Telemann fue y sigue siendo uno de los compositores más prolíficos de la historia, y fue considerado por sus contemporáneos como uno de los principales músicos alemanes de la época. Fue comparado favorablemente con su amigo Johann Sebastian Bach, que hizo a Telemann padrino de su hijo Carl Philipp Emanuel, o con Georg Friedrich Händel, a quien Telemann también conocía personalmente. La música de Telemann incorpora varios estilos nacionales (francés, italiano) e incluso es influenciada a veces por la música popular polaca. Se mantuvo a la vanguardia de todas las nuevas tendencias musicales y su música es un vínculo importante entre el barroco tardío y los inicios  del clasicismo. El 25 de junio se cumple el 250º aniversario de su muerte.

Nacido en Magdeburgo en 1681, Georg Philipp Telemann pertenecía a una familia que había estado vinculada durante mucho tiempo con la Iglesia Luterana. Su padre era un clérigo, su madre era hija de un clérigo, y su hermano mayor también tomó las órdenes, un camino que él también podría haber seguido si no fuera por su excepcional habilidad musical. De niño, mostró un considerable talento musical, dominando el violín, la flauta, la cítara y el teclado a los diez años y componiendo una ópera («Sigismundus», sobre un texto de Postel) dos años después para consternación de su familia, que desaprobaba la música. Sin embargo, tal resistencia sólo sirvió para reforzar su determinación de perseverar en su vocación musical. Después de los estudios preparatorios en Hildesheim, se matriculó (ante la insistencia de su madre) en la Universidad de Leipzig en 1701.

Mientras era un estudiante en la Universidad de Leipzig, Su carrera en la música se hizo inevitable. Al principio se pretendía que estudiara lengua y ciencia, pero ya era tan capaz como músico, que en el año de su llegada fundó el Collegium Musicum con el que dio conciertos públicos (y que más tarde Bach dirigirá), Escribió óperas para el Teatro de Leipzig y en 1703 se convirtió en director musical de la Ópera de esa misma ciudad y fue nombrado organista en la Neue Kirche en 1704.

Telemann no se quedó mucho tiempo en Leipzig. En 1705 aceptó una oferta como Kapellmeister en la corte del conde Erdmann II de Promnitz en Sorau, donde la moda de los estilos franceses e italianos le proporcionó un nuevo desafío. Además, la proximidad a Berlín y el contacto con la música popular polaca resultaron estimulantes. Pero el mandato de Telemann fue interrumpido por la inminente perspectiva de invasión por parte del ejército sueco, causando la desbandada del corte. Visitó París en 1707.

Su próxima parada fue en Eisenach como el Konzertmeister a cargo de los cantantes. Su nombramiento (en algún momento entre 1706 y 1708) se superpuso con la presencia de Bach, que partió en 1708 para ocupar puestos en la corte de Weimar. Telemann tenía todas las razones para suponer que éste sería un período de relativa estabilidad y, por consiguiente, se sumergió en la composición de cantatas de iglesia, piezas ocasionales, música de cámara orquestal e instrumental. Su matrimonio terminó trágicamente con la muerte de su esposa en 1711.

Un cambio de escena se hizo necesario y así fue a la ciudad imperial libre de Frankfurt-am-Main para asumir funciones como Director de Música Municipal y también como Kapellmeister de la Barfüßerkirche. Junto con sus actividades como director de la «Frauenstein», una sociedad musical de esa misma ciudad, que presentaba conciertos semanales, los nuevos puestos de Telemann se adaptaban muy bien a su talento. Compuso música para ceremonias cívicas, ciclos de cantatas de iglesia, oratorios, música orquestal y una gran cantidad de música de cámara, la mayor parte de la cual fue publicada; Sólo faltaba la oportunidad de producir ópera, aunque siguió suministrando obras a la Ópera de Leipzig. Durante este período también fue nombrado Kapellmeister del Príncipe de Bayreuth. Se casó de nuevo y se convirtió en un hombre de familia.

En 1721 quedó vacante el codiciado puesto de Kantor del Johanneum de Hamburgo, puesto que tradicionalmente llevaba consigo las responsabilidades docentes y la dirección de las cinco principales iglesias de Hamburgo, y Telemann fue invitado para suceder a Joachim Gerstenbüttel. Aquí, por fin, era un puesto de prestigio que le proporcionaría oportunidades aparentemente ilimitadas para componer y actuar. Como Kantor, se vería obligado a componer dos cantatas semanales, y anualmente, producir una nueva Pasión, y crear obras para ceremonias religiosas y civiles.

Telemann redobló sus actividades en Hamburgo, aumentando el número de conciertos públicos que se daban en las iglesias, en la que se realizaba una gran variedad de música sagrada y secular. Fue patrocinado por ciudadanos prominentes de Hamburgo. Más aún, fue nombrado director musical de la Ópera de Hamburgo, permaneciendo en ese puesto hasta su cierre en 1738. Produjo obras serias y cómicas, muchas de las cuales se han perdido, o han sobrevivido sólo como extractos publicados en «Der getreue Musikmeister». Además de las propias óperas de Telemann y las de Reinhard Keizer, las óperas de Londres de Handel fueron realizadas allí durante el mandato de Telemann.

Telemann permaneció en Hamburgo hasta su muerte en 1767, siendo sucedido en su puesto por su ahijado, Carl Philipp Emanuel Bach, hijo de Johann Sebastian.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)

Una forma musical que Telemann practicó con notable asiduidad fue la suite orquestal, la «Ouverture», que se originó con Lully en Francia, pero que en realidad fue cultivada casi exclusivamente por compositores alemanes. Un crítico alemán contemporáneo, Johann Adolph Scheibe, declaró incluso en 1745, que Telemann era el principal responsable de la enorme popularidad de la suite orquestal en Alemania, habiendo comenzado por imitar el estilo francés, pero pronto se hizo más experto en él que los franceses mismos. En un artículo autobiográfico escrito en 1740, Telemann calculó que ya había compuesto seiscientas suites, de las cuales una cuarta parte ha sobrevivido, casi todas en manuscrito.

Factores clave en la ascensión meteórica de Telemann al poder y la riqueza como el músico más famoso de Alemania fueron su sentido del humor y su simpatía personal. Tuvo la suerte de ser admirado y envidiado por su incesante búsqueda y adquisición de importantes cargos en la Corte y en la Iglesia. No sólo tuvo el coraje de desafiar a sus superiores cuando interfirieron con sus planes de obtener actuaciones frecuentes y la publicación de sus obras, sino que parecía no haber límite al número de encargos que estaba dispuesto y capaz de cumplir como compositor. Sus ingresos en Hamburgo eran unas tres veces lo que ganaba Johann Sebastian Bach en Leipzig, y obtuvo un beneficio sustancial en sus muchas obras publicadas para su venta a entusiastas de la música.

G.P. Telemann (Conciertos para Trompeta)

G.P. Telemann (Conciertos para Oboe)

G.P. Telemann (Sonatas para Flauta)

G.P. Telemann (Tafelmusik)

G.P. Telemann (Amplia Selección de su Obra)

Sir James Paul McCartney cumple 75 años el 18 de junio. Su carrera se extiende a lo largo de sesenta años. Desde aquel lejano 1957 cuando conoció a John Lennon, y se integró en su banda de entonces, The Quarrymen, que en 1960 adoptarían el nombre de The Beatles, ya con George Harrison en sus filas.

McCartney es uno de los músicos más injustamente tratados en la historia de la música popular. Ha escrito, o coescrito, 32 canciones que han alcanzado el número uno en el Billboard Hot 100. Su composición «Yesterday», ha sido versionada por más de 3.000 artistas. Señalar también, que ha sido uno de los mejores bajistas de la historia. Muchos méritos para la consideración habitual que se tiene de él. Ese chico tan simpático siempre a la sombra del gran Lennon.

De esos mencionados sesenta años de carrera, parece que solo cuenta su etapa en los Fab Four, 13 años con diversas denominaciones. Algo haría en los 47 años restantes que lleva sobre los escenarios. Precisamente, el objetivo de esta entrada es dar a conocer lo que ha sido su carrera musical desde 1970. Reivindicar a un músico excelso, que a mayores, formó parte de la mejor banda de la historia.

The Beatles con Martha, la Perra de Paul McCartney

La ruptura como banda de Los Beatles en 1970, hundió a McCartney en una depresión. Lo que más le pesaba, era básicamente, lo desalentador que era el futuro para alguien como él. Habiendo logrado tanto, con la mayor parte de su vida todavía por delante, se sintió abrumado por las expectativas de poder alcanzar el éxito que obtuvo con el grupo de Liverpool.

Linda McCartney, el gran amor de Paul, fue francamente heroica durante el tiempo en el que apenas podía funcionar. «No sé cómo alguien podría haber vivido conmigo», dice McCartney.

Pero ese mismo año se produjo su primer lanzamiento en solitario, «McCartney», un álbum Nº 1 en los Estados Unidos. Aparte de algunas contribuciones vocales de Linda, «McCartney» es un álbum de un solo hombre, con Paul realizando las composiciones, instrumentación y voz. En 1971, colaboró ​​con Linda y el batería Denny Seiwell en un segundo álbum, «Ram», Nº 1 en Reino Unido y uno de los cinco mejores de los Estados Unidos. Ese mismo año, el ex- guitarrista de los Moody Blues, Denny Laine, se unió a los McCartney y Seiwell para formar la banda Wings.

Denny Laine, Denny Seiwell, Linda & Paul McCartney

En marzo de 1973, Wings logró su primer single número uno en los EE.UU., » My Love», incluido en su segundo LP, «Red Rose Speedway», también número uno  en los EE.UU. y en Reino Unido en el top 5. La colaboración de Paul con  el ex productor de Beatles, George Martin, dio lugar a la canción » Live and Let Die «, tema central de la película de James Bond del mismo nombre. Nominado para un Oscar, la canción alcanzó el número dos en los EE.UU. y el número nueve en el Reino Unido. También le valió a Martin un Grammy por su arreglo orquestal.

A finales de 1973, Wings grabaron «Band on the Run». El álbum fue el primero de siete LPs de platino. Fue Nº 1 en los Estados Unidos y en el Reino Unido. Fue uno de los lanzamientos más vendidos de la década, permaneció en las listas del Reino Unido durante 124 semanas. Ganaron el Premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop por la canción «Band on the Run».

Wings siguió a «Band on the Run» con los discos «Venus y Mars» (1975) y «Wings at the Speed ​​of Sound» (1976). En 1975, comenzaron los catorce meses del Wings Over the World Tour, que incluía paradas en el Reino Unido, Australia, Europa y los Estados Unidos. En esta gira fue la primera vez que McCartney interpretó canciones de Los Beatles en vivo con Wings. Después de la segunda etapa europea de la gira y amplios ensayos en Londres, el grupo emprendió una ambiciosa gira por territorio estadounidense que se plasmó en el triple álbum Nº 1 en Estados Unidos, «Wings over America».

En 1978, Wings lanzó «Mull of Kintyre», que se convirtió en el single británico más vendido de todos los tiempos, vendiendo más de dos millones de copias. Wings siguió con el álbum «London Town», que se convirtió en otro disco de platino. Después Wings lanzó «Back to the Egg» en 1979. Aunque el disco fue platino también, no produjo grandes éxitos.

Wings desapareció a comienzos de 1981. Entretanto McCartney grabó «McCartney II». En 1981, entró en el estudio con el productor de Los Beatles, George Martin, para grabar «Tug of War». 

Lanzado en la primavera de 1982, «Tug of War» recibió las mejores críticas de cualquier disco de McCartney desde «Band on the Run» y generó el single número uno con «Ebony and Ivory», un dúo con Stevie Wonder que se convirtió en el mayor hit estadounidense de McCartney. En 1983, cantó «The Girl Is Mine», el primer single del «Thriller» de Michael Jackson. A cambio, Jackson hizo un dueto con McCartney en «Say Say Say», el primer single del álbum de 1983 «Pipes of Peace» y el último número uno de su carrera. La relación entre Jackson y McCartney se deterioró considerablemente, cuando Jackson compró los derechos de publicación de las canciones de Los Beatles en 1985.

McCartney dirigió su primer largometraje en 1984, «Give my Regards to Broad Street». Mientras que la banda sonora, que incluía canciones nuevas y canciones de Los Beatles re-grabadas, fue un éxito, generando el sencillo «No More Lonely Nights», la película fue un fracaso, generando críticas terribles. 

En 1989, publicó «Flowers in the Dirt». Recibió las mejores críticas de cualquier lanzamiento suyo desde «Tug of War», y fue apoyado por una extensa gira internacional, que fue capturada en el doble álbum en vivo «Tripping the Live Fantastic» (1990). Para la gira, McCartney contrató al guitarrista Robbie McIntosh y al bajista Hamish Stuart, que formarían el núcleo de su banda durante el resto de los años noventa.

McCartney se aventuró en la música orquestal en 1991 con «liverpool Oratorio», cuando la Real Sociedad Filarmónica de Liverpool le encargó una pieza musical. Los comentarios fueron negativos. A partir de 1994, McCartney se tomó un descanso de cuatro años de su carrera en solitario para trabajar en la «Beatles Anthology» proyecto con Harrison, Starr y Martin. 

Paul y Linda McCartney en 1967

El 17 de abril de 1998, Linda McCartney murió después de una lucha de tres años con el cáncer de mama. Un Paul afligido guardó un perfil bajo durante los siguientes meses. 

En 2005 grabó «Chaos and Creation in the Backyard». El álbum alcanzó el Top Ten en más de una docena de países, incluyendo Los Estados Unidos y el Reino Unido.

Más tarde, en 2011, McCartney lanzó su primer ballet, «Ocean’s Kingdom», y un año después, su primera colección de standards anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Este último trabajo, titulado «Kisses on the Bottom», encabezó las listas de jazz de Estados Unidos y llegó a los Top 5 en siete países diferentes.

En este año 2017, McCartney apareció en la película «Piratas del Caribe: La Venganza de Salazar» en un papel secundario.

McCartney (1970)

Ram (1971)

Red Rose Speedway (1973) (Wings)

Band on the Run (1973) (Wings)

London Town (1978) (Wings)

McCartney II (1980)

Tug of War (1982)

Pipes of Peace (1983)

Give My Regards to Broad Street (1984)

Flowers in the Dirt (1989)

Flaming Pie (1997)

Chaos and Creation in the Backyard (2005)

Kisses on the Bottom (2012)

New (2013)

El 8 de junio de 1967 llegó al Nº 1 de las listas inglesas el tema de Procol Harum, «A Whiter Shade of Pale», más conocido en España como «Con su Blanca Palidez». Permaneció seis semanas en este puesto. Mantener esa posición en aquel verano de 1967, quizás el año más importante de la historia de la música popular, refleja la calidad y el impacto popular que obtuvo esta canción. En Francia estuvo tres meses liderando las listas. Es más, la frase “a whiter shade of pale” consta en el Diccionario Oxford de locuciones modernas por su amplia utilización en el lenguaje coloquial, al margen de la canción.

Según estimaciones de la BBC, ha sido la canción más radiada de la historia. A nivel popular pocas canciones pueden rivalizar con este maravilloso tema inspirado en una pieza de Bach, con una letra totalmente surrealista, con un desarrollo musical casi sinfónico, que ya anunciaba la llegada del rock progresivo.

La balada producida por Denny Cordell, con música del cantante y pianista Gary Brooker y letra de Keith Reid. Fusiona el sonido psicodélico del momento y el barroquismo clásico de Johann Sebastian Bach. Es uno de los 30 singles que han vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo.

Reid creó el título y el punto de partida de la canción en una fiesta. Oyó a alguien decirle a una mujer: «Te has vuelto un tono más pálido que el blanco», y la frase se le metió en la cabeza. La letra original tenía cuatro versos, de los cuales sólo dos se escuchan en la grabación original. Ante lo enigmático de la letra, Claes Johansen sugiere que la canción «trata en forma metafórica una relación hombre / mujer que después de un coqueteo termina en un acto sexual». Esto es apoyado por Tim de Lisle en «Vidas de las Grandes Canciones», quien remarca que las letras se refieren a una seducción, que se describe a través de referencias al sexo como una forma de viaje, usando lugares míticos y literarios. Otros observadores también han comentado que las letras se refieren a una relación sexual.

La canción fue grabada en los estudios Olímpic, con Gary Brooker en la parte vocal y en el piano, Matthew Fisher en el órgano Hammond, David Knights en el bajo y Ray Royer en la guitarra. La batería fue tocada por el músico sesión Bill Eyden. Unos días más tarde, la canción fue re-grabada con el entonces recién reclutado batería Bobby Harrison , pero esa versión fue descartada, y una de las grabaciones mono originales fue elegida para su lanzamiento.

Matthew Fisher, el organista del grupo, creó la fenomenal intro y que crea esa atmósfera que domina todo el tema, así como la marca de reconocimiento de la canción desde el segundo uno.

La autoría de la canción ha sido objeto de una amarga disputa entre los miembros fundadores de Procol Harum. Los créditos de la canción son de Reid como letrista y de Brooker como compositor musical, pero, después de un largo proceso legal, se añadió a Matthew Fisher a los créditos de la canción. En 2006 un juez dictaminó que los autores reconocidos hasta el momento, debían compartir el 40% de los derechos con el organista de la banda, Matthew Fisher, por haber compuesto la melodía de la canción en su órgano.

Es uno de los temas más versionados de la historia incluyendo a Glenn Hughes, Joe Cocker, Engelbert Humperdinck, Phil Lynnot (de Thin Lizzy), Percy Sledge, Sarah Brigthman, el tenor Helmt Lotti o Willie Nelson. En España la versión más conocida es la de los Pop Tops, que además supuso el lanzamiento de la banda.

Posición alcanzada en listas en diferentes países:

Australia              1

Austria                 4

Bélgica                1

Canadá               1

Francia               1

Alemania            1

Irlanda                1

Italia                   1

Holanda             1

Nueva Zelanda  1

Noruega             3

Polonia               2

España              1

Reino Unido       1

EE. UU.              5

Vídeo Original de la Canción (Subtitulado en Inglés y Castellano)

Actuación en la TV Francesa (11/06/1967)

En estos días se celebra el cincuenta aniversario del lanzamiento del álbum «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band», obra cumbre para muchos de la discografía de los Fab Four.

Sacralizado como el mejor álbum de todos los tiempos, aunque algunos críticos consideran que este trabajo está sobrevalorado. La larga sombra del estratosférico «Pet Sounds» de los Beach Boys, siempre ha sobrevolado sobre el «Sargento Pimienta».

Sin embargo, lo que está fuera de toda duda, es que uno de los temas del disco, «A Day in the Life», es la mejor canción de The Beatles. Yo añadiría más, es la mejor canción de la historia. La mejor banda de todos los tiempos, en medio de su cumbre creativa, dejaron esta joya absolutamente excepcional para la eternidad. Nunca nadie llegó tan lejos, y dudo mucho que alguien pueda llegar otra vez.

La relación compositiva entre John Lennon y Paul McCartney se había transformado drásticamente desde los primeros días del grupo, cuando escribían canciones cara a cara. Ahora era mucho más común que uno de ellos escribiera una canción por su cuenta y luego la trajera para que el otro pudiera editar, criticar y tal vez embellecer la materia prima suministrada.

En el caso de «A Day in the Life», la colaboración vino de la fusión de partes aparentemente dispares de canciones que los dos habían escrito por separado. Como dijo Lennon a Playboy poco antes de su muerte en 1980, «Yo estaba leyendo el periódico un día y anoté dos historias. Uno era sobre el heredero de la cervecera Guinness que murió en un accidente de coche. Esa fue la principal historia. En la página siguiente había una historia sobre unos cuatro mil baches en las calles de Blackburn, Lancashire, que necesitaban arreglar».

Cualquier historia en manos de los Beatles, suena interminablemente fascinante y reveladora. «A Day in the Life» es el epítome de este fenómeno.

Es una producción elaborada, llena de sofisticados trucos musicales de George Martin y Geoff Emerick (distorsión, eco, doblaje, reverberación). Una orquesta toca, y luego la voz de un cantante da paso a la de otro. De las reflexiones mundanas de John pasamos al esbozo de memoria doméstica de Paul. Y después del cataclismo orquestal, un lugar de descanso, ese solo de piano final.

Lennon y McCartney con el Productor George Martin

Es una canción, no de desilusión con la vida misma, sino de desencanto con los límites de la percepción de la realidad. «A Day in the Life» representa el mundo «real» como una construcción que reduce, deprime y, en última instancia, destruye. En el primer verso, basado, como el último, en una noticia publicada en el Daily Mail del 17 de enero de 1967. Lennon se refiere a la muerte de Tara Browne, un joven millonario amigo de los Beatles. El 18 de diciembre de 1966, Browne, un entusiasta de la contracultura londinense y, al igual que todos sus miembros, un usuario de fármacos que expanden la mente, falleció en un accidente de tráfico. Leyendo el informe del juez de instrucción, le inspiró a Lennonn los versos iniciales de «A Day in the Life», tomando la visión de los lectores, cuyo único interés estaba en la celebridad del muerto. Así, travestido como un espectáculo, la tragedia de Browne  y la tristeza de la música que Lennon creó para su letra, muestra una distancia que vira de lo desapasionado a lo insensible.

En la página siguiente del mismo periódico encontró un artículo cuya absurda temática complementaba la historia de Tara Browne: «Hay 4,000 baches en la carretera de Blackburn, Lancashire», se convirtió en el último verso.

ENLACE A LA CANCIÓN

Los Beatles comenzaron a grabar la canción dos días después de que Lennon se inspirase para escribir sus versos. McCartney agregó una sección intermedia. Una breve canción, recuerdo de sus días escolares que, en su nuevo contexto, se convirtió en un reflejo de una vida vacía, saturada por la rutina. La grabación fue construida posteriormente durante las tres semanas siguientes, hasta obtener el efecto deseado.

«A Day in the Life» representa el culmen de los logros creativos de los Beatles. Con una de sus letras más impactantes, su expresión musical es impresionante, su estructura a la vez totalmente original y completamente natural. La vocalización flotante de Lennon, con un sonido cercano al de una cinta magnetofónica, contrasta idealmente con la vivacidad de McCartney. La aportación de Starr en la batería sosteniendo la canción. Las contribuciones de McCartney en el piano y (particularmente) en el bajo, coloreando la música y de vez en cuando proporcionando el foco principal. Una brillantísima producción de George Martin, esta canción no sería lo mismo sin sus ideas, completa una pieza que sigue siendo una de las creaciones artísticas más penetrantes e innovadoras de su época y de todos los tiempos.