Continuamos este repaso a los grandes álbumes que cerraron la década de los setenta. Hoy nos detenemos en uno de los pilares fundamentales, no solo de aquel año 1979, sino de toda la década. Con un impacto e influencia que llega hasta nuestros días.

The Clash cerró los años 70 con uno de los considerados mejores álbumes de la historia. Después de formar parte de la columna vertebral del movimiento punk con su álbum debut. Posteriormente transitaron a terrenos más pop con su segundo trabajo. Con su tercer LP, entran por la puerta grande en la historia del rock & roll. «London Calling» incluye canciones punk, pop, reggae, rockabilly, soul, jazz y casi todo lo que la música popular produjo en los 25 años previos. Fue cuando a The Clash se le denominó  «la única banda que importa». Con «London Calling» se ganaron ese título.

The Clash en 1979: Joe Strummer, Paul Simonon, Mick Jones y Nicky «Topper» Headon. Fotografía: Michael Putland / Getty Images

The Clash estaban cansados ​​de su reputación como banda punk en 1979. Con solo dos álbumes en su carrera, estaban comenzando a ver los límites de estar asociados a ese género. Y mientras docenas de grupos seguían saliendo de las alcantarillas con el cuchillo entre los dientes, la mejor banda punk quería salir de ese círculo vicioso.

Durante el verano de 1979, comenzaron a trabajar en su tercer álbum. Las canciones  de este disco doble huyen de la uniformidad temática; en cambio, las pistas se dirigieron a los más diversos territorios musicales, aunque con muchos desvíos en el camino. Desde el principio, «London Calling» se perfilaba como un LP épico y revolucionario.

The Clash originalmente querían llamar al álbum «The Last Testament». La idea es que este doble LP cerraría un capítulo en la historia de la música que había comenzado con el debut de Elvis Presley en RCA. La banda desechó el título, pero mantuvo el concepto general. Se inspiraron en la portada del álbum debut del Rey, y crearon un disco que hacía referencia a todos los mejores sonidos creados desde 1956. Era una estrategia revolucionaria para un grupo que había surgido de la escena punk del Reino Unido, que precisamente trataba de rechazar el pasado, y en la medida de lo posible, dinamitarlo.

Fotografía:  Richard McCaffrey / Michael Ochs Archives / Getty Images

«London Calling» alcanzó el número 27 en los EE.UU. y llegó al Top 10 en el Reino Unido. Esto animó a a la banda a ser aún más ambiciosos en su próximo álbum, «Sandinista» de 1980. Un álbum triple que, en cierto modo, es tan esencial como «London Calling», pero no es tan bueno, aunque se acerca.

40 años después de su lanzamiento, «London Calling» sigue siendo una obra maestra que no suena nada anticuada. Un álbum donde la perfección fue lograda, precisamente, por no buscarla.

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Dentro de este repaso improvisado a los grandes álbumes que cerraron la gloriosa década de los setenta. Hoy nos detenemos en este trabajo de una banda fundamental de la década que se estaba despidiendo.

«Stormwatch» fue el duodécimo álbum de estudio de Jethro Tull en doce años, por lo tanto, lanzaron exactamente un álbum por año desde el comienzo de su carrera en 1968. Al igual que todos los álbumes de Jethro Tull, Ian Anderson es el compositor principal y visionario de la trayectoria musical de la banda. Este álbum está muy centrado en los problemas de orden global de finales de la década de los setenta. Este es el último álbum de Tull que presenta la formación clásica que había sido la columna vertebral de la banda en esa década. «Stormwatch» se convirtió en el álbum final para el teclista John Evan y el batería Barriemore Barlow, quienes habían estado con Anderson durante casi diez años. Esta fue también la aparición final del bajista John Glascock, quien murió después de una cirugía cardíaca unas semanas después del lanzamiento del álbum.

En 1977, el grupo evolucionó a un enfoque más cercano al folk con el álbum «Songs From the Wood». Esto fue seguido por el álbum «Heavy Horses» en 1978, que dio lugar a una extensa gira, donde surgieron por primera vez los problemas de salud de Glascock.

Jethro Tull durante un concierto a finales de los setenta. Fotografía: Ian Dickson / Shutterstock

Muchos consideran que «Stormwatch» cerraría una «trilogía de folk-rock» con los dos anteriores. Podemos considerarlo así, sin embargo, este álbum es mucho más oscuro y mucho más variado musicalmente que los dos álbumes anteriores. La confluencia de diversos factores musicales, hace de este un álbum único en la trayectoria de Jethro Tull. De una forma u otra, es el último álbum esencial en la historia de la banda. Es el último recuerdo de su período más fructífero.

«Stormwatch» es posiblemente el álbum más sombrío de la banda. Canciones tristes de nostalgia, anhelo y lamentaciones. De todas formas, el sonido de la banda permanece aparentemente sin cambios. La flauta animada y juguetona, aunque más discreta en su presencia. Arreglos de cuerda, guitarras acústicas relajadas y el fondo melódico habitual de la banda, todavía están aquí, y la banda sigue fusionando elementos de la música tradicional inglesa con el rock progresivo, pero todo parece increíblemente diferente de lo que hecho antes.

«Stormwatch», se cierra con «Elegy», un maravilloso instrumental, donde la flauta de Anderson nunca sonó tan dulce, melancólica y evocadora. El título es más que apropiado. Compuesta por el arreglista, y posterior teclista de la banda, David Palmer, en honor a su difunto padre. La pieza sirve como un suave canto de cisne para el tristemente desaparecido bajista John Glascock. Pero también es, una elegía en un sentido más amplio, un luto silencioso por la era clásica de Jethro Tull: los años setenta.

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«Breakfast in America» cumple 40 años. Este álbum de Supertramp fue compuesto y grabado después de que el grupo británico se mudara a Los Ángeles. Al igual que sus álbumes anteriores, las labores de composición se dividieron entre los miembros fundadores Rick Davies y Roger Hodgson, que tienen estilos musicales y vocales contrapuestos, pero tienen la habilidad de combinar estos estilos de una forma cohesiva. Aquí, la química y el talento alcanzan un punto culminante, y el resultado es el álbum más vendido, el más aclamado por la crítica y el que llegó más alto en las listas de éxitos de Supertramp.

Las raíces de Supertramp se encuentran en el rock progresivo. La banda británica absorbió influencias de sus contemporáneos progresivos de la época y, como no, de Los Beatles. Sus primeros álbumes a principios de los 70 fueron álbumes estrictamente progresivos, pero a medida que continuaron encontrando más y más éxito comercial, se movieron a un sonido mucho más pop. Sin embargo, los teclados progresivos permanecieron, mantuvieron sus instrumentos de viento como una parte inmensa y vital para la identidad musical de la banda, y las duraciones de las canciones excedieron los estándares normales del pop, la mayoría terminando en más de 5 minutos.

Supertramp en 1979: Dougie Thomson, Bob Siebenberg, John A. Helliwell, Roger Hodgson y Rick Davies. Fotografía: Michael Ochs Archives / Getty Images.

Después del lanzamiento en 1977 de «Even in the Quietest Moments», que contenía el primer éxito mundial del grupo: «Give a Little Bit», la banda decidió mudarse permanentemente a la costa oeste de Estados Unidos, y allí encontraron nuevas influencias en la prolífica escena pop que estaba en auge a finales de los años setenta en Los Ángeles.

los singles son generalmente las canciones más difundidas de un álbum, ya que son, teóricamente, las únicas canciones que pueden tener el gancho necesario para el gran público. Los 4 singles: «The Logical Song», «Goodbye Stranger», «Breakfast in America» y «Take the Long Way Home» son grandísimas canciones y son reconocibles al instante. Pero el resto del  álbum está repleto de gemas ocultas, como «Child in Vision».

Antes de las sesiones de grabación definitivas, el grupo grabó un par de sesiones de prueba para definir el mejor material. Originalmente, Davies y Hodgson estaban planeando hacer un álbum conceptual, que examinaría sus personalidades en conflicto y sus visiones del mundo divergentes, llamado «Hello Stranger». Sin embargo, el grupo finalmente decidió abandonar este concepto y centrarse más en las canciones que consideraban más divertidas de interpretar. Junto con el productor Peter Henderson, el grupo forjó un sonido fantástico para el álbum al centrarse más en la grabación en si, que en las técnicas de mezcla y masterización. Este proceso llevó meses, y solo se completó cuando llegó la fecha límite de diciembre de 1978.

Fotografía: Michael Putland / Getty Images

«Breakfast in America» ganó dos premios Grammy en 1980, y encabezó las listas de álbumes en varios países, incluida Francia, donde se convirtió en el álbum en inglés más vendido de todos los tiempos. El grupo promocionó el álbum con una gira mundial de 120 fechas que batió récords de asistencia a conciertos en Europa y Canadá. En 1980, la banda lanzó el álbum doble en vivo «París», otro gran éxito en todo el mundo. El grupo no siguió a «Breakfast in America» con otro lanzamiento de estudio hasta que «Famous Last Words» fue lanzado a fines de 1982, casi cuatro años después. Aunque ese álbum fue un éxito comercial, la gira posterior condujo a la salida de Hodgson del grupo, rompiendo la formación clásica de Supertramp.

Hay álbumes en los que todo se une, lo mejor de la composición de canciones, lo mejor de los arreglos, lo mejor de la interpretación, la esencia de lo que un artista o una banda quiere contar. «Breakfast in America», simplemente estaba destinado a tener éxito debido a su calidad. Lo único que era necesario para hacerlo era confianza, melodías memorables, letras sorprendentes y mucha personalidad.

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La icónica cubierta de Peter Saville para «Unknown Pleasures», basada en la frecuencia de radio en zig-zag de una estrella moribunda.

La recta final de la década de los setenta fue una época extraña, pero muy enriquecedora para la música. Muchos de los artistas y de las bandas que triunfaron y revolucionaron la industria musical en los años sesenta y principios de los setenta, comenzaron a desaparecer o a quedar relegados poco a poco en el olvido.

Sin embargo, así como se fueron apagando estas estrellas, empezaron a surgir un sinfín de géneros musicales que renovaron para siempre la escena musical. Uno de estos nuevos movimientos fue el punk, encabezado por bandas como The Clash, Ramones y, por supuesto, los Sex Pistols. Y aunque el punk tuvo una vida bastante breve, su energía, su pasión y su rebeldía contagió a toda una generación de jóvenes británicos, que después tomaron y perfeccionaron estas influencias para crear un sonido más complejo y experimental: El post-punk.

En este caldo de cultivo, el guitarrista Bernard Sumner y el bajista Peter Hook decidieron formar su propia banda llamada Warsaw, a la que poco después se sumó el batería Stephen Morris y un joven y melancólico vocalista, llamado Ian Curtis. Tan solo un año después, el cuarteto cambiaría su nombre a Joy Division y a principios de 1978 la banda firmó un contrato con RCA Records.

Joy Division en 1979: (de izquierda a derecha) Stephen Morris, Ian Curtis, Peter Hook y Bernard Sumner. Fotografía: Paul Slattery / Retna

La música de Joy Division es muy difícil de describir. Puede sonar extraña, aburrida y deprimente al principio, pero te acaba seduciendo. Es como una niebla helada y desoladora, que acaba siendo adictiva.

En 1979, la mayoría de las bandas de punk hicieron música muy agresiva para poner de manifiesto su ira. Joy Division hizo una variedad más lenta y emocional, donde el bajo y la batería eran más importantes que la guitarra: era el comienzo del post-punk.

A principios de 1979, el desconocido productor Martin Hannett se unió a la ecuación para producir el disco debut de Joy Division. El proceso de grabación fue bastante sencillo y se realizó durante tres fines de semana en el mes de abril. A pesar de ello, el lanzamiento de «Unknown Pleasures» se retrasó bastante tiempo debido al complejo y sofisticado proceso de producción y postproducción que realizó el inexperto, pero ambicioso, Hannett.

Joy Division actuando en vivo en el Bowdon Vale Youth Club. Fotografía: Martin O’Neill / Redferns.

El impacto en las listas del álbum fue mínimo (nº 71 en las listas del Reino Unido, y no hubo publicación en el extranjero), no tanto porque la discográfica tuviera recelo del sonido, como por la falta total de promoción: la banda ni siquiera lanzó algún single para promocionar el disco.

Pero la historia del rock está repleta de finales absurdos, estúpidos y trágicos para comienzos prometedores (accidentes aéreos, sobredosis, disparos). En algún momento de la mañana del 18 de mayo de 1980, Ian Curtis, a la edad de 23 años, se ahorcó en la cocina de su casa.

Es fácil decir, mirando hacia atrás, que la gente más cercana a él deberían haberlo visto venir. Su matrimonio se estaba desmoronando, su epilepsia empeoraba y, en su mejor momento como banda, las letras de su segundo álbum, «Closer», mostraban suficientes pistas del diabólico cóctel que se estaba agitando en su interior. De la paranoia y la depresión que se estaba creando.

Joy Division en Manchester. Enero 1979. Fotografía: Kevin Cummins / Getty Images

Sin embargo, «Closer», sería mucho más afortunado, pero su popularidad fue indudablemente impulsada por el destino de Ian. Siendo cínicos, nada como un buen suicidio para vender tus canciones.

Con los años, la fascinación macabra con el suicidio de Curtis ha disminuido un poco, aunque probablemente nunca desaparecerá por completo. A medida que se fue desvaneciendo, «Unknown Pleasures» ocupó su lugar entre los grandes álbumes de la historia del rock. Un disco atemporal, fuera de los patrones del tiempo y el espacio y que introduce al oyente en una realidad única, ajena a todo lo exterior.

Algún crítico lo definió como: «el álbum más deprimente de la historia». En todo caso, lo correcto sería decir: el «más deprimido». No obstante, a lo largo de la historia de las artes, hay multitud de ejemplos de infinidad de obras maestras, surgidas de las brumas que atenazaban las mentes de muchos creadores.

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