Nunca tanto odio generó tanta belleza. Podría ser el resumen del contenido de este álbum imprescindible. De los muchos clásicos perdidos producidos durante la explosión creativa del apogeo psicodélico de finales de los sesenta, el más grande puede ser este trabajo, el tercer álbum del grupo Love, con sede en Los Ángeles.

La portada de “Forever Changes”, es un mosaico caleidoscópico de las caras del grupo en forma de corazón. “Forever Changes” se grabó en el epicentro del sueño hippie californiano, pero la atmósfera alrededor de su creación ofreció una prueba temprana de cómo el verano del amor pronto se agriaría. El amor ya estaba desesperadamente agotado cuando comenzaron a grabar, pero de alguna manera enterraron sus problemas (más una contundente enemistad personal) para cumplir la visión apocalíptica de su líder Arthur Lee.

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Es fácil valorar el “Tren Azul” de John Coltrane y, al mismo tiempo, no hacer justicia a su importancia. 

Fue la primera y única grabación de Coltrane para Blue Note. Fue el primer álbum en el que tuvo una elección libre de los músicos con los que quería grabar. Es el álbum en el que John Coltrane se acerca más al hard bop.

Pero luego, el argumento es que “Blue Train” no es el sonido característico de este saxofonista imprescindible. De alguna manera, hace demasiadas concesiones al “sonido” de Blue Note. Si hubiera habido más grabaciones para esta etiqueta, quizás su música podía haber ido en esa dirección, pero resulta que se unió a Miles Davis en su revolución modal, y luego firmó como líder con Atlantic y luego Impulse, donde su música se desarrolló en nuevas direcciones con “Giant Steps” y “A Love Supreme”. La paradoja es que, por todo ello, “Blue Train” sigue infravalorado en muchos aspectos.

Hay una conexión con la vida personal de John Coltrane en este momento. Había vencido su adicción a la heroína que había comenzado en Filadelfia en 1953 y que se había superpuesto a una adicción adquirida anteriormente al alcohol.

John Coltrane Durante la Grabación del Álbum (15/09/1957). Foto: Francis Wolff

En otoño de 1956 (y nuevamente en marzo de 1957 después de un breve regreso), Miles Davis se vio obligado a despedirlo de su banda. Como Miles recordó en su autobiografía: “Le dije a Trane que unos productores habían venido a escucharlo, pensando en darle un contrato, pero cuando lo vieron asintiendo y perdido, se resistieron. Parecía entender lo que yo le decía. Pero siguió con la heroína y bebiendo como un pez”.

Al regresar a casa con su esposa Naima un día en la primavera de 1957, después de que Miles lo hubiera despedido, John Coltrane declaró que iba a dejar las drogas. Se retiró a su habitación, bebió solo agua y después de cuatro días abandonó sus hábitos alcohólicos y de heroína.

Finalmente, al liberarse de las drogas, pudo concentrarse por completo en el desarrollo de su música por primera vez. Como más tarde escribió en el momento de grabar “A Love Supreme”: “Durante el año 1957, experimenté la gracia de Dios, un despertar espiritual que me conduciría a una vida más rica, más plena y más productiva. En ese momento, en agradecimiento, pedí humildemente que se me dieran los medios y el privilegio de hacer felices a los demás a través de la música “.

Curtis Fuller, Lee Morgan y John Coltrane. Foto: Francis Wolff

Trabajó con Thelionious Monk que expuso a John Coltrane al enfoque radical del pianista. Miles Davis pudo darle la bienvenida nuevamente a su quinteto en diciembre de ese año; iban a pasar a la transición a la música modal con “Milestones” y “Kind of Blue”.

Experimentar con nuevas ideas armónicas fue exactamente lo que se alentó en los entornos de Miles Davis y Thelonious Monk, con Miles especialmente como animador y mentor. Fue Miles quien le compró a John Coltrane un saxofón soprano como regalo y sugirió que debería trabajar con el. Coltrane estaba visitando Blue Note para encontrar grabaciones del gran clarinetista y saxofonista Sydney Bechet, fue lo que llevó a John Coltrane a contactar con Alfred Lion, cofundador de Blue Note y a la posterior eclosión de la idea de un álbum para ese sello. Y fue Miles Davis quien le animó a Coltrane a desarrollarse musicalmente. Como recordó, le resultó “fácil aplicar las ideas armónicas que tuve … Empecé a experimentar porque me esforzaba por lograr un desarrollo más individual”.

La canción principal, “Blue Train” se basa en un breve tema de blues menor que cambia a mayor cuando John Coltrane abre con un solo liberador. No es demasiado simplista decir que capta ese sentido de la apertura a las posibilidades que le había traído su cambio de dirección en la vida. De una manera emblemática, encapsula todo lo que llegó a sentir John Coltrane como un centro de orgullo negro y optimismo de que la opresión sería superada. Lo que llevó a Miles Davis a decir tras la muerte de John Coltrane en julio de 1967: “La música de Trane representó, para muchos negros, el fuego, la pasión, la ira, la rebelión y el amor que sentían, especialmente entre los jóvenes intelectuales y revolucionarios negros de esa época. Fue así también para muchos blancos y asiáticos. La muerte de Trane me entristeció mucho porque no solo era un gran y hermoso músico, sino que era una persona amable, bella y espiritual que yo amaba. Lo extraño, su espíritu y su imaginación creativa”.

John Coltrane y Lee Morgan. Foto: Francis Wolff

El personal de “Blue Train” es tan impresionante como la propia música que están tocando. Junto a Coltrane (saxo tenor), están Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Kenny Drew (piano), Paul Chambers (bajo) y Philly Joe Jones (batería).

Los arreglos incorporan una densidad sonora adicional que sigue siendo una marca exclusiva de esta banda y este álbum. De particular interés es el trombón de tono uniforme de Fuller, que recorre toda la canción principal así como la frenética “Moments Notice”. Otros solos incluyen riffs sutilmente discretos de Paul Chambers en “Blue Train”, así como la gran energía e impacto de las contribuciones de Lee Morgan y Kenny Drew durante “Locomotion”. La pista también cuenta con algunas contribuciones breves pero vitales de Philly Joe Jones, cuyos esfuerzos a lo largo de todo el áibum figuran entre sus mejores momentos como intérprete. De los cinco temas que componen “Blue Train”, la balada de Jerome Kern y Johnny Mercer, “I’m Old Fashioned” es el único estándar del disco; en términos de sentimiento, esta versión es indiscutiblemente impecable. Los ricos tonos de Fuller y los solos de Drew ejecutados con buen gusto envuelven limpiamente los ritmos lánguidos de Jones.

Sin reservas, “Blue Train” puede ser fácilmente considerado unos de los trabajos más importantes e influyentes no solo de la carrera de John Coltrane, sino también de toda la historia de jazz.

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Estamos ante una de las más grandes canciones de la historia. “Days Of Pearly Spencer” es profundamente subyugante, de una delicadeza infinita. En estos días celebramos el 50º aniversario de su publicación. David McWilliams, autor e intérprete de la canción, era un completo desconocido cuando este norirlandés editó con 22 años esta maravilla de pop orquestal. Su secreto fue como trenzó el pop y el folk, a Dylan y a Donovan, con los increibles arreglos orquestales de Mike Leander, cercano a los Beatles.

Dentro de aquel año bendecido por Dios como fue 1967, esta canción se colocó en la conciencia colectiva como la banda sonora del Swinging London junto a “Nights in White Satin” de los Moody Blues y “A Whiter Shade of Pale” de Procol Harum.

Para grabar su primer single, “God and My Country”, McWilliams registró algunas demos en un estudio de grabación de Belfast. En ese momento, El empresario Mervyn Solomon escuchó las cintas de McWilliams y se puso en contacto con su hermano Phil, quien quedó igualmente impresionado por el material. Como McWilliams ya había firmado con CBS, Solomon se ofreció a quedarse con McWilliams. La oferta fue aceptada, y Solomon llevó a McWilliams con él a Londres para grabar la canción.

La canción tenía, según Stuart Bailie de Radio Ulster, un “estilo parpadeante y casi documental” donde llevó a los oyentes a las partes más deterioradas de la ciudad norirlandesa de Ballymena, donde la gente caminaba entre los escombros, derrotados, pareciendo mucho más viejos de lo que eran en realidad. McWilliams dijo que había escrito la canción sobre un hombre sin hogar encontrado en Ballymena. Narraba la vida de un individuo desgarrado por la pobreza y el alcohol. Sin embargo, algunos de los allegados a McWilliams afirmaron que estaba escribiendo sobre dos damas de su ciudad natal.

La grabación fue producida por Mike Leander quien compuso un impresionante arreglo orquestal para la canción. Leander previamente había proporcionado arreglos para discos como “She’s Leaving Home ” de The Beatles y el éxito de Marianne Faithfull “As Tears Go By”. McWilliams había encontrado al productor perfecto para su delicada y sincera composición, así como también para sus guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas y la asociación floreció. 

Para hacer el disco más interesante, la línea de coro tenía una voz distorsionada, como si David estuviera cantando a través de un megáfono, dándole a la canción un extraño “estribillo” telefoneado.

El disco fue lanzado originalmente el 6 de octubre de 1967 como cara B de “Harlem Lady”, pero “Days of Pearly Spencer” recibió una emisión considerable en Radio Caroline, emisora sin licencia de emisión, para algunos directamente una radio pirata, de la cual Salomón era un ejecutivo, y en anuncios en la prensa musical del Reino Unido.

Se publicaron anuncios a doble página en todos los principales periódicos musicales y en la página principal del New Musical Express apareció, definiéndola como  “el single que te hará volar la mente” y el álbum que lo acompaña, “el álbum que hará cambiar el curso de la música”. Los anuncios se repartieron por todas partes, y en 2012 Stuart Bailie de Radio Ulster comentó que “no había forma de escapar de David McWilliams”. Los anuncios de la canción aparecieron incluso en autobuses de dos pisos , pero McWilliams “caminaba por Londres sin dinero en el bolsillo para subir a uno de esos autobuses”, y una publicación puso el costo total de la promoción en cerca de £ 20,000 ( equivalente a £ 330,000 en 2015).

La BBC se negó a emitir el disco, debido a la participación de Solomon en  Radio Caroline, y por lo tanto, el registro no pudo alcanzar en el Reino Unido o la República de Irlanda toda la difusión que hubiera podido tener. En Europa continental, la canción encabezó la lista de singles francesa, fue nº 2 en Bélgica y nº 8 en Holanda. Sin embargo, la canción se volvió a publicar en tres ocasiones distintas y sigue siendo un elemento básico de las estaciones de radio que programan viejos éxitos.

Después de “Pearly Spencer”, David McWilliams publicó algunos discos más con nula repercusión.

McWilliams murió de un ataque al corazón en su casa de Ballycastle en 2002. Tenía 56 años y dejó ocho huérfanos.

Vídeo Original de la Canción

Actuación en la TV Francesa

Actuación en Directo Interpretando la Canción

Otras Versiones

Las versiones de esta canción han sido innumerables. La más exitosa sin duda fue la de Marc Almond a principios de los noventa. Aquí recogemos versiones en varios idiomas, muchas veces cambiando la letra, incluyendo versiones orquestales, y alguna de aficionados como la del irlandés MrWhaps, realmente notable. Hay dos versiones en castellano, la temprana de Los Javaloyas, y la más conocida de Ana Belén “Vuelo Alto de Gaviota” de 1979.

Los javaloyas (Los Días de Pearly Spencer) 1967

Caravelli (Days of Pearly Spencer) 1968

Caterina Caselli (Il Volto Della Vita) 1968

Raymond Lefevre (Days of Pearly Spencer) 1968

The Avengers (Days of Pearly Spencer) 1968

The Grass Roots (The Days of Pearly Spencer) 1969

Ana Belén (Vuelo Alto de Gaviota) 1979

Vietnam Veterans (The Days of Pearly Spencer) 1988

Marc Almond (The Days of Pearly Spencer) 1991

MrWhaps & Winbone (The Days of Pearly Spencer) 2011

Junto con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, Thelonious Monk fue un elemento imprescindible de la revolución del jazz que tuvo lugar en la década de los cuarenta. El estilo de tocar el piano único de Monk y su talento como compositor lo convirtieron en un líder en el desarrollo del jazz moderno. El pasado 10 de octubre hubiera cumplido 100 años.

Cuando Thelonious Monk comenzó a tocar su música a principios de la década de los cuarenta, sólo un pequeño círculo de músicos de jazz de Nueva York podía apreciar su singularidad. Sus melodías eran angulosas, sus armonías estaban llenas de grupos discordantes, y usaba las notas y la ausencia de ellas de maneras inesperadas. Para la mayoría la música de Monk era: “un desconcertante desconcierto, deliberadamente excéntrico”, como escribió la publicación “Jazz Journal”. El debate sobre su talento y habilidad continuó a medida que pasaron los años, pero finalmente Monk vió reconocida toda la calidad e innovación que su música atesoraba. En el momento de su muerte en 1982, fue ampliamente reconocido como el padre fundador del jazz moderno.

Los aspectos de sus composiciones que alguna vez fueron ridiculizadas ahora se analizan en los colegios y universidades de todo el país. Los pianistas aficionados y profesionales continúan citándolo como una gran influencia en sus estilos. Muchas de sus obras, que tienen más de 60 años, son clásicos del jazz. “Round Midnight” se considera “una de las piezas musicales más bellas y cortas escritas en la América del siglo XX”, como la definió el productor discográfico Orrin Keepnews en “Keyboard Magazine”.

Aunque su carrera fue acosada por obstáculos personales y sociales, Monk siempre creyó en su música. Nunca habló con su público. Raramente concedió entrevistas, prefiriendo dejar que su música hablara por sí misma. Aparte de su esposa y sus dos hijos, su música fue su vida. “Tan absorto estaba en el jazz”, comentó Keyboard, “que caminaba por las calles de Nueva York durante horas o se detenía en una esquina cerca de su apartamento en West 63rd Street, contemplando su paisaje privado y ejecutando nuevas canciones y sonidos a través de su mente. Como él mismo lo explicó sucintamente, “simplemente camino y cavo”.

Debido a que la música de Monk estaba fuera del alcance de la mayoría de los oyentes, los medios tendían a buscar detalles periféricos sobre los que escribir. Tenían mucho material; como escribía el New York Post , Monk era “uno de los grandes excéntricos del jazz”. Durante los conciertos y las sesiones de grabación, se levantaba de su asiento de vez en cuando y empezaba un baile, enfatizando el ritmo que quería que los miembros de su banda siguieran. Con sus sombreros extraños, gafas de sol con marco de bambú y su barba, se convirtió en un tema recurrente para las caricaturas de los suplementos dominicales. Pero la mayoría de los estadounidenses escucharon por primera vez hablar de Monk a principios de los años cincuenta, cuando él y un par de amigos fueron arrestados por supuesta posesión de drogas. Para Monk, fue otro caso de acoso legal que crearía graves obstáculos en su trabajo.

Thelonious Monk nació en 1917 y comenzó a tocar el piano a los cinco años, aprendiendo a leer música viendo a su hermana mientras ella practicaba. A los 11 o 12 años, comenzó a recibir clases; y él acompañó al coro en la iglesia local. Thelonious, un oyente entusiasta, se preocupó por escuchar a todos los músicos que pudo, incluido el famoso pianista James P. Johnson. Era obvio que la música era su destino en la vida.

En 1941, comenzó a trabajar en el ahora legendario Minton’s Playhouse en Harlem, y jugó un papel esencial en el establecimiento del estilo musical que se conoció como bebop. Junto con Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Kenny Clarke y otros, Monk ayudó a dar forma a ese nuevo y emocionante género.

Monk no tenía miedo de arriesgarse. Sus obras son notables por sus elementos disonantes, ritmos inusuales, armonías atípicas. El caso es que Monk fue más allá de bebop, porque estaba interesado en la estructura y no simplemente en el virtuosismo. Desarrolló un estilo de tocar distintivo, bastante percusivo, haciendo pausas durante los solos, aplanando los dedos, a veces usando los codos y dejando notas en los acordes. Como dijo una vez Monk: “El piano no tiene notas equivocadas”.

Cabe señalar que Monk no tuvo mucho éxito crítico o de ventas durante la década de los cuarenta o cincuenta. Sus compañeros reconocieron su prodigioso talento, pero el público permaneció apático. Su esposa Nellie fue su pilar, tanto financieramente, ella trabajó como costurera, y fundamentalmente, su apoyo emocional.

En 1957, Monk publicó “Brilliant Corners”, uno de los álbumes de jazz más importantes de la década de los cincuenta. El tema principal, con Sonny Rollins (saxo tenor), Ernie Henry (saxo alto), Max Roach (batería) y Oscar Pettiford (bajo), es particularmente complejo. Su estructura poco ortodoxa, los cambios de tiempo inesperados y los ritmos sorprendentes hicieron que fuera un desafío grabarlo, necesitando algo así como 26 tomas, pero el resultado es impresionante. Es atrevido, aventurero e innovador. Una obra fundamental para entender la evolución del jazz moderno.

Brilliant Corners (1957)

Hablando de discos, Monk grabó con una verdadera lista de renombrados músicos, incluyendo a Coleman Hawkins, John Coltrane, Sonny Rollins, Max Roach, Philly Joe Jones, Art Blakey, Roy Haynes, Clark Terry, Charlie Rouse o Miles Davis, con quien compartió una tormentosa sesión de grabación el día de Nochebuena de 1954, de la que todavía se habla hoy.

La palabra que se usa con mayor frecuencia para definir a Monk es “excéntrica”. Parece probable que sufrió un trastorno bipolar y se le recetaron medicamentos incorrectos, algo que pudo haber contribuido a su peculiar comportamiento. Es justo decir, que durante la década de los cincuenta lo que se sabía sobre las enfermedades mentales era algo bastante limitado.

Sin embargo, la personalidad pública no necesariamente coincidía con el hombre real, que estaba felizmente casado, era padre de dos hijos y un hombre socialmente comprometido que apoyó varias causas en su comunidad.

Thelonious Monk infundió al jazz y a la música moderna en general, más libertad armónica y libertad de composición, convirtiéndolo en uno de los grandes innovadores musicales. Los últimos años de su vida se vieron afectados por su mala salud, y murió de un accidente cerebrovascular en 1982, de 64 años.

En 1986, se fundó el Thelonious Monk Institute of Jazz en Washington D.C. Una escuela que ofrece educación musical gratuita, una de sus actividades más significativas es el Concurso Internacional de Jazz anual, que promueve los mejores talentos de todo el mundo. El Instituto pretende convertir el jazz en una forma de arte global, que reúne a personas de todos los orígenes.

El singular legado musical de Monk continúa así. Creo que estaría bastante orgulloso de él.

Miles Davis and the Modern Jazz Giants (1959). Grabado en 1954/1956

Misterioso (1958)

Thelonious Monk with John Coltrane (1961)

Monk’s Dream (1962)

Big Band and Quartet in Concert (1963)

Thelonious Monk Quartet (Live in Norway & Denmark) 1966

Esta fotografía corresponde al álbum de Bob Dylan “The Basement Tapes”, donde le acompañan  The Band. Fue lanzado el 26 de junio de 1975. Las canciones con la voz de Dylan fueron grabadas en 1967, ocho años antes del lanzamiento del álbum, en casas en y alrededor de Woodstock (Nueva York), donde Dylan y The Band vivían. Aunque la mayoría de las canciones de Dylan habían aparecido en discos piratas, “The Basement Tapes” marcó el primer lanzamiento oficial de las canciones.

Finalmente en 2014 se publicaron todas las grabaciones efectuadas en aquel verano de 1967. Casi cincuenta años tuvieron que pasar para descubrir toda la magia que se creó en aquel sótano, de aquella casa pintada de rosa a las afueras de Nueva York. Canciones pensadas para no se grabadas, que te atrapan precisamente por eso, por su frescura y espontaneidad. Bienvenidos al Santo Grial del rock.

Bob Dylan en 1966

En julio de 1966, Bob Dylan estaba en la cima del éxito tanto creativo como comercial. “Highway 61 Revisited” había alcanzado el número tres en la lista de álbumes de Estados Unidos en noviembre de 1965; el recientemente lanzado doble LP “Blonde on Blonde” fue ampliamente aclamado. De septiembre de 1965 a mayo de 1966, Dylan emprendió una extensa gira por los Estados Unidos, Australia y Europa, respaldada por los Hawks, una banda que anteriormente había trabajado con el músico Ronnie Hawkins. The Hawks lo formaban cuatro músicos canadienses – Rick Danko, Garth Hudson, Richard Manuel y Robbie Robertson – y un americano, Levon Helm. El público de Dylan reaccionó con hostilidad al sonido de su ídolo respaldado por una banda de rock. El viaje culminó en un famoso concierto en Manchester, en mayo de 1966, cuando un miembro de la audiencia gritó “Judas!” a Dylan por supuestamente traicionar la causa de la música folk. Dylan descubrió que su manager, Albert Grossman, había organizado otros 63 conciertos a lo largo de los Estados Unidos ese mismo año.

El 29 de julio de 1966, Dylan se estrelló con su motocicleta Triumph cerca de su casa en Woodstock, Nueva York, sufriendo daños en sus vértebras y una leve conmoción cerebral. Los conciertos que estaban programados tenían que ser cancelados. Su biógrafo Clinton Heylin escribió en 1990 sobre la importancia del accidente: “Un cuarto de siglo después, el accidente de motocicleta de Dylan sigue siendo visto como el eje de su carrera, como un repentino y abrupto momento en que su vida realmente explotó. La gran ironía es que 1967 -el año después del accidente- sigue siendo su año más prolífico como compositor “.

The Band junto a “Big Pink”

Rick Danko recordó que él, Richard Manuel y Garth Hudson se unieron a Robbie Robertson en West Saugerties, a pocos kilómetros de Woodstock, en febrero de 1967. Los tres se trasladaron a una casa en Stoll Road apodada “Big Pink” por el color rosa de la fachada. Danko y Manuel habían sido invitados a Woodstock para colaborar con Dylan en una película que estaba editando, “Eat the Document”, un documental sobre la gira mundial de 1966.

En un cierto punto entre marzo y junio de 1967, Dylan y los Hawks (futuros The Band) comenzaron una serie de sesiones de grabación informales, inicialmente en el cuarto rojo de la casa de Dylan, Hola Lo, en el área de Byrd cliffe de Woodstock. En junio, las sesiones de grabación se trasladaron al sótano de Big Pink. El teclista Hudson instaló una unidad de grabación, usando dos mezcladores estéreo y un grabador prestado por Grossman, así como un conjunto de micrófonos prestados por el trío Peter, Paul y Mary. Más tarde, Dylan diría a Jann Wenner: “Esa es la manera de hacer una grabación, en un ambiente tranquilo y relajado, en el sótano de alguien, con las ventanas abiertas … y un perro tirado en el suelo”.

Las canciones grabadas en las primeras sesiones incluyeron material escrito o popularizado por Johnny Cash, John Lee Hooker, Hank Williams y Eric Von Schmidt, así como canciones y estándares tradicionales. Vincular todas las grabaciones, tanto nuevas como viejas, es la forma en que Dylan se reenganchó con la música tradicional americana. El biógrafo Barney Hoskyns observó que tanto la reclusión de Woodstock como la disciplina y el sentido de la tradición en la musicalidad de los Hawks eran precisamente lo que Dylan necesitaba después de la “psicosis trotamundos” de la gira 1965-66.

Bob Dylan durante los meses que pasó aislado en Woodstock

Dylan comenzó a escribir y grabar nuevo material en las sesiones. Según Hudson, “Estábamos haciendo siete, ocho, diez y, a veces, quince canciones al día. Algunas eran viejas baladas y canciones tradicionales … pero otras veces Bob se inventaba a medida que avanzaba … Jugábamos con la melodía, Él cantaba algunas palabras que había escrito, y luego inventaba algo más, o simplemente sonidos con la boca o incluso sílabas a medida que avanzaba, es una buena manera de escribir canciones”. Hudson agregó: “Me sorprendió la capacidad de escritura de Bob, cómo entró, se sentó a la máquina de escribir y escribió una canción, y lo sorprendente fue que casi todas esas canciones eran divertidas”. Dylan grabó alrededor de treinta nuevas composiciones con los Hawks, incluyendo algunas de las canciones más célebres de su carrera. 

Una de las cualidades de “The Basement Tapes” que lo distingue de las obras contemporáneas es su sonido simple y realista. Las canciones fueron grabadas a mediados de 1967, el “Summer of Love” que produjo “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de los Beatles, su álbum más elaborado técnicamente. En una entrevista de 1978, Dylan reflexionó sobre el período: “No sabía cómo grabar la forma en que otras personas estaban grabando, y yo no quería.” Los Beatles acababan de lanzar el Sgt. Pepper, Me pareció un disco muy indulgente, aunque las canciones en él eran muy buenas, no creía que toda esa producción fuera necesaria”.

Después de circular en innumerables discos pirata. En enero de 1975, Dylan inesperadamente dio permiso para el lanzamiento de una selección de las grabaciones del sótano. El álbum recibió numerosas críticas por ceñirse muy poco a las grabaciones originales. El 4 de noviembre de 2014, Columbia / Legacy publicó una caja de 6 Cd que contiene 139 pistas, que comprende casi la totalidad de las grabaciones del sótano de Dylan, incluyendo 30 pistas nunca pirateadas.

Portada de la Edición Completa de “The Basement Tapes” (2014)

Andy Gill describe perfectamente la particularidad de estas grabaciones: “Musicalmente, las canciones estaban completamente en desacuerdo con lo que estaba pasando en el resto del mundo, que durante el largo y caluroso verano de 1967 se celebra el nacimiento del movimiento hippie con una explosión llamada Psicodelia. Música que es en su mayoría, fáciles loas al amor universal envueltas en interminables solos de guitarra “.

Varios artistas han reconocido la influencia de The Basement Tapes en su música. Según Billy Bragg: “Escuchar ahora “The Basement Tapes” me parece el comienzo de lo que se llama americana o country alternativo”. Según Elvis Costello, el álbum “suena como si hubiese sido hecho en una caja de cartón. Creo que Dylan estaba intentando escribir canciones que sonasen como si las hubiese encontrado debajo de una piedra. Como si fuesen canciones de folk reales, porque si vuelves a la tradición folk, encontrarás canciones tan oscuras y profundas como éstas”. En el mismo sentido, varios críticos musicales han señalado la influencia del álbum en diversos grupos. Al respecto, Stuart Bailie escribió: «Si el rock & roll es el sonido de una fiesta, “The Basement Tapes” es el de la mañana siguiente: nublado y melancólico y con potencia emocional. Innumerables grupos  han tratado de volver a ese lugar”.

En 2016, la revista Rolling Stone revista clasificó a “The Basement Tapes” en el número 292 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

40 años han pasado desde aquel lejano 16 de agosto de 1977, cuando quedó vacío el trono del rock. Elvis Aaron Presley nos dejaba precipitadamente a los 42 años de edad. Glosar la figura de Elvis puede ser una labor titánica. Más de 20 años de carrera, donde contribuyó decisivamente al nacimiento y expansión del rock & roll. Con luces y sombras, su figura es imprescindible no solo para glosar la música del siglo XX, sino, la propia historia del mundo de aquellos años, donde fue un pilar básico de la cultura popular de entonces.

Huey Lewis dijo una vez que el corazón del rock & roll está en Cleveland. Sin embargo, si quieres ir a donde nació el rock & roll, Memphis lo es. Después de todo, esta es la ciudad que creó a Elvis, y sin Elvis no habría rock & roll.

Elvis nació en Tupelo, Mississippi y se trasladó a Memphis con su familia. Él era tímido, impopular en la escuela y parecía una opción inverosímil para convertirse en el artista más popular del mundo. Memphis tenía una vibrante escena musical, pero debido a la tensión racial de la época, era difícil promover a los artistas negros, pero no necesariamente en Sun Records. En el sello fundado por Sam Phillips en 1952, el lema era que registrarían a cualquiera .Según algunos relatos, Elvis fue a grabar un disco para su madre y ahí es donde todo comenzó, ya que Elvis finalmente capturó el “sonido de Memphis”.

Graceland: La Mansión de Elvis Presley en Memphis

Sun Records todavía funciona como un estudio de grabación. Además del Rey, Sun también fue el primer estudio para grabar y promover otros artistas legendarios como Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison. Usted puede visitar el estudio real donde Elvis grabó sus primeros singles e incluso posar con el micrófono que utilizó. Elvis grabó un buen número de demos durante un año, pero nada hizo clic en Phillips, que estaba buscando a un intérprete blanco para reproducir el ritmo y la música de blues que amaba de los clubes negros de Memphis.

Una noche, sin embargo, Elvis estaba tocando con otros dos intérpretes del estudio y de repente empezó a girar y cantar, una alejamiento de sus baladas habituales, y Phillips se dio cuenta de que había encontrado el sonido que había estado buscando. Sun Records consiguió que su álbum fuera transmitido y vendió su contrato dos años más tarde a RCA Records en Nashville.

The Million Dollar Quartet: Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Elvis Presley and Johnny Cash

La carrera de Elvis, como la de cualquier otro artista, tuvo sus buenos momentos junto a otros no tan afortunados, pero por encima de todo destacan dos períodos que definieron su historia musical: 1955-56, cuando adquirió una enorme popularidad en Estados Unidos y en el resto del mundo con un sonido que recogía influencias procedentes de distintos estilos, y los años setenta, cuando, tras haber regresado en dos ocasiones tras otros tantos alejamientos del mundo artístico, recuperó su imagen de mito gracias a sus giras de conciertos. Hoy, 40 años después de su muerte, el éxito que consiguió como artista se mantiene tan impactante como el primer día, y Elvis Presley sigue siendo el indiscutible Rey del Rock & Roll.

A pesar del trágico final que alcanzó su vida, los logros conseguidos por Elvis se mantienen como auténticos hitos históricos. En Estados Unidos ha conseguido 132 discos de oro, platino o multi-platino por sus álbumes y singles, muchos más que cualquier otro artista. Es la única persona que ha conseguido formar parte de los tres Halls of Fame, es decir, los dedicados al rock & roll, country y gospel. A nivel mundial, Elvis ha vendido más de mil millones de discos, más que ninguna otra estrella.

Heartbreak Hotel (1956)

Hound Dog (1956)

Jailhouse Rock (1957)

Are you Lonesome Tonight (1960)

Can’t Help Falling in Love (1961)

In the Ghetto (1969)

Suspicious Minds (1969)

An American Trilogy (1972)

Burning Love (1972)

Always on my Mind (1972)

Para todos los que conocen la trágica historia de la ascensión y el descenso meteórico de Syd Barrett en el mundo del rock, consideran que “The Piper at the Gates of Dawn” sigue siendo un testimonio de una mente que, por un breve período, no vio fronteras. Grabado en el período previo al verano del amor en un estudio junto al que los Beatles estaban dando los toques finales al Sgt Pepper, este álbum sigue siendo un pináculo de la música psicodélica inglesa. Está lleno de reflexiones de un poeta infantil, de una mente todavía no oprimida, pero libre de vagar entre los cuentos de hadas y exploraciones cósmicas y aún estar en casa a tiempo para el té.

“The Piper at the Gates of Dawn” ha inspirado a mucha gente, pero lo que es profundamente irónico,  es que una de los pocas bandas que no lo han copiado son ellos mismos, Pink Floyd. Antes de perder la cabeza, el principal compositor de Pink Floyd fue Syd Barrett, un estudiante de arte de clase media, sensible y atractivo de Cambridge. Sus canciones en “The Piper at the Gates of Dawn” reúnen a un grupo de gatos, zapatos de plata, unicornios, ratones llamados Gerald, motos, gnomos, y los colocan en la música psicodélica más inventiva y sorprendente jamás grabada.

Pink Floyd en 1967: Richard Wright, Roger Waters, Nick Mason y Syd Barrett

Los estudiantes de arquitectura Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright y el estudiante de arte Syd Barrett habían actuado bajo varios nombres desde 1962, y comenzaron a hacer giras como “The Pink Floyd Sound” en 1965. Se convirtieron en profesionales el 1 de febrero de 1967 al fichar por EMI. Su primer single, una canción sobre un travesti cleptómano titulado “Arnold Layne”, fue lanzado el 11 de marzo, creando alguna controversia por su temática, no siendo emitida en algunas radios.

Tres semanas más tarde, la banda fue presentada a los principales medios de comunicación. El comunicado de prensa de EMI afirmó que la banda eran “portavoces musicales de un nuevo movimiento que implica la experimentación en todas las artes”, pero EMI trató de poner cierta distancia entre ellos y la escena underground en la que se originó la banda. La banda regresó al estudio de Sound Techniques para grabar su próximo single, “See Emily Play”, el 18 de mayo. El single fue lanzado casi un mes después, el 16 de junio, y alcanzó el número seis en las listas.

El título del álbum se toma de un capítulo de uno de los libros favoritos de Syd Barrett, “El Viento en los Sauces”. Las imágenes líricas del álbum están llenas de colorido infantil, aunque filtradas a través de la lente perceptiva del LSD. Las canciones pop melódicas y pegadizas de Barrett, se equilibran con piezas más largas y experimentales que demuestran los trastornos instrumentales del grupo, a menudo usando temas de viajes espaciales como metáforas para experiencias alucinógenas. “Astronomy Domine” es un buen ejemplo de lo que decimos, Pero pistas como “Interstellar Overdrive” son algunas de las primeras incursiones en lo que ha sido etiquetado como rock espacial.

Pero a pesar de que las letras y melodías de Barrett son en su mayoría juguetonas y humorísticas, la música de la banda no siempre da fe de esos sentimientos. El trabajo de orquesta de Rick Wright, la disonancia, el cromatismo, los ruidos extraños y los efectos de sonido vocal se emplean en varios casos, dando la impresión de caos, y confusión al acecho bajo una brillante superficie. “The Piper at the Gates of Dawn” captura con éxito ambos lados de la experimentación psicodélica: los placeres de expandir la mente y la percepción, y una amenaza subyacente de trastorno mental e incluso de locura; Esta dualidad hace al disco aún más convincente a la luz del derrumbe posterior de Barrett, y lo clasifica como uno de los mejores álbumes psicodélicos de todos los tiempos.

“The Piper at the Gates of Dawn” es uno de los discos más influyentes en la historia. Su avanzado sonido, experimentación y combinación de distintos géneros como rock, pop y folk ha inspirado a distintos artistas. La exploración sónica del disco es absoluta: cuenta con cambios de métrica (pasando del regular 4/4 a métricas como 11/8). También podemos encontrar progresiones de acordes inusuales (“Astronomy Domine”) y escalas poco comunes en la música popular.

El álbum fue inicialmente recibido con críticas frías, pero con paso del tiempo se ha ganado un lugar en el olimpo de la música. George Starostin afirmó que este álbum es “La Biblia astral de la psicodelia”. En NME, sobre la versión de 40 años de aniversario, escribieron que “Incluye dos singles de Barrett, censurados, no incluidos en el álbum original: “Arnold Layne” y “See Emily Play”, que son tan buenas como cualquier cosa que los Beatles hayan grabado. Sobre esto, el portal Pitchfork comentó que “Mientras The Beatles ejercían un control absoluto en las herramientas del estudio, Pink Floyd usaba el estudio para perder el control”. Los mismos también dijeron “Mientras la mayoría de los discos del Verano del Amor eran positivos y unían, The Piper era fracturado y terrorífico”.

Después del lanzamiento del álbum en agosto de 1967, Pink Floyd continuó actuando en Londres, con audiencias cada vez más grandes. Pero el estado mental de Barrett continuó deteriorándose, y pronto llegó al punto en el que no podía actuar en el escenario. Aparte de unas pocas canciones más y una canción en el siguiente álbum del grupo, Barrett no volvería a tocar con la banda de nuevo, haciendo de “The Piper At the Gates of Dawn”, una obra verdaderamente única.

Enlace a la Lista de Distribución del Álbum 

Pink Floyd (Arnold Layne) 1967

Pink Floyd (See Emily Play) 1967

Documental Dedicado a la Figura de Syd Barrett

Paz, amor, felicidad y música maravillosa. 1967 fue una potente mezcla de cambio cultural, cuestionamiento político y liberación personal, que resultó en una migración masiva de jóvenes a San Francisco. La ciudad era un centro de exploración psicodélica, centrándose alrededor del distrito de Haight-Ashbury, donde bandas y artistas como Grateful Dead, Jefferson Airplane o Janis Joplin, marcaron el camino a seguir. El Monterey Pop Festival de Junio fue el pináculo del verano, reuniendo a decenas de miles de personas durante tres días de música.

En el otoño, todo había cambiado y un lado oscuro distorsionó las aspiraciones esperanzadas de los hippies. El movimiento se había convertido en un espectáculo mediático y cada vez más  desordenado. San Francisco estaba repleta de traficantes y adolescentes fugitivos, y la escena de Haight-Ashbury se deterioró debido a la sobrepoblación, la falta de vivienda y el crimen. Al darse cuenta de que la paz y el amor no podían sostenerlos para siempre, la mayoría de los hippies finalmente tuvieron que volver a la universidad o conseguir un trabajo, aunque algunos encontraron maneras de continuar sus estilos de vida alternativos en casa o en el extranjero. Para la mayoría, sin embargo, el sueño utópico había llegado a su fin.

Y ese verano, tal vez más que cualquier otra época antes o después, tenía su propia banda sonora. En la vanguardia, creando el San Francisco Sound, que evolucionó a partir de bandas locales como Grateful Dead y Jefferson Airplane, y cambió para siempre el rostro del rock & roll. El estilo, sumamente colorido, era salvajemente improvisado y pesadamente psicodélico.

Fue un fenómeno fugaz, pero creó una cultura alternativa que sacudió los cimientos del orden establecido en occidente. La música fue una de sus señas de identidad. Quedan aquí los recuerdos musicales de aquella época, de cuando todo parecía posible, de aquella generación que pensó cambiar el mundo con flores en el pelo.

Scott McKenzie (San Francisco)

Jefferson Airplane (White Rabbit)

The Association (Windy)

The Mamas & The Papas (Creeque Alley)

Strawberry Alarm Clock (Incense & Peppermints)

The Electric Prunes (I Had Too Much To Dream Last Night)

The Jimi Hendrix Experience (Purple Haze)

Grateful Dead (The Golden Road To Unlimited Devotion)

Janis Joplin (Ball and Chain)

The Beatles (All You Need Is Love)

Aunque han pasado ya cincuenta años desde que el 17 de julio de 1967 falleciese el saxofonista John Coltrane a los 40 años de edad, su figura sigue siendo una de las más importantes en la actualidad en el mundo del jazz. Su influencia ha sido decisiva en la mayoría de los músicos que han venido tras él, e incluso, en la propia concepción del jazz. Aparte de las discusiones sobre cuál de las fases de su carrera es más interesante o sobre cuál es su mejor disco, entre los aficionados una de las preguntas recurrentes es hacia dónde habría evolucionado su música (y con ella el jazz) si no hubiera fallecido a una edad tan temprana.

John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926, en Hamlet, Carolina del Norte. La primera influencia musical de Coltrane fue su padre, sastre y músico a tiempo parcial. John estudió clarinete y saxofón alto cuando era joven y luego se mudó a Filadelfia en 1943. Allí continuó sus estudios en la Ornstein School of Music y los Granoff Studios. Fue reclutado en la marina en 1945 y tocó con una banda de su unidad hasta 1946; Él cambió al saxo tenor en 1947. A finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, él tocó en salas de conciertos y en las grabaciones con músicos tales como Eddie Vinson, Dizzy Gillespie, Earl Bostic y Johnny Hodges. El primer solo grabado de Coltrane puede ser escuchado en “We love to boogie” de Gillespie (1951).

Coltrane llegó a la cumbre cuando se unió al quinteto de Miles Davis en 1955. Su abuso de las drogas y alcohol durante este período condujo a la falta de fiabilidad, y Davis lo despidió a principios de 1957. Limpio de sus adicciones, se embarcó en un período de seis meses con Thelonious Monk y comenzó a hacer grabaciones bajo su propio nombre, como el soberbio “Blue Train”, grabado en el estudio de Rudy Van Gelder para la Blue Note. En cada nuevo trabajo, demostró un nuevo nivel de disciplina técnica, así como una mayor sofisticación armónica y rítmica.

John Coltrane y Miles Davis (1960)

Durante este período, Coltrane desarrolló lo que llegó a ser conocido como sus “capas de sonido” su particular estilo improvisando, como describe el poeta LeRoi Jones: “Las notas que “Trane” estaba tocando en el solo se convirtieron en algo más que una nota tras otra. Las notas llegaron tan rápido y con tantos matices que tuvieron el efecto de que tocaba los acordes con rapidez, pero de alguna manera articulaba por separado cada nota en el acorde y sus vibrantes subtonos”. La cascada de notas durante sus poderosos solos mostró su virtuosismo con progresiones de acordes, culminando en la virtuosa interpretación del álbum “Giant Steps” (1959).

El tono de Coltrane en el saxo tenor era enorme y oscuro, con definición clara y cuerpo completo, incluso en los registros más altos y más bajos. Su estilo vigoroso e intenso era original, pero las huellas de sus ídolos Johnny Hodges y Lester Young se pueden distinguir en su fraseo, en el que el instrumento se desliza de nota en nota sin pausas discernibles. De Monk aprendió la técnica del Multiphonic, por el cual un intérprete puede producir múltiples tonos simultáneamente usando una embocadura relajada (es decir, posición de los labios, lengua, y dientes), presión variada, y una digitación especial.

Coltrane regresó al grupo de Davis en 1958, contribuyendo a desarrollo del conocido como “jazz modal”, cuya culminación fue “Kind of Blue” (1959), considerado como un ejemplo esencial del jazz moderno de los años cincuenta. Davis en este punto estaba experimentando con modos, es decir, patrones de escala distintos de mayor y menor.

John Coltrane, Julian “Cannonball” Adderley, Miles Davis y Bill Evans durante la grabación de “Kind of Blue” (1959)

Después de terminar su asociación con Davis en 1960, Coltrane formó su propio cuarteto, con el pianista McCoy Tyner , el contrabajista Jimmy Garrison, y el batería  Elvin Jones. En este momento Coltrane comenzó a tocar el saxofón soprano además del tenor. A lo largo de la década de los sesenta, Coltrane se centró en la Improvisación. Al mismo tiempo, su estudio de las músicas de la India y África afectó a su acercamiento al saxofón soprano. Estas influencias, combinadas con una interacción única con los tambores y el constante ritmo del piano y el contrabajo, hicieron del cuarteto de Coltrane uno de los grupos de jazz más destacados de los años sesenta. La esposa de Coltrane, Alice (también músico de jazz y compositor), tocó el piano en su banda durante los últimos años de su vida.

Durante el corto período comprendido entre 1965 hasta su muerte en 1967, el trabajo de Coltrane se expandió en una improvisación colectiva y libre basada en escalas preestablecidas. Fue el período más radical de su carrera, y sus experimentos vanguardistas dividieron a críticos y público.

El trabajo más conocido de Coltrane abarcó un período de sólo 12 años (1955-67), pero, debido a que grabó prolíficamente, su desarrollo musical está bien documentado. Su estilo temprano relativamente melódico se puede escuchar en los álbumes de Davis grabados para las etiquetas Prestige y Columbia durante 1955 y 1956. La unión con Thelonious Monk revela el crecimiento de Coltrane en términos de técnica y sentido armónico, una evolución más marcada de los álbumes de Davis “Milestones” y “Kind of Blue”.

Grabación de “A Love Supreme”. Diciembre 1964

La mayoría de los primeros álbumes en solitario de Coltrane son de una altísima calidad, particularmente el mencionado “Blue Train” (1957), quizás el mejor ejemplo grabado de su primer estilo, el hard bop. Grabaciones de finales de la década, como Giant Steps (1959) y “Mt Favorite Things” (1960), ofrecen la evidencia de su virtuosismo. Casi todos los álbumes que Coltrane grabó durante los primeros años se clasifican como clásicos; “A Love Supreme” (1965), un álbum profundamente personal que refleja su compromiso religioso, es considerado como su obra maestra, y una pieza fundamental en la evolución del jazz. Sus últimas incursiones en el jazz de vanguardia, están representadas por “Ascension” y “Meditations”  (ambos de 1965), así como varios álbumes publicados póstumamente.

El álbum “Blue Train” será objeto de una entrada monográfica, con motivo del 60º aniversario de su publicación.

Blue Train (1957)

Giant Steps (1959)

My Favorite Things (1961)

Impressions (1963)

A Love Supreme (1965)

Meditations (1966)

Jazz entre Amigos (TVE) Monográfico Dedicado a John Coltrane