Fallece Gloria Van Aerssen (Vainica Doble) 22/10/2015

Gloria van Aerssen - Vainica doble

Ayer conocimos la triste noticia de la muerte de Gloria Van Aerssen, mitad superviviente del dúo Vainica Doble; la otra componente, Carmen Santonja,  murió en el año 2000.

Hablar de Vainica Doble es hablar de una explosión de creatividad, sensibilidad, una visión totalmente iconoclasta de la vida, de unas letras audaces y personales. Lo podemos considerar, sin exageración alguna, el grupo de culto por excelencia de la música popular española, que influenció y mucho a bandas de la «movida» y del «indie» español.

Con motivo de los últimos días de Gloria Van Aerssen, sus cuatro hijos le escribieron un emocionado y emocionante texto de despedida, que se reproduce en su integridad, nadie mejor que ellos para conocer y homenajear a esta gran mujer:

“Estos últimos días de espera, como todos los hermanos hacen cuando el final de su madre está cerca, hemos estado recordando.

De repente te ves de pequeño, llegando a casa del colegio, entrar corriendo en el salón, mamá y la tía Mari Carmen con sus guitarras o al piano, el maravilloso Stainway de cola herencia de la tía Albertina, las dos componiendo los temas del primer LP y contándonos la historia de una ballena azul, de una niña llamada Mari Luz… Y paraban para merendar con nosotros en la cocina, pan y mantequilla, leche o té.

Y luego las fiestas en casa con su pandilla de amigos tan divertidos, para nosotros como si fueran de la familia. Con el tiempo supimos que esa familia de amigos hacía cosas maravillosas en el cine, la pintura, la música, el baile.

Todo empezó cuando conoció a la tía Mari Carmen en una parada de autobús. Estaba silbando Tanhauser y nuestra madre se acercó y se unió a ella silbando una segunda voz, y a partir de ese momento se hicieron inseparables, y más adelante formarían Vainica Doble.

Por aquel entonces nuestra madre estudiaba Bellas Artes, entró muy joven en la escuela de San Fernando con trece o catorce años. También bailaba y salía de gira internacional con la compañía de Pilar López, de la que su hermano era primer bailarín. Dejó de bailar cuando conoció a nuestro padre, un hombre con un sentido del humor maravilloso, muy divertido y pintor de gran talento.

A nuestra madre le gustaban muchas cosas que siempre compartía con nosotros. Veíamos películas de los hermanos Marx, de Lubitch, o de Billy Wilder; hacíamos tartas y galletas, nos enseñaba a Fra Angélico, Mantegna o Vermeer. Nos contagió su amor por los libros y siempre había cerca alguno de Conrad, Tolstoi o Galdós. Por supuesto la música fue su gran pasión, Bach, Schumann, Brahms, Falla, Stravinsky, los Rolling, Beatles, Traffic, Who…

Todo este batiburrillo, toda esta mezcla parecía y era natural. Nos enseñó a mirar y a escuchar con atención, a descubrir lo maravilloso en lo cotidiano, a rodearnos de belleza.

No le importaba que anduviésemos pisando charcos y llegáramos a casa llenos de barro. Todo este amor por las artes y las cosas bonitas de la vida nos las transmitió, y nosotros a nuestros hijos, sus queridos nietos, Clara, María, Juan, Paloma, Lola, Gonzalo e Ignacio.

Hemos aprendido que la música, la pintura, el cine, etc. te ayudan a disfrutar los buenos momentos y superar los malos. Nos ayudarán ahora a decir adiós a las meriendas, a los paseos, a las partidas de gin rummy, a los gin tónics, a las conversaciones disparatadas.

Siempre nos dijo que quería morir comida por un oso polar, tal y como hacían los esquimales en Los dientes del diablo. No hemos conseguido encontrar un oso, pero sí un hospital en medio de un bosque en Cercedilla, donde ha sido tratada con mucho cariño, y la han ayudado a morir sin sufrimiento.

‘…..era una noche obscura y tormentosa….’”

Ignacio, Laura, Álvaro y Diego de Cárdenas Van Aerssen-Beyeren.

Vainica Doble (Caramelo de Limón) 1971

Los Módulos

El pasado día 11 de octubre falleció a los 69 años de edad Juan Antonio García Reyzábal, batería y violinista del grupo Los Módulos, este triste acontecimiento me da la oportunidad de realizar una semblanza de este mítico grupo, reivindicar su legado y que sirva de homenaje póstumo a este gran músico que se nos ha ido.

Los Módulos, quizás el último gran grupo surgido en España al final de la década de los sesenta junto con Los Iberos, tuvo su origen en 1968, cuando el guitarrista y vocalista Pepe Robles, que había sido bajista en otra banda, Los Ángeles, recibe la oferta del productor Rafael Trabucchelli para grabar en solitario. Robles, sin embargo, prefiere dar forma a un grupo, el productor acepta y de este modo nace Módulos, una formación orientada hacia el rock progresivo y sinfónico con ribetes pop, que vivirá su momento de mayor popularidad en 1970 con su primer disco, “Realidad”, y con la canción de Reyzábal y Robles «Todo Tiene su Fin».

Rafael Trabuchelli, productor estrella de Hispavox, apuesta desde el primer momento por el proyecto y proporciona un local de ensayo en los sótanos del mismo edificio Hispavox. Para febrero de 1969, Los Módulos comienzan sus maratonianos ensayos (hasta ocho horas diarias), conformado como un cuarteto con Tomás Bohórquez (órgano Hammond y piano), Emilio Bueno (bajo), Juan Antonio García Reyzábal (batería y violín eléctrico) y el propio Pepe Robles (guitarra y voz).

Poco antes del verano de 1969 aparece su primer single «Ya no me Quieres», con letra de Reyzábal y música de Robles. El disco se vende bastante bien y está varias semanas en las listas de los más vendidos. A raíz de este éxito, Hispavox les firma un contrato por cuatro LPs en cuatro años consecutivos.

Tras el verano se meten en el estudio de grabación para lo que será su primer larga duración. En una las últimas sesiones de grabación, Reyzábal aparece con ocho compases de una melodía. Trabuchelli les apremia a terminar el trabajo, ya que el LP queda algo corto de minutaje y el grupo desarrolla rápidamente aquel apunte melódico. De ahí surgirá su tema estrella, con el que serán recordados para siempre, «Todo Tiene su Fin».

Hispavox aprovecha el momento cumbre del single para lanzar en 1970 «Realidad», un excelente trabajo que incluye siete temas propios y dos versiones de Los Beatles.

En 1971 se edita el LP «Variaciones» en la línea del anterior, con instrumentaciones parecidas aunque con menos frescura. Este disco contiene una joya: “Solo tú”, que será editada en single. Dicha canción vuelve a colocar a Módulos arriba en las listas y propicia para el grupo un segundo verano cargado de galas por toda España.

En los primeros meses de 1972 graban el LP «Plenitud». Aquí surgen las primeras discrepancias con la discográfica, cuando el grupo quiere aproximar su música a las grandes bandas de Rock Progresivo de la época (Yes, King Crimson, Genesis), pero la compañía quiere continuar con lo hecho hasta entonces primando la comercialidad. El LP, un tanto incomprendido, se vende poco; sin embargo, el single «No Quiero Pensar en ese Amor» escala los primeros puestos de las listas y está entre los más vendidos de aquel verano.

A partir de 1973 empieza la decadencia del grupo. En un accidente de tráfico, Robles está a punto de morir y su recuperación se prolonga durante meses; esto supone un parón para el grupo, que cuando tienen que grabar su 4º LP, por obligación contractual con Hispavox, resulta su trabajo más flojo, derivando a un Pop más ligero, lejos de los desarrollos instrumentales del pasado. El disco es un fracaso y será el último larga duración hasta que graben en 1978 «Módulos», un disco autoproducido por ellos, quizás el más personal, que no tuvo la acogida que se merecía.

De todas formas hubo cambio de integrantes entre medias, en 1974 se marcha Juan Reyzábal y en 1976 lo hace el bajista Emilio Bueno. En 1979 se produce la disolución del grupo.

¿Qué queda de Los Módulos a día de hoy?, el recuerdo de su gran éxito «Todo Tiene su Fin», y un total olvido del resto de su fructífera carrera, la cual modestamente he querido recordar y homenajear.

Todo Tiene su Fin (1969)

Solo Tu (1971)

Tú Eres tu Mundo (1974)

Perdido en mis recuerdos (1975)

Manuel Valencia (22/10/2015) / Aira da Pedra (23/10/2015)

MANUEL VALENCIA

Guitarra Flamenca
jueves, 22 octubre, 2015 – 21:00
Teatro el Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de media hora antes del recital en la taquilla del teatro.

Manuel Valencia creció con una guitarra bajo el brazo. Espejos siempre tuvopero su más firme instructor fue, sin duda, su tío Fernando Terremoto. Él fue el encargado de hacer emerger en Manuel un amor y una dedicación a este instrumento fuera de toda lógica.

Su carrera acaba de comenzar pero ya acumula una experiencia a tener en cuenta a nivel nacional e internacional que lo posiciona como una de las realidades más notorias del panorama flamenco actual. Muchos artistas de reconocida trayectoria como Vicente Soto ‘Sordera’, Manuel Agujetas,Pansequito, Tomasa ‘La Macanita’, Juana del Pipa, el propio Fernando Terremoto, Jesús Méndez o David Lagos, han requerido su toque y compás para arroparles al cante.

Además, este joven guitarrista ha experimentado su toque acompañando para baile a la bailaora jerezana María del Mar Moreno y a la malagueña Rocío Molina (Premio Nacional de Danza 2010).

Como solista, debutó en el año 2010 en el Festival de Jerez, cosechando un valioso éxito. También ha tocado en los escenarios del Festival Enclave de Sol de Trebujena, Jueves Flamencos de Cádiz, Viernes Flamencos de Jerez, Festival de Mont de Marsan o la Fiesta de la Bulería de Jerez.

Recientemente ha sido galardonado con el premio de la ‘Venecia Flamenca al Toque’ por el Festival Flamenco de la Mistela ‘atendiendo a los méritos que concurren en su persona, en lo referente a la creatividad, interpretación, aportación de nuevas formas expresivas que casan tradición y contemporaneidad así como a sus cualidades personales de seriedad profesional, estudio y aprendizaje permanente junto a los grandes maestros, como viene demostrando en su carrera profesional’. Por otro lado, la Bienal de Sevilla, en su reciente edición de 2014, ha querido contar en su escenario de Santa Clara con un recital en solitario de esta joven promesa, formando parte del homenaje que se rindió a la guitarra en recuerdo a Paco de Lucía. Tras a celebración de dicho recital, se le ha galardonado con el Giraldillo Revelación ‘por sus originales aportaciones al toque tradicional’.

Manuel Valencia actúa acompañado por David Carpio (voz) y Ángel Sánchez «Cepillo» (percusión).

AIRA DA PEDRA

CELTA
viernes, 23 octubre, 2015 – 21:00
Teatro el Albéitar ULE

ENTRADAS   (8 €):   A  PARTIR   DE   UNA   HORA   ANTES  DEL  CONCIERTO  EN  LA  TAQUILLA  DEL  TEATRO.  50%  DE  DESCUENTO:    MIEMBROS   DE   LA  COMUNIDAD   UNIVERSITARIA   PREVIA  PRESENTACIÓN   DEL  CARNET   UNIVERSITARIO  Y DNI

“Salimos a la calle para expresarnos, para decir lo que llevamos dentro. Hoy y siempre, la música acompaña lo lúdico y lo reivindicativo, lo emocional, lo creativo”.

Aira da Pedra cumple 18 años sacando su cuarto disco, “ A la Calle”, donde está la gente, a quienes va dirigido este nuevo álbum. Una nueva mixtura de temas tradicionales de la región del Bierzo y de composiciones propias. Nuevos temas  con los que el grupo continua su camino musical,  jugando con  ritmos, armonías y timbres diversos que conjugan un disco variado, divertido y emocionante. Este ha sido el primer disco que el grupo graba con sus propios medios, en el Bierzo, en casa, sin prisas, algo tan importante en la creación artística. Todo ello, unido al excelente trabajo de producción de Isaac Palacín y de  masterización de Pancho Súarez, ha desembocado, sin duda alguna, en el mejor trabajo discográfico de Aira da Pedra.

Nacimiento de John Entwistle (09/10/1944)

¿El mejor bajista de la historia?, se puede decir que es una opinión practicamente unánime al respecto; personalmente creo que es así, no ha habido un bajista más influyente, imitado y que hiciera evolucionar más el instrumento que el; junto con Keith Moon como miembros de The Who, formaron la mejor sección rítmica de la historia del rock.

En 1964 Rogel Daltrey invitó a John a formar parte de su banda, The Detours, posteriormente este recomendó la incorporación de Pete Townsend, amigo de la infancia de John, como guitarrista; con la posterior llegada del batería Keith Moon, se completo la formación de la banda, posteriormente se cambiaron el nombre por The Who y ahí empezó la andadura de uno de los grupos clave en la historia del rock británico y mundial.

Tenía dos apodos: The Ox (El buey), el más famoso, por su semblante impasible en escena; y Thunderfingers (Dedos de trueno), por la fuerza y agilidad de sus dedos tocando el bajo.

Esta característica propia de John, su figura completamente estática en el escenario frente a la explosividad en escena de los otros miembros de la banda, el lo contrarrestaba con una impavidez total, pero a cambio estaba interpretando las lineas de bajo más creativas que se han hecho jamas.

Los expertos dicen que en los discos no se mostraba tanto este estilo único de tocar el bajo, a diferencia de lo que ocurría en los conciertos. En este sentido, vale la pena escuchar “Live At Leeds” (1970), para muchos el mejor álbum de rock en vivo de todos los tiempos, para notar que Entwistle era un virtuoso.

Las transiciones casi perfectas entre el uso de los dedos y los diferentes niveles de presión hacia las cuerdas hacían que, más que un soporte rítmico, el bajo de John fuera casi como un teclado. John Entwistle no sólo toca el bajo de forma convencional, sino que a ratos en vez de pulsar las cuerdas, las teclea como si tocara un piano, lo que denota su amplia formación instrumental, pero también una vocación para buscar nuevas sonoridades.

Otro aspecto a resaltar es que sus habilidades musicales no se centraban solo en el bajo, era un más que competente trompetista, y en su habilidad como dibujante, centrando esta faceta en retratos y caricaturas de otras figuras del rock. La portada del Disco «The Who by Numbers» de 1975, es obra suya.

Desde 1971, y viendo que no todo lo que componía podía acabar en el grupo, empezó a grabar en solitario, fue el primero en hacerlo, en paralelo a The Who. Murió en el año 2002, en Las Vegas, como consecuencia de un ataque al corazón.

 Solo de John Entwistle (Royal Albert Hall) 2000, enlace al vídeo.

María del Mar Bonet (L’Águila Negra) 1981

María del Mar Bonet i Verdaguer (Palma de Mallorca, 27 de abril de 1947), es una cantante y compositora española en lengua catalana, con una larga trayectoria de investigación en las músicas populares de las islas Baleares, Cataluña, y de todo el entorno mediterráneo.

Estudió cerámica en la escuela palmesana de artes y oficios y en la Massana, pero acabó dedicándose a la canción. Trasladándose en el año 1967 a Barcelona; en sus comienzos fue miembro de Els Setze Jutges y colaboradora de El Grup de Folk, dos formas diferentes de entender la música. Así, María del Mar dejaba claro un rasgo que le acompaña hasta hoy: su independencia. Ha flirteado con el rock, el jazz, la balada… pero su eterno amor es el folklore mallorquín, y por extensión el del mediterráneo. Mujer de sólida coherencia, que pone al día la música popular sin necesidad de electrificarla o hacer concesiones a la moda, ha ganado profundidad en su voz e interpretación con el paso del tiempo. Cantando siempre en catalán, ha actuado con éxito por casi todo el mundo.

Su primer LP, sin título específico, se editó en 1970. En él incorporó algunos temas grabados anteriormente; otros nuevos extraídos del cancionero popular, y varias canciones creadas por ella misma, como «Dóna’m sa mà», una bellísima canción de amor.

Por esas mismas fechas, María del Mar entró en contacto con el productor Alain Milhaud, que le aconsejó cambiar de sello discográfico; el cambio se concretó y firmó con el sello Bocaccio Records, creado por Oriol Regàs, empresario y promotor cultural, uno de los máximos representantes de lo que se denominó la “Gauche Divine”, movimiento de intelectuales y artistas de izquierda que se extendió por la Barcelona de los años sesenta y comienzos de los setenta

En Bocaccio, con Milhaud como productor, grabó la canción «L’águila negra», bellísima canción de la que era autora la cantante francesa Barbara, donde el citado Milhaud hace una producción exquisita del tema, apoyado en los arreglos de Jacques Denjean.

Cuenta Alain Milhaud que, tras el sorprendente éxito que tuvo aquella canción, la división francesa de la discográfica CBS quiso editar y hacer una gran promoción de la canción «L’àguila negra» cantada por María del Mar en francés, lo que significaba una gran oportunidad para su proyección artística; oportunidad que ella rechazó, manteniendo su postura, en aquel momento claramente ideológica y siempre inalterable, de no cantar más que en catalán; postura que María del Mar siempre ha mantenido con una extraordinaria coherencia personal.

En el sello Bocaccio Maria del Mar editó también su segundo LP en el que además de algunos temas propios y otros populares, incluyó cinco canciones basadas en textos de grandes poetas. En 1974, Maria del Mar decidió rescindir su contrato con Bocaccio.

Originalmente «L’àguila negra» se editó solo en formato single en 1971. En 1981 se reeditó el álbum anteriormente citado añadiendo está canción, que dio título a ese disco, posteriormente se editaría en formato CD en 1991.

L´Águila Negra (enlace a la canción)

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Wolfgang Amadeus Mozart (Requiem)

La Misa de Réquiem en re menor, K. 626, es una obra de Wolfgang Amadeus Mozart basada en los textos latinos para el réquiem, es decir, el acto litúrgico católico celebrado tras el fallecimiento de una persona. Mozart murió antes de terminarla, en 1791.

Según la leyenda, un desconocido vestido de negro le encargó la obra y le dio un adelanto; más adelante este desconocido volvió para reclamar la composición de la misma. Según parece, el enviado estaba al servicio del conde Franz von Walsegg, que quería la obra para homenajear a su difunta esposa.

Mozart, obsesionado con la idea de la muerte, debilitado por la fatiga y la enfermedad, muy sensible a lo sobrenatural e impresionado por el aspecto del enviado, terminó por creer que este era un mensajero del destino y que el réquiem que iba a componer sería para su propio funeral.

Mozart, antes de morir, consiguió terminar tan solo tres secciones, el resto de la obra quedó incompleta. Gracias a las anotaciones que dejo para su discípulo, Franz Xaver Süssmay, este lo pudo acabar, completando las partes faltantes de la instrumentación, agregando música en donde faltaba y componiendo íntegramente el resto.

Aunque al parecer se interpretaron extractos del Réquiem en una misa en memoria de Mozart celebrada el 10 de diciembre de 1791, el estreno de la obra completa se produjo en Viena el 2 de enero de 1793 en un concierto en beneficio de la viuda del músico austriaco.

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Actividades Musicales San Froilán 2015

VIERNES 25 DE SEPTIEMBRE

22:00 h. XXV Expo Joven 2015. Concierto de Georgina. Espacio Vías. Av. Padre Isla, 48.

22:00 h. ‘Suena León Folk’. Festival de grupos leoneses: ‘La Rueca’. Plaza Mayor.

SÁBADO 26 DE SEPTIEMBRE

22:00 h. ‘Suena León Folk’. Festival de grupos leoneses: ‘Aira da Pedra’. Plaza Mayor.

DOMINGO 27 DE SEPTIEMBRE

22:00 h. ‘Suena León Folk’. Festival de grupos leoneses: ‘Piértigu’. Plaza Mayor.

MIÉRCOLES 30 DE SEPTIEMBRE

22:00 h. ‘Suena León Folk’. Festival de grupos leoneses: ‘Son del Cordel’. Plaza Mayor.

JUEVES 1 DE OCTUBRE

20:30 h. Música celta: Katie McNelly en concierto. Teatro ‘El Albéitar’. Av. de la Facultad de Veterinaria, 25. Entrada 8€. Descuento del 50% para universitarios.

21:00 h. Golden Apple Quartet. “Mundo Intrépido”. Humor y música. Auditorio Ciudad de León. Av. Reyes Leoneses, 4.

22:00 h. ‘Suena León Folk’. Festival de grupos leoneses: ‘Trabe Folk’. Plaza Mayor.

VIERNES 2 DE OCTUBRE

21:00h. Concierto de La Habitación Roja. Apertura de puertas; 21:30 h con la actuación de Montbassa, 22:30 h La Habitación Roja. Espacio Joven Vías. Av. Padre Isla nº 48. 15 € anticipada 18 € taquilla.

22:00 h. IX Festival Celta Internacional Reino de LeónDegañan’s (Asturias). Plaza Mayor.

SÁBADO 3 DE OCTUBRE

19:30 h. Actuación de Bandas de Gaitas Leonesas. Con la participación de: Ciudá de Llión (León) & Templarios del Oza (Toral de Merayo).Plaza de Regla. Al finalizar desfile hasta la Capilla de San Pedro.

21:00 h. Concierto de Freedonia. Apertura de puertas. Espacio Joven Vías. Av. Padre Isla nº 48. 10 € anticipada 12 € taquilla.

22:00 h. IX Festival Celta Internacional ‘Reino De León’. Pepe Vaamonde Grupo (Galicia). Plaza Mayor.

DOMINGO 4 DE OCTUBRE

22:00 h. IX Festival Celta Internacional Reino de León. Pervalamm (Bretaña francesa).Plaza Mayor.

LUNES 5 DE OCTUBRE

22:00 h. ‘Suena León Folk’. Festival de grupos leoneses: ‘Manolo Garrido Colectivo’. Plaza Mayor.

Nacimiento de John Coltrane (23/09/1926)

John Coltrane fue uno de los gigantes del jazz, una de sus figuras más relevantes e influyentes, un músico formado en el clasicismo del género, pero siempre abierto a innovar, lo que le situó siempre en la vanguardia.

En sus comienzos tocó con algunas de las figuras más importantes de la época, como Dizzy Gillespie, pero su espaldarazo definitivo fue la llamada de Miles Davis en 1955 para formar parte de su nuevo quinteto; con el permaneció un año, donde dio muestras de su crecimiento como músico.

En 1957 publica «Blue Train», una de sus obras fundamentales, acompañado de un quinteto de lujo, grabó un disco tremendamente influyente que ya daba muestras de todo su talento.

En 1958 vuelve a la banda de Davis, ya convertida en sexteto, donde grabará dos discos históricos y definitivos en la historia de jazz, «Milestones» y la obra maestra absoluta de Davis, «Kind of Blue».

A partir de ahí, 1960, Coltrane deja a Davis y reanuda su carrera en solitario con una mayor carga experimental. Todo ese rodaje culminaría en 1964 con la edición de «A Love Supreme», su disco definitivo, con una estructura totalmente innovadora y con un fuerte componente religioso y espiritual.

Coltrane siguió evolucionando musicalmente hasta su temprana muerte en 1967. Queda su enorme legado, el ser uno de los mayores y más influyentes saxofonistas de todos los tiempos, y queda sobretodo la evolución de un genio inquieto que nunca se conformó con lo establecido.

Obras del autor en nuestro catálogo

The Eagles (The Very Best) 1994

A finales de los años sesenta surge el fenómeno del Country Rock, fusión de los dos géneros, cuya paternidad habría que otorgarla a Gram Parsons, que tras su paso por The Byrds y la creación de The Flying Burrito Bothers, sentó las bases de este estilo que reinaría durante gran parte de la década de los setenta. Una de las bandas señeras de este estilo musical sería The Eagles, por lo menos en su primera etapa.

En 1971 Glenn Frey y Don Henley, músicos del grupo de acompañamiento de Linda Ronstadt, decidieron crear su propia banda, y con tal fin reclutaron al bajista Randy Meisner y al guitarrista Bernie leadon, que venía precisamente de los Flying Burrito anteriormente mencionados.

Sus dos primeros trabajos, «Eagles» y «Desperado», son de una clara influencia country. En su siguiente álbum «On the Border», empiezan una evolución musical, que les irá alejando paulatinamente de ese sonido country.

Esta evolución se completa con su disco de 1975  «One of This Nights», donde su sonido es mucho más duro y plenamente rockero; esto, sumado a la lucha de egos que se estaba produciendo en la banda, llevó a Leadon a abandonar la misma y propiciar la llegada del gran guitarrista y compositor Joe Walsh.

Con estos mimbres afrontan lo que sería su obra maestra, «Hotel California». Seis meses de duro trabajo, practicamente enclaustrados en el estudio, dan lugar a un disco extraordinario, con un mensaje pesimista sobre la sociedad americana, pero que cautivo al público por completo , se calculan unas ventas de treinta y dos millones de copias en todo el mundo.

¿Qué paso después?, casi tres años de parón, la publicación del mediocre «The Long Run» en 1979 y la disolución del grupo, que no volvería a reunirse hasta 1994 para un concierto acústico y posterior gira. Desde entonces el grupo ha mantenido una actividad más o menos constante hasta nuestros días, incluso con la publicación de un nuevo álbum en 2007, el excelente «Long Road Out of eden».

Este recopilatorio publicado el año de su «resurrección», ofrece una visión muy completa de su carrera desde sus inicios hasta 1979, con todos sus grandes clásicos y alguna canción no tan conocida, pero totalmente recomendable.

Enlace al catálogo

Katie McNelly (01/10/2015)

JUEVES, 1 OCTUBRE, 2015 – 20:30

TEATRO EL ALBEÍTAR

 

KATIE McNELLY, violín & NEIL PEARLMAN, piano
CLASE MAGISTRAL: 16:30 h.
CONCIERTO: 20:30 H.
CONCIERTO –  Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

CLASE MAGISTRAL + CONCIERTO (18€):  Venta anticipada en MUSIC CENTER (Plaza Mayor de León)

KATIE McNELLY, violín
Katie comenzó a los diez años con estudios clásicos y pronto sintió que la música celta sería la que le acompañaría el resto de su carrera. Durante diez años estudió violín folk a lo largo y ancho del continente, asistiendo a fiddle camps desde la costa atlántica de Canadá a California, dando forma a lo que sería su estilo único que aúna la tradición con sus propias composiciones.
Katie estudión violín escocés con Hanneke Cassel, ganando varios títulos nacionales junior y en 2009, el Campeonato de fiddle escocés “Nueva Inglaterra”. Ella debutó a los 13 años en el legendario club Passim de Boston, donde años más tarde, en enero de 2013 presentaría su primer CD, «Flourish”.
Katie ha sido miembro del super-grupo Childsplay desde 2009 y aparece en su próximo DVD «As the crow flies», producido por la legendaria violinista irlandesa, Liz Carroll.
Actúa regularmente como solista, como parte de un dúo con el guitarrista Eric McDonald. En el otoño de 2012, acompañó a Carlos Núñez en su gira por Estados Unidos para promover el lanzamiento de su adoble álbum, «Discover». Katie gira por los Estados Unidos participando en grandes eventos como el Festival Folk de Newport, Wolf Trap, Symphony Space, Benaroya Hall, etc.
Es una gran educadora, y participa habitualmente en los principales fiddle camp de USA y Canadá, así como en el programa de divulgación musical Boston Symphony Hall.
En su último proyecto cuenta con el pianista Neil Pearlman con el que está llevando a cabo su gira europea.
Katie Mcnelly es una entusiasta de la música gallega, e impartió en Junio de 2014, en Boston, un curso monográfico sobre este estilo, del cual incorpora varios temas en su repertorio.
http://www.katiemcnally.com/

NEIL PEARLMAN, piano

http://neilpearlman.com/