Entrada gratuita con control de aforo en el acceso
Concierto de Navidad de las agrupaciones musicales de Juventudes Musicales-Universidad de León: Coro Juvenil “Ángel Barja”, Coro “Ángel Barja”, Banda de Música y Orquesta JJMM-ULE.
Entradas 6€ : a partir de media hora antes de la actuación en taquilla
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carné Universitario y DNI
Cathy Claret, es probablemente, una de las mujeres con mayor influencia en las nuevas generaciones de artistas musicales femeninas.
De origen francés y muy vinculada a la cultura gitana, Claret tuvo que pelear fuerte para hacerse con un hueco en el masculinizado mundo de la música. Cathy empezó sus pasos musicales fundando la Bel Canto Orchestra, junto a célebres como Pascal Comelade o Pierre Bastien.
Compositora, multi-instrumentista, la artista francesa nunca se acomodó, y fue esencial en el desarrollo de esa aventura musical. «Yo era muy rebelde, pero no rebelde porque sí, sino porque quería hacer las cosas a mi manera y esto a veces está mal visto (sobre todo en aquella época, en la que había mucho clasicismo). Se prefería a gente más maleable y previsible. No acepté estas cosas, pero quiero dejar claro que siempre he sido muy perfeccionista en mi trabajo. A mí me gusta la libertad, hacer los discos que quiero y con quien me apetezca. No creo que sea mucho pedir. Se van a reeditar mis dos primeros discos para mí es un suceso histórico: estos discos se vendieron en medio planeta, pero aquí en España casi no queda constancia. Ya mezclaba el caló con guitarras flamencas, algo de cha-cha-cha y una voz muy «french touch». A finales de los 80 no había mucha gente haciendo esto.» Cathy Claret, sobre sus inicios musicales (Diario El Mundo, 2016)
Relacionada en años posterior con Raimundo Amador, fue el guitarrista quién popularizó junto a BB KING un tema compuesto por Cathy Claret, “Bolleré”, que dio la vuelta al mundo.
Son muchos los artistas que han declarado públicamente la influencia de la artista francesa, gente como Benjamin Biolay, Nouvelle Vague, Finley Quaye, Sly and Robbie o Kahimi Karie, no han escondido la impronta que Claret ha dejado en su música.
Y recientemente, artistas como Maika Makovski o Soleá Morente, no han dudado elogiar la trayectoria y la personalidad irreductible de Cathy.
http://cathyclaret.blogspot.com/
Fotografía: Gaspard Félix Tournachon «Nadar»
Gioachino Rossini ocupó una posición incomparable en el mundo musical italiano de su tiempo. Rossini ha influido profundamente en la historia de la ópera del siglo XIX, que culminó en un bel canto de estilo italiano. Renueva la ópera con melodías enérgicas y brillantes dotadas de una nueva naturalidad, y desarrolla e innova la escritura orquestal preparando así el surgimiento del romanticismo. Este año celebramos el 150º aniversario de su muerte.
Gioacchino Antonio Rossini nació el 29 de febrero de 1792 en Pesaro, Italia, hijo de un músico (trompetista) y una cantante. Estimulado por este ambiente tan propicio, Rossini comenzó a estudiar música a la edad de 11 años. Rápidamente, parece obvio que el niño tiene predisposición para la música y, alentado por sus padres, continúa en esta dirección. A los 12 años se interesó en la composición musical, y a la edad de 14 años, escribió su primera ópera, «Demetrio e Polibio» (1806). Ya en este primer trabajo percibimos la influencia de la escuela alemana y, en particular, la de Haydn y Mozart en el estilo compositivo de Rossini. Luego completó su formación musical en el «Liceo Musicale» en Bolonia, donde perfeccionó sus conocimientos de contrapunto con el Padre Stanislao Mattei.
Al mismo tiempo, por gusto y necesidad, se entrega a la composición de un género muy de moda en ese momento, el de la llamada «Ópera buffa». De este primer período compositivo ya destaca su tendencia a reformar los géneros. De hecho, a lo largo de sus primeros trabajos, trabaja para romper las formas tradicionales de la Ópera buffa, decorando las melodías, animando los conjuntos y al final, incorporando ritmos inusuales, dando mayor importancia a la orquesta y eliminando la omnipotencia de los cantantes. Su ópera «La Pietra del Paragone» (1812), es considerada el primer resultado de esta reforma, le da a conocer a nivel nacional.
Retrato de Gioachino Rossini por Vincenzo Camuccini. Museo del Teatro de La Scala de Milán.
Después de este periodo dedicado a la Ópera buffa, aborda la ópera seria con la creación de «Tancrede» (1816); evoluciona el género con «Otello» (1816) y Semiramide (1823). Su obra maestra es «El barbero de Sevilla», reconocida de inmediato como tal cuando se creó en 1816. Rossini también trabaja en un género intermedio (ya explotado por Mozart), la ópera semi-seria, a la que aporta «La Cenerentola» o «La Urraca Ladrona» (1817). Las oberturas a muchas de estas óperas son un elemento recurrente en el repertorio de la salas de conciertos.
Después de una estancia muy exitosa en París (donde regresará al final de su vida ) y la creación de «Guillermo Tell» en 1829, Rossini deja de componer para el escenario. Luego se dedicó a la música religiosa, un género en el que destacan igualmente sus cualidades musicales: el «Stabat Mater» (1841) y el «Petite petite solennelle» (1864), subrayados por la claridad y profundidad de la partitura del compositor.
A pesar de este largo retiro, siguió siendo una de las personalidades más influyentes del mundo musical. Murió en Passy (París) el 13 de noviembre de 1868. Rossini fue un compositor de producción variada y consistente de muy alta calidad. Desde el punto de vista tanto estilístico como dramatúrgico, con sus muchas innovaciones, la obra de Rossini abre la puerta a la de Verdi, pero también a Meyerbeer, Donizetti y Bellini.
Lista de reproducción con una amplia selección de sus obras
El álbum más británico de la banda más brítánica de la historia del rock. Este registro sutil, divertido, surrealista y, en ocasiones, casi tierno, parecía haberse registrado en otro planeta. Entre la agitación social que reinaba en el mundo (los asesinatos de Martin Luther King y Bobby Kennedy, Vietnam, etc…) y la cosecha prodigiosa de los álbumes lanzados ese mismo año (The Beatles «White Album», Electric Ladyland, Music From Big Pink, Beggar’s Banquet). No era exactamente el mejor momento para ser los Kinks, pero creativamente, nunca fueron mejores.
A pesar de estos antecedentes, y la escasa repercusión, sobretodo en ventas, de este trabajo, «The Kinks Are the Village Green Preservation Society» se convertiría en uno de los álbumes más influyentes en la historia del rock. Como muchos grandes trabajos, el álbum nació de una serie de «accidentes felices». El compositor y líder de la banda, Ray Davies, originalmente quería hacer un álbum conceptual sobre la vida en Londres, pero después de un viaje a la zona rural de Devonshire, decidió trabajar en el concepto de la más tradicional idiosincrasia inglesa.
Además, para 1968 los Kinks habían comenzado a experimentar un éxito cada vez más reducido en las listas de éxitos de singles pop, por lo que hicieron un cambio hacia una producción musical más sustancial. Mientras que la mayoría de las bandas de la época estaban en su fase psicodélica y experimentando con nuevos sonidos, los Kinks volvieron a sus raíces inglesas y reflexionaron cuidadosamente sobre la pérdida de la Inglaterra rural por la modernización de los años sesenta.
Dave Davies, Pete Quaife, Ray Davies y Mick Avory. The Kinks fotografiados en 1965. Fotografía: Archivo GAB / Redferns
Junto a The Beatles, The Who y The Rolling Stones, The Kinks es la crème de la crème de la invasión británica. Formado en 1964, The Kinks lanzó la friolera de 23 álbumes de estudio antes de disolverse en 1996. Este mes se cumplen 50 años de la publicación de «The Kinks Are the Village Green Preservation Society».
El concepto del álbum es una mirada nostálgica de la vida rural inglesa. Cada canción trata sobre una parte particular de esa vida pasada. El álbum es el último en incluir a los cuatro miembros originales de The Kinks, ya que el bajista Pete Quaife abandonó el grupo a principios de 1969. Debido a los arreglos de estas canciones, el papel de Quaife se redujo en este álbum.
Ray Davies presenta una alternativa tranquila al paisaje urbano tumultuoso de Londres. Buscando un lugar en que la vida no fuera tan cáustica y frustrante. The Kinks viajaron «lejos de todo el hollín y el ruido de la ciudad». Detrás de la fachada de la campiña inglesa de tradiciones añejas, hay un camino a la serenidad que conduce directamente a través de «Village Green».
The Kinks disfrutando de la campiña inglesa. Fotografía: Barrie Wentzell
«The Village Green Preservation Society» afortunadamente ha sobrevivido y ahora se considera legítimamente como un clásico de los años sesenta. Una pieza de perfección pop repetidamente imitada, y posiblemente nunca mejorada. Es esencialmente un álbum que se recrea en lo anacrónico de sus planteamientos, que lamenta la decadencia de un estilo de vida británico imaginario, como la alegría de beber una pinta de cerveza o el último de los «buenos trenes de vapor» (que cesaron todas las operaciones en Inglaterra en 1968).
«Creo que «The Village Green Preservation Society» se trata del final de un momento para mí en mi vida», dice Ray Davies. “Es mi pueblo imaginario. Es el fin de nuestra inocencia, nuestra juventud. Algunas personas son bastante mayores, pero en «Village Green» nunca se te permite crecer. Siento el proyecto en sí mismo como parte de un ciclo de vida».
Musicalmente, al elegir no atarse a las modas musicales prevalecientes, Davies creó un álbum que se ha vuelto atemporal, que suena tan fresco y vital hoy, como lo hizo en su lanzamiento. Las tiendas pequeñas, las tazas de porcelana y la escuela dominical aún están bajo amenaza, algo que Davies seguramente sabía que estarían.
¡Larga vida a los Kinks, a las tazas de porcelana y a la mermelada de fresa!
Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum
Entradas 6€ : a partir de media hora antes de la función en taquilla
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PIERRE BASTIEN es un genio inclasificable, un artista con letras mayúsculas. Doctorado en literatura francesa del siglo XVIII, influido por John Cage, Julio Verne, o Raymond Roussel, e inspirado por futuristas y dadaístas, el francés ha desarrollado un particular universo combinando instrumentos tradicionales con máquinas sonoras de su propia invención. Bastien ha creado así auténticas orquestas de autómatas, ha colaborado con artistas de la talla de Pascal Comelade o Robert Wyatt, y ha sido comparado en su clarividencia a Aphex Twin. Único.
Web
http://www.pierrebastien.com/
Audio
https://pierrebastienmorphine.bandcamp.com/
Video
https://vimeo.com/84752077
El 7 de octubre de 1978, los británicos Dire Straits lanzaban su primer álbum al mercado. Este álbum incluye nueve canciones compuestas por el guitarrista y vocalista Mark Knopfler, que logra mezclas ajustadas de rock, folk y música de raíces americanas, con un estilo distintivo de tocar la guitarra y una voz grave con un fraseo muy personal.
Como letrista, Knopfler escribe breves narraciones sobre los problemas mundanos de la gente común: problemas con las mujeres, problemas con el dinero, problemas con encontrar nuestro lugar en el mundo.
El grupo se formó a mediados de la década de 1970 por Mark y su hermano menor, el guitarrista David Knopfler. Originarios de Newcastle, los hermanos emigraron a Londres, donde Mark trabajaba como profesor mientras tocaba en pubs por la noche. El bajista John Illsley y el veterano batería Pick Withers fueron finalmente reclutados y la banda se formó con un nombre que hacía referencia a su precaria situación financiera. La banda consiguió un préstamo para grabar una cinta con cinco canciones, logrando que la cinta, que incluía ‘Sultans of Swing’, pasara a manos del disc jockey de la BBC Charlie Gillett, cuyo apoyo inicial ayudó a despertar el interés del futuro sello del grupo, Phonograph Records.
Dire Straits en Amsterdam (1979). Fotografía: Barry Schultz
En retrospectiva, es fácil apreciar lo que atrajo a los ejecutivos de Phonograph de Dire Straits, pero también es importante reconocer que el sonido de la banda estaba completamente fuera de onda con todo lo que estaba sucediendo en el rock a finales de los setenta. Aunque la distintiva guitarra de Knopfler era a menudo el punto focal de la música, su interpretación se resistía a grandes alardes como solos explosivos, y la producción limpia de Muff Winwood del disco era la antítesis del sonido más crudo y pesado que era popular entre muchas bandas de entonces. Ni punk ni disco, ni glam ni heavy metal, Dire Straits eran casi un estilo en sí mismos.
En principio, Dire Straits parecían ser buenos candidatos para ser una de esas bandas de culto, y candidatos poco probables para el estrellato del pop. El debut discográfico de la banda, a pesar de una serie de críticas positivas, las ventas no explotaron de inmediato, especialmente en los EE. UU., donde el gran single del disco, «Sultans of Swing», tardó más de cinco meses en comenzar a despegar.
Mientras tanto, la banda estaba ocupada recorriendo Europa, donde el público los recibía con más entusiasmo. Finalmente, para finales de 1979, habían llegado a la cima de las listas de álbumes de todo el mundo mientras enviaban «Sultans of Swing» al Top 5 en los Estados Unidos.
Los Dire Straits fueron uno de esos raros grupos que tuvieron un estilo distintivo desde el momento de su creación, una idea clara de sus cualidades y la mejor forma de emplearlas.
Dire Straits, o más específicamente Mark Knopfler en el papel de vocalista, guitarrista y letrista, creó un estilo único que resonaría durante décadas y daría como resultado un sonido verdaderamente atemporal.
Entradas 6€: a partir de media hora antes de la función en taquilla
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Una de las grandes bandas de Rhythm & Blues, de referencia en España. Doce años y más de 1000 conciertos les avalan, plagados de kilómetros, hoteles, discos…pero, sobre todo, plagados de éxitos. Mr Groovy and The Blue Heads han recorrido los escenarios de los mejores festivales de Blues del país. Desde que esta banda decidió comenzar su andadura no ha parado de tocar y de componer. «Monday Club», «Blueseando», «Jauja» y «Somos Más» son sus cuatro discos oficiales. Swing, Rock & Roll, Blues, Funk, Country, Second Line… no hay estilo que se les resista.
Los conciertos de Mr Groovy and The Blue Heads son una fiesta de ritmo y blues. Han vendido más de 5.000 copias de sus discos y las descargas en internet se cuentan también por miles. La banda ha recorrido el país siendo elogiada por músicos de la talla de Toni Jurado (Loquillo, La Frontera, Antonio Vega, Ariel Rot…), Antonio Álvarez (La Vacazul, Amparanoia, Speak Low…), Quique Gómez (Gatos Bizcos) o profesionales de la música como Iñaki Elorriaga (Director del Festival Internacional de Blues de Getxo), Joan Ventosa (Bad Music Blues), Carlos Malles (Director del Festival internacional de Hondarribia), Dj Coe (Ruta 61 de Radio 3)… y ha tenido colaboraciones, tanto en disco como en directo, del pianista Juan Galiardo,los saxofonistas Pedro Cortejosa y Antonio Lizana, los teclistas Toni Romero y Javier Galiana o los armonicistas Marcos Coll y Mingo Balaguer, entre otros. Actualmente, algunos de ellos forman parte de la banda, que gira en formaciones desde 5 hasta 9 músicos.
ENLACE AL VÍDEO PROMOCIONAL DE MrGOOVY & THE BLUEHEADS
A principios de 1950, un joven cantante llamado Lucho Gatica, se puso muy nervioso frente a un micrófono en el estudio de grabación de Odeon en Santiago de Chile. Había alcanzado una modesta popularidad como cantante de folk, pero ahora, para esta sesión de grabación, los productores acordaron dejar que probara los boleros más orientados al pop. La sesión produjo varias canciones que conmovieron a todos los presentes en el estudio. Sabían que algo muy especial había ocurrido ese día …
De hecho, cuando las grabaciones llegaron a las emisoras de radio en Chile y el resto de América Latina, causaron un impacto popular enorme. Prácticamente de la noche al día, Lucho Gatica se había convertido en un ídolo para millones de personas en todo el continente. La interpretación de los boleros de Lucho ha influido en cada vocalista de habla hispana desde entonces.
Esta semana Lucho nos ha dejado. Setenta años de carrera que han sido la banda sonora de varias generaciones. Todo hemos partido en su barca y su rejoj ha marcado nuestras horas. Queda el recuerdo y el homenaje a este chileno inmortal, que ayudo como poc@s a convertir el bolero en la expresión máxima de la canción romántica.
Lucho Gatica con su esposa Mapita Cortés. Fotografía: Archivo Fundación Nacional para la Cultura Popular
Luis Enrique Gatica Silva, «Lucho Gatica», nació el 11 de agosto de 1928 en Rancagua, un pueblo minero en el centro de Chile. Sus padres, José Agustín Gatica y Juana Silva, tuvieron otros cuatro hijos antes de Lucho y una hija después de él. El padre murió cuando Lucho tenía solo tres años y Juana tuvo que criar a sus seis hijos sola y con grandes dificultades económicas. Se mudaron a Santiago en 1945, donde se matriculó en el Instituto Alonso de Ercilla, pero dejó sus estudios para dedicarse a la música.
En 1949, realizó su primera grabación profesional, en la que cantó junto a su hermano Arturo. En 1951 graba «Me Importas Tú» que se convirtió en un mega éxito en América Latina, abriendo muchas puertas para Gatica. Éxito que encadenó con «Contigo en la Distancia» de 1952. Gatica grabó además una versión del «Bésame Mucho» de Consuelo Velázquez en 1953. En 1954 graba uno de sus grandes clásicos: «Sinceridad».
Lucho cantó los boleros de una manera nueva y fresca. Había pasión y había calidez en su voz aterciopelada. De hecho, Lucho pudo hacer que la gente «sintiera» las letras de sus canciones como nadie lo había hecho antes. Desde entonces, Lucho Gatica se convirtió en un prolífico artista, que consiguió éxito tras éxito. «El Reloj», «La Barca», «Novia Mia», «No Me Platiques» y otras cuarenta canciones más fueron éxitos en América Latina, España y Portugal rompiendo todos los récords de ventas anteriores y ganando para Lucho muchos Discos de oro.
Lucho Gatica con Nat King Cole recibiendo sendos premios (1959). Fotografía: Otto Rothschild / Los Angeles Philharmonic Archives
Por razones estratégicas, Lucho decidió establecerse en México, donde Odeon tenía mejores instalaciones de grabación y distribución. Además, la prolífica industria cinematográfica mexicana quería contar con el. En 1956 apareció en cuatro películas cuyo principal reclamo era la frase mágica «con actuaciones musicales de Lucho Gatica».
En aquella época, en todos los lugares donde Lucho actuó, hubo un auténtico pandemonium antes, durante y después de sus conciertos. Pero nunca pudo imaginar que su llegada a España en 1959 también pasaría a la historia.
5.000 fans lo esperaban en el aeropuerto de Barajas en Madrid. Sus actuaciones en España fueron eventos sociales que atrajeron a la realeza, políticos, estrellas de cine y jet set de toda Europa. Una de sus fans más devotas en España fue la actriz Ava Gardner, y aunque los periódicos hicieron alusión a un posible romance entre la estrella de cine y el joven Lucho, la relación se convirtió en una sólida amistad que duró muchos años.
Los logros de Lucho en esos primeros diez años de carrera lo seguirán durante los siguientes cuarenta años. Grabó durante los años 60, 70 y 80 y continuó actuando en todo el mundo, triunfando ante audiencias tan distantes como Oriente Medio y Japón. Para entonces, sus canciones se consideraban estándares y cada nueva generación de cantantes rendiría homenaje a su genio al grabar su material. En 1990, EMI-España lanzó un edición de 2 CDs con los mejores éxitos de Lucho, que acertadamente llamaron «Bolero es … Lucho Gatica» y, para sorpresa de todos, la colección comenzó a subir en las listas de ventas y alcanzó el puesto número uno. Terminó vendiendo más que Madonna, Michael Jackson y todos los artistas pop que previamente habían dominado las listas. 400,000 copias fueron vendidas en las dos primeras semanas.
A pesar de su fallecimiento, el romance del público con Lucho Gatica nunca terminará. Fue y es el «Rey» y el público nunca se cansará de escuchar sus canciones. Lucho dijo una vez a un reportero de una revista que «mientras la gente se enamore, mis canciones serán populares». El tiempo lo ha probado sin duda alguna.
Entrada libre, hasta completar aforo. Recoger invitación a partir de quince minutos antes de la actuación en taquilla.
El cuarteto liderado por Javier Navas supone una visita a un repertorio jazzístico auténtico y lleno de modernidad, agrupación donde el vibráfono de Javier se desenvuelve con mayores dosis de expresión y energía.
Desde el año 2014, Javier viene trabajando con una sección rítmica de contrastada calidad musical. Juan Galiardo (Jerry Bergonzi, Joe Magnarelli, Dick Oatts, Dave Santoro, Gregory Hutchinson) al piano. Bori Albero (Chano Domínguez, Lee Konitz, Dado Moroni, Barry Harris) al contrabajo. Y Dani Domínguez (Jorge Pardo, Chano Domínguez, Perico Sambeat, Kase.O) a la batería. El grupo ha creado un lenguaje propio a través de más de cien conciertos en estos años, interpretando un amplio repertorio bajo la autoría de Javier Navas; repertorio que se apuntala en 2016 con la llegada de Enrique Oliver al saxofón tenor para completar el front line, convirtiendo al cuarteto en un grupo heterogéneo de cinco miembros.
A través de giras de conciertos y sesiones diversas, todo este trabajo cristaliza de forma natural en la publicación del primer disco de la formación, «Finally in my Hands» (Ambar Records, 2016). Con una excelente recepción de crítica y público, este trabajo permite al grupo visitar gran parte de la geografía española, en más de cincuenta conciertos de presentación (Jamboree Jazz Club, Jimmy Glass, Recoletos Jazz Club, Festival de Invierno de Málaga, Elcercano, Filloa Jazz Club, Nova Jazz Cava) y giras por Aragón, Galicia, Cataluña o Andalucía.
Fruto de esta buena acogida, son seleccionados para la realización de una gira de nueve conciertos en el II Circuito Andajazz, donde los diferentes profesionales del jazz en Andalucía escogen a distintos proyectos para su presentación por toda la comunidad. Esta gira toca a su fin en noviembre de 2017, dando por concluida la etapa de «Finally in my Hands».
El siguiente trabajo discográfico, «Fresh Start» (Autoedición, 2018) supone la consolidación definitiva de un lenguaje propio, de una voz personal, tanto en las composiciones como en el propio sonido del grupo. Meses antes de su grabación, el grupo es incluído en el programa AIE Artistas en Ruta para realizar una gira por España en otoño de 2018. Esta gira coincide con la presentación oficial de «Fresh Start» por todo el país, permitiendo al grupo realizar quince conciertos de presentación, incluyendo importantes locales y festivales de otoño (Festival OFF Jimmy Glass, Festival Jazz Abierto de Málaga, Festival Internacional de Jazz de Lugo, Ciclo 1906, Ciclo Auditorio La Bilbaína).
