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Tesla (Festival de Experimentación Sonora) León: 24-26/Febrero/2017

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TESLA Festival de experimentación sonora en nueve actos

ACTO I
Leonardo en la corte de Pisa

TESLA 2017 / 24 de febrero / ACTO I / Mucrovisión y Elle Belga

  • Cuadro primero
    011235813
    Con las visuales de Mucrovisión
    Teatro El Albéitar
    Viernes 24 de febrero, a las 20:00 h
  • Cuadro segundo
    Elle Belga
    Teatro El Albéitar
    Viernes 24 de febrero, a las 21:00 h

ACTO II
Donde se cuenta cómo Lisa conoce a Louise

TESLA 2017 / 25 de febrero / ACTO II / Doppeltgänger

  • DEAD END LEÓN presenta a:
    Doppeltgänger
    Babylon
    Viernes 24 de febrero, a las 23:30 h 

ACTO III
Comparsa de Carnaval

TESLA 2017 / 24 de febrero / ACTO III / Musik, Diego Cadierno y Sufian Ben, con visuales de 2EverLoopS

  • Musik
    Promising/Youngster
    Sufian Ben
    Con las visuales de 2EverLoopS
    Dickens Tavern
    Viernes 24 de febrero, a las 0:30 h (del sábado)

ACTO IV
La fábula de Rodillazo y Fundergirl

TESLA 2017 / 25 de febrero / ACTO IV / Irísono, Bezbog y From Dub to Dub Productions

  • Cuadro primero
    Irísono
    MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
    Sábado 25 de febrero, a las 13:00 h
  • Cuadro segundo
    Bezbog
    MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
    Sábado 25 de febrero, a las 14:00 h
  • Entremés
    From Dub to Dub Productions
    MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
    Sábado 25 de febrero, de 12:00 a 15:00 h

ACTO VI
Ascenso y caída de Leonardo P.
o
Las edades de la mujer

TESLA 2017 / 25 de febrero / ACTO VI / Ópera experimental / Óscar Escudero y Enchiriadis

  • Enchiriadis
    Las edades de la mujer
    Una obra de Óscar Escudero
    Teatro El Albéitar
    Sábado 25 de febrero, las 21:30 h

ACTO VII
Negro

TESLA 2017 / 25 de febrero / ACTO VII / David Kri y Tangential

  • Preludio
    David Kri
    Glam Theatre
    Sábado 25 de febrero, a las 23:00 h y a las 23:45 h
  • Cuadro principal
    Tangential
    Glam Theatre
    Sábado 25 de febrero, a las 23:45 h

 Página web de TESLA FESTIVAL: www.teslafestival.es

Fleetwood Mac (Rumours) 40º Aniversario

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Muchas veces se usa y abusa del término «imprescindible» para definir un álbum. Si en muchos casos no es más que una exageración, en el caso que nos ocupa, esta definición está totalmente justificada.

«Rumours» es el mejor disco y el más popular de la banda anglo-americana Fleetwood Mac, ganador de un premio Grammy, y del que se han vendido más de 40 millones de copias en todo el mundo, siendo uno de los álbumes de mayores ventas de todos los tiempos.

Fleetwood Mac cuenta con una de las biografías más pintorescas de la historia del rock. Creado en 1967 en Inglaterra, fueron una de las puntas de lanza de la explosión del blues en el Reino Unido. Casi todos los miembros de la banda se criaron a los «pechos» del gran patriarca del blues británico, John Mayall. Tanto su líder inicial, el guitarrista Peter Green, como el batería Mick Fleetwood y el bajista John McVie, que a la postre dieron nombre al grupo, pasaron por los míticos Bluesbreakers del citado Mayall.

Formación inicial de Fleetwood Mac: John McVie, Jeremy Spencer, Peter Green, Danny Kirwan y Mick Fleetwood

Con la llegada de los años setenta, surgió uno de sus períodos de crisis más importantes, donde sufrieron la salida de sus principales miembros; Green, Spencer y Kirwan, pero por otro lado,  llegaron al grupo Christine McVie, esposa de John McVie, y Bob Welch. Además, y por cerca de cinco años sus discos perdieron popularidad en el Reino Unido, pero que a su vez comenzaron a tener un leve reconocimiento en los Estados Unidos. Para finales de 1974 y convertidos en un trío tras la marcha de Bob Welch, viajaron a California donde conocieron a una pareja, futuros integrantes de la banda: Stevie Nicks y Lindsey Buckingham. Con ellos renovaron su sonido alejándose de las raíces del blues para acercarse al soft rock y al pop rock, que les brindó un éxito apoteósico en los diferentes mercados mundiales, posicionándose en lo más alto de las listas, obteniendo ventas multimillonarias.

En 1975, este quinteto publica un álbum cuyo título es el nombre de la banda. «Fleetwood Mac» fue lanzado en julio de 1975. Aunque el grupo sólo experimenta un éxito modesto inmediatamente después de la publicación. Después de luchar tenazmente durante varios meses, la banda comenzó a ver los resultados de su trabajo. En una entrevista, Stevie Nicks comentó del álbum: «Actuamos en todas partes y vendimos ese disco. Pateamos todo el país presentándolo». Quince meses después del lanzamiento de «Fleetwood Mac», el álbum llegó a la cima de las listas de Estados Unidos.

Fleetwood Mac en 1975: Mick Fleetwood, Stevie Nicks, John McVie, Christine McVie y Lindsey Buckingham

Su siguiente trabajo, «Rumours», nunca sería un álbum más. Tras su lanzamiento en 1977, se convirtió en el LP más vendido de todos los tiempos hasta la fecha, moviendo 800.000 copias por semana en su apogeo, y su éxito hizo de Fleetwood Mac un fenómeno cultural. Se convirtió en un tótem de los excesos de los años setenta.  En el momento en que se hizo, las libertades personales ganadas por la convulsión social de los años sesenta se habían dispersado en un hedonismo sin restricciones. Como resultado: una extensión post-hippie, sin darse cuenta de que el crepúsculo de la era del amor libre estaba llegando y no habría vuelta atrás. En 1977, no había conocimiento del SIDA, y la gente todavía pensaba que la cocaína no era adictiva y si estrictamente recreativa. «Rumours» es un producto de ese momento y sirve como un criterio por el cual medimos cuán «setentas» eran los setenta.

Sin embargo, es difícil no entrar en la mitología de «Rumours» tanto como un álbum, como un paradigma de la cultura pop. Un registro impecable sacado de los restos de la vida real de los miembros de la banda. Como uno de los álbumes fundamentales del rock clásico, se mantiene mejor que cualquier otro éxito comercial de esa época. Ahora podemos usarlo como una especie de punto de referencia nostálgico, que ya no hay grupos como ese, que no hay una banda de rock tan apetecible que edite el álbum más vendido en los Estados Unidos durante 31 semanas. «Rumours» era simplemente perfecto.

El proceso de producción de este álbum sufrió de una miríada de problemas, sobre todo las disoluciones de varias relaciones dentro de la banda y el comportamiento hedonista resultante y los conflictos interpersonales. El bajista John McVie y la teclista / vocalista Christine McVie acababan de pasar por un divorcio. El guitarrista / vocalista Lindsey Buckingham y la vocalista Stevie Nicks estaban en una relación que podemos definir como tumultuosa, que finalizó antes de la grabación del álbum, y el batería Mick Fleetwood tampoco disfrutaba de paz familiar precisamente. Todas estas dificultades crearon un ambiente que señaló la dirección general de todas las letras del álbum.

Realmente «Rumours» fue un cruce de reproches entre los miembros de la banda. Nicks, Buckingham y Christine McVie comenzaron a escribirse canciones entre ellos, como una especie de diario musical, sacando a relucir los trapos sucios de cada uno.

La canción que abre el álbum “Second Hand News” la escribió Lindsay para Stevie (“Algo que creo que deberías saber / No te voy a extrañar cuando te vayas”). De inmediato, Nicks le respondió inmediatamente con la contundente y deliciosa “Dreams” (“Y aquí vas de nuevo, diciendo que quieres tu libertad”). Así es que Buckingham contraataca con “Never Going Back Again” (“Caí una vez / Caí dos veces / No voy a regresar nunca más”) y con más fuerza en “Go Your Own Way” (“Amarte no es hacer lo correcto”). Stevie no se puede quedar callada y le asesta “I Don’t Want to Know” (“No quiero interponerme entre tu y el amor, corazón / Sólo quiero que te sientas bien”).

Por su parte Christine le escribió a John la popular “Don’t Stop”, una cariñosa y bien intencionada, pero dolorosa canción sobre que algún día él se sentiría mejor. Aunque no debió de hacerle mucha gracia cuando tuvo que intervenir en la grabación de “You Make Loving Fun”, escrita por su ex para su nuevo novio. “The Chain” es el corte que abre la cara B del vinilo y que fue compuesta en base a un riff de bajo de John McVie absolutamente antológico. Es el único tema en el que todos los miembros del grupo participan en su creación. «The Chain» está llena de oscuras referencias en sus letras y se desarrolla en un continuo vaivén de subidas y bajadas.

Recreación de la Portada del Álbum a Cargo de los Personajes de Los Simpson

Stevie Nicks comentó que Fleetwood Mac creó su mejor música cuando peor estaban anímicamente. Mientras que, según Buckingham, las tensiones entre los miembros de la banda ayudaron al proceso de grabación y llevó a que: «el resultado final fuese más que la suma de partes». Mick Fleetwood comentó que, de no ser por «Rumours», el grupo no habría durado mucho más debido a las tensiones internas que arrastraba.

En 1998, la revista Q colocó a «Rumours» en el tercer puesto, detrás de «London Calling» de The Clash y el disco de Pink Floyd «The Dark Side of the Moon», en su lista de los 50 mejores álbumes de los años setenta. En 1999, Vibe lo ubicó entre los 100 álbumes esenciales del siglo XX. En 2003, la cadena de televisión VH1 lo puso en el puesto número 16 de su lista de los 100 mejores álbumes de la historia, mientras que Slant lo incluyó en su lista de los 50 álbumes esenciales del pop. Ese mismo año, USA Today colocó a «Rumours» en la posición número 23 de su lista de los 40 mejores discos de la historia. La influyente revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto número 25 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Todo este mareante cúmulo de reconocimientos lo resumió perfectamente el periodista Chuck Klosterman en 2004: «Hubo un tiempo en que «Rumours» de Fleetwood Mac, simplemente se veía como un disco que vendió muchísimo; sin embargo, de cinco años para acá, está más aceptado clasificar a «Rumours» como grande en sí mismo y por sí mismo».

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

Fleetwood Mac (Live at Nashville Municipal Auditorium) 21/05/1977

¡Esto es León! II: Una Mirada al Pasado Musical de la Ciudad de León (Años Ochenta y Noventa)

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Formación Inicial de Los Cardiacos

Si hay una edad de oro del pop rock en la ciudad de León, sin duda fue la década de los ochenta. La calidad y variedad de estilos de las bandas que nacieron en aquellos años, no es comparable a ninguna otra época.

¿Hubo una movida leonesa?, sin duda alguna. Fue además un movimiento de características propias. No era un mero calco de otras como la madrileña. Aquella música cocinada en locales como La Mandrágora, El Oasis, La Tropicana, la mítica Toisón, y como no, el Barrio Húmedo. Destacar sobremanera el CCAN, lugar de referencia y encuentro de todo lo novedoso y alternativo del León de aquellos años.

Bandas como Veredicto Final, La Fuga, Los Positivos, Los Deicidas, Los Flechazos, Ópera Prima, Fundición Odessa, Los Decrépitos, Berlín Interior, Búfalo… y, sobre todo, Los Cardiacos.

Terminando la década de los setenta surge la banda por antonomasia de la música leonesa, Los Cardiacos. Enrique Jiménez (Kike Cardiaco) y Carlos Suárez grabaron una cassete, y se dedicaron a venderla casi puerta a puerta. Vendieron 2.000 copias.

Fruto de su victoria en un certamen nacional, fichan por Fonogram y graban dos singles. El primero fue el mítico «Salid de Noche» / «Chicas de Burda», dentro de la corriente del Ska. Con un ritmo trepidante y unas letras ingeniosas consiguieron un relativo éxito. Su siguiente sencillo fue «Noches de Toisón» / «Extraños en tu sombra». A pesar de la calidad de estos temas, la negativa de la discográfica a producir un LP, propició la salida de la banda de la misma.

Cuando su formación se vio reducida a cuarteto en 1982 con la marcha de su sección rítmica, los supervivientes emprendieron una nueva etapa artística que se vio culminada con la publicación del maxi-single «El Expreso de Bengala», una apuesta arriesgada que se editaría bajo el sello Fusión Records, tras haberse grabado en los estudios madrileños Doublewtronics.

En 1984 graban su primer LP. Es toda una lección del pop más exquisito, donde rinden culto a una variedad de tendencias musicales. Al año siguiente editan un maxi, «La Costa Oeste / Silencio en el Dial», quizás lo mejor de su carrera. Hay que recordar el concierto que ofrecieron en las fiestas patronales de San Juan, donde presentaron este trabajo, fue absolutamente memorable.

Pero poco después Carlos Suárez abandona el grupo. Los Cardiacos  grabaron dos nuevos trabajos, el último «Héroes y Villanos», es un trabajo maduro y altamente interesante, donde se destilan influencias jazzísticas. Fue el canto del cisne de esta banda imprescindible, que quizá no fue lo suficientemente valorada, incluso en el propio León. Los Cardiacos serán objeto de una entrada monográfica en este espacio, donde profundizaremos más en su trayectoria musical.

El otro gran grupo leonés de los ochenta, por repercusión local y sobretodo nacional, fueron Los Flechazos. Ellos llegaron un poco tarde al revival mod de finales de los setenta representados por The Jam. En España fueron representantes grupos como Los Elegantes o Brighton 64. Llegaron tarde, pero han quedado como el gran referente nacional de aquel movimiento.

Alex Díez, anteriormente en Ópera Prima junto con el gran Pacho Rodríguez, inquieto en una capital de provincias fría y reacia a determinados impulsos culturales fuera de lo establecido. Consiguió juntar a un buen grupo para dar forma a su idea musical, influenciada por el estilo británico en la moda y la música de la década de los sesenta.

Los Flechazos

Los Flechazos irrumpió en la escena rockera española en 1986, con Álex a la guitarra, la teclista Elena Iglesias, el batería Pedro Javier Alonso y el bajista Héctor Escobar. El cuarteto influenciado por el Britpop debutó en 1987 con «Viviendo en la Era Pop». Su segundo álbum titulado «En el Club» siguió en 1989. Los Flechazos se disolvieron en 1998 después de una actuación en vivo como parte del Festival Purple Weekend.

Su sonido, con claras influencias de Los Small Faces hasta The Jam, pasando por The Who o The Kinks. Melodías fáciles, estribillos pegadizos, canciones pop de tres minutos, descaradas, brillantes y frescas, con la temática mod constantemente presente.

Pero hablar de Los Flechazos nos lleva a hablar del Purple Weekend, cuyo nacimiento no se entiende sin ellos. La historia de este festival se remonta a la segunda mitad de los años ochenta, vinculada a la trayectoria del grupo. Son Elena Iglesias y Álex Díez los creadores de este festival.

Festival mod por excelencia, coloca la ciudad de León en el punto de mira de los seguidores de la música y la cultura sixtie. Desde los años ochenta se celebra cada puente de diciembre. Superadas ya las veinticinco ediciones, cumple las expectativas cada año, ampliando las actividades y buscando la presencia en sus escenarios de los principales grupos nacionales e internacionales del movimiento mod.

Pero estas dos bandas no pueden oscurecer al resto de grupos que surgieron en León en los ochenta, y que varias de ellos continuaron en la década posterior.

Deicidas era un grupo liderado por José Luis Pajares (Alma mater del mítico pub Layla) en la guitarra y compositor de las canciones, y el simpar Felipe Zapico, cuya profunda voz destacaba sobremanera. Su primer EP llega en el año 1985 con el nombre de «Moderno Cartón de Piedra» pero no sería hasta 1987 cuando se lanza su primer LP «Landrú se Divierte (LSD)» muy rockero y con unas letras que no pasaban desapercibidas. Su último trabajo fue en 1993, un LP llamado «Epístolas» donde destacó el single «Bendito Bar».

Un grupo que no tuvo la suerte que se merecía por su inmensa calidad, fueron Fundición Odessa. Se formaron en 1984 con José Manuel Fernández (voz), Javier Vázquez (guitarra), Luís Miguel Díez (bajo), Alejandro Cartujo (batería) y Roberto González (teclados).

Grabaron tres extraordinarios LPs: “Déjate Caer” (1989), “Cuestión de Honor” (1992) y “Tres” (1993). Dejaron constancia de su calidad y potencial artístico con una propuesta muy influenciada por la New Wave inglesa y de grupos como los Joy Division. Pero como en tantas otras ocasiones, no obtuvieron el suficiente reconocimiento ni por parte de los medios ni por la industria discográfica.

Fundición Odessa

En 1985, Vicente Muñoz (autor de «Regresiones») y la hinóptica Ana Campe, forman Veredicto Final. Hacían un rock and roll con ciertas influencias country. Fue una de las propuestas más originales que nacieron en aquella movida leonesa.

Veredicto Final

Ya mencionamos en la entrada anterior a Abuelo Jones, surgido a principios de los setenta, y su aproximación al country. León es una ciudad con larga tradición de grupos que podíamos englobar en lo que hoy se denomina Americana Music. Palo de Trueno y Colt 45, bandas a veces efímeras, pero que mantuvieron alto el pabellón de la música vaquera en esta ciudad.

A principios de los noventa, Héctor Díez (fundador original del grupo), Ana Campesino y Jesús Bardal, más otros colaboradores, resucitan el nombre de Abuelo Jones. Con una originalísima propuesta musical basada en el «NewGrass», la fusión entre el Country y el BlueGrass, pero también con ingredientes del Folk y el Blues, reconociendo influencias de los Byrds, Emmylou Harris, The New Grass Revival y The Beatles entre otros. A destacar su trabajo de 1993, «Travellers», sencillamente antológico.

Abuelo Jones

Todos cuantos vivieron los años ochenta en esta ciudad recordarán el «Esto es León» de Berlín Interior, donde destacaba otro histórico de la música y la comunicación leonesa como es José Manuel Contreras. Esta canción podía escucharse, entre otros muchos espacios, en aquel nocturno e inclasificable programa radiofónico «Susurros y Pellizcos». Posteriormente a quedado como Himno de manifestaciones políticas y deportivas.

Y para acabar, Café Quijano. Surgidos a finales de los noventa, seguramente sea el grupo leonés más conocido en la actualidad, ya que desde que se dieron a conocer en todo el país con su canción “La Lola“, han sabido mantenerse, con diversos cambios de estilo, hasta nuestros días.

Los Cardiacos (Salid de Noche) 1980

Los Cardiacos (Noches del Toisón) 1981

Los Cardiacos (Obsesión) 1984

Los Cardiacos (Silencio en el Dial)

Los Cardiacos (La Lluvia de Ayer) 1987

Los Flechazos (Viviendo en la Era Pop) 1988

Los Flechazos(La Chica de Mel) 1990

Los Flechazos (A Toda Velocidad) 1992

Fundición Odessa (No Perderé mi Cabeza por ti) 1988

Fundición Odessa (España en Guerra) 1988

Deicidas (Camionero de Fortuna) 1987

Deicidas (Bendito Bar) 1993

Veredicto Final (Fiesta Gitana) 1986

Veredicto Final (Desesperación) 1986

Abuelo Jones (Un Palo al Agua) 1993

Abuelo Jones (Nocturno para Banjo y Voz) 1993

Berlín Interior (Esto es León) 1986

Café Quijano (La Lola) 1999

¡Esto es León! I: Una Mirada al Pasado Musical de la Ciudad de León (Años Sesenta y Setenta)

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El blog hermano tULEctura, dentro del club de lectura “Leemos juntos”, que lleva a cabo en colaboración con el servicio de Bibliobuses de la provincia, propone el libro “Regresiones” del autor leonés Vicente Muñoz Álvarez. Es una novela que hace un recorrido por aquel León que conoció el autor en su infancia, años setenta, y su adolescencia y juventud, años ochenta y noventa.

El autor, que fue miembro del grupo Veredicto Final, una de tantas bandas que eclosionaron a principios de los ochenta. hace un homenaje en su obra a aquella generación de músicos, artistas y escritores, que surgieron al calor de la transición, y fueron un revulsivo en una ciudad, quizás en exceso pacata y provinciana, como era el León de entonces.

Me propongo hacer un breve, pero intenso recorrido por aquellos años, aquellas músicas. Espero controlar esa nostalgia que siempre acecha en estas ocasiones, pero creo que será inevitable. De unos tiempos que no se si eran mejores o peores que los actuales, pero desde luego son irrepetibles y nunca volverán.

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Los últimos años de la década de los cincuenta fueron los comienzos de la «movida» musical en León. Las emisoras locales Radio León y la Voz de León comenzaron a incluir en su programación actuaciones de todos los leoneses que tenían inquietudes artísticas. Una vez a la semana y en riguroso directo, los oyentes de estas emisoras podían disfrutar del arte de sus paisanos. Instrumentistas, grupos vocales o canción ligera.

Pero la verdadera revolución llegó a mediados de la siguiente década. Los dos festivales de conjuntos músico-vocales celebrados en el Teatro Emperador en 1966 y 1967, fueron un revulsivo, no solo musical, sino también social. El certamen tuvo repercusión nacional, siendo además pionero en su género. «Nadie esperaba en Madrid y Barcelona, que una capital de provincia como León pudiera dar una lección a todas las ciudades grandes» se podía leer en la revista Fonorama. Participaron conjuntos de toda España y varios grupos de diferentes países.

Pero no tuvo continuidad. Pese al éxito de los festivales, con el teatro a reventar y su proyección mediática fuera de la provincia. Seguramente las fuerzas vivas de la ciudad pensaron que tanto melenudo descontrolado, podría contaminar a nuestra sacrosanta juventud.

Aquel León con aquellas míticas salas como el Club Radio, entre las plazas de La Pícara y las Cortes, el Students en República Argentina o la Sala Riosol, que era enorme.

Grupos pioneros como Los Megatones, The 5 Reylon´s, Los Tricolores o Los Mágicos. Cantautores que rompieron moldes como Ricardo Cantalapiedra. En León, a pesar de todo, hubo una intensa vida musical, con multitud de actuaciones en directo. Mucha ilusión y muchas ganas de quitarse la caspa, y no quedar atrás en esa revolución que supuso la llegada del rock.

La llegada de la década de los setenta, supone en una ciudad de provincias como León el auge de las primeras discotecas, que consolidan la afición a la música moderna y compiten por estrenar los mejores discos. Es la época de Club XII, Pussy, Apolo XI, Riverside, 68, Atomium, Garden, Gwendoline… El fenómeno se extiende también por la provincia y las discotecas crecen como setas.

Grupos como Tatiana, Almacén de Caramelos (primera formación jazzística de nuestra ciudad) y Colectivo I, mantienen el impulso musical en unos tiempos ásperos y oscuros, donde el rock casi roza la clandestinidad. A esto se suma la explosión de grupos folk como Buenas Noticias, el pionero en este género, con un estilo similar a Nuestro Pequeño Mundo. Después y con algunos cambios se convertirían en Barrio Húmedo. Otros grupos como Plaza Mayor o Hierba del Campo, fueron señeros también en esta corriente. Así mismo, surge a principios de la década Abuelo Jones, con posteriones reinvenciones, con su acercamiento a la música country.

Si el acontecimiento musical de los sesenta fue el Certamen de Conjuntos Músico-Vocales, los años setenta también tuvieron el suyo. José Luis Fernández de Córdoba, peculiar personaje, que con todo, dio un gran impulso al rock, organizó conjuntamente con la revista Popular 1, el primer Enrollamiento Ciudad de León, cuya celebración sería el sábado 26 de junio de 1976.

Eso del «rollo» empezó a convertirse en una especie de santo y seña en todo aquel que quería estar a la última y huía de lo comercial. El año anterior se celebró en Burgos un festival de características similares, que fue un éxito rotundo, León daría continuidad a ese proyecto.

La nómina de participantes es mareante, como se puede observar en el cartel del festival, y de hecho su participación en el enrrollamiénto supuso un espaldarazo a su carrera. Abundaba el rock progresivo, más duro o más melódico, con la excepción de la cantante y modelo alemana Nico, musa de Warhol, e integrante de la Velvet Underground de Lou Reed y John Cale. Exasperó al personal con su voz desvaída y el sonido decadente de su armonio. A la tercera canción empezaron los abucheos, previos al lanzamiento de botellas al escenario, el cual tuvo que dejar a toda velocidad al ver peligrar su integridad.

Al día siguiente, la prensa local no ahorró calificativos del tipo «Capital de la mugre». El festival, como ocurrió el los sesenta, no tuvo continuidad. Otra vez los biempensantes prohombres de la ciudad quedaron escandalizados por aquel aquelarre que había ocurrido en el Palacio de los Deportes, con el añadido del millón de pesetas que había dado el Ayuntamiento para la organización del mismo. Más de cuarenta años después, este festival es una de las citas míticas de la música popular española.

Los Megatones (Popotitos)

Los Megatones (Momentos)

Los Megatones (Apache)

Ricardo Cantalapiedra (El Profeta) – Álbum Completo

Buenas Noticias (Gotta Travel on)

Barrio Humedo (Amaneció)

Hendrik Röver (09/Febrero/2017)

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Jueves, 9 febrero, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

HENDRIK RÖVER & LOS MÍTICOS GT’S (Fetén/Fatal)

Siempre me han gustado las reediciones de dos discos en uno. Un montón de canciones, una visión más amplia de una época de un artista… Reconozco que ahora mismo no tenía dos discos para reeditar pero sí tenía material inédito para hacer dos discos. Pues ya está. Dicho y hecho. Aquí están Fetén y Fatal.

Una vez más, vuelvo a hojear en el inagotable catálogo de miserias humanas en busca de inspiración para las letras y en la lista de «canciones por hacer» para las músicas. Si uno pone empeño, Fetén y Fatal pueden responder a una selección temática según la cual Fetén sería el disco optimista y Fatal el pesimista pero no se dejen engañar por las apariencias y escúchenlos con atención. La cosa no es tan sencilla.

Ambos discos están lleno de historias contadas desde mi particular sentido del humor, que como alguien me dijo el otro día viene a ser como el vinagre de módena: agradable en apariencia pero con un toque agrio…historias tan asumibles como cotidianas, tan llenas de realidad como lo inventadas que son. No hay comilona que no produzca acidez. Hay Honky Tonk, Rock and Roll, Western Swing, Blues, Country, Americana (sea lo que sea eso) y Cantautorismo. Ud. Elige. Una visión amplia por tanto de lo que he maquinado con los Míticos desde nuestro «Incluye Futuros Clásicos» de hace ahora dos años.

Grabado en GuitarTown en sesiones sueltas tarde/noche desde septiembre a noviembre de 2016 con Goyo Chiquito al contrabajo y Toño López Baños a la batería y percusiones.

Hendrik Röver (Astillero, Diciembre 2016)

www.hendrikrover.com

Hendrik Röver (Los Conciertos de Radio 3) 2011

Hendrik Röver & Los Míticos GT’s (Concierto Lanzarote) Agosto 2014

 

Noè Rodrigo (07/Febrero/2017)

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Martes, 7 febrero, 2017 – 20:15 H.

Martes, 7 febrero, 2017 – 20:15 H.

Teatro el Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla

Juventudes Musicales

Noè Rodrigo Gisbert nació en Altea (Alacant) en 1992 y empezó sus estudios musicales a los 8 años en el Conservatori Municipal Professional d’Altea, dónde terminó en 2010 obteniendo las máximas calificaciones y el Premio extraordinario de Grado Medio. Continuó sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA), bajo la tutela de los profesores César Peris, Lorenzo Ferrándiz, Verónica Cagigao, Ignacio Molins y Francisco Inglés.

Durante sus estudios en Altea, fue miembro también de la Nexeduet Academy, formada por los percusionistas Jordi Francés y Sisco Aparici, y los profesores invitados Laurent Mariusse, Pedro Carneiro, Jean Geoffroy y Christian Dierstein.

Ha asistido a diversas master clases con importantes percusionistas internacionales como Marc Pino, Gustavo Gimeno, Anton Mittermayr, Guido Rückel, Wieland Wetzel, Raymond Curfs, Oliver Madas y Bill Linwooden el ámbito de la percusión orquestal; y Josep Vicent, Markus Leoson, Isao Nakamura, Nuno Aroso, Philippe Spiesser, Nancy Zeltsman, Jer-Huei Cheny Peter Sadlo en el ámbito de la percusión solista.

Noè es un percusionista muy versátil, ya que combina el interés por la percusión orquestal y solista, así como la música de cámara y de ensemble.

Como percusionista de orquesta, es miembro de la Lucerne Festival Alumni Orchestray también de algunas de las mejores orquestas jóvenes de Europa, como la EUYO (European Union Youth Orchestra), Lucerne Festival Academy Orchestra, JONDE (Joven Orquesta Nacional de España), NJO (Nederlands Jong Orkest), entre otras; y SOAP (Symphony Orchestra Academy of the Pacific)en América (Canadá). Colabora con la Royal Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam, la Nederlands Philharmonisch Orkest y la Nederlands Kamerorkest.

Como intérprete solista, obtuvo el primer premio en el Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes de Juventudes Musicales de España 2015 y un premio especial de la European Union of Music Competitions for Youth (EMCY) por una interpretación excelente en esta competición. Anteriormente, ganó en dos ocasiones el Concurs d’Interpretació Musical del Conservatori d’Altea, en las ediciones de 2007 y 2009, obteniendo el primer premio en ambas ediciones y la Mención de Honor por la máxima puntuación de todas las categorías en 2009. En noviembre de 2016 debutó en la Sala de Concerts del Palau de la y en enero de 2017 en el Storioni Festival en Eindhoven.También ha participado en la prestigiosa competición de percusión TROMP International Percussion Competition Eindhoven 2016, siendo galardonado con el premio Willem vos, que se otorga a la mejor interpretación de la obra de marimba en la segunda ronda. Continuará ofreciendo recitales en el territorio español a través del ciclo AiEnRuta 16/17 y en las giras del Primer Premio de Juventudes Musicales España.

En el ámbito de la música de cámara y ensemble, ha sido miembro de la Academia para la Nueva Música en Zaragoza, Percusiones del CSMA, Aldeburgh Contemporary Emsemble, NJO Steve Reich Ensembley actualmente es miembro activo de Mbira-dúo ycolabora con el Oerknal! ensemble, Nieuw Amsterdams Peil, Slagwerk Den Haag, Asko|Schönberg ensembleyNew European Ensemble. Forma parte también de la producción Young Performance Divamania, de Lucerne Festival.

Ha trabajado personalmente con importantes compositores actuales como Steve Reich, Luis de Pablo, Anton García Abril, Jesús Torres, James Wood, Louis Andriessen, Matthias Pinstcher y Wolfgang Rhim. En los últimos años, siempre ha trabajado con compositores jóvenes, estrenando muchas obras tanto en España como en Holanda. Recientemente estrenó el primer solo escrito especialmente para él, SHIFT-Fajrant!, para percusión y electrónica, del compositor polaco Tomasz Arnold.

El pasado mes de junio, Noè finalizó un programa de máster en el Conservatorium van Amsterdam con algunos de los mejores percusionistas del panorama europeo e internacional: Peter Prommel, Arnold Marinissen, Mark Braafhart, Nick Woud, Ramon Lormans, Richard Jansen y Bence Major.

Moi, Jeu… (Bruno Mantovani) Marimba

Los Panchos: Recordando a los Reyes del Bolero

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El próximo quince de febrero actúan en León, en el Auditorio de la ciudad, la cantante Tamara junto con el Trío Los Panchos. Este trío es historia viva de la música cantada en español. Creadores de la mayoría de los boleros más conocidos, han sido parte importantísima de la banda sonora de varias generaciones. Sus boleros a la «mexicana», como los definió algún crítico, tenían una mayor profundidad dramática que los compuestos por otros autores. Hagamos pues un repaso a una intensa carrera de más de setenta años.

El Trío Los Panchos empezó su carrera en Nueva York, en 1944, aunque sus miembros no eran de allí: Alfredo Bojalil Gil «El Güero» y Jesús «Chucho» Navarro eran mexicanos, núcleo duro del grupo, y Hernando Avilés de Puerto Rico. Pero en sus seno hubo continuos cambios, seguir su biografía es extraordinariamente complicado.

En 1951, cuando Hernando Avilés abandonó el grupo, inmediatamente Gil y Navarro convocaron a una audición a varios aspirantes, la cual ganó el músico y cantante boliviano Raúl Shaw Moreno. Shaw Moreno solo duró unos nueve meses con el grupo, ya que su voz, más pastosa y fuerte que la de Avilés, no terminó de gustar al público.

Hernando Avilés, Chucho Navarro y Alfredo Gil

Después de este contratiempo, el lugar de primera voz fue ocupado por variedad de artistas como los puertorriqueños Julio Rodríguez Reyes y Johnny Albino y el mexicano Enrique Cáceres Méndez, entre otros, incluyendo un fugaz regreso de Hernando Avilés a finales de los cincuenta.

En 1964, CBS propuso a los integrantes del trío, entonces conformado por los dos integrantes fundadores y Johnny Albino, el acompañar por primera vez a una voz femenina. Se trataba de la vocalista estadounidense de ascendencia sefardí Eydie Gormé, quien tenía varios años de trayectoria discográfica en los Estados Unidos y que empezaba a grabar en español. De la colaboración entre Gormé y Los Panchos, nació el álbum «Great Love Songs In Spanish». El éxito de este disco hizo que la CBS los reuniera nuevamente para grabar los álbumes «Cuatro Vidas» y «Blanca Navidad». Los Panchos volvieron a colaborar con vocalistas femeninas. Es el caso de los álbumes grabados junto a la italiana Gigliola Cinquetti y las cantantes argentinas Estela Raval y María Martha Serra Lima.

Eydie Gorme y Los Panchos (1964)

Eydie Gorme y Los Panchos (Cuatro Vidas) 1965

Ovidio Hernández fue primera voz del trío de 1971 a 1976. Fue autor de las canciones «Ah, que gente», «Escoria», «Camina», «Perderás, perderás» y «Por fuera y por dentro». Lamentablemente una infección acabó con su vida falleciendo en México D.F. el 27 de septiembre de 1976, como dijo Chucho Navarro «el primero de Los Panchos que nos deja».

Rafael Basurto Lara Ingresó en el trío como 1ª voz tras el fallecimiento de su antecesor Ovidio Hernández. En 1981 con el retiro de Alfredo Gil, se cerró un ciclo en Los Panchos, el anuncio se hizo a través de una gira por América, que se llamó “Hasta Siempre”, en Venezuela realizaron un especial de televisión donde Alfredo Gil anunció su retiro y la continuación de Rafael Basurto Lara como la 1ª voz del grupo.

Pero al poco tiempo, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara decidieron continuar, como “Los Panchos” esta pequeña sutileza era el respeto por la retirada de Alfredo Gil, porque por muy bueno que fuera el músico que designaran, jamás ocuparía el lugar de Gil. Varios fueron los miembros que acompañaron a “Los Panchos” entre ellos podemos citar a los mexicanos Willy Fonseca, Lalo Ayala, José Luis Sánchez Camacho y Gabriel Vargas.

Formación de Los Panchos en 1990

Tras la desaparición física de Chucho Navarro en 1993, surgieron sucesivas formaciones utilizando, legal o ilegalmente, el nombre del “Trío Los Panchos”, pero lo cierto es que los miembros del verdadero, único e irrepetible “Trío Los Panchos” ya no se encuentran entre nosotros, pero quedan para siempre en la memoria colectiva la grabación de más de 2500 canciones, repartidas en unos 260 discos de larga duración, entre los que se encuentran 6 grabados en japonés y 2 en griego. Así mismo participaron en unas 50 películas, ganaron muchos discos de oro e infinidad de premios, reconocimientos y homenajes alrededor del mundo.

Pueden ser considerados como el grupo más importante de la historia de la música romántica. Sus canciones han acompañado, enamorado y emocionado a millones de personas. Son sencillamente eternos.

AMPLÍSIMA SELECCIÓN DE SUS GRANDES ÉXITOS

 

Heaven & Earth (Refuge) 1973

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«Nuestra música realmente tiene una vida propia. En 1972 nos ofrecieron la oportunidad de grabar nuestra música, que fue publicada como el álbum «Refuge» en 1973. Vendimos 10.000 álbumes ese año y tuvimos muchas actuaciones deliciosas ante nuestros fans. Posteriormente ambas tomamos otras direcciones antes de poder publicar nuestro segundo álbum. A lo largo de los años, nuestros fieles seguidores han mantenido nuestra música viva y finalmente han dado a nuestra música un género propio, «Psychedelic Folk». Tal vez estábamos justo por delante de nuestro tiempo»

Con estas palabras define Jo D. Andrews, integrante de este maravilloso dúo junto con Pat Gefell, la historia de su primer y único álbum editado en 1973. 

Hay una belleza inocente en esta música. Las canciones hablan de las experiencias de Heaven & Earth como dos mujeres jóvenes que viven y viajan juntas. Las historias que cuentan son acerca del amor, la amistad, la libertad y una búsqueda del sentido de la vida. Es intemporal por completo, de una frescura eterna. Captura el tiempo y lo deposita en  el alma de todo el que lo escucha.

A principios de los años setenta, Jo y Pat coinciden como compañeras de piso en Nueva York. Encontraron un apartamento en el Upper West Side de Manhattan frente a Riverside Drive. Las dos mujeres trabajaron como camareras, modelos y cantantes para pagar su alquiler. Una noche, cuando ambas estaban en casa pasando una mala racha económica, escribieron su primera canción juntas. A partir de ese momento, esa composición fue el comienzo de Heaven & Earth, aunque todavía sin darse ese nombre.

Como cantantes y compositoras se convirtieron en parte de una contracultura, que inocentemente creía que si la gente se concentraba en el amor, la compasión por sus semejantes y la búsqueda de la libertad para todos, podría haber paz en la tierra. Como compañeras de habitación tenían muchas oportunidades para discutir sus creencias e ideas. Ambas habían sido influenciadas por la política de la época y se sintieron profundamente conmovidas por los acontecimientos más importantes del mundo: la Guerra de Vietnam, la liberación de las mujeres, el movimiento por los derechos de la población homosexual, el racismo y los asesinatos de las figuras políticas clave de su generación. Su música comenzó a reflejar algunas preguntas serias: «¿Qué hay del amor? ¿Por qué no podemos llevarnos bien?.

En 1971, tanto Pat como Jo D. se habían casado y en 1972, nombraron a su dúo, Heaven & Earth. Ese año el dúo comenzó a mostrar su material original actuando como teloneras de otra banda de gira por el país. Dick Shory, de Ovation Records, las escuchó en Chicago y llamó a su habitación del hotel para preguntar si tenían contrato con alguna discográfica. Y si no, ¿estaban interesadas ​​en hacer un álbum con el?. Al principio, Pat y Jo D. pensaron que era una broma, pero Dick insistió en que tomaran su número, y después de hablar de ello, las dos mujeres decidieron involucrar al esposo de Jo D., el arreglista George Andrews, en el proyecto.

Dick y George coprodujeron el álbum, con el título de «Refuge» y George escribió todos los arreglos. El álbum fue grabado en sonido cuadrafónico e inicialmente la respuesta fue muy buena en colegios, universidades y estaciones locales de televisión y radio en todo el país. A los oyentes les encantó, pero sus representantes y distribuidores no supieron cómo promocionar el dúo. ¿Qué eran de todos modos, folk, pop, algo intermedio?.

Sin respaldo sustancial y sin dinero, el camino se puso muy cuesta arriba para ellas. Mientras viajaban para promocionar el álbum, empezaron las disensiones entre ellas y los que las rodeaban. Estaban en sus veinte años y sin embargo la alegría de ese momento estaba disminuyendo. El glamour de «estar de gira» las llenaba cada vez menos. Como resultado, cuando las dos regresaron a Nueva York, ambas mujeres tuvieron un mayor aprecio por el «hogar dulce hogar». Era tan bueno estar en su propio barrio cantando y actuando.

Durante este tiempo, el padre de Jo, que había sido un mentor y padre para ambas mujeres, falleció. Jo D. y Pat eligieron pasar los últimos meses de su vida con él, en lugar de regresar a Chicago para grabar su segundo álbum. Durante los últimos meses de Clyde el dúo decidió que no iban a seguir con Ovation Records. A pesar de que les encantó el proceso de escritura y grabación en el estudio, la promoción de sus álbumes y la gira sin el apoyo de su compañía discográfica las decepcionó profundamente.

Cielo y Tierra Fotos - performance 2

El tiempo pasó, y unos treinta y cinco años más tarde, y gracias a  Internet, la música de Heaven & Earth comenzó a ser reproducida en la web por sus fans. Lion Productions dio un salto en el vacío y decidió lanzar el álbum como una reedición de CD con abundantes bonus tracks y abundante material gráfico. También lo editó en formato vinilo con una edición limitada a 750 copias. Yo soy uno de esos 750 afortunados que podemos disfrutar de este álbum mágico en formato analógico.

«Cuando Heaven & Earth se rompió en 1974, nunca imaginamos que habría una reedición de nuestro álbum «Refuge», unos treinta y cinco años después. A decir verdad, nunca nos planteamos ser Nº 1, o cual sería el camino que seguiríamos al encontrarnos fortuitamente las dos en el verano de 1969. Llámelo karma, destino, lo que usted eliga. Para nosotros esa reunión fue una bendición más allá de toda medida».

«Refúgiense» en el. No se arrepentirán.

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Germán Díaz (28/Enero/2017)

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Sábado, 28 enero, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €) : a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

GERMÁN DÍAZ

Nace en 1978 en Valladolid, donde realiza estudios de guitarra clásica y Filología Clásica en la Universidad de Valladolid así como el Curso de Postgrado «Especialista Universitario en Estudios sobre la Tradición».

Estudia zanfona con Rafael Martín, Pascal Lefeuvre, Laurent Tixier, Isabelle Pignol, Gilles Chabenat, Nigel Eaton, Patrick Boufard, Laurence Bourdin, Valentin Clastrier, etc…

Ha actuado por todo el mundo (Colombia, Brasil, Argelia, Rusia, Francia, Italia, Portugal, España, Austria, Bélgica, Alemania, Bulgaria, Marruecos, Eslovenia, Finlandia, Suiza, Paises Bajos, Noruega, Moldavia, Ucrania…) en prestigiosas salas y festivales como el Teatro Real de Marrakech, ConcertGebaum de Amsterdam, Universidad de Colombia, Reales Alcázares de Sevilla, Odessa Jazz Carnival -Ucrania-, Casa de los arquitectos de Moscú, Amuz -Amberes-, Stans Music Festival -Suiza-, Storas Festival -Noruega-, European Jazz Night Festival -Oslo-, UER Festival -Finlandia-, Ethno Jazz Festival -Moldavia-, centro Kulturbrauerei -Berlin-, Nits de Música de la Fundació Miró -Barcelona-…

Ha colaborado con numerosas formaciones e intérpretes como Rao Trío, Viellistic Orchestra, Wafir Shekeldin Gibril, Pascal Lefeuvre, Valentin Clastrier, Joaquín Saura, Quarteto Medieval de Urueña, Paolo Angeli, Tasto Solo…

Perteneció a la mítica Viellistic Orchestra, Orquesta de zanfonas asentada en Francia. Este proyecto desapareció en 2004, y Germán, formó un dúo con el director artístico de la Orquesta, Pascal Lefeuvre, y cofundó el Symphonía Quartet, cuarteto ibérico de zanfonas, junto a Rafael Martín, Marc Egea y Pascal Lefeuvre.

En 1999 fue galardonado con el premio Racimo de Oro de la música por su labor de recopilación y difusión de la música tradicional.

En 2004 creó su propia discográfica, Producciones Efímeras, junto a Fernando Fuentes, en la que se ha dado una especial atención a proyectos de zanfonistas como Marc Egea o Matthias Loibner.

En 2005, fue elegido para representar a Castilla y León en la edición del PopKomm de Berlín, la más importante feria discográfica del mercado centroeuropeo.

En 2006, fue elegido para representar a España, en la edición número 27 del Festival de la Unión Europea de Radiodifusión (UER), la entidad que aglutina a todas las emisoras públicas del continente, celebrado en Finlandia.

En noviembre de 2008, RNE clásica, le dedicó un programa sobre la zanfona, en directo desde la Fundación Juan March de Madrid.

En 2009 fue elegido por la Embajada Española para representar a nuestro país en el prestigioso European Jazz Nights, en Oslo.

Su disco Músicas populares de la Guerra Civil -dúo de zanfona y guitarra- , en colaboración con Antonio Bravo, fue elegido como segundo mejor disco del año 2009 por Cuadernos de Jazz, y mejor disco internacional por la veterana revista japonesa Jazz Tokio.

BRIGADA BRAVO & DÍAZ

Músicas populares de la Gran Guerra

El nuevo proyecto de la Brigada Bravo & Díaz se basa en la música popular de la 1ª Guerra Mundial. Buscando información sobre registros fonográficos, encontramos una colección interesantísima en la biblioteca de Santa Bárbara, de la Universidad de California. Están digitalizando miles de cilindros antiguos de cera y haciendo ciertos playlist con todos estos temas. Una de las temáticas en donde han recogido 116 canciones, de las que hasta ahora han digitalizado, es la música popular de la 1ª Guerra Mundial, y hemos tomado esas canciones para hacer nuestro nuevo proyecto discográfico.

Brigada Bravo & Díaz (Músicas Populares de la Gran Guerra) 2016

Brigada Bravo & Díaz (Oh! Frenchy) 2016

Sharon Van Etten (Tramp) 2012

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Siguiendo con el repaso a los fondos de la colección Manuel Tejada, generosamente donada a la Universidad de león, hoy presentamos a la cantautora Sharon Van Etten. Ella tiene el tipo de biografía que viene a la mente cuando las estrellas del pop cantan sobre los amantes despreciados y los años perdidos. Finalizada la escuela secundaria, se trasladó a Tennessee para asistir a la universidad estatal, y después de un año finalmente se dio cuenta de que no era para ella y abandonó. En algún momento del camino, cayó en una relación con un novio que pronto se volvió controladora. Junto con otros abusos, él repetidamente denigra sus intentos de escribir canciones, eran demasiado personales según el. Después de cinco años de soportarlo, ella finalmente abandona Tennessee y a su novio en medio de la noche y regresa a casa con sus padres ya separados.

Cuatro álbumes en una carrera haciendo lo que le dijeron que no podía, la norma inflexible que Van Etten se permite en su música es mantenerla resueltamente autobiográfica. «Tramp», al igual que sus dos discos anteriores, es un humilde álbum sobre los amores perdidos, marcados por la duda, la ira que se va diluyendo y otras cicatrices invisibles. La composiciones de Van Etten se definen con detalles elípticos, cotidianos, ambiguos, fantasmas de relaciones anteriores y suspiros del pasado. En «Tramp», Van Etten está dispuesta a proyectarse a sí misma, no como una víctima vulnerable o una heroína invencible. En «Serpents» ella lucha contra una pareja abusiva («Serpents in my mind / Looking for your crimes»), mientras que en «We Are Fine» describe un ataque de pánico con detalles impresionistas: «Tratar de respirar, la cabeza entre mis rodillas / Tome mi mano y exprima, diga que estoy bien «.

Ayudando a «Tramp» a recorrer ese variado terreno, contiene un sonido cuidadosamente desarrollado alrededor de las confesiones de Van Etten con una voz ahogada en el humo de sus recuerdos. En «Tramp», el productor Aaron Dessner ayuda al álbum a ganar cercanía y habita en el disco un sonido contundente y crudo que elimina la distancia entre el oyente y su protagonista.

El tema que lo abre, «Warsaw», encrespa la letra «Quiero estar encima de ti» encima de la guitarra eléctrica dentada, mientras que un disparo de voz ofrece curvas anhelantes y chispas distorsionadas, que gradualmente crecen de una manera que impulsa el sentimiento de anhelo en las palabras. «Give Out» es impulsado por un estrépito acústico, trémulo, con una energía nerviosa, mientras que las líneas bluesy de la guitarra se cruzan y se superponen, la voz de Van Etten se abandona a las promesas y el peligro de «los ojos en el fondo de la habitación». Mientras en «I’m Wrong» pregunta: «Dime que valgo todas las millas que señala tu coche / Dime que estoy equivocada».

En «Tramp» no hay una gran ruptura con el trabajo pasado de Van Etten, e, ignorando los adornos del álbum, ella vuelve sobre todo a viejos sonidos y estilos. Sin embargo, es un álbum impresionantemente vívido, lleno de la materia desagradable de las relaciones fallidas que se encuentra en la nebulosa entre la autobiografía y el arte. Más que esa sorprendente historia vivida, es un disco que se define por resonancias y cosas a menudo muy pensadas, pero que rara vez han sido tan bien reflejadas. Van Etten ha creado un trabajo que vale la pena escuchar, aunque hablé del gastado tema de caer dentro y fuera del amor. Como resume en «Ask», a veces «duele demasiado para reírse de ello».

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