«Si quisieran darle un nuevo nombre al rock and roll, podrían llamarlo Chuck Berry», dijo John Lennon con didáctica y meridiana claridad. Berry no se consideraba el inventor del género. A menudo insistía en que no había nada nuevo bajo el sol musical, y que todo lo que hizo fue combinar influencias de los más variados estilos. Pero cualquier cocinero sabe que las proporciones y el método de cocinar es tan importante como los ingredientes, y la fusión de R & B, blues, jazz y un toque country de Berry puso los cimientos del género que cambió la música del siglo XX.

Y Berry fue el primer héroe de la guitarra. El desempeñó un papel decisivo en la definición de las seis cuerdas como instrumento definitivo del rock and roll. Berry resumió que su estilo instrumental era simplemente una amalgama de sus influencias.

Berry creó un estilo que alimentaría a otros artistas. Es difícil imaginar dónde estarían Keith Richards o Steve Jones sin el ejemplo de Chuck. Y ver como tocaba Berry era casi tan emocionante como oírle; En sus manos, su Gibson era un personaje más en escena, mientras lo sacudía de un lado a otro, te apuntaba como con un rifle o fingía que era su amante.

Frente a la alegría e ingenio de la música de Chuck Berry, su figura humana era más complicada. Berry nació en St Louis, Missouri, el 18 de octubre de 1926. Sus padres eran nietos de esclavos, y aunque su madre había podido estudiar y su padre dirigía un negocio de construcción mientras servía como diácono en una iglesia Baptista, esto no le libró del ambiente que lo rodeaba. Viviendo en el sur en un momento en que la segregación estaba a la orden del día, el racismo era un hecho diario, y el linchamiento era una realidad preocupante.

El joven Chuck Berry era brillante, ambicioso y talentoso, pero también tenía una mente independiente y era muy impulsivo. Berry abandonó la escuela cuando tenía 17 años, y en 1944, partió en un viaje por carretera a California con algunos amigos que se convirtieron en una mala compañía, siendo cómplice de varios robos. Chuck estuvo tres años en un reformatorio de Missouri para Jóvenes. Cuando fue liberado, Berry parecía dispuesto a aceptar cualquier trabajo que pudiera conseguir: la construcción, fotografía o peluquería. Pero mientras actuaba en programas de nuevos talentos, desarrolló un gusto por hacer música y tomó la guitarra. En 1951, un viejo amigo, Tommy Stevens, invitó a Berry a unirse a su banda. Su grupo pronto atrajo a seguidores fieles, y en 1952, Berry se unió al Sir John Trio, un combo de San Luis con el pianista Johnnie Johnson y el batería Ebby Hardy.

Trabajando con Johnson, Berry creó el estilo que se convertiría en su firma, aunque muchos han sugerido que tomó prestado más de Johnson de lo que estaba dispuesto a admitir. En 1955, Berry conoció a Muddy Waters, el icónico bluesman, y Waters sugirió que debería ponerse en contacto con Chess Records, el sello de Chicago que acogió a algunos de los grandes nombres del blues. Después de escuchar una cinta casera que Berry envió a Chess, la discográfica lo invitó a Chicago a grabar un disco. Unas semanas más tarde, «Maybellene» fue un éxito masivo, y Chuck empezaba a andar su camino.

Chuck Berry (Maybellene) 1955

Siguieron otros éxitos, entre ellos «Roll Over Beethoven», «Rock & Roll Music» y «Sweet Little Sixteen». Pero si hay una canción que representa el legado de Berry, es sin duda «Johnny B. Goode». La historia de un niño campesino al que su madre le dice que va a ser una estrella, fue la canción de Berry, la narración arquetípica de los aspirantes a rockeros y una de las grabaciones más excitantes de la historia de la música. Berry apenas puede contenerse mientras las palabras se apresuran en su boca («En lo profundo de Louisiana cerca de Nueva Orleans / Camino de vuelta en el bosque entre los árboles de hoja perenne») y un aguacero de guitarra, batería y teclados amplifica cada llamada de «Go, Johnny Go!».

Chuck Berry (Johnny B. Goode) 1958

La creciente carrera musical de Berry volvió a descarrilarse en 1961, cuando fue condenado bajo la Ley Mann por transportar ilegalmente a una mujer a través de varios estados con «propósitos inmorales». Tres años antes, en 1958, Berry había abierto el Club Bandstand en el distrito comercial, predominantemente blanco, del centro de St. Louis. Al año siguiente, en una estancia en México, había conocido a una camarera de 14 años de edad, y a veces prostituta, y la trajo a St. Louis para trabajar en su club. Sin embargo, él la despidió sólo semanas más tarde, y cuando ella fue arrestada por prostitución, presentaron cargos contra Berry que terminaron con una condena de 20 meses en la cárcel. Este segundo juicio y la condena resultante de dos años lo dejaron profundamente amargado.

Su liberación coincidió con el renacimiento de R & B en Gran Bretaña. Con su material siendo versionado por bandas como The Beatles y Rolling Stones, su trabajo fue descubierto por una nueva generación.

Siguieron giras exitosas. Él anotó algunos éxitos más como la atípica «My Ding-a-Ling», de 1972, repleta de doble sentido.

Chuck Berry (My Ding-a-Ling) 1972

Chuck Berry estaba emocionando al público con sus actuaciones en vivo. Su marca registrada fue su «paseo del pato», un movimiento que hacía agachado durante sus solos de guitarra.

Fuera del escenario, podría ser un personaje espinoso, ejemplificado en la película de 1987 «Hail! Hail! Rock & Roll» que incluyó una gira con una banda de acompañamiento organizada por el devoto Keith Richards de los Rolling Stones. Esta película fue diseñada para honrar a Chuck Berry, pero al final, el mensaje más obvio era que Chuck no necesitaba la validación de nadie, considerando que él es la figura más importante e influyente en el rock & roll

Keith Richards con Chuck Berry

En 1996, volvió a las actuaciones en vivo con un show en un club nocturno de St. Louis, «Blueberry Hill», y terminó haciendo 209 conciertos en ese lugar antes de rendirse en octubre de 2014.

En su 90 cumpleaños, en octubre pasado, Berry anunció que lanzaría un nuevo álbum en 2017, titulado simplemente «Chuck». A pesar de la muerte de Berry el pasado sábado 18 de marzo, su familia ha anunciado que el álbum se publicará en junio, y una canción del álbum, «Big Boys», ya se conoce. Con una melodía y una línea de guitarra que recuerda sus éxitos de los años cincuenta. El tema apenas suena como el trabajo de un hombre de noventa años, es inteligente, animado y juguetón, como una canción de Chuck Berry debe ser. No se si el álbum va a estar a la altura del primer single, pero con «Big Boys» tenemos un recordatorio de que Berry todavía suena tan fresco como hace sesenta años.

Chuck Berry (Big Boys) 2017

Chuck Berry (Live at BBC Theatre) 29/03/1972

En los últimos años, la cantante, la vocalista femenina, ha tenido un regreso significativo. En el mundo del jazz, parece que casi todos los álbumes vocales que están siendo editados son por una cantante. El éxito de Diana Krall, y la reciente sensación creada por Jane Monheit han ayudado a allanar el camino para una oleada de valiosas vocalistas de jazz.

Norah Jones realizó un debut discográfico impresionante en 2002 con «Come Away With Me». Al igual que Jane Monheit, Norah Jones debutó muy joven, con 22 años. A diferencia de muchos de los cantantes de jazz que han surgido, Norah hace material principalmente nuevo, incluyendo un par de canciones que ella escribió, pero la mayoría de su álbum consiste en canciones escritas por los miembros de su banda.

Norah Jones es hija de Ravi Shankar, el gran patriarca de la música hindú y quien la popularizó en occidente. Nació en Nueva York, pero cuando tenía cuatro años, se mudó con su madre a Texas, cerca de Dallas, y absorbió el contenido de la colección de discos de su madre, incluyendo una caja de grabaciones de Billie Holiday.

Después de graduarse de la escuela secundaria, se matriculó en el programa de música de la Universidad Estatal del Norte de Texas, con especialización en piano de jazz. En 1999, marchó a Nueva York para una estancia durante el verano. Viviendo el ambiente del Greenwich Village, decidió no volver a la universidad, permaneciendo en Nueva York y absorbiendo y formando parte de la escena musical de la ciudad. Ella cantó con una banda llamada Wax Poetic y también formó su propio grupo, consiguiendo un contrato con la etiqueta de jazz Blue Note Records. También apareció en el disco del guitarrista Charlie Hunter, «Songs from the Analog Playground».

Para su debut, el legendario productor Arif Mardin, conocido por su trabajo con Aretha Franklin en la década de los sesenta, fue reclutado, pero el disco fue grabado con la propia banda de la Norah, en lugar de con músicos de estudio. Mardin realizó una producción inmaculada del disco.

Mientras que el jazz es claramente una gran influencia para la Norah Jones, «Come Away with Me» no es realmente un álbum de jazz. Hay solamente una melodía que se podría describir como estándar de jazz, el resto de los ingredientes musicales vienen tanto del soul como del country. Norah es una buena pianista, y toca en todos los temas menos en una pieza, pero este es un álbum muy orientado a la guitarra, con la guitarra acústica probablemente siendo la voz instrumental principal. Y el guitarra en su banda es Jesse Harris, quien escribió o co-escribió cinco de las catorce canciones del disco. También aporta canciones el bajista Lee Alexander. Completando su banda está Adam Levy en la guitarra eléctrica y Dan Reiser en la batería, aunque el destacado batería de jazz Brian Blade se escucha en varias pistas.

Uno de los aspectos más atractivos de este álbum es su ambiente relajado e íntimo. Con un productor como Mardin a bordo, el disco está claramente dirigido a un público más amplio que el simple aficionado al jazz, con más canciones orientadas al pop, dentro de un trabajo notablemente ecléctico.

Norah Jones tiene una voz que desmiente su edad. También es evidente que ella ha escuchado a Patsy Cline, así como a Billie Holiday. Es una respetable pianista que demuestra versatilidad y comprensión de los principios del buen acompañamiento vocal. La combinación de las letras y el sonido íntimo que se logra, hace de este disco una grabación distinta y al instante atractiva.

El álbum fue un éxito enorme, vendiendo aproximadamente 22 millones de copias en todo el mundo y ganando 8 premios Grammy, incluyendo «Mejor grabación», «Mejor canción» y «Mejor álbum». Es el álbum de estudio (no recopilatorio) más vendido del siglo XXI hasta el momento.

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En 1971, el grupo de rock británico Jethro Tull tuvo su mayor éxito en todo el mundo con el LP «Aqualung», que los críticos describieron como un álbum conceptual sobre la religión, a pesar de que el líder Ian Anderson negó que el disco estuviera destinado a ser como las clásicas Suites del rock progresivo que se habían hecho cada vez más populares a principios de los setenta.

El mito dice que Anderson estaba enojado por este error: «No estoy enojado, no», explicaba casi cuatro décadas después. «En realidad estaba ligeramente irritado e  irónicamente divertido». Por mucho que insistiera en que «Aqualung» no era un álbum conceptual, los medios de comunicación todavía persistían en tratarlo como tal. Parecían creer que todo el disco era una crítica de la religión: «La verdad era que tres o cuatro canciones estaban vinculadas a cuestionar la naturaleza de la religión. Pero el resto eran canciones independientes». Así que, con este panorama pensó: «OK, no sólo vamos a hacer un álbum conceptual real, sino que vamos a hacer que sea la madre de todos los álbumes conceptuales».

Entonces Anderson decidió expresar sus sentimientos acerca de los álbumes conceptuales y del prog-rock en general a través de la parodia, grabando un álbum llamado «Thick as a Brick». Vendió millones de copias, pero su ingenio es tan seco y tan sutil que muchos no se dieron cuenta de  la broma.

Jethro Tull en 1972. Ian Anderson es el 2º por la Izquierda.

La piedra angular de la obra fue un poema, escrito presuntamente por Gerald Bostock, un niño de 8 años de edad, reciente ganador de un premio de poesía que le es retirado cuando se comprueba que ha dejado embarazada a una chica de 14 años. Sin embargo, este es un personaje totalmente ficticio, creado por Anderson. A pesar de los intentos a lo largo de los años de descubrir la verdadera identidad del niño poeta, la verdad es que Bostock no tiene conexión con nadie del pasado de Anderson.

«Si, hay un elemento autobiográfico en lo que escribí. Cuando era niño, yo era un poco rebelde. La mayoría de mis compañeros aspiraban a ir a la escuela primaria, convirtiéndose luego en parte de la sociedad más convencional. Eso nunca me atrajo. Yo era el tipo de niño que le gustaba pasar el tiempo observando la vida  y luego analizándola. También me encantaron las historias de ciencia ficción de la época (la década de los cincuenta), porque hablaban de un futuro diferente y emocionante. Así pues, dibujé esto para el carácter de Gerald Bostock. Pero él mismo es una ficción».

Finalmente, en diciembre de 1971, la banda entró en los Morgan Studios en el noroeste de Londres y, bajo la producción del propio Anderson, grabó el álbum (que es una composición dividida en dos movimientos) durante un período de quince días, incluyendo el Mezcla.

Las cubiertas y el interior del disco de vinilo fueron diseñados imitando un diario de un pequeño pueblo, el «St. Cleve Chronicle & Linwell Advertiser», en el cual se incluye la letra de la canción y diversas noticias y pasatiempos típicos de un periódico local. Algunas de las noticias, creadas por Anderson, son absolutamente delirantes. Es recordado el pasatiempo de unir los puntos, dando como resultado una mujer desnuda.

Musicalmente, «Thick as a Brick»es una joya de una belleza imperecedera, sencilla y compleja a la vez (el propio Anderson admitía que le resultaba más fácil componer una obra así que un conjunto de canciones al estilo convencional), y por supuesto, una de las más grandes obras de la historia del Rock.

«Solo en los últimos tiempos he apreciado la complejidad de la música», admite Anderson. El álbum consta de una sola canción que ocupa todo el disco, dividida en dos partes a causa de las limitaciones del vinilo original. A pesar de lo larga que pueda parecer, la atención en ningún momento decae. Cada nueva parte que suena es vigorosa, capta nuestra atención y nos introduce en el siguiente segmento. Destacable en este álbum es posiblemente la repetición. Pequeñas variaciones que permiten darle un nuevo énfasis emocional a cada momento y una perspectiva diferente a la estructura.

La estructura musical de varias de las partes que van emergiendo cíclicamente es más propio de una sinfonía clásica que del rock. El número de instrumentos que van interviniendo a lo largo de todo el disco de 43 minutos se hace incontable, incluyendo, aparte de los instrumentos tradicionales del rock, xilófonos, órgano Hammond, violines e, inevitablemente, la flauta de Anderson; sin embargo, este disco, a diferencia de los anteriores, incluye como instrumento principal los teclados.

A base de querer parodiar y mostrar los excesos del rock progresivo, Ian Anderson creó uno de los álbumes fundamentales del género.

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