo en una entrevista en 1993 en la radio pública estadounidense NPR sobre su peculiar estilo.

Es el toque Van Gelder: meticuloso hasta la exasperación, pero deslumbrante, en los resultados. Nadie, sino él, puede posar sus dedos sobre su colección de micrófonos Neumann U-47 fabricados en Alemania (pero, incluso él, debe utilizar guantes de cirujano). “Uno iba a grabar con Van Gelder”, sigue comentando Freddie Hubbard, “y era como asistir a una representación teatral”.

En las grabaciones de Van Gelder la «imagen estereo» es una imagen de lo real, no es fabricada a base de mezcla. Van Gelder grababa directamente en dos canales y el equilibrio estereo lo conseguía ecualizando el master. No había mezcla a posteriori. ¿Qué parte del éxito del sonido se debe a esta forma de grabar? Posiblemente mucha. Van Gelder no aísla a los músicos con paneles, salas y auriculares. Les permite sentirse como en un concierto en un club, escuchando de modo natural la música mientras la van haciendo al unísono. Probablemente esto facilite la expresión espontanea y relajada de los músicos. Y pese a que haya alguna merma en la calidad final de sonido, es superada con creces por la potenciación de la creación musical «en directo».

Por iniciativa de EMI-Toshiba Japan, dueño actual de la marca Blue Note Records y de sus grabaciones, durante 1998 Van Gelder inicia una serie de trabajos de remasterización a digital de las cintas analógicas de las grabaciones clásicas que él mismo efectuó en los años cincuenta y sesenta del pasado siglo.

El objetivo del proceso es tratar de darle al sonido de estos discos otra vuelta de tuerca de «autoría». Si ya en su momento se reconoció la originalidad sonora de estas grabaciones, se pretendió entonces, que esta originalidad no se perdiera en el proceso de digitalización. Y para esto se pensó que nada mejor que acudir al artífice del estilo, el propio Van Gelder. Por otro lado, está el lógico objetivo de mercadotecnia que supone relanzar comercialmente unas grabaciones que ya han adquirido muchos fans en todo el mundo, ahora bajo el nuevo marchamo del toque del «artista» RVG. Vemos que aquí lo técnico, lo artístico, lo mítico y lo comercial se dan la mano en una conjunción que vuelve a llevar al aficionado a las tiendas a adquirir una vez más «ese» disco de Blakey, de Silver, de Hancock, de Dexter Gordon, de Duke Pearson, etc.

Rudy Van Gelder ahora es anunciado como un artista más del sello. Con su propia colección en la que se presentan los discos que ha remasterizado a la entonces nueva tecnología de 24 bits empleando lo más puntero de la industria del audio del momento. Es difícil resistirse a la comparación entre lo antiguo y lo nuevo.

Hacer una seleccion entre los discos que pasaron por el genio de Van Gelder es muy complicado, dejo un pequeñísima muestra de su talento. Grandes trabajos que lo fueron, o lo fueron mucho más, gracias a este genio irrepetible.

Sonny Rollins (Saxophone Colossus) 1956

Julian «Cannonball» Adderley (Somethin’ Else) 1958

Art Blakey & The Jazz Messengers (A Night in Tunisia) 1960

Stanley Turrentine (Up at Minton’s) 1961

John Coltrane (A Love Supreme) 1964

The Alan Parsons Project (Tales of Mystery and Imagination) 40º Aniversario

«Tales of Mystery and Imagination» es el disco debut de The Alan Parsons Project, publicado en 1976. El concepto del álbum gira en torno a la obra del escritor Edgar Allan Poe a través de siete canciones, centrados en sus relatos de misterio y sus poemas.

En 1975, Alan Parsons, un ingeniero de sónido que había trabajado con The Beatles en la grabación del álbum «Abbey Road» y posteriormente en el extraordinario «Dark Side of the Moon» de Pink Floyd (ganó un Grammy con este trabajo y no es para menos.). Parsons rumiaba la posibilidad de no limitarse “simplemente” a la producción y adentrarse en terrenos de la composición musical. Para ello, se alía con Eric Woolfson, compositor y mánager de algunos artistas de la década que por aquel entonces estaba trabajando en un proyecto musical basado en los antes mencionados cuentos de misterio y poemas de Edgar Allan Poe.

Alan Parsons trabajando en el estudio (1976)

La conexión fue perfecta, por un lado el refinamiento sonoro y técnico en la calidad de grabación que consiguió Parsons. Por el otro, unas composiciones musicales de un nivel de calidad pasmoso proporcionadas por Woolfson. Más tarde se uniría al proyecto el arreglista Andrew Powell con sus poderosos tintes de orquesta sinfónica que le da al trabajo una dimensión más épica todavía. Mencionar también el espectacular desfile de músicos que hay en el trabajo, desde los cantantes como Arthur Brown o John Miles y sobre todo los integrantes del grupo Pilot con los que Parsons había trabajado: David Paton al bajo, Stuart Tosh a la batería o el elegantísimo, enorme e infravalorado guitarrista Ian Bairnson.

Es toda una experiencia escuchar este álbum e incluso me atrevería a decir que esta sensación responde a algo totalmente premeditado por parte de sus creadores, Alan Parsons y Eric Woolfson. Considerado por la crítica y el público en un rango entre «esencial» y «excelente», que no es decir poco, en aquella época de obras maestras.

Es cierto que, a su publicación en 1976, no tuvo una masiva acogida por parte del público, tal vez por exigir del oyente un avanzado nivel cultural y un refinado gusto musical; esto sin embargo, fue muy apreciado en cambio por la crítica, que sí fue capaz de valorar el trabajo en su justa medida.

Alan Parsons, Eric Woolfson y Andrew Powell

‘Tales Of Mistery And Imagination’ es un viaje fascinante por algunas de las obras más famosas de Edgar Allan Poe. Con el uso de sintetizadores, batería y guitarras, Parsons consigue dar a la música los efectos terroríficos propios de las obras de Poe. El instrumental “A Dream Whithin a Dream” cuenta con la narración de Orson Welles por encima de los teclados y las guitarras. El EMI vocoder es utilizado en “The Raven” con el coro de niños del Westminster City School, lo que añade una sensación claustrofobia al tema. La experiencia de Parsons en la producción inunda el álbum, desde ‘(The System of) Doctor Tarr and Professor Fether” a “The Tell-Tale Heart”, con esa percusión que imita los latidos de un corazón.

“The Fall of the House of Usher” es un largo, pero deslumbrante tema, plagado de musicalidad y poderío orquestal, que mantiene el álbum en un nivel impresionante, mientras que el oyente se sumerge en su inquietante atmósfera. Con los vocalistas Terry Sylvester, John Miles, y Eric Woolfson planeando por cada pista, esta variedad de diferentes estilos de voces da color al aire general del álbum. Sin haber ningún tema que sobresalga sobre los demás, Alan Parsons dibuja una imagen nítida de una de las más seductoras figuras literarias de la historia.

En definitiva, un disco excepcional. The Alan Parsons Project no volvieron a estar tan cerca de la perfección como en este disco. Todos los elementos están en perfecta armonía: un grupo de rock y orquesta en alternancia, recursos inusuales como disonancias, coros… y sus subidas y bajadas, hacen de él algo realmente apasionante de escuchar. Si no lo conocen, «Tales of Mystery and Imagination» es un disco que les sorprenderá y fascinará desde la primera escucha del mismo. Y si les pica la curiosidad y no han tenido oportunidad, lean los cuentos. No defraudan.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO (AUDIO PROCEDENTE DE UN VINILO)

Música en la Tumbona (Verano 2016)

Música Clásica

Salvador Bacarisse – Romanza del Concertino para Guitarra y Orquesta

Johann Sebastian Bach – Jesús Alegría de los Hombres. Cantata 147

Georg Philipp Telemann – Concierto para trompeta en D Major

Giacomo Puccini – Si mi Chiamano Mimi (La Bohème)

Igor Stravinsky – Overtura del Pájaro de Fuego

Jazz

Miles Davis – So What

Dave Brubeck – Take Five

Stan Getz – Desafinado

Clark Terry & Bob Brookmeyer – Straight no Chaser

John Coltrane – Impressions

Pop Rock

Creedence Clearwater Revival – I Heard it Through the Grapevine

Fisher Z – So Long

Yes – No Opportunity Necessary, No Experience Needed

Los Bravos – Looking Around

The Bee Gees – World

 

Cecilia, 40 Años Después

Hoy se celebra el cuarenta aniversario de la muerte de Cecilia. Su trágico final con tan sólo 27 años, ha sumergido su figura en la leyenda, que puede ocultar la grandeza de su obra. Modestamente me propongo hacer un recuerdo y homenaje a la mejor cantautora que ha tenido España, con todos mis respetos para las demás, pero creo que Cecilia está un escalón por encima de todas ellas. Cuando falleció era  la cantante y autora de España más cotizada de la época.

Cecilia, cuyo nombre real era Evangelina Sobredo Galanes, nació en Madrid el 11 de octubre de 1948. Tuvo una infancia itinerante (Reino Unido, EE. UU., Portugal, Argel, Jordania), fruto de la profesión de diplomático de su padre,  y una educación cosmopolita. Aprendió a hablar en inglés al mismo tiempo que en español. Se educó con una monja estadounidense que la animaba a tocar la guitarra y a cantar en todas las fiestas de fin de curso. De regreso a España, comenzó y abandonó los estudios de Derecho, decidiendo dedicarse por completo a la música, y a componer sus propias letras

Sus primeras composiciones son en inglés, pero posteriormente se inclina más a componer en su idioma materno, el español, cosechando así sus grandes éxitos. En 1970 forma el grupo Expresión, grabando un single «Have you ever had a blue day?» y «Try Catch the Sun».

TRY CATCH THE SUN (1970)

En 1971, es contratada por la multinacional americana CBS. Adoptó el nombre artístico de Cecilia debido a que «Eva» ya estaba registrado y el tema «Cecilia» de Simon y Garfunkel, a quienes admiraba, estaba siendo lanzado por su compañía de discos. Graba un primer single «Mañana» y en la cara B «Reuníos», dedicada esta última a los Beatles. Este primer disco pasa bastante desapercibido, pero es ya en 1972 al grabar su primer álbum «Cecilia», cuando empieza a cosechar sus primeros éxitos con canciones como «Dama Dama», «Fui», «Señor y Dueño» o «Nada de nada».

En 1973 se publica su segundo trabajo, «Cecilia 2», con un aire más intimista y más maduro. Cabe destacar de este disco temas como «Andar», «Me Quedaré Soltera», «Mi Ciudad» y «Canción de Amor».

Es en 1975, después de editar varios singles, publica el álbum «Un Ramito de Violetas», cuya canción la consagró para siempre. En este mismo disco se encuentra la canción «Mi Querida España», con la que meses antes había tenido también un gran éxito. Este disco está además ilustrado con dibujos hechos por la propia artista, uno por cada canción.

Meses más tarde Cecilia representaría a Televisión Española en el festival de la OTI con la canción «Amor de Medianoche». Con letra de ella y música de Juan Carlos Calderón. Quedó clasificada en segunda posición. A finales de año, publica su cuarto trabajo, que consiste en nuevas versiones de éxitos de años atrás incluyendo además la canción del festival.

En 1976, mientras trabajaba en su siguiente disco dedicado a poemas de Valle Inclán, publica el single “Tú y Yo”, con gran éxito durante ese verano. En la madrugada del 2 de agosto fallecía en accidente de tráfico a la vuelta de un concierto en Vigo. Cecilia era por entonces la cantante y autora de España más cotizada de la época. Tras su fallecimiento se publicó un nuevo single a modo de homenaje, compuesto por las canciones “El viaje” y “Lluvia”.

Siete años después, en 1983, se edita un álbum con canciones inéditas, fruto de un trabajo titánico y admirable de Juan Carlos Calderón a partir de maquetas grabadas por Cecilia, cabe destacar de él «Doña Estefaldina», un tema con música inspirada en un vals y letra de Valle Inclán, que hubiera formado parte de su nuevo álbum en 1976.

Nadie sabe donde hubiera llegado Cecilia de no haber desaparecido tan joven, eso nunca lo sabremos; pero nos queda su obra, un catálogo imprescindible de canciones, incisivas y tiernas, con un acercamiento en muchas de ellas al pop, que para nada merma la calidad de las mismas. Una artista eterna e irrepetible.

«Cecilia a su aire», retransmisión en TVE del concierto ofrecido en Barcelona (1974)

Programa especial RTVE Festival OTI (1975)

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Canciones de la Guerra Civil Española (1936 – 1939)

El pasado 18 de julio se conmemoró el 80º aniversario del comienzo de la Guerra Civil Española. Con tal motivo, esta entrada pretende recordar las canciones más representativas que entonaron ambos bandos durante esa trágica contienda que desangró España a lo largo de casi tres años.

Las canciones de la guerra civil no son simples composiciones musicales, representan la otra lucha de dos bandos irreconciliables, la lucha de las palabras. Eran una parte fundamental de la propaganda bélica, servían a su vez como catalizador para mantener alta la moral de la tropa y de la retaguardia de ambos bandos.

Canciones del bando Republicano

¡Ay, Carmela!: Canción popular del siglo XIX que ya cantaban los guerrilleros españoles en su lucha contra las tropas de Napoleón. Hubo varias versiones, pero se hicieron más populares las dedicadas al Paso del Ebro y a la XV Brigada Internacional. También dio nombre a un popular filme del director Carlos Saura.

El Puente de los Franceses: Esta Copla de la Defensa de Madrid, basa su melodía en la canción «Los Cuatro Muleros». Compara el fracaso de la ofensiva franquista sobre Madrid en el otoño de 1936, con los ataques franceses con sus tropas marroquíes.

Si me Quieres Escribir: también conocida como «Ya Sabes mi Paradero» y «El Frente de Gandesa», es una de las canciones de la Guerra Civil Española más famosas y conocidas, compuesta durante la Batalla del Ebro. La melodía estaba basada en una antigua canción de las unidades militares españolas que combatieron en las guerras del Rif, en el norte de Marruecos.

Canciones del Bando de los Sublevados

La Marcha de Oriamendi: o simplemente Oriamendi, es el himno del carlismo. Su nombre viene del de una batalla que tuvo lugar en el monte homónimo, situado en las inmediaciones de San Sebastián, en 1837, durante la Primera Guerra Carlista en el que el ejército carlista derrotó al cristino.

Falangista Soy: es un himno de la Falange Española y de las JONS. Fue compuesta por Fernando Moraleda y se utilizó durante la guerra civil española, cayendo luego en un progresivo olvido, siendo eclipsado por el «Cara al Sol», también himno de FE y de las JONS.

Novio de la Muerte: Originalmente fue un tema que popularizó la cantante Lola Montés. En una actuación suya en Melilla, esta canción fue escuchada por los responsables de la recién creada Legión, y les entusiasmó. Posteriormente se adaptó su letra y el ritmo de la misma, para acercarla a una marcha militar. Ha sido y es, la canción más representativa de este cuerpo militar.

Lole y Manuel & Smash (Tiny Peter) 1979

A veces la casualidad da lugar a grandes genialidades. En 1979 Julio Matito decide volver a unir a los Smash, grupo señero del underground sevillano, e «inventores» del llamado «Rock Andaluz», gracias sobretodo al tema «El Garrotín», que fue fruto glorioso de la incorporación del recientemente fallecido Manuel Molina al grupo.

Smash acudieron a grabar un programa del recordado y añorado «Musical Express» de Ángel Casas, donde muchos quinceañeros de la época echamos los dientes en esto de las músicas.

Smash con Manuel Molina 

Lole y Manuel, pareja sentimental y artística formada por el ya citado Manuel Molina y la «cantaora» Lole Montoya a mediados de los setenta, y que consiguieron una revolución en el anquilosado mundo del flamenco, con unos arreglos tremendamente arriesgados e innovadores, que dotaron a su cante de un aire nuevo y fresco, que consiguió atraer a mucha gente hasta su música y al flamenco en general.

Pues en esa grabación de aquel programa coincidieron todos, y decidieron grabar un tema juntos, y el resultado fue una auténtica maravilla. Un tema sorprendente, «Tiny Peter», presunta cara B de un single ignoto de los Smash de 1973, cantado en inglés por Julio Matito, donde los Smash aportaban el toque rockero, y la guitarra de Manuel Molina y las palmas y el «lalalá» de Lole, creaban una mezcla de estilos deliciosa, puro deleite, donde se demuestra que en la música no hay compartimentos estancos, sino que es un arte vivo que con la fusión se enriquece.

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