The Who (Who’s Next) 1971

Pete Townshend estaba lleno de ideas al llegar el cambio de década. The Who venía de su álbum más monumental, Tommy (1969), y la gira masiva que le siguió. Una generación entera quedo maravillada por el trabajo. Tommy fue un hito cultural que dejó a Townshend descolocado: ¿qué será lo próximo?

Para el guitarrista y principal compositor de la banda, la respuesta fue: otra ópera rock.

En 1970, Townshend comenzó a armar un nuevo proyecto para el quinto LP de la banda, Lifehouse, que era, como Tommy, un álbum conceptual. Pero Lifehouse se encontró algunos baches en el camino, entre otros, nadie podía dar sentido a aquella maldita cosa con un mínimo de coherencia.

Así que desechó a Lifehouse, aprovechó algunas de las canciones ya compuestas y comenzó a crear un sencillo disco de rock & roll. El resultado: Who’s Next. Se lanzó en agosto de 1971, y se mantiene como el mejor álbum de los Who. Una explosión guitarrera, con letras que despiertan las conciencias e himnos que ya son clásicos absolutos del rock.

Después de la publicación de Who’s Next, que llegó al nº 4 en las listas, Townshend hizo un pequeño par de intentos antes de decidirse por Quadrophenia, otra ópera rock que casi iguala a Tommy en el catálogo de los Who. Pero Who’s Next es su mejor trabajo. Despojados de las ambiciones, expectativas y pretensiones con las que se estaban enredando, crearon un álbum de puro rock & roll. Hubo un momento en que los Who eran una de las bandas más grandes e importantes de la música. Who’s Next prueba por qué.

Nº 28 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Pink Floyd (The Dark Side of the Moon) 1973

“The Dark Side of the Moon era una expresión de empatía política, filosófica y humanitaria que estaba desesperada por salir”, afirma Roger Waters, bajista y principal compositor de Pink Floyd. Venerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. “Dark Side” aborda crudamente temas de la vida cotidiana como la angustia, la soledad, la locura, la avaricia o la religión.

A pesar de haber mantenido el Nº 1 solo una semana, el álbum continúa manteniendo el récord de la mayor cantidad de semanas registradas en el Billboard 200 (cerca de 800 semanas) y fue una constante en esta lista de ventas desde su lanzamiento inicial, en 1973, hasta 1988. Se estima que vendió más de 45 millones de copias en todo el mundo, mientras que su legado artístico es posiblemente aún mayor.

Grabado en los Abbey Road Studios de Londres entre mayo de 1972 y enero de 1973, y habiendo sido desarrollado y ensayado durante una serie de presentaciones en vivo en los meses precedentes, “The Dark Side of the Moon” es la última expresión del arte sónico de Pink Floyd: un álbum conceptual que disecciona con precisión de cirujano, todas las inquietudes y miserias de su tiempo. Pero a pesar de esto, aún conserva la capacidad de deslumbrar y asombrar en la actualidad.

Nº 43 en la lista de los mejores 500 álbumes.

Serge Gainsbourg (Histoire de Melody Nelson) 1971

El mejor álbum, del mejor músico Francés de la segunda mitad del siglo XX. Serge Gainsbourg reapareció en 1971, tras recuperarse del escándalo ocasionado por su legendaria «Je t’aime» dos años antes. Y lo hizo con una obra provocadora e inquietante, pero totalmente fascinante.

Hay varios factores que juntos hacen de este un álbum algo extraordinariamente magistral. El uso de algunos legendarios músicos de sesión del Reino Unido en su grabación. Pero aquí hay más factores a tener en cuenta. El uso, y no abuso, de los elementos orquestales y corales, colocados de manera excelente y con moderación, para lograr un contraste y una potencia impresionantes. El responsable, Jean-Claude Vannier, que organizó gran parte de la música de Gainsbourg.

Serge Gainsbourg fue el ingrediente que faltaba, y sin él, todos los arreglos y las excelentes interpretaciones de este álbum serían en vano. Sus voces, febriles, melancólicas, pero también románticas, son la guinda de este álbum misterioso, atemporal y contradictorio.

La portada del álbum es una obra de arte en sí misma. En ella, Jane Birkin (pareja y musa de Gainsbourg por aquel entonces), aparece con una peluca pelirroja, cubriendo su pecho con un muñeco de peluche. Cuando Gainsbourg murió, en 1991, Jane Birkin depositó ese muñeco que sujetaba en el interior del ataúd. Una manera de sellar una unión definitiva, que no se logró en vida de él.

Kraftwerk (Autobahn) 1974

Aunque los tres primeros álbumes de Kraftwerk fueron innovadores por derecho propio, Autobahn es donde el hipnótico pulso electrónico del grupo realmente se hizo realidad. La canción que da título al álbum de 22 minutos, en una edición bastante recortada, se convirtió en un single de éxito musical, y sigue siendo la cima de los logros de la banda. Dentro del álbum encontramos las raíces del electro-funk, del ambient y del synth. Es unos de los discos más innovadores y pioneros de la historia. Absolutamente esencial.

A principios de la década de 1970, Ralf Hütter y Florian Schneider se conocieron siendo estudiantes universitarios, ambos estaban inscritos en una escuela de música en Düsseldorf. Habían tocado juntos en varias bandas y eran miembros activos de la escena musical «Krautrock». El dúo comenzó a hacer grabaciones experimentales, utilizando instrumentos tradicionales como guitarras, baterías, bajos y flautas … todas las cuales fueron procesadas electrónicamente para producir diferentes efectos. Con cada lanzamiento experimental, el grupo ahora llamado Kraftwerk, comenzó a incorporar más equipos electrónicos como sintetizadores y cajas de ritmos en sus sesiones de grabación.

Los sintetizadores y las cajas de ritmos existían antes de que Kraftwerk apareciera en escena, pero la mayoría de los músicos en ese momento los consideraban poco más que curiosidades electrónicas. Kraftwerk logró incorporar esta tecnología de una manera que nunca antes se había hecho, y su influencia todavía se puede sentir hoy.

Mike Oldfield (Tubular Bells) 1973

La historia detrás de la creación de este álbum es fascinante. Oldfield, retirándose del ambiente opresivo de su familia, pasó la mayor parte de su adolescencia encerrado en el desván de su casa componiendo música solo, tocando todos los instrumentos. Más tarde, viviendo en un apartamento en el norte de Londres, logró grabar una demo de producción propia.

Después de varios intentos de vender su demo (entonces conocida como “Opus 1”) a varias compañías discográficas, Oldfield mostró su grabación a los ingenieros de los Manor Studios, Tom Newman y Simon Heyworth, quienes la llevaron al propietario, Richard Branson. Después de escuchar la pieza completa, a Branson le gustó tanto, que permitió que Oldfield completara lo que se convirtió en la cara B. El disco, lanzado el 25 de mayo de 1973, se convertiría en el primer lanzamiento de Virgin Records, un éxito que creció como una bola de nieve, y que terminó en el número 1 en la lista de álbumes del Reino Unido.

Tubular Bells, es sin duda, el mejor conglomerado de instrumentos aislados combinados para formar una pieza única. Una variedad de sonidos se combinan para crear una multitud excitante de ritmos, tonos y armonías que se fusionan perfectamente unos con otros, lo que da como resultado una explosión de música asombrosa, donde Oldfield toca todos los instrumentos.

Cimentando aún más esta música en el imaginario colectivo de la cultura pop, el director William Friedkin usó el icónico tema de apertura del álbum para la banda sonora de su clásico de terror de 1973 “El Exorcista”. Al escuchar “Tubular Bells” hoy, es difícil no imaginar a una niña poseída, vomitando violentamente mientras gira la cabeza en círculos.

Jean Michel Jarre (Oxygène) 1976

Jean Michel Jarre, hijo del compositor de cine Maurice Jarre, es uno de los verdaderos pioneros de la música electrónica. Oxygène es uno de los álbumes fundamentales de la música electrónica. Ha resistido la prueba del tiempo y la evolución de la electrónica digital. El estilo compositivo de Jarre y sus impulsos rítmicos fueron básicos en 1976. Si bien su popularidad ha aumentado exponencialmente a lo largo de los años, nunca logró repetir la calidad de esta increíble grabación, dentro del enorme nivel de su obra. La inocencia y frescura aportan la mayor parte de su encanto. La técnica y la habilidad de Jarre proporcionan el resto.

Aunque inicialmente se lanzó solo en su Francia natal, fue número uno en las listas francesas y luego fue lanzado internacionalmente en 1977 con un éxito similar, llegando al top 10 en ocho países. Esto a pesar de que los críticos afirmaron que el álbum era «insípido» y preferían las obras de Mike Oldfield y Tangerine Dream. La historia demostraría que la reticente apuesta del editor Francis Dreyfus para presionar 50,000 copias del disco, fue una apuesta a caballo ganador. Oxygéne  ha vendido más de 15 millones de copias. Es el disco producido en Francia más vendido de la historia.

Grabado en un improvisado estudio en la casa de Jarre, el álbum se realizó con una variedad de instrumentos electrónicos, incluido un sintetizador digital, y se grabó en una cinta de 8 pistas. Fue el tercer álbum de Jarre, los dos primeros fueron bandas sonoras sin éxito. Oxygéne marcó el comienzo de una carrera exitosa para Jarre, además de ser ampliamente reconocido como una influencia y un punto de partida para una nueva ola de música electrónica.

Manassas (Manassas) 1972

Durante el transcurso de su carrera, Stephen Stills ha sido miembro de varios grupos. En Buffalo Springfield compartió liderazgo creativo con Neil Young. Los eternos Crosby, Stills & Nash son básicamente tres artistas solistas que crean su música y luego se unen de vez en cuando para grabar y hacer una gira. Manassas, a pesar de su corta duración, fue una banda en el sentido clásico de la palabra, aunque con el completo control de Stills. Su álbum de debut  fue uno de sus mejores logros creativos.

Stills reunió lo que era casi un grupo perfecto. Su amigo Chris Hillman, que estaba aburriéndose como una ostra con los Flying Burrito Brothers, era el guitarrista rítmico, tocaba la mandolina, y probablemente lo más importante, era la segunda voz del grupo. El resto eran los extraordinarios músicos que acompañaban entonces a Stills, e incorporaciones de lujo como el guitarrista Al Perkins.

Lanzado en abril de 1972, su auto-titulado álbum debut, fue uno de los mejores lanzamientos de la década. Fue uno de los pocos álbumes dobles que realmente merecieron dos discos. El nombre del grupo surgió por casualidad, al fotografiarse en la estación de Manassas (Virginia), después de una de sus primeras actuaciones. Es la foto que ilustra la cubierta del álbum.

El concepto del álbum es más fácil de seguir en el formato original en vinilo. Se dividió en cuatro secciones, cada una de ellas subtitulada y comprendiendo una cara de cada disco. Cara rara tenía un estilo musical definido: una combinación de rock y sonidos latinos, country y bluegrass, sonidos cercanos al folk y un conjunto explosivo de rock y blues.

Desafortunadamente, el álbum ha sido ignorado a lo largo de los años, a pesar de que Stills lo considera uno de sus mejores trabajos.

Eagles (Hotel California) 1976

«Hotel California» fue el punto álgido de la carrera de los Eagles, y la culminación y casi el punto final de un sonido, plenamente californiano, que había estado presente desde finales de los sesenta, el country rock.

Fue el quinto álbum de la banda, fue de transición de varias formas, incluida la música y el personal. El guitarrista Bernie Leadon, una fuerte influencia en el sonido country de la banda de los primeros años, fue reemplazado por el guitarrista Joe Walsh.

Los Eagles utilizaron California como un microcosmos de todo Estados Unidos, con comentarios sobre la naturaleza del éxito, y como resultado: una visión extremadamente pesimista del país.

Hay una gran injusticia en este trabajo. Es tal la popularidad del tema homónimo del álbum, que ha eclipsado al resto de las composiciones del mismo. “New kid in town” es una proeza compositiva, delicada canción con una cadencia country evidente. “Life in the fast line” es un tema rockero, con un sonido cercano al rock sureño, pero eso sí, dando su sello personal con las voces. “Wasted time” es un tema lento, pero bello a más no poder. El álbum termina con “The last resort”, una melodía devastadóramente hermosa con piano y la voz de Henley perfectamente a tono con la canción, que describe una historia épica. Una manera única de cerrar un disco único como pocos.

Nº 37 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Carlole King (Tapestry) 1971

Si algún aficionado a la música se propusiera tener una colección con los trabajos más importantes de la historia de la música popular contemporánea, este álbum de Carole King sería uno de los imprescindibles en dicha colección.

El 10 de febrero de 1971 Ode Records lanzó «Tapestry», el segundo álbum de esta cantautora norteamericana. Este ocupó el Nº 1 de la lista musical Billboard durante 17 semanas y se mantuvo en la lista de los más vendidos por espacio de 6 años. Además ganó 3 premios Grammy: mejor álbum, mejor canción (“It’s Too Late” / ”I Feel the Earth Move”) y mejor vocalista femenina.

Ya desde esa portada mítica, «Tapestry» es especial, es mágico. Ahí está ella, relajada, mirando por la ventana, descalza, con el gato en su cojín y ella bordando un tapiz, todo tan cercano, tan cálido y placentero, como el disco, como la música que contiene, música maravillosa, mucho más, divina.

Este álbum único, donde el jazz, el soul, el folk y el pop se dan la mano. Un disco melancólico, dulce y apasionado. Lleno de verdad y sentimiento. Un disco con grandes canciones, algunas de ellas grabadas a fuego en el recuerdo de muchísima gente.

Nº 36 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Carly Simon (No Secrets) 1972

Carly Simon es una de las cantautoras más influyentes de su generación. El álbum que la convirtió en una estrella mundial fue «No Secrets», que incluía la enigmática canción “You’re So Vain”, su mayor éxito comercial. El álbum pasó cinco semanas en el número uno de la listas de Estados Unidos.

«No Secrets» fue el pico creativo y comercial de Carly Simon. Publicado a finales de 1972, este trabajo es en el fondo un relato autobiográfico, centrándose en su relación con el cantautor James Taylor, con quien acababa de casarse.

Producido por Richard Perry, famoso por su trabajo con los Beatles, David Bowie y Elton John. Perry consigue en «No Secrets» lo que muchos creen que es el mejor sonido de cualquier disco de Simon. Sencillos, elegantes y agradables, los tratamientos de Perry hacen que las canciones parezcan flotar y la voz de Simon adquiere un tono más seguro y cercano. Los arreglos de cuerdas y las voces de apoyo se suman a una experiencia conmovedora, a la par con otros clásicos de la época, como «Tapestry» de Carole King o «Blue» de Joni Mitchell.

A lo largo del álbum, Simon destila hermosas baladas, piezas de folk y destellos de blues. Todo ello envuelto en dosis medidas de calma, sinceridad y franqueza. Ella hace que cada momento de «No Secrets» valga la pena saborearlo.

John Mayall & The Blues Breakers with Eric Clapton (1966)

El blues es la religión, y John Mayall su profeta. Los Bluesbreakers, banda liderada por John Mayall, cuyo mayor legado es que fue como una incubadora para aquellos músicos británicos apasionados por el blues. Muchas de las bandas más conocidas que se crearon en Gran Bretaña en los años 60 y 70 tenían miembros que formaron parte de los Bluesbreakers en algún momento, formando la base del blues británico. Estamos hablando de Eric Clapton y Jack Bruce (más tarde en Cream). Peter Green, Mick Fleetwood y John McVie (quienes formarían Fleetwood Mac), Mick Taylor (Rolling Stones ) y muchos otros músicos.

«Blues Breakers with Eric Clapton» es el disco más importante del blues británico. Segundo trabajo de la banda, esta vez contaron con el protagonismo de Eric Clapton en la guitarra. Clapton se unió a Mayall tras abandonar los Yardbirds, acusándolos de abandonar el blues para derivar hacia el pop. Este trabajo dio lugar a las míticas pintadas que inundaron Londres en aquellos días, “Clapton is God”. Este disco convirtió a Clapton en el faro de los demás guitarristas. Su sonido, con una Gibson Les Paul a través de un amplificador Marshall, sería imitado por toda una horda de nuevos guitarristas, pero nunca sería igualado.

Nº 195 en las lista de los 500 mejores álbumes.

Cream (Disraeli Gears) 1967

«Disraeli Gears»  fue el segundo álbum que Cream lanzó en su corta carrera, y más de cincuenta años después, aún brilla como su logro más importante. Publicado en noviembre de 1967, presenta a Cream evolucionando hacia la psicodelia mientras se mantenía fiel a las raíces del blues.

Cream fue una de las bandas capitales de los sesenta. Junto con la Jimi Hendrix Experience, introdujo el concepto del power trio (guitarra, bajo y batería). Formado por Eric Clapton, que venía de su colaboración con John Mayall, ya convertido en leyenda de la guitarra. Y los estratosféricos Jack Bruce al bajo y Ginger Baker a la batería, procedentes del prestigioso grupo de jazz rock y blues, Graham Bond Organization.

Nº 114 en la lista de los 500 mejores álbumes.

The Byrds (Sweetheart of the Rodeo) 1968

La influencia de la música country en el rock & roll es casi tan antigua como el rock en sí, y una piedra de toque para artistas seminales como Elvis, Buddy Holly y los Everly Brothers. Pero para el country rock, 1968 fue el año cero, el surgimiento de un grupo de artistas que unen conscientemente esos géneros, dando lugar a un movimiento musical completamente nuevo.

Describir a un artista como un visionario es casi un cliché, pero si hubiera alguien que estuviera a la altura del título sería Gram Parsons, el creador de la “Cosmic American Music”: una mezcla de country, soul, rhythm & blues, con el rock. Parsons, un niño de familia bien de Florida,  ayudó a que fluyeran en la escena del sur de California los sonidos que salían de Nashville y Bakersfield. Con su llegada al grupo, dio un nuevo impulso a The Byrds, siendo el alma de  uno de sus mejores discos, Sweetheart of the Rodeo (1968), verdadero nacimiento del Country Rock. Tras su marcha de la banda, se asoció con Chris Hillman, que también abandonó a  los Byrds, para formar The Flying Burrito Brothers.

Se suponía que Sweetheart of the Rodeo sería un reflejo de la música tradicional estadounidense incorporando elementos del Jazz y Rock & Roll, pero Parsons llevó el proyecto a convertirlo en un álbum country puro. Este proyecto fue muy controvertido, ya que para la industria de la música country, no eran más que una panda de hippies con el pelo largo que intentaban sabotear la sacrosanta música country. Entre tanto, Parsons dejó la banda, y ni siquiera era miembro cuando llegó la fecha de lanzamiento en agosto de 1968.

Los resultados fueron malos, en ventas y repercusión. Confundieron a los seguidores de los Byrds y a los puristas de Nashville, y el grupo nunca volvería a intentar un experimento tan radical. Pero ese sonido hipnotizante resuena hasta el día de hoy. Realmente eran un grupo de rockeros cantando canciones country. Pero este trabajo visionario, se entiende cada vez menos como un experimento fallido y más como el Libro del Génesis de un nuevo estilo.

Nº 120 en la lista de los 500 mejores álbumes.

The Flying Burrito Bros (The Gilded Palace of Sin) 1969

Después de encabezar la incursión de los Byrds en la música country con el influyente álbum «Sweetheart of the Rodeo», Gram Parsons abandonó la banda cuando se negó a acompañarlos en una gira por Sudáfrica en 1968. Dos meses después, el bajista Chris Hillman también abandonó los Byrds. y se unió a Parsons para formar The Flying Burrito Brothers.

En 1969, The Flying Burrito Brothers dieron la bienvenida a los oyentes a su “Palacio Dorado del Pecado”. El álbum, publicado en el sello A&M, anunció un nuevo estilo de música, uno en el que el cofundador Gram Parsons bautizaría «Cosmic American Music». De hecho, los sonidos que emanan de este “Palacio” son, al mismo tiempo, sorprendentemente tradicionales y completamente radicales.

Los Burritos fusionaron el alma del sur profundo, la instrumentación clásica de la música vaquera y la experimentación de la psicodelia. El sonido creado vendría a ser conocido como Country Rock, e influiría en una generación de artistas, quizás más notablemente en los Eagles, pero también en multitud de bandas hasta nuestros días.

Nº 192 en la lista de los 500 mejores álbumes.

The Band (Music from Big Pink) 1968

Después de una década de giras como grupo de acompañamiento para otros artistas, últimamente de Bob Dylan. The Band lanzó un álbum debut increíble con “Music from Big Pink” en 1968. Al mezclar sus vastas influencias de country, Gospel, rock, folk y R & B, el grupo forjó un álbum que rompió bruscamente con las tendencias, cada día más exageradas de la psicodélia, y de toda la experimentación que la rodeaba.

The Band selló su destino en 1967, cuando se unieron a Dylan, que se estaba recuperando de un accidente de moto, en una casa en Woodstock, Nueva York, que llamaron Big Pink y grabaron un montón de canciones que se conocieron como “The Basement Tapes”.

“Music from Big Pink” suena como una colección de canciones incubadas y alimentadas por cinco músicos alejados del resto del mundo. Rústico, polvoriento y lleno de sabor de otras épocas, el álbum no tenía mucho en común con todo lo demás que se publicó en 1968.

El título del álbum proviene de la citada casa cerca de Woodstock. Si bien muchas grabaciones se realizaron allí, la grabación real del álbum, producida por John Simon, se llevó a cabo en estudios de Nueva York y Los Ángeles.

Nº 34 en la lista de los 500 mejores álbumes.

Creedence Clearwater Revival (Cosmo´s Factory) 1970

En un momento en que el rock estaba evolucionando lejos de las fuentes que lo habían hecho posible. La Creedence Clearwater Revival llevó su música a las esas raíces abandonadas por casi todos, con su síntesis de rockabilly, folk, R&B y country. Las canciones de la Creedence, se convirtieron en clásicos atemporales del rock & roll. Bajo la tutela de John Fogerty, la Creedence Clearwater Revival definió el espíritu y el sonido del rock tan auténticamente como casi nadie había hecho.

«Cosmo’s Factory» es el quinto álbum de estudio de la Creedence, lanzado por Fantasy Records en julio de 1970. Con este trabajo, la Creedence alcanzó su cenit comercial. Fue su quinto álbum en dos años y se convirtió en un gran éxito internacional, encabezando las listas de éxitos en seis países.

El nombre del álbum proviene del almacén en Berkeley donde la banda ensayó al principio de su carrera. Fue apodado «The Factory» por el batería del grupo Doug «Cosmo» Clifford, porque era donde el líder de la banda John Fogerty los hacía ensayar allí casi todos los días, y fumaban tanto, excepto “Cosmo”, que parecía la chimenea de una fábrica.

Nº 265 en la lista de los 500 mejores álbumes.

The Beatles (Rubber Soul) 1965

En 1965, las radios emitían canciones tan innovadores como «(I Can’t Get No) Satisfaction» y «Like a Rolling Stone». En diciembre, The Beatles sobrepasaron a todos con «Rubber Soul», una obra impresionante que conservó el enfoque pop de los discos anteriores de la banda al tiempo que presentaba un nuevo sonido, sofisticado y profundo. El productor George Martin describió a «Rubber Soul» como: «el primer álbum en presentar a unos nuevos y crecientes Beatles al mundo», y así fue.

The Beatles (Revolver) 1966

«No veo demasiada diferencia entre Revolver y Rubber Soul”, dijo una vez George Harrison. «Para mí, podrían ser el volumen uno y el volumen dos». «Revolver» extiende los aspectos más avanzados de su predecesor, su introspección, su psicodelia naciente, la demostración de las posibilidades reales del estudio. Parte del impulso revolucionario del álbum fue visual. Klaus Voormann, uno de los amigos artistas de The Beatles de sus días en Hamburgo, diseñó una llamativa portada en formato collage para el álbum. Con canciones como «Tomorrow Never Knows», The Beatles demostraron que en la música popular, cualquier cosa, cualquier tema, cualquier idea musical, ahora podía realizarse.

The Beach Boys (Pet Sounds) 1966

Sin «Rubber Soul» (The Beatles) no hubiera existido «Pet Sounds». Sin «Pet Sounds» no hubiera existido «Sgt. Peppers». La “batalla” creativa entre los Cuatro de Liverpool y el genio creativo de The Beach Boys, Brian Wilson, dio como fruto los considerados por todos, los dos mejores discos de la historia. Nadie había llegado tan lejos hasta entonces.

¿Pero que tiene «Pet Sounds» para tener la consideración que tiene?, sencillamente marcó un antes y un después en la historia de la música popular. El líder del grupo, el genial Brian Wilson, impresionado por el trabajo de The Beatles con su disco «Rubber Soul», editado a finales de 1965, decidió seguir por ese camino marcado por los Fab Four, y no solo seguirlos, sino superarles.

“Desde que escuché los primeros acordes, me enamoré de este disco”, recuerda Brian en una entrevista reciente. ”Voy a grabar el mejor disco de todos los tiempos” repetía Brian de forma obsesiva  a su mujer.

En la grabación del álbum es obligado destacar la fantástica labor de todo un conjunto de músicos de sesión de primer nivel, que ejecutaron magistralmente las ideas locas y casi imposibles de Brian, encontrando el ansiado “tono” que el buscaba. El resultado fue una joya de pop sofisticado, una maravilla melódica que combinaba una orquestación multicolor, con la psicodelia llamando a la puerta, y por supuesto, con las siempre pluscuamperfectas armonías vocales de The Beach Boys.

Nº 2 en la lista de los 500 mejores álbumes de la historia.

The Beatles (Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band) 1967

«Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» es el álbum más importante que se haya hecho, una aventura sin igual en concepto, sonido, composición de canciones, diseño de la portada y la tecnología desarrollada en el estudio por la mejor banda de todos los tiempos. Es la cima creativa de la carrera de The Beatles como artistas. Ningún otro disco de esa época, o desde entonces, ha tenido un impacto tan inmediato y absoluto.

La extravagancia visual del «Sgt. Pepper» convirtió la portada del álbum en una obra de arte. La foto de Michael Cooper de los Beatles con aquellos trajes satinados, frente a un público de figuras históricas recortadas en cartulina, creado por el artista Peter Blake, es la imagen más perdurable de la era psicodélica.

No se puede obviar la capital importancia de su productor, George Martin en el desarrollo, no solo de este disco, sino de lo grabado anteriormente por ellos. El fue partícipe e inspirador de cantidad de ideas que convirtieron este álbum en lo que acabaría siendo.

Nº 1 en la lista de los 500 mejores álbumes. Solo por la canción que cierra el disco, “A Day in the Life”, ya merecería ese puesto.

23-05-2019

 21 horas

 Teatro El Albéitar ULE

ENTRADAS (6 €): A PARTIR DE MEDIA HORA ANTES DEL CONCIERTO EN LA  TAQUILLA DEL TEATRO

50% DE DESCUENTO: MIEMBROS DE LA COMUNIDAD UNIVERSITARIA PREVIA  PRESENTACIÓN DEL CARNÉ UNIVERSITARIO Y DNI

Sugato Bhaduri, uno de los mandolinistas más solicitados en India actualmente, comenzó su carrera musical a una edad muy temprana. Mientras que él era tan solo un muchacho que acudía a la escuela, comenzó a estudiar la música vocal que le enseñaba su tío, y rápidamente se convirtió en un joven artista de la A.I.R, «All India Radio».

Durante su periodo universitario, comenzó a recibir lecciones básicas de música occidental, centrando sus estudios de música instrumental en este instrumento de Occidente; LA MANDOLINA. Después de graduarse en ciencias, se dedicó a la música clásica indostánica, y durante un periodo de diecisiete años aprendió bajo la supervisión activa del reconocido sarodiya Pandit T. N Majumder. También tuvo el privilegio de formar parte de los trabajos realizados por Ustad Ali Akbar Khan, la legendaria figura de la música en India.

En el año 2001, este joven portador de la antorcha de Maihar- Seni Gharana fue galardonado con el célebre título «SURMANI» por Sun-Singar Samsad (Mumbai).

En el año 2012 recibió el prestigioso título GANDHARVA RATNA por Sangeet Samraat Ustad Khan Alladiya memorial, Kolhapur, Maharashtra.

La curiosa fusión entre Gayaki-ang (estilo vocal) y Tantrakari (estilo instrumental) resulta ser la característica más destacada de su música, dando como resultado una textura musical verdaderamente rica. Su complejidad rítmica y sus rápidos y virtuosos pasajes en staccato, técnica conocida como ekhara taans, son dignos de destacar. Profundo sentimiento y unión intelectual hacia el Raga, el sonido y su técnica resultan ser los componentes básicos de su música.

El sonido intenso y brillante de su instrumento evoca tonalidades de Veena, Rabab, Sarod y Sitar, los cuales han ayudado a nutrir su música de las fuentes más antiguas de la música clásica india, creando un sonido totalmente nuevo.

Desde 2005, Sugato ha viajado en diversas ocasiones por Europa; Reino Unido, Alemania, Italia, Dinamarca, Suecia, Bélgica, Holanda, Francia, Suiza, España, Portugal, Austria y Croacia, tocando en prestigiosos conciertos y festivales internacionales de música.

En mayo de 2006 participó en el EUROFESTIVAL ZUPFMUSIK, Bamberg, Alemania, siendo considerado como el mejor artista indio. En junio de 2006 y mayo del 2007, 2009 y 2012 participó también en el POUSSIERE DU MONDE FESTIVAL, Génova, Suiza.

En octubre del 2014 Sugato Bhaduri viajó a Ereván, Armenia, en representación de la India para participar en el Festival de música internacional de la Ruta de la Seda.

La Facultad de Educación acoge una nueva actividad del Club de Música de la Universidad de León (ULE), organizada por la Biblioteca de la Facultad y el Área de Didáctica de la Expresión Musical. El miércoles 15 de mayo, se inaugura la exposición “Los Discos del Cambio: transformando la música y la sociedad”, con tesoros que marcaron el futuro de la música popular, en las décadas de 1960 y 1970.

La exposición permanecerá en el pasillo de la biblioteca, en la planta baja de la Facultad, hasta el 7 de junio. Todas las personas interesadas podrán acudir los miércoles de las siguientes semanas, a las 13.00 horas, para una visita guiada.

Esta segunda sesión del Club de Música tendrá también un “fin de fiesta” el día 29 de mayo, a las 12 horas, en el Aula de Música de la Facultad de Educación, donde todo aquel que desee puede acudir para escuchar una muestra de la selección musical. “Si te gusta lo que ves… ven a escuchar”.

Miles Davis fotografiado con John Coltrane, Jullian «Cannonball» Adderley y Bill Evans durante las sesiones de grabación de «Kind of Blue» en marzo de 1959. Fotografía: Don Hunstein

La música, como casi todas las artes, ha estado presente en la vida de los diferentes pueblos y civilizaciones a lo largo de la historia. Sin embargo, siempre hubo una línea divisoria muy definida entre la música más popular y otra más “culta”, solo al alcance de una élite muy minoritaria.

En el siglo XX esto empieza a cambiar, y lo hace de manera exponencial a partir de su segunda mitad. La explosión del rock & roll en los años cincuenta, y su posterior desarrollo y fusión con otros géneros musicales, propicia la aparición de una nueva hornada de músicos, que desde el principio se dedican a romper todas las barreras creativas. Son empujados a su vez por una nueva generación, que quería cambiar por completo la sociedad heredada de sus padres, y que la música fuese no solo el símbolo máximo de ese impulso transformador, sino uno de los vehículos para conseguirlo.

Esta exposición trata de aquellos discos que lo cambiaron todo, que fueron protagonistas de la continua evolución que experimentó la música entonces. Estos discos son el fruto fecundo de una serie de músicos que nunca se conformaron con lo establecido, que siempre fueron más allá. Que crearon modas o que directamente fueron contra ellas. De un conjunto de iconoclastas, visionarios y heterodoxos que fusionaron lo que parecía imposible fusionar. Que diseccionaron las sociedades y las dejaron desnudas ante sus miserias. De Miles Davis a Camarón, de los Beatles a Pink Floyd. Su genialidad estaba escrita en su ADN, pero sobretodo, en la convicción de que imposible solo es una palabra.

Miles Davis (Kind of Blue) 1959

«So What»

Pocas veces en la historia de la música se ha reunido tanto talento para elaborar un disco. Esta obra maestra se convertiría en uno de los álbumes más importantes, influyentes y populares de la historia del jazz. Pero en el momento en que se hizo, «Kind of Blue» fue una revolución, una ruptura radical de todo lo que estaba sucediendo.

Dando la espalda a las progresiones de acordes estándar, Miles Davis usó escalas modales como punto de partida para la composición y la improvisación, abriendo nuevos caminos con una calidez y una sutileza desconocidas en el Hard bop imperante en aquella época. Miles y su incomparable banda, el bajista Paul Chambers, el batería Jimmy Cobb, el pianista Bill Evans (que regreso con Miles exclusivamente para grabar este álbum) y John Coltrane y Julian “Cannonball” Adderley a los saxos, tuvieron ocasión de lucirse en varios solos a lo largo del álbum, caracterizados por la «variación melódica en lugar de armónica», según Miles.

La revista Rolling Stone le ubicó en el puesto 12, en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

John Coltrane (A Love Supreme) 1965

«Acknowledgement»

«En 1957 experimenté, por la gracia de Dios, un despertar espiritual que me iba a llevar a una vida más rica y plena. En ese momento, por gratitud, humildemente pedí tener el privilegio de hacer felices a los demás con la música. Me parece que me lo han concedido, le doy gracias a Dios”.

Entre 1955 y 1957, mientras tocaba con el quinteto de Miles Davis, Coltrane se hundió en la adicción a la heroína, que logró superar solo después de un largo período de soledad en su casa de Filadelfia. La conducta errática de Coltrane durante esta época, provocó incluso que Miles Davis llegase a despedirlo de su banda. Esta situación dio lugar a un despertar espiritual que llegó a su clímax con este disco. «A Love Supreme», el álbum que cambió la historia del jazz. Algunos incluso dicen que después de su lanzamiento, el género nunca se recuperó. Junto a «Kind of Blue» de Miles Davis, es el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos.

«A Love Supreme» es una suite en cuatro partes, profundamente sentida y musicalmente arriesgada, que sirve como punto medio entre la obra de Coltrane con influencias del Hard bop de los 50 y el jazz modal más improvisado que interpretaría hasta su temprana muerte en 1967. Puesto 47 en la lista de los 500 mejores álbumes de la revista Rolling Stone.

“Tras el Proyecto Entremares están José Luis Fraga en el clarinete, saxofón y texturas electrónicas, y Daniel Santos en la guitarra. Entre Galicia y Madrid. Se definen como “dos polizones en el barco de lo establecido”.  En las nueve piezas que han grabado recorren diferentes snetires de latitudes diversas, desde la cornisa gallega, los archipiélagos africanos y las cadencias transatlánticas.  “La música evoca paisajes marítimos en un formato íntimo y emotivo, desde Cabo verde a Galicia”. Composiciones instrumentales que tejen redes que atrapan, estructuras sonoras invisibles, delicadas y sensuales.

¿Qué evocan sus temas? Desde la saude lisboeta del fado, la morna caboverdinana, el choro brasileño, los fandangos de Huelva, ritmos celtas,… Un sonido compacto, reposado y firme, mucho más de lo que de un primer disco pudiera pensarse. Composiciones originales sobre músicas populares, intérpretes virtuosos e intrépidos músicos de una elegancia máxima. “(Crónica realizada por Paco Valiente para los Sonidos del Planeta Azul – UPV)

Fruto de este trabajo, fueron acreedores del Premio de Creación Injuve 2017, y ya han ofrecido más de 40 conciertos en España, Portugal y Cuba, en lugares destacados como La fábrica de Arte Cubano en la Habana, La Casa de Iberoamérica en Holguín, La Casa de la Música de Alicante o el Auditorio Casa de Campo de Madrid. El espectáculo, tiene cabida en la programación tanto de festivales de jazz y world music como de festivales clásicos a los que aporta un repertorio fresco y diferente. 2019 se presenta un año muy activo para esta creativa pareja, preparando el lanzamiento de un nuevo trabajo y ya cuentan con presentaciones en El Círculo de Bellas Artes de Madrid, o el Auditorio Paco de Lucía.

https://www.facebook.com/entremares.proyecto

https://twitter.com/PEntremares