Fársan (10/Mayo/2019)

10-05-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

 

ENTRADA EN TAQUILLA (8 €): A PARTIR DE MEDIA HORA ANTES DEL CONCIERTO
COMUNIDAD UNIVERSITARIA (50% DE DESCUENTO), PREVIA PRESENTACIÓN DE CARNÉ UNIVERSITARIO Y DNI

Fàrsan es un cuarteto de música folk, impulsado por cuatro de las voces más brillantes de una nueva generación de música tradicional, une canciones, bailes y música instrumental de las tradiciones gaélicas de Escocia y Cape Breton. Su combinación única de violín, gaita escocesa, piano, acordeón y step dance aporta una energía brillante a cada actuación.

 

Una historia de la música: la contribución de la música a la civilización, de Babilonia a los Beatles (Howard Goodall)

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Hace no tanto tiempo, la música era un murmullo ocasional y débil en un paraje silencioso. Ahora es tan ubicua como el aire que respiramos. ¿Cómo diablos ocurrió ese milagro? La música es una parte intrínseca de nuestra vida diaria y, sin embargo, la historia de su desarrollo, desde unas simples notas hasta la orquestación más rica, puede parecer un tema complejo, para especialistas.

Una historia de la música. La contribución de la música a la civilización de Babilonia a los Beatles abarca 42.000 años de historia en poco más de trescientas páginas. Se trata de una guía al alcance de todo el mundo y nos habla de la evolución de la música desde los instrumentos prehistóricos hasta el pop de hoy en día. Su autor, Howard Goodall, es un reconocido compositor que ha ganado diversos premios (como los EMMY, BRIT y BAFTA) por sus creaciones para musicales y bandas sonoras para el cine y la televisión. También escribió y presentó una versión para televisión de Una historia de la música, que fue emitida por la BBC con gran éxito de audiencia.

Howard Goodall prescinde de biografías pesadas, etiquetas inútiles y terminología trasnochada. En su lugar, nos relata la evolución de la música tal y como ocurrió, idea a idea, por lo que cada innovación musical –la armonía, la notación musical, el teatro cantado, la orquesta, la música para la danza, la grabación, la retransmisión– nos impacta con su fuerza original. Se centra en los cambios, cuándo y por qué ocurrieron, escogiendo los descubrimientos que revolucionaron el sonido creado por el hombre y retratando vívidamente a los visionarios de la música, desde el poco conocido Pérotin al coloso Wagner. Por el camino, también ofrece claras descripciones de lo que es la música y cómo funciona: de qué van las escalas, por qué algunos acordes suenan raros y qué tienen en común las canciones pop de las últimas décadas.

Una historia de la música ha sido traducido a seis idiomas y se han vendido ya más de 20.000 ejemplares del libro sólo en el Reino Unido. Incluye una lista de reproducción con temas clásicos y contemporáneos que constituye un repaso por los momentos clave de la evolución musical.

Enlace al Catálogo ULE

Papawanda y Mondo Loco (02/Mayo/2019)

02-05-2019

 20:15 H.
 Cafetería del Campus de Vegazana ULE

 

Invitaciones: quince minutos antes del concierto en la entrada de la cafetería

CREACIÓN INJUVE

Papawanda es una banda madrileña de música jamaicana que bebe de otras influencias, como el funk, el jazz o el afrobeat, fusión con la que eleva sus directos a una experiencia de energía, baile y color. El grupo presenta su tercer álbum, «Hasta que seamos Ceniza», en el que muestran una visión crítica del mundo, donde la ironía y el nihilismo social característicos de su generación aún dejan un espacio para el optimismo.

Mondo Loco es una banda leridana de rock mestizo formada por Emili Regany, Miquel Sáez, Álvaro Pineda, Arnau Martínez y Joel Rovira. Bebe de influencias como el punk, el ska o el rap, fusión con la que sus conciertos se convierten en una fiesta de adrenalina y baile. Desde 2012, cuando se proclaman vencedores del concurso «Directo», la banda comienza a girar por toda Cataluña, el País Vasco, el resto del territorio español y Francia, teloneando a artistas de la talla de: La Pegatina, La Raíz, Mojinos Escozíos, New York Ska Jazz Ensemble o Txarango.

Actualmente el grupo se encuentra presentando su cuarto trabajo discográfico, «Dueños de nada» (calaverita Records, 2019), grabado en los estudios RPM de Valencia contando con la producción de Roger García (La Raíz, Xavi Sarrià). En él se muestra un mensaje vitalista y provocador crítico con la evolución de la sociedad capitalista, la precarización y el maltrato a la naturaleza.

Hector Berlioz (1803-1869). La Pasión Romántica

Fotografía: Pierre Petit (1863)

El compositor archirromántico. La vida de Berlioz fue todo lo que usted esperaría de un artista del Romanticismo: turbulenta, apasionada, pasando continuamente del éxtasis a la melancolía. Excéntrico, excesivo, egoísta. Su influencia en el sonido orquestal moderno fue profunda; propagó el ideal de la música programática (música que tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo). Fue una vida extraordinaria y su mejor relator fue él mismo, escribiendo probablemente la mejor autobiografía de cualquier compositor. Este año se cumple el 150º aniversario de su muerte.

Louis Hector Berlioz nació en Francia, en La Côte St. André en 1803, cerca de Grenoble. Su padre era médico y el joven Hector también fue enviado a París para estudiar medicina. Berlioz se horrorizó por el proceso de disección y, para sorpresa de sus padres, abandonó su carrera de medicina para estudiar música. Luego asistió al Conservatorio de París estudiando ópera y composición. Se identificó desde el principio con el movimiento romántico francés. Entre sus amigos había escritores como Alejandro Dumas, Victor Hugo y Honoré de Balzac. Más tarde, Théophile Gautier escribiría: «Hector Berlioz me parece que forma con Hugo y Delacroix, la Trinidad del arte romántico».

Se dice que Berlioz fue innatamente romántico, experimentando emociones profundamente desde la primera infancia. Esto se manifestó más tarde en una serie de asuntos amorosos. A los veintitrés años, su primer amor no correspondido por la actriz irlandesa Henrietta Constance Smithson fue la inspiración para su «Symphonie Fantastique». Las cartas de Berlioz fueron consideradas tan apasionadas por Smithson que inicialmente rechazó sus intenciones. La naturaleza autobiográfica de esta pieza es más que evidente. En el mismo año del estreno de la sinfonía, 1830, Berlioz ganó el Premio de Roma. Después de su regreso a París, tras sus dos años de estudio en Roma, finalmente se casó con Smithson. Cuando ella finalmente asistió a una actuación de la «Symphonie Fantastique». Rápidamente se dio cuenta de que era la descripción de sus apasionadas cartas a ella. Sin embargo, después de unos pocos años, la relación se desintegró rápidamente.

Retrato de Berlioz pintado por Emile Signol (1832)

Además de la «Symphonie Fantastique», otras obras suyas destacadas son: «La Damnation de Faust», «Romeo et Juliette» (ambas obras a gran escala para voces y orquesta), y el ciclo de canciones «Les Nuits d’Été» (originalmente para voz y piano, más tarde con un acompañamiento orquestal). Y «Les Troyens» (Los troyanos ), ópera en cinco actos (1859), inspirada en el poema épico de Virgilio, «La Eneida».

El estilo poco convencional de Berlioz irritó el gusto establecido de la época y la escena operística. Berlioz tuvo que organizar sus propias actuaciones, así como pagarlas él mismo. Esto le afectó económicamente y emocionalmente. Tenía alrededor de mil doscientos asistentes leales a sus actuaciones que garantizaban la venta de entradas, pero la naturaleza de sus grandes obras con cientos de artistas dificultaba el éxito financiero. Sus habilidades periodísticas se volvieron esenciales para que se ganara la vida y sobrevivió como un crítico ingenioso que enfatiza la importancia del drama y la expresividad en la obra musical.

Durante su vida, Berlioz fue más famoso como director que como compositor; realizó regularmente giras por Alemania e Inglaterra, donde dirigió óperas y música sinfónica, tanto propias como de música compuesta por otros.

Archivo: Hector Berlioz por Kriehuber.jpg

Hector Berlioz en 1845. Autor: Josef Kriehuber 

La faceta literaria de Berlioz no se limitó a la crítica musical. Sin perder su estilo, audaz y vigoroso, a veces sarcástico. Escribió obras como «Les soirées de l’orchestre»(1852) que es una sátira mordaz de la vida musical provinciana en el siglo XIX en Francia. Su autobiografía, «Memorias de Berlioz» (1870), pinta un retrato magistral de la época romántica a través de los ojos de uno de sus principales protagonistas.

Una obra pedagógica, «Tratado de Instrumentación y Orquestación Moderna», estableció su reputación como maestro de la orquestación. El trabajo fue estudiado de cerca por Mahler y Strauss, y sirvió de base para un libro de texto posterior de Nikolai Rimsky-Korsakov, quien, como estudiante de música, asistió a los conciertos que Berlioz realizó en Moscú y San Petersburgo.

La música de Hector Berlioz se cita como extremadamente influyente en el desarrollo de la forma sinfónica, la instrumentación y la representación de ideas programáticas, características centrales del Romanticismo. Sus innovaciones en la música fueron atrevidas, y con frecuencia prefiguraron nuevos estilos y técnicas.

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Retrato de Hector Berlioz (1850). Autor: Gustave Courbet

Como Harold Schonberg escribió en «The Great Conductors», «Ningún compositor antes de Berlioz, y con toda probabilidad ninguno después, ni siquiera Mahler, tuvo una visión tan pura del sonido y cómo conseguirlo. Se deleitó con nuevas combinaciones tonales, en la potencialidad de cada instrumento, en una especie de súper música interpretada por una súper orquesta».

Murió en 1869 a la edad de 65 años. Sus últimas palabras aseguran que fueron: «Enfin, on va jouer ma musique» – «Por fin, ahora tocarán mi música». Está enterrado en el Cementerio de Montmartre.

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Actos de la celebración del 150º aniversario de la muerte de Hector Berlioz. http://berlioz150.org/

Symphony Fantastique Op.14

La Damnation de Faust, légende dramatique op. 24

Roméo et Juliette

Les Nuits d’Été

Les Troyens

Hal Blaine (1929-2019). Adiós a las manos mágicas de la batería

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Hal Blaine puede ser el batería más prolífico en la historia del rock & roll. Sin duda, ha tocado en más discos de éxito que cualquier batería en la era moderna, incluidos los cuarenta sencillos número uno y ciento cincuenta que llegaron al Top Ten. Ocho de los álbumes en los que participó, ganaron el Grammy de «Record of the Year». Según las propias estimaciones de Blaine, actuó en 35,000 pistas grabadas durante un cuarto de siglo de trabajo.

Estas cifras absolutamente mareantes, dan fe de la calidad del músico al que nos estamos refiriendo. Fallecido el pasado 11 de marzo a los noventa años. Fue miembro muy destacado de The Wrecking Crew (Equipo de Demoliciones) sobrenombre que se dio a lo más granado y selecto de los músicos de sesión de la Costa Oeste.

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Fotografía: Michael Ochs Archives / Getty Images

Blaine, nacido Harold Simon Belsky en 1929, se convirtió en batería profesional en 1948 y se unió a la banda del ídolo adolescente Tommy Sands a finales de los años cincuenta. Fue el batería de sesión más solicitado de Los Ángeles durante los años sesenta y principios de los setenta, y la lista de músicos con los que tocó, se puede leer como el «quién es quién» de la música popular.

En 1961, Blaine empezó a trabajar en las grabaciones de Elvis Presley, y tocaría en las bandas sonoras de sus películas a lo largo de los años sesenta. Sin embargo, la relación más productiva de Blaine es con el productor Phil Spector, donde se convirtió en la columna vertebral de la percusión del «Wrecking Crew». Era un componente clave de la producción del «Wall of Sound» («Muro de Sonido») de Spector, que produjo éxitos como «Be My Baby» de las Ronettes, y «Da Doo Ron Ron» de las Crystals.

Blaine también estableció una fructífera relación con el líder de los Beach Boys, Brian Wilson, para quien fue su batería de referencia. Blaine apareció en innumerables éxitos de Beach Boys, que van desde «Surfer Girl» hasta «Good Vibrations». También tocó la batería con músicos pop de la costa oeste, incluyendo a Jan y Dean, The Mamas and Papas, Byrds, Johnny. Rivers, The Asociación, Sonny & Cher, Nancy Sinatra y Simon & Garfunkel. En el lado más «adulto» del pop, Blaine tocó la batería en las grabaciones de Frank Sinatra y Herb Alpert y los Tijuana Brass.

Hal Blaine y Brian Wilson. Fotografía: https://twitter.com/BrianWilsonLive

Al enterarse de su muerte, Brian Wilson de los Beach Boys declaró: “Hal Blaine fue un gran músico y amigo que no puedo expresarlo con palabras”, “Hal me enseñó mucho y tuvo mucho que ver con nuestro éxito: fue el mejor batería de todos los tiempos”

Selección de temas que grabó

The Ronettes (Be my Baby) 1963

The Byrds (Mr. Tambourine Man) 1965

The Beach Boys (Good Vibrations) 1966

The Mamas And The Papas (California Dreamin’) 1966

Nancy Sinatra (These Boots Are Made For Walking) 1966

The 5th Dimension (Up, Up And Away) 1967

Simon & Garfunkel (Mrs. Robinson) 1968

Elvis Presley (A Little Less Conversation) 1968

The Fifth Dimension (Aquarius – Let The Sunshine In) 1969

Captain & Tennille (Love Will Keep Us Together) 1975

 

Noelia Cotuna (22/Abril/2019)

22-04-2019

 20:15 H.
 Teatro El Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en taquilla.

Noelia Cotuna, ganadora del 88º Concurso Permanente de Juventudes Musicales y EMCY Prize, además de North London Camac Harp Competition y Suoni d’Arpa International Harp Contest, a sus 19 años Noelia Cotuna ha sido galardonada con más de 25 premios en diversos concursos internacionales.

Natural de Castellón, empezó a tocar el arpa a la edad de 6 años y dos años más tarde prosiguió sus estudios con Ana Martínez en el Conservatorio Profesional de Música de Valencia. Completó las Enseñanzas Profesionales en 2016, consiguiendo el Premio Profesional de Música en Arpa y Música de Cámara, y el Premio Beca de la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Valencia. Fue arpista invitada de la Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana en 2013 y ha sido primer arpa titular

desde el 2015, así como reserva de la European Union Youth Orchestra (2018-19) y la Gustav Mahler Jugendorchester (2017, 2019). Actualmente es primer arpa titular de la Young Musicians’ Symphony Orchestra en Londres. Noelia fue seleccionada en 2015 en el Proyecto Talentos de la Orquesta Sinfónica de Madrid, y es ganadora del Concurso Talentos-Solistas 2017.

Hizo su debut como solista en 2016 interpretando el Concierto para arpa de Dittersdorf junto a la Orquesta de Valencia, y actualmente toca como solista, músico de cámara y de orquesta en las salas más prestigiosas de España, Londres y otras ciudades europeas. Ha actuado como arpista invitada en Rassegna dell’Arpa Viggianese, Proms at St Jude’s, Harp on Wight Festival; y colabora regularmente con diversas orquestas como Blackheath Halls Orchestra, Dulwich Symphony Orchestra, Kew Garden Wind Orchestra, I Maestri, Joven Orquesta de Canarias. Recibe clases en música antigua con Frances Kelly, y ha participado en masterclasses con Marie Pierre Langlamet, Fabrice Pierre, Park Stickney, Cristina Montes, Sylvain Blassel, Rachel Masters, entre otros.

A la edad de 15 años se le ofreció una plaza en Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres, donde actualmente estudia con Gabriella Dall’Olio, y es recipiente de Trinity College London Scholarship. Recientemente se convirtió en la primera arpista en recibir el primer premio en el Trinity Laban Soloists’ Competition, e interpretará el Concierto para arpa de H. Renié en la Cadogan Hall de Londres junto a la Trinity Laban Symphony Orchestra.

https://www.facebook.com/noeliaharp/

Alberto Cortez (1940-2019). En un Rincón del Alma

Imagen: http://www.albertocortez.com/

Se nos ha ido Alberto Cortez. Calladamente, como siempre vivió. Cortez era mucho más que un cantautor que domesticaba las palabras y las melodías, era sobretodo una buena persona. Era así de grande porque su corazón no hubiera podido caber en otro cuerpo más pequeño.

Hubo muchos «Albertos». El cantante pop de sus inicios. El caminante por la senda de los versos de Machado, Lope de Vega, Góngora, Quevedo, Miguel Hernández…

Recorrió también la llanura musical de su Argentina Natal: Atahualpa Yupanqui, Jaime Dávalos, su hermano, más que amigo, Facundo Cabral.

Y todas sus composiciones, ese linaje de melodías cotidianas del hombre común, de aquel que se despierta para vivir, pero quisiera seguir soñando. «En un rincón del Alma», «Distancia», «El Abuelo», «Castillos en el Aire». Son capítulos del libro de nuestra existencia, donde sus versos, más que letras, son los marcapáginas que señalan los días más lucidos y más nublados de nuestras vidas.

Imagen: http://www.albertocortez.com/

Nace en Rancul, provincia de La Pampa, República Argentina, el 11 de marzo de 1940. Comienza a componer canciones a los 12 años. Una de sus primeras obras es «Un cigarrillo, la lluvia y tú». En 1958 Llega a Buenos Aires e ingresa en la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales. Canta con su guitarra en las boites de la época, con lo que se ayuda económicamente mientras estudia.

Abandona la Universidad para dedicarse de lleno a su vocación de cantante y músico. La orquesta de Jazz San Francisco lo contrata como vocalista. Con esta orquesta recorre el país. Durante los intervalos de descanso de la orquesta, él con su guitarra entretiene a la gente cantando canciones folklóricas ante el regocijo de todos.

Imagen: http://www.albertocortez.com/

Posteriormente fue contratado para integrarse en un espectáculo que tenía que recorrer Europa. La propuesta no funcionó bien y con poco más de veinte años Alberto se encontró en Bélgica sin contrato, sin dinero y sin billete de regreso. Comenzó a cantar en pequeños locales a cambio de comida o de modestas retribuciones, hasta que se puso de moda el baile llamado «Sucu-sucu». Alberto grabó el tema y tuvo un rotundo y espectacular éxito en los países de Centroeuropa, hasta el punto que fue rebautizado como «Mr Sucu-Sucu», título que llevó en su primer disco editado en España.

En 1964 se establece en Madrid. Su disco con el «Sucu Sucu» y, sobre todo, «Las Palmeras» es un gran éxito en España. Enrique Martín Garea le propone un contrato con Hispavox para grabar discos destinados a España y países de Latinoamérica. Graba su primer disco acompañado por Waldo de los Ríos y su orquesta.

Las Palmeras (1960)

Sucu Sucu (1963)

En 1965 Participa como autor en el festival de Mallorca con la canción «Me lo dijo Pérez». No gana, pero el tema interpretado por cantantes como Karina, Mochi o Los Tres Sudamericanos se convierte en un éxito mundial.

En abril de 1967 decidió dar el paso definitivo y ofreció un recital en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En él interpretó canciones latinoamericanas de autores como Falú, Dávalos o Yupanqui, junto a musicalizaciones propias de poetas como Machado o Lope de Vega. De este concierto surgió el álbum «Poemas y Canciones» en dos volúmenes, y la imagen de un nuevo artista que sería de gran influencia en muchos cantautores del país. Afianzado en su nueva línea, reorientó su carrera profesional, en la cual casi todas las canciones que cantaba eran propias. Supo sumar la inspiración de su tradición latinoamericana con los aires de la chanson francesa que había conocido en su periplo europeo y comenzaron a aparecer temas como «En un rincón del alma», «Distancia», «Cuando un amigo se va» y «El abuelo».

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Los Ejes de mi Carreta (1967)

Indiecito Dormido (1968)

Su producción discográfica en aquellos años fue enorme ya que, hasta 1980, editó un álbum anual. A parte de interpretar sus propias composiciones, añadió temas ajenos como «No soy de Aquí» y «Pobrecito mi Patrón» de Facundo Cabral, con quien hizo dos giras triunfales en los años noventa que se reflejan en el álbum «Lo Cortéz no quita lo Cabral» (1995)

En 1996, durante unas actuaciones e Mar del Plata sufre un ictus cerebral y es operado el 18 de enero de una obstrucción de carótida. Sale airoso de la operación, pero le quedan secuelas que no le permiten volver a acompañarse con su guitarra, sin embargo continuó dando recitales con sus músicos bajo la dirección musical de Ricardo Miralles por todo el mundo. Desde entonces no dejó de actuar y grabar, siendo su trabajo más reciente el álbum «Tener en Cuenta» (2011) que fue nominado al Grammy como Mejor Disco de Cantautor.

No habrá otro Alberto, porque solo hubo uno. Habrá más silencio, porque nos robaron la palabra. Ya no tendremos el notario de nuestras horas, se marcho para registrar las gaviotas y las azucenas. Feliz viaje maestro. Feliz viaje Alberto.

En un Rincón del Alma (1967)

Cuando un Amigo se Va (1969)

El Abuelo (1969)

Distancia (1970)

No Soy de Aquí (1971)

Callejero (1974)

Miguitas de Ternura (1974)

A Partir de Mañana (1979)

Castillos en el Aire (1980)

Como el Primer Día (1983)

Imagen: http://www.albertocortez.com/

 

TESLA. Festival de Experimentación Sonora y Visual (12 y 13/Abril/2019)

TESLA es un festival de experimentación sonora libre, gratuito y para todos los públicos.

El objetivo principal de TESLA es el de dar visibilidad de una forma razonada a la escena electrónica y experimental de la ciudad de León, poniendo a disposición de los artistas una plataforma adecuada para presentar públicamente su trabajo, y ofreciendo al espectador —tanto al iniciado como al neófito— la posibilidad de conocer y disfrutar del que creemos que es el terreno creativo más interesante de la ciudad en estos momentos.

La celebración de TESLA es solo posible gracias a la colaboración desinteresada del equipo de artistas, técnicos y colaboradores que en él participan, y que son al cabo los verdaderos artífices de este proyecto. Igualmente importante es la colaboración de las distintas salas que han abierto sus puertas como sedes del festival.

TESLA es un proyecto original de Producciones Infames [2015], y este año celebra su cuarta edición.

La cuarta edición de TESLA se estructura en tres movimientos, cada uno de los cuales tiene lugar en un escenario distinto.

I.

SUITE

12 de abril, por la tarde

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León

[Av. Reyes Leoneses, 24]

El MUSAC ha sido, desde la segunda edición de TESLA, una de las sedes principales del festival. Por eso acoge la SUITE, primer movimiento del festival, que tiene lugar en la tarde del 12 de abril. Las cuatro actuaciones allí programadas se desarrollan en tres escenarios principales: el hall de entrada, el salón de actos y la sala 4 del museo, que en este momento acoge la exposición El giro notacional, una muestra colectiva en torno al concepto de notación y sus funciones tradicionales. Precisamente la activación de dos de las obras presentes en esta exposición es uno de los platos fuertes de la jornada.

II.

RETABLO

13 de abril, del mediodía a la noche

El Albéitar

[Av. Facultad de Veterinaria, 25]

Las instalaciones de El Albéitar, sede del Área de Actividades Culturales de la Universidad de León, es el escenario principal de esta edición. Si bien el teatro de El Albéitar ha sido ya el marco de varias actuaciones de TESLA, este año se convierte en un verdadero recinto de festival, al acoger en hasta cinco espacios distintos –el propio teatro, la videoteca, las salas de exposiciones y el patio central– el grueso de actuaciones del sábado. Más de veinte artistas y un total de doce actuaciones componen el RETABLOque se desarrolla sin solución de continuidad desde poco después del mediodía hasta bien entrada la noche.

III.

BAILE

13 de abril, más tarde, esa misma noche

El Gran Café de León

[C/ Cervantes 7]

Para la tercera edición de TESLA, el festival trasladó su sede nocturna a esta mítica sala leonesa, uno de los referentes de la música en directo de la ciudad, cuyas dos salas la convertirían en escenario ideal para desarrollar sus propuestas más bailables. Es por ello que en esta nueva edición El Gran Café acogerá las seis propuestas nocturnas del festival.

Debido al aforo limitado de la propia sala, el acceso al piso inferior –donde tienen lugar los espectáculos en directo– está reservado a aquellos que hayan adquirido el programa del festival. No obstante, el programa de mano no garantiza el acceso al recinto, al estar este supeditado al propio aforo. Solo los mecenas del festival podrán entrar libremente en cualquier momento. En cambio, el acceso al piso superior –donde se presentan los DJs del festival– es de acceso libre hasta completar aforo, y no es necesario disponer de programa de mano para poder asistir a estas sesiones.

http://www.produccionesinfames.com/tesla/

https://www.facebook.com/Teslafestivalexperimentacionsonora/

Javier García Verdugo (10/Abril/2019)

10-04-2019

 20:15 H.
 Teatro El Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en la taquilla del teatro.

Javier ha recibido clases de grandes maestros de la guitarra entre los que destacan Leo Brouwer, David Russell, Hopkinson Smith, Carles Trepat, Roberto Aussel, Eduardo Fernández, Zoran Dukic, Carlo Marchione, Roland Dyens o José Miguel Moreno. En 2015 finaliza los estudios superiores de interpretación musical en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, junto a los profesores Gerardo Arriaga y Tomás Campos, obteniendo el premio extraordinario de fin de grado. En 2014 vive durante unos meses en Weimar, Alemania, para estudiar en la Hochschule für Musik Franz Liszt junto a Ricardo Gallén. En 2015 se traslada a Salzburgo, Austria, para estudiar un Master de Interpretación Musical en la Universität Mozarteum en la cátedra de Eliot Fisk. Igualmente, ha realizado cursos de música antigua, bajo continuo y tiorba, así como cursos de blues, jazz, flamenco e improvisación moderna.

Tras haber ganado más de una decena de premios en certámenes nacionales e internacionales de guitarra, Javier es presentado como una de las figuras más prometedoras del panorama guitarrístico actual. Destacan el premio de Juventudes Musicales de España (2014), el Primer Premio en el Concurso Internacional de Guitarra Gredos de San Diego (categoría hasta 24 años, 2014) y el Primer Premio del Concurso Internacional de Guitarra de la Habana (2018).

Su último trabajo discográfico, “Impresiones” ha sido nombrado “Disco Melómano de Oro” por la revista de música clásica Melómano. En marzo de 2015 presentó su primer trabajo discográfico, “Desideratum”, el cual ha sido retransmitido por RNE, siendo bien acogido por la prensa especializada. En enero de 2018 grabó su tercer disco que próximamente saldrá a la luz. Además, ha realizado numerosas grabaciones para radio y television entre las que destacan sus apariciones en el programa “Musical Cities” de Telecinco, un homenaje al guitarrista Paco de Lucía para Castilla-La Mancha TV y una producción en para RTVE en colaboración con Sony.

Sus actuaciones abarcan gran parte de la geografía española y otros países, destacando el Teatro Nacional de la Habana en Cuba, Zeneakademia Ferenc Liszt de Budapest en Hungría, Liszthaus Konzertsaal de Weimar en Alemania y Mozarteum Solitarsaal de Salzburgo en Austria, entre otras.  Como solista de orquesta ha actuado junto a directores como Albert Gonzálvez Cardós, Antonio Navarro Borsi o Mariano Domingo. En la vertiente de la música de cámara, Javier toca regularmente en grupos de cámara, entre los que destacan el dúo Primo Tempo junto al clarinetista Carlos Orobón y el dúo con la soprano Natalia Labourdette.

Javier toca una guitarra de Paulino Bernabé, está patrocinado por la Spanish Guitar Foundation y es representado por la agencia BIAM artists.

PROGRAMA
Guitarra clásica

Canción al reencuentro – Javier García Verdugo

La catedral – Agustín Barrios
I. Preludio saudade
II. Andante religioso
III. Allegro solemne

Rounds    – John Williams

Serenata española – Joaquim Malats

Recuerdos de la Alhambra – Francisco Tárrega

Variaciones sobre un tema de Haendel – Mauro Giuliani

Suite española – Isaac Albéniz
I. Mallorca
II. Córdoba
III. Asturias

(1 hora, sin descanso)