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Radio Cos (26/Mayo/2017)

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RADIO COS (FOLK CONTEMPORÁNEO)

Viernes, 26 mayo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas 8 €: a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del Teatro

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carnet universitario y DNI.

Radio Cos son unos famosos pandereteros que han hecho evolucionar la música gallega de manera natural. Xurxo Fernandes y Quique Peón, ambos cantantes y percusionistas del grupo, son dos referentes en el mundo de la investigación etnográfica en Galicia.

Las melodías utilizadas en este proyecto pertenecen a archivos de grabaciones de campo propios, un trabajo que llevan haciendo por toda Galicia desde hace más de tres décadas.

Radio Cos han estado casi nueve años recorriendo escenarios por Bélgica, Inglaterra, Escocia, Bretaña y Galicia, transmitiendo su modo de entender nuestra música tradicional.

Este primer disco suyo, homónimo, contiene una enorme variedad de música de raíz que conjuga la sonoridad más arcaica con distintos diversos elementos de la propia tradición, pero también con melodías ajenas que guardan relación con Galicia.

La banda de Radio Cos la conforman tres prestigiosos músicos: Pedro Lamas (a la gaita y el saxo soprano), Nikolay Velikov ( al violín) y Xan Pampín ( al acordeón).

Este trabajo, concebido con fuerza y alegría, quiere reivindicar la invisibilidad que sufren las llamadas “culturas minoritarias”, a pesar de estar ahí permanente y constantemente, de rodearnos, y de ser verdades habituales manifiestamente palpables.

Página de YouTube de Radio Cos

http://www.radiocos.gal/

Chris Cornell: El Otro Apóstol del Grunge (1964-2017)

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Chris Cornell, vocalista de los iconos del grunge Soundgarden y ex vocalista del supergrupo Audioslave, murió el pasado miércoles 17 de mayo por la noche, según informes de la prensa.

Cornell, de 52 años, estaba en Detroit actuando con Soundgarden, que se habían embarcado en una gira por Estados Unidos. Un representante del músico definió su fallecimiento como «repentino e inesperado» en un comunicado. El rockero había actuado el miércoles por la noche en el Fox Theatre de Detroit.

«Su esposa Vicky y su familia se sorprendieron al enterarse de su fallecimiento repentino e inesperado, y estarán trabajando estrechamente con el médico forense para determinar la causa», en declaraciones a la CNN. «Les gustaría agradecer a sus fans por su continuo amor y lealtad y pedir que su privacidad sea respetada en este momento».

Soundgarden (Superunknown) 1994

Soundgarden estaban entre los grupos que surgieron en Seattle a finales de los años ochenta que definieron el sonido de la música grunge. Sus álbumes de 1991 a 1996, «Badmotorfinger», «Superunknown» y «Down on the Upside», vendieron un total de 8 millones de copias y todos fueron disco de  platino. «Superunknown» alcanzó el primer puesto en la lista de álbumes de Billboard.

Obtuvieron 10 Top 15 durante ese tiempo, incluyendo los hits Nº 1 «Black Hole Sun», «Burden in my Hand» y «Blow up the Outside World».

La banda se separó en 1997 y Cornell se integró en Audioslave, que vendió 4,5 millones de copias de sus tres discos de 2002 a 2006. Su disco de debut homónimo vendió 3 millones de copias, y el trabajo de 2005 «Out of Exile» fue Nº 1.

Audioslave (Álbum de 2002)

Audioslave también tuvo 10 Top 10 hits, incluyendo los números 1: «Like a Stone» y «Be Yourself».

Cornell también había lanzado cuatro discos en solitario, todos los cuales llegaron al Top 20. Su último fue «Higher Truth» en 2015.

Resultado de imagen de Higher Turn chris cornell

Chris Cornell (Higher Truth) 2015

Audioslave se separó en 2007, y Soungarden se reunió en 2010. Lanzaron un álbum en vivo, «Live on the I-5», en 2011 y un disco de estudio, «King Animal» en 2012.

Cornell también cantó con Temple of the Dog, una banda cuyos miembros pasaron a formar otras influyentes bandas grunge. Temple of the Dog se reunió en 2016 para hacer una gira de celebración del 25º aniversario de su único álbum publicado.

temple

Temple of the Dog (Álbum de 1991)

 

Ana Alcaide (19/Mayo/2017)

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ANA ALCAIDE (FOLK CONTEMPORÁNEO)

Viernes, 19 mayo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

Ana Alcaide es una intérprete y compositora de Toledo que desarrolla una actividad investigadora en torno a antiguas tradiciones y culturas.

Mientras estudiaba Biología, viajó a Suecia y allí conoció la Viola de Teclas, un instrumento medieval minoritario que en sueco se llama ‘Nyckelharpa’. Ana se enamoró de él y lo aprendió a tocar de forma autodidacta en las calles de Toledo, fuera y lejos de su tradición original. Así se convirtió en una pionera introduciendo y divulgando la nyckelharpa en España.

Su música es habitualmente descrita como la ‘banda sonora de Toledo’. Es una creación nueva inspirada en antiguas tradiciones que sintetiza estilos musicales de diferentes culturas. Desde el marco de inspiración que le brinda esta ciudad, Ana comenzó escribiendo y produciendo sus canciones, añadiendo composiciones y adaptando su instrumento a melodías ancestrales que han viajado por el Mediterráneo y que tuvieron su origen en la España medieval.

Conquistó la escena internacional con su tercer disco «La Cantiga del Fuego» y su singular reinterpretación de las músicas antiguas, permaneciendo 5 meses en los ‘World Music Charts’ (lista de referencia internacional de las músicas del mundo) y siendo considerado uno de los mejores discos de 2012 por la crítica especializada.

Alcaide ha presentado su trabajo en escenarios de Francia, Italia, Alemania, Marruecos, Canadá, Bulgaria, Indonesia, Corea del Sur, Uzbekistán, Argentina y Uruguay. En España ha tocado en festivales como Getxo Folk, Folk Plasencia, Folk Segovia, Parapanda Folk, Etnohelmántica y Festival de las dos Orillas, entre otros.

Su evolución artística y personal le han llevado a ampliar su campo creativoen los últimos años.

En el 2015 inaugura la serie «Tales of Pangea», proyecto fruto de sus colaboraciones y experiencias personales con músicos de otras partes del mundo. La primera entrega discográfica- «Gotrasawala ensemble», ha tenido lugar en la isla de Java (Indonesia) tras prolongadas estancias de intercambio musical y cultural con músicos locales., y ha permanecido en los ‘WorldMusic Charts’ desde junio hasta septiembre de 2015.

En 2016 estrena «LEYENDA» un proyecto musical y escénico inspirado en leyendas y mitologías de mujeres ancestrales que explora la fuerza de lo femenino con una mirada actual, y que supone una evolución en la presentación de su música.

Su personalidad y particular forma de difusión le han situado como referente musical en su ciudad y para aquel que visite Toledo. En 2013 recibió el premio popular cope de Castilla la Mancha por su trabajo artístico en la región, y fue sido seleccionada por RNE como representante española para actuar en el festival europeo de la UER.

Formación:

Ana Alcaide: Voz, Nyckelharpas, Violín de Hardanger, Atmósferas

Rainer Seiferth: Guitarra española y acústica

Bill Cooley: Psalterio, Ud, Percusiones

Página de YouTube de Ana Alcaide

http://www.anaalcaide.com/

Noé Rodrigo (17/Mayo/2017)

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NOÉ RODRIGO (PERCUSIÓN)

Miércoles, 17 mayo, 2017 – 20:15 H.

Teatro el Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla

CONCIERTOS A.I.E. PERCUSIÓN

NOÉ RODRIGO GISBERT – Percusión

Nació en Altea (España) en 1992. Empezó sus estudios musicales a los 8 años en el Conservatorio Municipal Profesional de Altea, donde terminó en 2010 obteniendo las máximas calificaciones y el Premio Extraordinario de Grado Medio. Continuó sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA), bajo la tutela de los profesores César Peris, Lorenzo Ferrándiz, Verónica Cagigao, Ignacio Molins y Francisco Inglés. Durante sus estudios en Altea, fue miembro de la Nexeduet  Academy, formada por los percusionistas Jordi Francés, Pedro Carneiro, Jean Geoffroy y Christian Dierstein.

Ha asistido a diversas masterclass con importante percusionistas internacionales como Marc Pino, Gustavo Gimeno, Anton Mittermayr, Guido Rückel, Wieland Wetzel, Raymond Curfs, Oliver Madas y Bill Linwood en el ámbito de la percusión orquestal; y Josep Vicent, Markus Leoson, Isao Nakamura, Nuno Aroso, Philippe Spiesser, Nancy Zeltsman, JereHuei Chen y Peter Sadlo en el ámbito de la percusión solista.

Como percusionista de orquesta, es miembro de la Alumni-Orchester der Lucerne Festival Academy, de la EUYO (European Union Youth Orchestra), Lucerne Festival Academy Orchestra, JONDE (Joven Orquesta Nacional de España), NJO (Netherlands Youth Orchestra), Penderecki Musik, Academy Westfalen y SOAP (Symphony Orquestra Academy of The Pacific) en Canadá; entre otras. Colabora con la Netherlands Philharmonisch Orkest, Netherlands Kamerokest y la próxima temporada con la Royal Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam. Como intérprete solista, obtuvo el primer premio en el Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes de Juventudes Musicales de España (2015), y un premio especial de la European Union of Music Competitions for Youth (EMCY) por su interpretación en esta competición. Anteriormente, ganó el Concurso de interpretación Musical del Conservatorio de Altea (2007 y 2009), y Mención de Honor por la máxima puntuación de todas las categorías (2009). En 2016 ofrecerá un recital en la Sala de Concerts del Palau de la Música dentro del ciclo El Primer Palau. También participará en la competición de percusión TROMP (International Percussion Competition Eindhoven 2016. En el ámbito de la música de cámara y ensemble, ha sido miembro de la Academia para la Nueva Música en Zaragoza, Percusiones del CSMA, Aldeburgh Contemporany Ensemble, NJO Steve Reich Ensemble y actualmente es miembro activo de MBira-dúo, The Score Collective Ensemble y colabora con el Oerknal! Ensemble, Nieuw Ámsterdam Peil, Slagwerk Den Haag, Asko Schönberg Ensemble y New European Ensemble. Forma parte también de la producción Young Performance Divamania, de Lucerne Festival.

Ha trabajado personalmente con compositores actuales como Steve Reich, Luis de Pablo, Antón García Abril, Jesús Torres, James Wood, Louis Andriessen, Matthias Pinstcher y Wolfgang Rhim. En los últimos años, ha trabajado con compositores jóvenes, estrenando obras tanto en España como en Holanda. Recientemente, estrenó el primer solo escrito especialmente para él, SHIFT-Fajrant!, para percusión y electrónica, del compositor polaco Tomasz Arnold.

El pasado mes de junio, finalizó un programa de Máster en el Conservatorio de Ámsterdam con algunos de los mejores percusionistas del panorama europeo e internacional, Peter Prommel, Arnold Marinissen, Mark Braaghart, Nick Woud, Ramón Lormans, Richard Jansen y Bence Major.

IRENE GONZÁLEZ

Nació en Ribadeo (Lugo), donde comenzó sus estudios a los 6 años y completó el Grado Elemental en percusión. Realizó el Grado Profesional en el Conservatorio de Lugo, y continuó sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA), bajo la tutela de los profesores César Peris, Lorenzo Ferrándiz, Verónica Cagigao, Ignacio Molins y Francisco Inglés, donde finalizó en 2014.

Ha asistido a diversas master clases con importantes percusionistas internacionales como Marinus Komst, Gustavo Gimeno, Anton Mittermayr, Maarten van der Valk ,Guido Rückel, Wieland Wetzel, Raymond Curfs, Oliver Madas y Bill Linwood en el ámbito de la percusión orquestal; y Pius Cheung, Markus Leoson, Isao Nakamura, Nuno Aroso, Philippe Spiesser, Nancy Zeltsman, Jer-Huei Chen y Tchiki-duo en el ámbito de la percusión solista.

Como percusionista de orquesta, es miembro algunas de las mejores orquestas jóvenes de Europa, como la SHMF (Schleswig-Holstein Musik Festival), GMJO (Gustav Mahler Jugendorchester), NJO (Nederlands Jong Orkest), entre otras; y SOAP (Symphony Orchestra Academy of the Pacific) en América (Canadá). Colabora con orquestas profesionales como la Royal Concertgebouw Orchestra, la Nederlands Philharmonisch Orkest y la Nederlands Kamerorkest en Ámsterdam; la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Royal Flemish Philharmonic, la Frankfurt Radio Symphony Orchestra y la Orchestra del Teatro Massimo di Palermo.

En el ámbito de la música de cámara y ensemble, ha sido miembro de la Academia para la Nueva Música en Zaragoza, Percusiones del CSMA y actualmente es miembro activo de Mbira-dúo y ha colaborado con Slagwerk Den Haag (grupo de percusión de La Haya).

El pasado mes de junio, Irene finalizó un programa de máster en el Conservatorium van Amsterdam con algunos de los mejores percusionistas del panorama europeo e internacional: Nick Woud, Mark Braafhart, Bence Major, Peter Prommel, Arnold Marinissen, Ramon Lormans y Richard Jansen.

PROGRAMA

I

«Asventuras»          Alexej Gerassimez  (Dúo de cajas)

«Totem I &II»            Arnold Marinissen (Marimba)

«Passacaglia»         Ana Ignatowics      (Dúo de maromba y vibráfofo)

«Temascal»             Javier Álvarez         (Marcas con electrónica)

II

«Schwarse Wölken »         Edison Denissow  (Vibráfono)

«Tactus»                             Polo Vallejo (4 congas y 2 bogos)

«Toccata»                          Anders Koppel (Dúo de marimba y vibráfono)

Noè Rodrigo Gisbert (Marimba) Moi, Jeu…

Top 10 Eurovisión (las 10 Mejores Canciones de la Historia del Festival)

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El próximo 13 de mayo, se celebrará en Kiev la gran final del Festival de Eurovisión 2017. Idolatrado y vilipendiado a partes iguales, este Festival organizado por la UER, a pesar de estar lejos de sus años dorados (sesenta y setenta), sigue concitando grandes audiencias televisivas, y algunas de las canciones ganadoras se han convertido en éxitos inmediatos con una popularidad y difusión enorme.

Hacer una lista es algo muy subjetivo, aunque se intente no serlo. La que presento, creo que es representativa  de la historia del festival. Algunas canciones no lo ganaron, pero tuvieron tal impacto, que han quedado en el recuerdo mucho más que otras que si lo hicieron.

Paul Harrington & Charlie McGettigan (Rock & Roll Kids) Irlanda 1994

Nº 10: «Rock & Roll Kids», interpretado por Paul Harrington y Charlie McGettigan, fue el primer dúo masculino en ganar el Festival y consiguió para Irlanda su sexta victoria en Eurovisión. Con 226 puntos, fue la primera canción que recibió más de 200 puntos en la historia del Festival. La actuación fue única debido al hecho de que no había ningún acompañamiento orquestal añadido. las letras fueron apoyadas por los propios cantantes; Harrington tocando el piano mientras McGettigan estaba en la guitarra.

The Common Linnets (Calm After the Storm) Holanda 2014

Nº 9: Algo peculiar ocurrió en la edición de 2014.  Y no tenía nada que ver con divas hirsutas. «Rise Like a Phoenix», la canción ganadora, es simplemente otra balada exagerada e histriónica compuesta en un estilo que estaba pasado de moda mucho antes de que su cantante, de 25 años de edad, Conchita Wurst, naciera. Los Países Bajos casi consiguen la victoria, de la que eran totalmente merecedores, con una canción que sonaba como algo que podrías escuchar en el mundo real, interpretada por músicos consumados que parecían tomar en serio lo que están haciendo. Una deliciosa balada country, con una puesta en escena sobria e intimista, que si obtuvo el éxito popular que le negaron las votaciones.

Vicky Leandros (L’Amour Est Bleu) Luxemburgo 1967

Nº 8: Otra canción no ganadora que pasó a convertirse en un estándar con muchas versiones. «L’Amour Est Bleu» es probablemente mejor conocida hoy por la versión instrumental de Paul Mauriat, que se convirtió en un número uno en los EE.UU. Hit que se ha utilizado ampliamente en la televisión y el cine desde entonces. Jeff Beck también alcanzó el top 40 del Reino Unido con su interpretación más influenciada por el blues en 1968. La cantante de origen griego Vicky Leandros, no disfrutó tanto éxito con su grabación original de la canción, pero ganó el concurso en 1972, otra vez representando a Luxemburgo, con la canción «Après Toi» . Una versión en inglés de esa canción, retitulada «Come What May» alcanzó el puesto nº 2 en las listas británicas.

France Gall (Poupee de Cire, Poupee de Son) Luxemburgo 1965

Nº 7: Durante la primera década de su existencia, Eurovisión se inclinó por canciones de estilo chanson francesas que se parecían poco a la música rock y pop que dominaba las listas. Pero «Poupée de Cire, el Poupée de Son», escrito por el genial Serge Gainsbourg, ayudó a arrastrar el concurso a la realidad musical de los años sesenta, abriendo la puerta a artistas que sintonizaban más con el público joven como Sandie Shaw, Lulu y Cliff Richard. Como muchas de las composiciones de Gainsbourg, «Poupée de Cire» es una canción superficialmente espumosa de pop bubblegum francés con capas de ironía y doble significado oculto en las letras, que parecen ser una crítica del mismo género de música que representa.

Domenico Modugno (Nel Blu Dipinto di Blu: Volare) Italia 1958

Nº 6: A pesar de terminar tercera en el Festival de 1958. «Volare» probablemente se puede afirmar que es la canción de Eurovisión más exitosa comercialmente de todos los tiempos. Una balada italiana clásica con un gancho instantáneamente reconocible. La versión original pasó cinco semanas en el nº 1 de las listas de EEUU, ganó dos Grammys y ha sido versionada por artistas tan diversos como Dean Martin, Gipsy Kings, Luciano Pavarotti y David Bowie. Modugno, que también escribió la canción, volvió al certamen en 1959 y de nuevo en 1966.

Brotherhood of Man (Save Your Kisses for Me) Reino Unido 1976

Nº 5: Hay canciones que es imposible que no ganen, y la representante del Reino Unido en 1976 es un claro ejemplo. Con una letra deliciosa, y pegadiza como pocas, y esa singular coreografía que se marcaron los intérpretes, todo ello sólo podía conducir a la victoria. Antes del Festival ya era un gran éxito en su país de origen. Después del concurso, la canción no sólo acaparó las listas en el Reino Unido, sino que también se convirtió en un éxito en el resto de Europa, Estados Unidos e incluso llegó a lo más alto de las listas en Australia.

ABBA (Waterloo) Suecia 1974

Nº 4: La victoria de Suecia en Eurovisión 1974 lanzó al estrellato a ABBA, quien logró el triunfo con su hit mundial «Waterloo». La canción se convirtió en uno de los singles más vendidos de todos los tiempos, también figurando en la lista de los diez mejores en los Estados Unidos. En 2005, cuando el Festival de la Canción de Eurovisión celebraba su 50 aniversario, «Waterloo» fue elegida como la mejor canción del concurso desde su creación.

Mocedades (Eres Tú) España 1973

Nº 3: Ninguna de las dos canciones ganadoras de la Eurovisión de España disfrutó de una vida excesivamente larga después del certamen, aunque «La La La» de 1968 a tenido más difusión con el paso de los años. «Eres Tú», extraordinaria composición del gran Juan Carlos Calderón, fue segunda clasificada en 1973. Es mucho más conocida, y sigue siendo la única canción interpretada íntegramente en español en llegar al Top 10 de las listas de EE.UU., donde sigue siendo un elemento básico de la música latina y es frecuente escucharla en las emisoras de radio. En 2013, fue inscrita en el Grammy Latin Hall of Fame, para grabaciones que se juzga puedan tener «importancia cualitativa o histórica».

Loreen (Euphoria) Suecia 2012

Nº 2: Una canción sencillamente perfecta, Un tema pegadizo, muy comercial, pero de una calidad incuestionable. Sumado a una puesta en escena espectacular, solo podía dar el triunfo a Suecia en esa edición del festival. Encabezó las listas en 17 países tras su victoria. También pasó varios días en la parte superior del catálogo de iTunes del Reino Unido, alcanzando el puesto número 3 en las listas de singles y vendiendo más de 250.000 copias, a pesar de ser casi universalmente ninguneada por las principales emisoras de radio.

Alice & Franco Battiato (I Treni di Tozeur) Italia 1984

Nº 1: A comienzos de 1984 la televisión pública italiana (RAI), que perseguía la victoria en el Festival de Eurovisión desde hacía tiempo, pidió a Franco Battiato que representara al país en el evento musical de ese año. “I Treni di Tozeur” es muy diferente a la mayoría de canciones de Eurovisión, que entonces solían ser composiciones pop. Battiato se basó en la historia del tren de Tozeur para componer la canción cuando, de vacaciones en Túnez, vio una línea férrea en mitad del desierto e imaginó el paso de un tren real. Escribió la letra junto con Rosario Cosentino, y pidió actuar con la cantante Alice, que ya ganó el Festival de Sanremo de 1981 con una canción compuesta por Battiato. Aunque partían como favoritos, Italia finalizó en quinta posición con 70 puntos. Aunque no ganó el Festival de Eurovisión, “I Treni di Tozeur” fue el tema que más repercusión tuvo a nivel europeo ese año. En su país, Franco Battiato obtuvo el número uno en ventas un mes después del festival, y permaneció entre los sencillos más vendidos durante varias semanas. En 2005, la canción fue recordada por la Unión Europea de Radiodifusión dentro del programa especial “Congratulations”, como una de las más relevantes en la historia de Eurovisión.

Rafael Del Zambo (11/Mayo/2017)

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RAFAEL DEL ZAMBO (FLAMENCO)

Jueves, 11 mayo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla.

CONCIERTOS A.I.E. Flamenco

RAFAEL DEL ZAMBO, cante

ANTONIO JERO, guitarra

Rafael Del Zambo es de Jerez y pertenece a una de las familias cantaoras más importantes del flamenco nacida en la calle la Sangre, en el barrio de Santiago, lugar por siglos testigo del cante jondo gitano. En tan sólo dos años ha participado en importantes citas destacando sus actuaciones en el Festival  Potaje  de  Utrera  la  Fiesta  de  la  Bulería,  Veladas  de  las  Nieves,  en  el emblemático Casa Patas o el Teatro Conde Duque de Madrid.

Sus  inicios  son  junto  a  su  familia  los  Zambos  en  fiestas  y festivales  flamencos,  donde  brota  de  forma  espontánea  el compás  y  cante,   creando  los  elementos  esenciales   para  el duende y quejío de una de las sagas más emblemáticas de Jerez. Durante el Verano de 2016 además viaja por América actuando en San  Francisco,  New  York   o  en  el  Teatro  Mayor  de  Bogotá  en Colombia con un éxito rotundo. En  mayo  de  2016  ha  recibido  el  premio  al  cante  del  Festival Alcobendas  Flamenca  Nuevos  talentos.

Su  cante  es  jondo, directo, puro, por derecho. A Rafael Del Zambo se le puede oír con el acompañamiento de la  guitarra  flamenca  por  solea,  de  palmeros  o  en  una  fiesta flamenca por bulería,  pero también tiene la jondura y le basta solo  el  eco  de  su  voz  como  llama  de  fuego  para  marcarse  un martinete que sabe a gloria. En  la  actualidad  además  de  sus  actuaciones  forma  parte  del elenco  de  diversos espectáculos como el del guitarrista  Gerardo Núñez o la Fiesta Flamenca del Barrio de Santiago.

Rafael Del Zambo (Actuación en el Festival Alcobendas Flamenca) 2016

Ella Fitzgerald (1917-1996): Un Siglo del Mejor Swing

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Ella Fitzgerald (1917-1996), es una de las pocas cantantes cuya obra trasciende generaciones y géneros musicales. En el transcurso de su carrera, que duró seis décadas, «The First Lady of Song» acumuló una discografía casi sin rival.

Hace cien años, Temperance y William Fitzgerald tuvieron una niña en Newport News, Virginia. La llamaron Ella Jane. Los orgullosos padres no podían saber que su hija crecería hasta convertirse en una artista idolatrada, una arquitecto principal del jazz y, como es ampliamente reconocido, la mejor vocalista femenina del siglo XX.

La carrera de Fitzgerald se puede dividir en cinco períodos. Durante su etapa en las Big Band (1935-1941), cantó con la Chick Webb Orchestra (renombrada después de la muerte de Webb en 1939 como Ella Fitzgerald y Orquesta). A la edad de 20 años, Fitzgerald era la cantante más popular de América, y en 1938 escribió y cantó uno de los éxitos más grandes de toda la década, «A Tisket, A Tasket». Sus años con Decca Records (1941-1955) fueron una mezcla de grabaciones innovadoras y discos más cercanos al pop. A principios de los años cincuenta, quedó claro que Decca no sabía cómo utilizar mejor los talentos de Fitzgerald. Norman Granz, manager de Ella, formó Verve Records en gran parte como vehículo para Fitzgerald.

Sus años en Verve (1956-1966) marcaron la transición de Fitzgerald de la cantante estelar al icono cultural. Trabajando en el pico absoluto de sus poder creativo, Fitzgerald grabó una impresionante colección de álbumes en vivo y de estudio, incluyendo su legendaria serie Song Book. A mediados de los años sesenta, Fitzgerald se encontró insegura de cómo lidiar con la revolución que supuso el rock. Durante estos años de transición (1967-1973), ella se movió entre los sellos discográficos e hizo algunos esfuerzos cuestionables buscando un sonido más contemporáneo. Finalmente, a principios de los años setenta, Norman Granz formó Pablo Records. Durante sus años en Pablo (1973-1989), Ella volvió a grabar los estándares clásicos en la compañía de grandes músicos de jazz. Durante los últimos quince años de su carrera, la edad y la disminución de la salud erosionaron lentamente las extraordinarias habilidades vocales de Fitzgerald.

Ella Fitzgerald, Louis Armstrong y Duke Ellington

Fitzgerald apareció en el cine y como invitada en los programas de televisión más populares de la segunda mitad del siglo XX. Sus colaboraciones musicales con Louis Armstrong, Duke Ellington y The Ink Spots fueron algunos de sus actos más notables fuera de su carrera en solitario. En 1993, Fitzgerald coronó su carrera de sesenta años con su última actuación pública. Tres años más tarde, murió a la edad de 79 años, después de años de un grave declive en su salud. Después de su fallecimiento, la leyenda de Fitzgerald pervivió a través de sus catorce Premios Grammy, la Medalla Nacional de las Artes, la Medalla Presidencial de la Libertad y homenajes en forma de sellos o festivales de música.

Fitzgerald hizo más que cualquier otro cantante para establecer el álbum en vivo como un formato comercial viable. Más importante aún, sus grabaciones en vivo son el mejor lugar para escuchar a Ella. Nadie la igualaba cuando se trataba de improvisar.

En 1979, la cantante Peggy Lee observó que cuando se pregunta a los expertos, «¿Quién es el mejor cantante de jazz de nuestro tiempo? . . . . La primera reacción es siempre, ‘Bueno, te refieres a aparte de Ella, ¿verdad? «Lee continuó: «Ella se ha convertido en la norma por la que todos los demás somos medidos».

Amplísima Selección de sus Grandes Temas

Ialma (05/Mayo/2017)

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Viernes, 5 mayo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar

Entradas (8€): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carnet universitario y DNI.

Ialma es un grupo formado por cuatro vocalistas mujeres (“cantareiras” en Galicia): Verónica Codesal, Natalia Codesal, Magali Menéndez y Marisol Palomo. Cuatro enamoradas de Galicia con quince años de experiencia en los escenarios.

Viviendo en Bruselas, mantienen un vínculo vital con Galicia, su patria y principal fuente de inspiración artística.

Las voces tradicionales características de las “cantareiras” se fusionan con sonidos, melodías y arreglos más modernos, dando canciones muy frescas y vivas, que son una combinación inteligente para una renovada música universal con algunas conexiones célticas.

Han colaborado con Mercedes Peón, Dulce Pontes, Carlos Núñez, Kepa Junkera, Eliseo Parra, Arno, Zefiro Torna, Philippe Catherine, Renaud, Dick Van der Harst, Urban Trad, Perry Rose, …

Y camino tras camino, dando una gran cantidad de conciertos en Bélgica y en el extranjero, crearon Camiño – de Bruxelas a Santiago, la mejor expresión de la madurez artística de Ialma.

Su trayectoria musical, impregnada dela herencia de Galicia, fluye por sus venas y se vive aquí, no como una identidad nostálgica y recogida «en el país», sino como la expresión de una identidad abierta de la ciudad que les vio nacer, la cosmopolita y multicultural Bruselas, donde las raíces se encuentran, intercambian, comparten, se mezclan y, a veces, se funden.

CAMIÑO – De Bruselas a Santiago

Los caminos que nos llevan a Santiago de Compostela son largos, longevos y entrelazan paisajes y gentes de toda Europa. Pero para los numerosos gallegos que han tenido que dejar su tierra en busca de trabajo o de una libertad segada por la dictadura, el peregrinaje esperado es el que les lleva a su cultura, a sus raíces, a esa identidad que hace que un pueblo tenga algo que contar y que compartir.

Espiritual para unos, iniciático o simbólico para otros, el Camino es siempre ocasión de encuentros y descubrimientos de gran riqueza, de intercambios y de convivencia.

Con este quinto álbum – Camiño: de Bruxelas a Santiago – IALMA cultiva aún más asociaciones…

Camiño es elegir convencidamente abrirse a los demás; es el canto de las mujeres de hoy, testigos de este contexto complejo en el que el respeto, la tolerancia y la expresión de la diferencia reciben golpes por todas partes.

Concierto en sala o festival, rondalla o concierto educativo, Camiño de IALMA es una experiencia musical inédita, a medio camino entre las tradiciones gallegas y nuestro mundo de hoy, tan rico en diversidad.

FORMACIÓN:

Verónica Codesal: guía vocal y percusiones

Natalia Codesal: voz y percusiones

Magali Menéndez: voz y percusiones

Marisol Palomo: voz y percusiones

Quentin Dujardin – guitarras y dirección artística

Didier Laloy – acordeón diatónico

Ialma (Selección de Actuaciones)

Manassas (1972)

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Durante el transcurso de su carrera, Stephen Stills ha sido miembro de varios grupos. En Buffalo Springfield compartió liderazgo creativo con Neil Young y, con el paso del tiempo, con Richie Furay. Los eternos Crosby, Stills & Nash son básicamente tres artistas solistas que crean su música y luego se unen de vez en cuando para grabar y hacer una gira. Manassas, a pesar de su corta duración, fue una banda en el sentido clásico de la palabra, aunque con el completo control de Stills. Su álbum de debut  fue uno de sus mejores logros creativos.

Stills reunió lo que era casi un grupo perfecto. Su amigo Chris Hillman, que estaba aburriéndose como una ostra con los Flying Burrito Brothers, era el guitarrista rítmico, tocaba la mandolina, y probablemente lo más importante, era la segunda voz del grupo. Los viejos amigos Calvin «Fuzzy» Samuels en el bajo y el batería Dallas Taylor también formaron parte. El resto de la banda estaba formado por el guitarrista y vocalista Al Perkins, el teclista Paul Harris y el percusionista Joe Lala.

Lanzado en abril de 1972, su auto-titulado álbum debut, fue uno de los mejores lanzamientos de la década y sigue siendo un álbum excelente 45 años más tarde. Fue uno de los pocos álbumes dobles que realmente merecieron dos discos. El nombre del grupo surgió por casualidad, al fotografiarse en la estación de Manassas (Virginia), después de una de sus primeras actuaciones. Es la foto que ilustra la cubierta del álbum.

Paul Harris, Joe Lala, Chris Hillman, Dallas Taylor, Calvin «Fuzzy» Samuels, Stephen Stills y Al Perkins

El concepto del álbum es más fácil de seguir en el formato original en vinilo. Se dividió en cuatro secciones, cada una de ellas subtitulada y comprendiendo una cara de cada disco.  También la edición original vino acompañada con el cartel, las fotos, y las letras manuscritas. Todo eso se perdió en la reedición en CD.

La primera parte, titulada “The Raven”, es una combinación de rock y sonidos latinos, incluyendo magníficos temas como “Song of Love”, en dónde las guitarras del dúo Stills / Hillman cobran un protagonismo mayúsculo. El extraordinario meddley “Rock & Roll Crazies / “Cuban Bluegrass”, dejará fascinado al oyente a la primera escucha. Otras canciones reseñables son “Anyway” y un glorioso “Both Of Us (Bound To Lose)”, con una jam final realmente soberbia.

La cara dos, «The Wilderness», tiene un delicicioso sabor campestre a country y bluegrass. El verdadero tesoro es «So Begins the Task», que combina la guitarra acústica de Stills con el virtuosismo de la steel guitar de Perkins. «Fallen Eagle», «Colorado» y «Don’t Look at my Shadow», donde se siente el suave toque de Chris Hillman, son otros temas a reseñar.

La tercera parte, «Consider», va en una dirección cercana al folk rock.«It´s Doesn´t Matter», fue el gran hit del álbum, es realmente la esencia de lo que aportaron Perkins y Hillman a la banda, y «Johnny’s Garden» es un «presunto» homenaje  a John Lennon. Otros comentan que esta dedicada al cuidador de la casa inglesa de Stills. «The Love Gangster», co-escrito por Stills y Bill Wyman, cuenta lo que usted esperaría de un miembro de los Rolling Stones cuando se trata el tema de la destreza sexual. Como curiosidad reseñar que Wyman, histórico bajista de los Stones, comentó que dejaría al grupo de Jagger, para unirse a Manassas. Seguramente nadie se lo propuso.

La cara cuatro es «Rock & Roll Is Here to Stay», y el título se explica por sí mismo. Es un conjunto de rock y blues con uno de los hitos de la corta vida de Manassas, la épica «The Treasure». Una especie de meditación Zen sobre el amor y la unidad, animada por el desarrollo musical más inspirado de la banda, «Blues Man» es un bonito homenaje a Jimi Hendrix, Al Wilson y Duane Allman.

Desafortunadamente, el álbum ha  sido ignorado a lo largo de los años, a pesar de que Stills lo considera uno de sus mejores trabajos. Hora es de hacer justicia con el.

Enlace al Álbum Completo

Actuación en la TV Alemana (Musikladen) 1972

Eduardo Rodrigo (1943-2017): Hilando Versos, Haciendo Canciones

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La muerte nos rescata del olvido, aunque sea solo un momento. Esta máxima es perfectamente aplicable al recientemente fallecido Eduardo Rodrigo. La obra de este cantautor y compositor argentino, de padre español, ha quedado sumida en la nebulosa del tiempo, siendo conocido por el gran público, básicamente, por su matrimonio con Teresa Rabal, que le llevó a centrar su carrera en el mundo de la composición de temas destinados al público infantil. Suyas son las célebres composiciones «Veo, veo», «De oca a oca», «Me pongo de pie», «Palmitas con palmitas» o «El avión de Teresa».

Yo soy el primero en entonar el mea culpa. Seguramente sin la noticia de su muerte, nunca le hubiera dedicado una entrada. Hora es de reparar tamaña injusticia, y hacer una semblanza de una carrera, cuya enorme calidad es inversamente proporcional al poco conocimiento de la misma. De ese joven inmerso en su labor de folklorista, reivindicando la música autóctona de su país, hasta su evolución hacia la canción melódica.

Luis Eduardo Rodrigo nació en la ciudad argentina  de San Juan, el 15 de junio de 1943. Eduardo comenzó a escribir canciones y poemas a los 14 años. Estudió guitarra, armonía y composición, y se tituló como experto en folklore. La primera etapa de su carrera artística se desarrolló en Latinoamérica, donde publicó una veintena de discos con canciones como «Collar de Caracolas» y «Luna Playera».

En 1959, a los 16 años de edad, obtiene el Primer Premio en el Encuentro de Poetas Noveles de San Miguel de Tucumán. En 1963 es la revelación del Festival de Cosquín, Córdoba, (Argentina). En esta fecha, cursando segundo de derecho, comienza a definir su vida profesional encauzando sus objetivos hacia la música tradicional con textos nuevos y frescos en el panorama nacional argentino y comienza su carrera en Buenos Aires. Luego, Debuta en la televisión argentina. Actúa en Series, Fotonovelas y en dos películas: «Ritmo, amor y juventud» y «Cosquín, amor y Folclore».

Collar de Caracolas (1963)

De 1964 a 1969, graba 20 LPs, editando en Argentina, Chile, España, Uruguay, Venezuela, Paraguay, Japón, etc…, colocándose en los primeros puestos de las listas de venta. En esta etapa también obtiene premios en Festivales: Piriapolis, Viña del Mar y otros. Actúa en estadios tales como: Velez, San Lorenzo etc… Otros grandes éxitos son «Pedrito», “Nuestra Noche”, “Zamba de Ud”.

En 1970 realiza su primera gira europea: Italia, Francia y España. En España graba su poema premiado por Instituto de Cultura Hispánica «Los ojos de Charlie», basando el tema argumental en el suceso trágico de Charlie Manson y Sharon Tate, acompañándole una gran orquesta dirigida por el maestro Torregrosa.  En 1971 obtiene el primer premio y el de la Crítica del Festival de Almería.  En 1972 obtiene también el primer premio del Festival de Benidorm con su canción «A María yo Encontré».

En 1973 se afinca definitivamente en España, grabando para la RCA. Compone bandas sonoras para el cine y TVE, acompañándole un gran éxito con sus canciones, como: «Indio», «Por eso te quiero», «Uds. Mujeres», etc… Sus éxitos ocupan los primeros puestos en las listas españolas durante varios años. Escribe «Se necesita Presidente», una obra que critica el desarrollo político los discursos y acciones en la gestión de los países al sur de Norteamérica. Esta obra sufre la prohibición de su representación por el tinte político de la misma.

A María yo Encontré (1972)

En 1974. Codirige, produce y transforma en musical la obra teatral «Gigí» de Colette. En Madrid estuvo dos años en cartel, luego de una gira de extraordinario éxito. Obra por la cual Teresa Rabal , logra el “Margarita Xirgu”, premio a la Mejor Actriz.  En 1977, el 1º de Mayo, se casa con ella. Actriz y cantante, hija de los actores Asunción Balaguer y Francisco Rabal. La boda se realiza en una pequeña aldea murciana “La Cuesta de Gos”, campamento minero donde nació Paco Rabal. A esta boda asisten más de 6.000 invitados.

Actúa en TV y por toda España. Compone canciones para otros intérpretes, (Nino Bravo, Gloria, Antonio, los Machucambos, Teresa Rabal, etc….). Realiza las adaptaciones al mundo musical hispano de muchos temas ingleses. Compone las bandas sonoras de películas: «Ambiciosa». “La fierecilla domada” “loca por el circo”.  En 1979. Comienza a incursionar en el mundo de la cancón infantil y compone una obra musical para niños que titula «Una cigarra llamada Teresa». La estrena Teresa Rabal en el teatro de la Villa, obteniendo un gran éxito, que motiva la permanencia por varias semanas más.

Gloria (Por eso te Quiero) 1971 (Compuesta por Eduardo Rodrigo)

En 1980 el gran éxito de Teresa Rabal con los temas infantiles obliga al matrimonio a organizar sus conciertos en recintos de mayor aforo (plazas de toros, polideportivos) y deciden este año, hacerse con una gigantesca carpa para 4.600 localidades, para recorrer toda España con su espectáculo. Nace “El Circo Infantil de Teresa Rabal“ que viaja continuamente actuando por toda España, alternando con apariciones televisivas y grabaciones de discos. La gira dura diez años.

En 1984 produjo el exitoso largometraje, “Loca por el Circo”, con guión y música de él mismo, y protagonizado por su mujer.

Por estas fechas, logra colocarse entre los cuatro autores de lengua hispana más cantados en el mundo con más de mil obras musicales grabadas por diferentes artistas de diferentes nacionalidades. Entre éstas se incluyen obras musicales de teatro, televisión y 240 temas infantiles con más de 2.000.000 de copias vendidas.

El último gran éxito de Eduardo Rodrigo fue la obra de su autoría “Emmanuel”. Musical de corte religioso basado en la vida de Jesucristo, que grabó junto a su mujer Teresa Rabal, acompañados por la orquesta y coros de Televisión Española con 112 músicos, 90 voces y ballet.

Eduardo Rodrigo falleció en Madrid, el lunes 17 de abril de 2017 a la edad de 73 años.

Zamba de Usted (1964)

Indio (1972)

Teresa Rabal & Eduardo Rodrigo (Ustedes los Hombres) 1977

Emmanuel (Extracto de la Obra) 1996