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Rodrigo Cuevas (23/Marzo/2017)

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RODRIGO CUEVAS

FOLK CONTEMPORÁNEO

Jueves, 23 marzo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

ENTRADAS:  10 €

Anticipadas:

http://www.elcohete.com/entradas/

Cervecería La Céltica / Music Center León

Taquilla: Media hora antes del concierto en taquilla

Comunidad Universitaria: 50 % de descuento (previa presentación del carnet universitario y DNI  (solamente venta en taquilla)

Cabe decir que no hay antídoto ni neutralidad ante el mayor tsunami que atraviesa la música asturiana en mucho tiempo, quizá desde que se nos fuera el añorado Tino Casal.

Rodrigo Cuevas, Oviedo 1985,  es un artista total. Total porque su estrella brilla populista y por entre los arrabales de la contracultura, total porque su autenticidad desenmascara a cualquier tipo de impostura.

¿Que cómo se puede conquistar a la vecina del quinto mientras que se enamora al hipster, se eclipsa al parado de larga duración y se angeliza a la draq queen? ¿Qué cómo es posible conectar con el último madreñero y con la moza que iba para punk? Porque estas cosas no atienden a razón, porque estas son las cosas del querer.

Rodrigo Cuevas es cantante, compositor, acordeonista y percusionista. Difícil hallar equivalente cuando sus intereses artísticos apuntan a ramo de flores de colores.

Decíamos que es un artista total que cuenta con formación musical académica: grado medio de piano y estudios de tuba en el Conservatorio de Oviedo, tres años de Sonología en Barcelona.

Rodrigo Cuevas nos propone una revisión folk bien humorada y cableada a la raigambre con un discurso incasto, lúcido y sexy que nos hace romper las lindes de la corrección.

Rodrigo Cuevas nos hace reír con su desparpajo de insolente candidez porque, de tan real, pareciese alucinado.

Decimos que lo suyo, que su música, es synth folk, es tonada glam y es cabaret underprao. Y decimos bien porque hay mucho de sincretismo musical en su abanico de sabores, de afluentes, de resonancias y de querencias.
Es muy cierto que el folk asturiano necesitaba de un revulsivo como este. Y es que hacía siglos que no se hablaba tanto de tonada ni de madreñas, de si sí o de si también.

Aunque lo verdaderamente innegable es que se cuentan por cientos de miles de reproducciones sus apariciones televisivas -en Cantadera y en Pieces de TPA, en Hable con Ellas de T5, en Luar de TVGA, etc.- así como de sus vídeos, y, entre ellos, el más reproducido, el auténtico fenómeno viral es Verdiciu.

Yo soy la maga es el título de su primer álbum, un trabajo editado en el año 2012 que ya apuntaba algunas de las intenciones sonoras y estéticas que hasta hoy ha seguido explorando el artista: revisitación, puesta al día, traslación a lo contemporáneo de un patrimonio cultural y musical extremadamente rico, el de la música folk, el de la tradición.

Su más reciente lanzamiento discográfico es un EP de cuatro temas titulado Prince of Verdiciu, editado por Aris Música y grabado por Sergio Rodríguez en Tutu Estudios. Incluye 4 manzanazos como cuatro soles (Verdiciu, Xilguerín Parleru, El Toro Barroso y ¡Viva Grecia!). Entre las colaboraciones musicales destacamos a Celerina Sound System y a Rubén Bada.

http://www.elcohete.com/RodrigoCuevas.htm

Verdiciu (2016)

Las Neuronas Encantadas. El Cerebro y la Música (Pierre Boulez, Philippe Manoury & Jean-Pierre Changeux)

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¿Es posible establecer la conexión entre el cerebro y la belleza? ¿Cómo pueden ayudar las neurociencias a comprender ese expresión tan singularmente humana como es la música? ¿Los avances científicos pueden explicarnos algo tan complejo como la creación artística? ¿Cómo interaccionar moléculas, sinapsis y neuronas en los procesos de percepción de lo bello?

Esto libro nos sumerge en el fascinante y desconocido proceso de la creación musical. Para ello, pone a conversar a música y neurociencia de la mano de Pierre Boulez- uno de los grandes compositores de nuestro tiempo-, Philippe Manoury y el neurobiólogo Jean-Pierre Changeaux.

De Bach a Stravinsky, de los pitagóricos a Leibniz, este diálogo, cercano y apasionado, nos conducirá por los caminos que ha ido iluminando la filosofía, la biología o la antropología en torno a la creación artística y la expresión musical. Desde los procesos psíquicos que nos llevan a buscar y a crear la belleza, hasta elucidar qué mecanismos mentales se activan en el cerebro de un músico cuando compone una partitura.

Quedan todavía muchas incógnitas por desvelar, pero las indagaciones de estos tres autores nos arrojan mayor luz sobre esta faceta tan universal, compleja e inexplorada en el ser humano.

«Un neurobiólogo y dos compositores intentan captar los procesos cerebrales que derivan de la creación musical. Página tras página, los tres ilustres personajes buscan aclarar este misterio y desvelan al mismo tiempo los últimos avances conseguidos por la ciencia del cerebro y la musicología. Este trío excepcional ha aceptado el peligroso reto que implica la confrontación de universos y disciplinas diferentes, con el fin de explicar los procesos biológicos, neurológicos e intelectuales que entran en acción cuando se crea una obra musical.» (Lire, Françoise Monier)

ENLACE AL REGISTRO DEL LIBRO EN EL CATÁLOGO DE LA ULE

The Velvet Underground & Nico: 50º Aniversario

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¿Qué más se puede decir sobre el primer álbum de The Velvet Underground, «The Velvet Underground & Nico», que no haya sido dicho ya incontables veces en el pasado, por músicos, melómanos y miles de críticos de rock?. Usted probablemente ha encontrado muchas citas sobre esta banda.Y aunque nunca haya escuchado el álbum, probablemente ha escuchado versiones de sus canciones de REM, Nirvana y David Bowie, y gente como Bono describiendo los méritos de los Velvets. Además, ha visto la famosa cubierta de Andy Warhol. Todo es suficiente para hacer pensar: ¿cuál es la razón de todo ello?

El hecho es que, The Velvet Underground eran, y siguen siendo un gran negocio. De hecho, aparte de Los Beatles, ninguna banda en la historia del rock and roll ha tenido más influencia sobre las bandas posteriores que los Velvets, y esa influencia ha durado más de 40 años, ayudando a evolucionar a gente como David Bowie, Roxy Music, The Sex Pistols, U2, Joy Division, New Order, REM, Nirvana, y más recientemente, The Strokes. The Velvet Underground sólo lanzó cinco álbumes, pero cubren casi todas las facetas del rock, tanto musical como temáticamente: rock and roll como expresión artística, experimentación, catarsis, redención y celebración. Sencillamente fue el nacimiento del rock alternativo.

The Velvet Underground en 1967: Nico, Maureen Tucker, Sterling Morrison, Lou Reed y John Cale

«The Velvet Underground & Nico» nos llevan a un acuerdo de drogas en Manhattan (» I’m Waiting for the Man «), nos arrastra a una habitación oscura donde una chica con botas de cuero está azotando a un hombre arrodillado con un cinturón («Venus in Furs»), y nos permite ver una jeringa que entra en un brazo en tiempo real («Heroine»). Condenado en 1967 por romper todos los tabúes con sus letras, este álbum fue una víctima de una concatenación de desgracias: pérdidas de las cintas con el máster de la grabación, recortes presupuestarios, distribución insignificante, nula presencia en los medios. Pero estoicamente sobrevivió a todas estas adversidades

Posteriormente «The Velvet Underground & Nico» disfrutaba de un reconocimiento póstumo. El álbum siempre ha resistido los intentos de imitarlo. La música es demasiado idiosincrásica para ser el modelo de cualquier grupo en cualquier época. Las atmósferas de las canciones son demasiado matizadas, demasiado retorcidas: la delicada paranoia («Sunday Morning»), la tragedia heladora («All Tomorrow’s Parties»), para que otra banda sea capaz de crearlas. La idea de Lou Reed y John Cale al crearlo es observar a la gente. Nadie es condenado por sus actos. El oyente se debe presentar con una mente abierta. Y así, medio siglo después, «The Velvet Underground & Nico» todavía atrae a los visitantes a su museo amoral.

Pero al margen del aspecto musical, hay que destacar el carácter icónico de su cubierta debido al diseño realizado por Andy Warhol. Las primeras copias del álbum invitaban al propietario a «Peel slowly and see» (Pelarlo lentamente y ver); pelando el plátano se podía observar otro de color carne, eminentemente fálico, por debajo. Una máquina especial fue necesaria para la elaboración de estas carátulas (una de las causas de la demora de la salida de esta producción), pero la discográfica pagó los costes añadidos pensando que cualquier cosa que estuviera vinculada a Warhol elevaría las ventas del álbum.

La modelo alemana Christa Päffgen (Nico), apadrinada por Warhol

En pocas palabras, no puede llamarse a sí mismo un fanático del rock, a menos que posea este disco. Puede cambiar su vida, o puede que no, pero le garantizo que escuchará la música de manera diferente después de oírlo.

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The Downtown Alligators (16/Marzo/2017)

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THE DOWNTOWN ALLIGATORS (Blues, rhythm & blues)

Jueves, 16 marzo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

The Downtown Alligators comienzan su andadura en 2007 dando conciertos por Madrid y alrededores. Sus directos son enérgicos, dinámicos y muy divertidos; en ellos tocan temas de sus grandes influencias, Freddie King, Little Milton, Ike and Tina Turner y algunos temas propios. Al poco graban un disco y quedan finalistas en el primer concurso nacional de música negra del Festival Enclave de agua y comienzan a actuar por toda la península.

Su segundo disco cuenta con colaboraciones de algunos de los mejores bluesmen de la escena nacional, como Tonky de la Peña, Marcos Coll ó Ñaco Goñi, y es radiado con frecuencia en varios programas de Radio3. Tocan en festivales en Cáceres, Jaén, Segovia, Mallorca, Gijón…, y se convierten en habituales de las mejores salas de Madrid, como la Coquette, el Junco o el desaparecido Beethoven Blues Bar. En una de estas salas, el Bogie Jazz, graban su tercer disco, en directo y sin añadidos.  También son incluidos en el primer cd editado por la Sociedad de Blues de Madrid y en el segundo volumen del Blues con los colegas de Ñaco Goñi.

A principios de febrero de 2016 sacan su cuarto cd, The Official Bootleg, grabado también en directo, esta vez en el III Festival Cotton and Blues, en Sevilla.

The Downtown Alligators son:

Carlos García, guitarra y voz

Luis Resina, guitarra

Jorge Lera, armónica

Adolfo Carrera, bajo

Luis Maldonado, batería

THE DOWNTOWN ALLIGATORS (LISTA DE REPRODUCCIÓN))

Norah Jones (Come Away with Me) 2002

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En los últimos años, la cantante, la vocalista femenina, ha tenido un regreso significativo. En el mundo del jazz, parece que casi todos los álbumes vocales que están siendo editados son por una cantante. El éxito de Diana Krall, y la reciente sensación creada por Jane Monheit han ayudado a allanar el camino para una oleada de valiosas vocalistas de jazz.

Norah Jones realizó un debut discográfico impresionante en 2002 con «Come Away With Me». Al igual que Jane Monheit, Norah Jones debutó muy joven, con 22 años. A diferencia de muchos de los cantantes de jazz que han surgido, Norah hace material principalmente nuevo, incluyendo un par de canciones que ella escribió, pero la mayoría de su álbum consiste en canciones escritas por los miembros de su banda.

Norah Jones es hija de Ravi Shankar, el gran patriarca de la música hindú y quien la popularizó en occidente. Nació en Nueva York, pero cuando tenía cuatro años, se mudó con su madre a Texas, cerca de Dallas, y absorbió el contenido de la colección de discos de su madre, incluyendo una caja de grabaciones de Billie Holiday.

Después de graduarse de la escuela secundaria, se matriculó en el programa de música de la Universidad Estatal del Norte de Texas, con especialización en piano de jazz. En 1999, marchó a Nueva York para una estancia durante el verano. Viviendo el ambiente del Greenwich Village, decidió no volver a la universidad, permaneciendo en Nueva York y absorbiendo y formando parte de la escena musical de la ciudad. Ella cantó con una banda llamada Wax Poetic y también formó su propio grupo, consiguiendo un contrato con la etiqueta de jazz Blue Note Records. También apareció en el disco del guitarrista Charlie Hunter, «Songs from the Analog Playground».

Para su debut, el legendario productor Arif Mardin, conocido por su trabajo con Aretha Franklin en la década de los sesenta, fue reclutado, pero el disco fue grabado con la propia banda de la Norah, en lugar de con músicos de estudio. Mardin realizó una producción inmaculada del disco.

Mientras que el jazz es claramente una gran influencia para la Norah Jones, «Come Away with Me» no es realmente un álbum de jazz. Hay solamente una melodía que se podría describir como estándar de jazz, el resto de los ingredientes musicales vienen tanto del soul como del country. Norah es una buena pianista, y toca en todos los temas menos en una pieza, pero este es un álbum muy orientado a la guitarra, con la guitarra acústica probablemente siendo la voz instrumental principal. Y el guitarra en su banda es Jesse Harris, quien escribió o co-escribió cinco de las catorce canciones del disco. También aporta canciones el bajista Lee Alexander. Completando su banda está Adam Levy en la guitarra eléctrica y Dan Reiser en la batería, aunque el destacado batería de jazz Brian Blade se escucha en varias pistas.

Uno de los aspectos más atractivos de este álbum es su ambiente relajado e íntimo. Con un productor como Mardin a bordo, el disco está claramente dirigido a un público más amplio que el simple aficionado al jazz, con más canciones orientadas al pop, dentro de un trabajo notablemente ecléctico.

Norah Jones tiene una voz que desmiente su edad. También es evidente que ella ha escuchado a Patsy Cline, así como a Billie Holiday. Es una respetable pianista que demuestra versatilidad y comprensión de los principios del buen acompañamiento vocal. La combinación de las letras y el sonido íntimo que se logra, hace de este disco una grabación distinta y al instante atractiva.

El álbum fue un éxito enorme, vendiendo aproximadamente 22 millones de copias en todo el mundo y ganando 8 premios Grammy, incluyendo «Mejor grabación», «Mejor canción» y «Mejor álbum». Es el álbum de estudio (no recopilatorio) más vendido del siglo XXI hasta el momento.

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Mike Sánchez (09/Marzo/2017)

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MIKE SÁNCHEZ

Blues, rhythm & blues, boogie, rock & roll

Jueves, 9 marzo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

MIKE SÁNCHEZ

Desde que formase Big Town Playboys en Londres en la década de los 80´s Mike Sánchez ha tocado, girado y grabado con artistas como Eric Clapton, Robert Plant (en el concierto de reunión de Led Zeppelin en el O2 Arena fue Mike Sanchez quien cantó la primera canción), Jeff Beck (con él grabó un disco homenaje a Gene Vincet), Bill Wyman (artista con el que se ha subido decenas de veces al escenario siendo miembro fijo de Bill Wyman’s Rhythm Kings), Imelda May (antes de debutar en Universal la vocalista grabó Almost Grown, disco de duetos con Mike Sanchez) o Albert Lee (responsable de las guitarras de So Many Routes, último lanzamiento del cantante y pianista).

Mike Sanchez es reconocido especialmente por sus shows en directo en los que tocando y cantando Boogie Woogie y Rock and Roll nunca deja a nadie indiferente. Prueba clara es lo que dicen de él artistas tan bien consagrados como estos:

“Predicando con sudor y trabajo desde su Iglesia de 88 teclas es admirado y respetado por todos los que le precedieron”, Robert Plant

“Es nuestro Little Richard con una pequeña dosis de Jerry Lee Lewis”, Jeff Beck

“Magia en el escenario”, Bill Wyman

“Un artista innato”, Imelda May

“Las personas que le ven nunca le olvidan”, Albert Lee

Mike Sanchez (Live at Vintage Roots Festival) 2013

Jethro Tull (Thick as a Brick) 1972

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En 1971, el grupo de rock británico Jethro Tull tuvo su mayor éxito en todo el mundo con el LP «Aqualung», que los críticos describieron como un álbum conceptual sobre la religión, a pesar de que el líder Ian Anderson negó que el disco estuviera destinado a ser como las clásicas Suites del rock progresivo que se habían hecho cada vez más populares a principios de los setenta.

El mito dice que Anderson estaba enojado por este error: «No estoy enojado, no», explicaba casi cuatro décadas después. «En realidad estaba ligeramente irritado e  irónicamente divertido». Por mucho que insistiera en que «Aqualung» no era un álbum conceptual, los medios de comunicación todavía persistían en tratarlo como tal. Parecían creer que todo el disco era una crítica de la religión: «La verdad era que tres o cuatro canciones estaban vinculadas a cuestionar la naturaleza de la religión. Pero el resto eran canciones independientes». Así que, con este panorama pensó: «OK, no sólo vamos a hacer un álbum conceptual real, sino que vamos a hacer que sea la madre de todos los álbumes conceptuales».

Entonces Anderson decidió expresar sus sentimientos acerca de los álbumes conceptuales y del prog-rock en general a través de la parodia, grabando un álbum llamado «Thick as a Brick». Vendió millones de copias, pero su ingenio es tan seco y tan sutil que muchos no se dieron cuenta de  la broma.

Jethro Tull en 1972. Ian Anderson es el 2º por la Izquierda.

La piedra angular de la obra fue un poema, escrito presuntamente por Gerald Bostock, un niño de 8 años de edad, reciente ganador de un premio de poesía que le es retirado cuando se comprueba que ha dejado embarazada a una chica de 14 años. Sin embargo, este es un personaje totalmente ficticio, creado por Anderson. A pesar de los intentos a lo largo de los años de descubrir la verdadera identidad del niño poeta, la verdad es que Bostock no tiene conexión con nadie del pasado de Anderson.

«Si, hay un elemento autobiográfico en lo que escribí. Cuando era niño, yo era un poco rebelde. La mayoría de mis compañeros aspiraban a ir a la escuela primaria, convirtiéndose luego en parte de la sociedad más convencional. Eso nunca me atrajo. Yo era el tipo de niño que le gustaba pasar el tiempo observando la vida  y luego analizándola. También me encantaron las historias de ciencia ficción de la época (la década de los cincuenta), porque hablaban de un futuro diferente y emocionante. Así pues, dibujé esto para el carácter de Gerald Bostock. Pero él mismo es una ficción».

Finalmente, en diciembre de 1971, la banda entró en los Morgan Studios en el noroeste de Londres y, bajo la producción del propio Anderson, grabó el álbum (que es una composición dividida en dos movimientos) durante un período de quince días, incluyendo el Mezcla.

Las cubiertas y el interior del disco de vinilo fueron diseñados imitando un diario de un pequeño pueblo, el «St. Cleve Chronicle & Linwell Advertiser», en el cual se incluye la letra de la canción y diversas noticias y pasatiempos típicos de un periódico local. Algunas de las noticias, creadas por Anderson, son absolutamente delirantes. Es recordado el pasatiempo de unir los puntos, dando como resultado una mujer desnuda.

Musicalmente, «Thick as a Brick»es una joya de una belleza imperecedera, sencilla y compleja a la vez (el propio Anderson admitía que le resultaba más fácil componer una obra así que un conjunto de canciones al estilo convencional), y por supuesto, una de las más grandes obras de la historia del Rock.

«Solo en los últimos tiempos he apreciado la complejidad de la música», admite Anderson. El álbum consta de una sola canción que ocupa todo el disco, dividida en dos partes a causa de las limitaciones del vinilo original. A pesar de lo larga que pueda parecer, la atención en ningún momento decae. Cada nueva parte que suena es vigorosa, capta nuestra atención y nos introduce en el siguiente segmento. Destacable en este álbum es posiblemente la repetición. Pequeñas variaciones que permiten darle un nuevo énfasis emocional a cada momento y una perspectiva diferente a la estructura.

La estructura musical de varias de las partes que van emergiendo cíclicamente es más propio de una sinfonía clásica que del rock. El número de instrumentos que van interviniendo a lo largo de todo el disco de 43 minutos se hace incontable, incluyendo, aparte de los instrumentos tradicionales del rock, xilófonos, órgano Hammond, violines e, inevitablemente, la flauta de Anderson; sin embargo, este disco, a diferencia de los anteriores, incluye como instrumento principal los teclados.

A base de querer parodiar y mostrar los excesos del rock progresivo, Ian Anderson creó uno de los álbumes fundamentales del género.

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Xaluq (04/Marzo/2017)

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XALUQ

Folk mediterráneo

Sábado, 4 marzo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla

Creación Injuve

Muestra de Folk Contemporáneo (II)

La música de raíz valenciana vive un momento muy interesante, con nuevas propuestas nacidas de la investigación y relectura de las raíces propias,desde una mirada abierta y mediterránea.

XALUQ es una muestra de estas nuevas sensibilidades. Enamorados de la música tradicional valenciana, recuperan cantos antiguos de la tradición oral: cants de batre, canciones de cuna, cantos de las mujeres y del campo… Partiendo de este patrimonio sonoro, XALUQ hace relectura y le aporta toda una riqueza de matices que beben del flamenco, jazz o la música de los árabes y afrocubana, dando como resultado una elegante y sensible propuesta folk. Una propuesta valenciana con proyección universal, que ha contado con el reconocimiento y ayuda de Eliseo Parra, Miquel Gil, Pep Gimeno “Botifarra”, Manolo Miralles, Xavi Lozano, Injuve…

Un reconocimiento que se entiende muy bien escuchando su primer disco Emeplt. Un exquisito recopilatorio de cantos tradicionales valencianos y composiciones propias. Un espejo musical de sus raíces sonoras: el paso de los árabes por tierras valencianas y la fluctuación de tantas culturas heterogéneas provenientes de otras tierras, así como la influencia del Mediterráneo.

Todo ello perfilado con la magia ejecutiva y sensibilidad de unos músicos con trayectorias muy enriquecedoras.

Xaluq (Malaguenya de Barxeta)

 

Esperanza Martín (02/Marzo/2017)

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ESPERANZA MARTÍN (PIANO)

Juventudes Musicales

Jueves, 2 marzo, 2017 – 20:15 H.

Auditorio del Conservatorio Profesional de Música de León

Invitaciones: media hora antes del concierto en taquilla

LUCES Y SOMBRAS

El contraste entre las sonoridades luminosas y la oscuridad en la expresión musical ejerce de hilo conductor de este concierto. En la primera parte conviven tres compositores que están influenciados por las imágenes extramusicales y la búsqueda de sonoridades específicas, como son Debussy, Scriabin y Albéniz, mientras que en la segunda, el dramatismo y la elegancia chopiniana se erigen como una perfecta antítesis.

  1. Debussy: Images II
  2. Cloches à travers les feuilles
  3. Et la lune descend sur le temple qui fut

III. Poisson d’or

  1. Scriabin: Sonata nº 5 en Fa sostenido Mayor, op. 53

                Allegro. Impetuoso. Con stravaganza

  1. Albéniz: Suite Iberia

Málaga (4º Cuaderno)

Triana (2º Cuaderno)

— PAUSA —

  1. Chopin: Sonata nº 3 en Si menor, op. 58

                Allegro maestoso

                Scherzo: Molto vivace

                Largo

                Finale: Presto, non tanto

Esperanza Martín López nace en Málaga en 1993. Comienza sus estudios musicales a la edad de seis años y los continúa en el Conservatorio Elemental de Música de Torre del Mar, con el profesor Alejandro Rueda. Después, ingresa con el número uno y las máximas calificaciones en la prueba de acceso, a los estudios de Grado Medio en el Conservatorio Profesional “Manuel Carra” de Málaga, estudiando

Grado Profesional con la profesora Paloma Socías.  Posteriormente, ingresa con el número uno en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, realizando sus estudios de piano con Miguel Ángel Ortega Chavaldas y recibiendo asimismo formación camerística de Kennedy Moretti y el Cuarteto Quiroga. En 2014, termina sus estudios de Grado en Interpretación-Piano en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, con un expediente extraordinario y recibiendo Matrícula de Honor en el Recital Fin de Grado y en el Proyecto Fin de Grado.

Actualmente, estudia el Master Artístico en la Hochschule für Musik und Theater München, bajo la dirección del profesor Michael Schäfer.

Ha sido alumna, desde 2005 hasta 2012, del Curso para Jóvenes Músicos “Santa María del Paular” en Rascafría, Madrid. Desde 2005 hasta 2009, de la Escuela Internacional de Música «Presjovem» y, en 2010, de los Cursos Superiores de Música de la Fundación Unicaja con los profesores Andrew Ball, Peter Bithell, Galina Eguiazarova, Daniel del Pino, András Hamary, Alexander Kandelaki, András Kemenes, Nino Kereselidse, David Kuyken, Claudio Martínez Mehner, Juan Miguel Moreno Calderón, Kennedy Moretti, Ervin Nagy, Miguel A. Ortega Chavaldas, Francisco Jaime Pantín, Begoña Uriarte, Blanca Uribe, entre otros.

También ha participado en el I Encuentro de Música de Cámara Jorcam-Asociación Béla Bartók con las profesoras Vera Martínez Menher y Martha Gulyas, celebrado en 2011 en El Escorial.

Ha recibido masterclass de piano de Luca Chiantore “Beethoven y la interpretación de sus sonatas para piano”, Zaragoza 2011; de Kaya Han, Zaragoza 2011; de Tibor Szász, Zaragoza 2013; de Imre Rohmann, Zaragoza 2013; de Josep Colom, Zaragoza 2011 a 2013; David Kuyken, Zaragoza 2013 a 2014; y Christian Pohl, Zaragoza 2014.

Ha participado en cursos y clases de perfeccionamiento musical con Paula Coronas, Ángel Sanzo, Víctor del Valle, Luis del Valle, Alberto Martín, Albert Nieto, Óscar Martín, Albert Attenelle y Eldar Nebolsin.

Ha sido becada para participar en el II y IV Encuentro AIE-Loewe-Hazen de Orientación Artística para Jóvenes Pianistas con Alfredo Aracil y Albert Attenelle, y por AIE para asistir a la XVIII y XIX Escuela Internacional de Música de Lucena. En la actualidad, es becaria de Juventudes Musicales de Madrid. Ha sido galardonada con infinidad de premios.

Diversas Interpretaciones de Esperanza Martín Alojadas en su Página Web

 

Stan Getz & Charlie Byrd (Jazz Samba) 1962

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El guitarrista Charlie Byrd, guitarrista clásico que fue alumno de Andrés Segovia, fue invitado a tocar en Brasil durante una gira de buena voluntad cultural patrocinada por el gobierno del presidente Kennedy en 1961. En ese viaje descubrió la Bossa nova.

Totalmente atraído por esos ritmos, a su vuelta Byrd trata de editar un disco con su discográfica sin ningún éxito. Entonces aparece en escena Stan Getz de forma un tanto oscura (hay numerosas versiones de la misma historia aunque todas parecen coincidir en que llegó en el último momento). La pareja persuadió a Verve Records para efectuar la grabación que se convirtió en «Jazz Samba».

Stan Getz y Charlie Byrd crearon una nueva sensación en el mundo del jazz. Medio millón de copias se vendieron en 18 meses, lo que lo convierte en el único álbum de jazz que llegó al nº 1 en la lista de popularidad del Billboard.

Stan Getz al Saxo y Charlie Byrd a la Guitarra (Primero por la Derecha)

La fórmula mágica de «Jazz Samba» es fácil de comprender. Sus suaves texturas, bajos volúmenes y un ambiente discretamente relajado, fue un cambio notorio frente al sonido «Cool» de la década anterior, alcanzando a un público más amplio suavizando algunas de las aristas del bebop y el hard-bop.

El sonido de Getz, notablemente suave y tierno, muy admirado incluso por músicos mucho más ásperos que él, incluyendo a John Coltrane. Era tan seductor como un susurro y su lirismo natural a menudo le permitía improvisar mejores temas que los que estaba tocando. En este álbum, los ritmos hipnóticos de la música tradicional brasileña fueron ralentizados y sutilmente remodelados, influenciados por compositores brasileños como Antonio Carlos Jobim y el guitarrista / vocalista João Gilberto.

«Desafinado» fue el tema más emblemático de «Jazz Samba», pero el álbum, casi todo compuesto por músicos brasileños, brilló con material memorable, como «Samba de Uma Nota Só» composición de Jobim y Newton Mendonça, «Baia» y el melancólico «Samba Triste». El notoriamente irascible Getz chocó con Byrd por los derechos de autor y su asociación se rompió. Pero el boom de la Bossa nova se mantuvo de actualidad, pasando por varias mutaciones, incluyendo interpretaciones por una Big Band,  que en su mayoría sonaban inadecuadas para la delicadeza de ese estilo musical.

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STAN GETZ & CHARLIE BYRD (DESAFINADO)