Naxos fue creada en 1987 como una etiqueta de música clásica de bajo presupuesto, ofreciendo CDs al precio de un vinilo, en un momento en que los CDs costaban cerca del triple que un LP. La atención se centró en la grabación de un repertorio estándar con sonido digital. Desde estos humildes comienzos, Naxos se convirtió en una de las principales etiquetas clásicas del mundo, grabando una amplia gama de repertorio con artistas y orquestas de más de 30 países.

Naxos estrena alrededor de 200 nuevos títulos por año, ofreciendo muchas grabaciones de estreno mundial, pero también parcelas de enormes obras completas como la música de piano de Liszt y las sinfonías de Villa-Lobos. El catálogo de Naxos ahora consta de más de 9.000, grabado por artistas y orquestas consagrados, ganadores de premios y jóvenes estrellas en ascenso. El sello presenta muchas series dirigidas a mercados nacionales específicos, aunque ninguno más importante que sus “American Classics”, cuyos compositores, orquestas, directores, solistas y productores han ganado 19 premios Grammy.

Paralelamente al crecimiento de la etiqueta, Naxos construyó una infraestructura mundial para su propia marca y para la mayoría de las otras etiquetas clásicas independientes. Ofrece a estas discográficas una amplia gama de servicios que van desde la distribución y logística física y digital, hasta la comercialización y promoción, la concesión de licencias y la administración y la recaudación de derechos discográficos. Naxos también ha traído un número de etiquetas clásicas independientes bajo su paraguas que les ofrece su infraestructura mientras que mantiene su independencia artística. Entre estas etiquetas se encuentran Capriccio, Dynamic, Ondine, Orfeo y otras 13.

Klaus Heymann (Fundador de Naxos)

Naxos es también el líder de la industria en la presentación digital de la música clásica. En 1996, hizo que los catálogos completos de Naxos y su marca hermana, Marco Polo, estuvieran disponibles para streaming, las primeras marcas en la historia de la industria para hacerlo. En 2002, la compañía lanzó Naxos Music Library, la primera plataforma de streaming de suscripción de la industria, cuatro años antes del lanzamiento de Spotify. Desde entonces, se lanzaron plataformas de streaming para el jazz, la world music y las producciones audiovisuales.

Las bibliotecas en línea de Naxos son utilizadas por miles de instituciones educativas y profesionales de todo el mundo. Ofrecen no sólo escuchar música, sino también una amplia gama de material de referencia, incluyendo un diccionario de música interactiva. Más allá de estas bibliotecas, Naxos ha hecho grandes inversiones en la educación musical que van desde libros con CD a libros electrónicos y aplicaciones. “My First Classical Music Book” se ha publicado en 10 idiomas y la aplicación basada en el libro ha sido una de las más exitosas de la música clásica. La Universidad de León también ofrece este fabuloso recurso, dentro de su catálogo de recursos electrónicos.

Enlace a Naxos en el Catálogo de la ULE

El Naxos Music Group celebrará el 30 aniversario con eventos en Munich y Londres, incluyendo un concierto de gala en la Capilla de la Corte en Múnich con los artistas de Naxos: Boris Giltburg, Tianwa Yang y Gabriel Schwabe.

En el evento de Munich, Klaus Heymann, fundador de Naxos, recibirá el Premio de Logros Especiales de los Premios Internacionales de Música Clásica (ICMA) otorgado el 1 de abril de 2017. El presidente de ICMA, Remy Franck, comentó: “Klaus Heymann ha cambiado la Industria y sin él nunca habría logrado la dinámica que tiene hoy, a pesar de todos los problemas que pudieran existir, debido a su visión, su increíble eficiencia y su profundo amor por la música, se convirtió en el principal actor de la industria”.

Un set de edición limitada con 30 CDs, seleccionados del extenso catálogo de Naxos, fue lanzado en todo el mundo en abril. Ofrece grabaciones emblemáticas de los 30 años de historia de la etiqueta.

Canal de Naxos en YouTube

Hoy se cumplen 25 años de la muerte de Camarón. 25 años sin una de las figuras fundamentales, no solo del flamenco, sino de la música en general.

Camarón conjugó innovación, tradición, talento y esfuerzo, instinto y reflexión: un adelantado a su tiempo que sabía que el flamenco está vivo y que evoluciona, pero sin perder en ningún momento su raíz. Si hay un artista que ha contribuido en gran medida a esta difusión del flamenco, a su conocimiento y a su acceso a nuevos públicos y escenarios, ese fue José Monje Cruz, Camarón de la Isla.

Un cantaor que marcó un antes y un después en la historia de este arte. Su recuerdo, 25 años después de su fallecimiento, sigue siendo cercano y vigente, tanto que sigue atrayendo a muchos aficionados a los lugares señeros de su biografía, situados en San Fernando, localidad que llevó como insignia en su nombre artístico.

Hay muchas maneras de rendirle homenaje. Pero recordar lo que supuso su figura en el, a veces, anquilosado mundo del flamenco y lo revolucionario de su cante, es la mejor manera de homenajearle, Hubo un antes y un después, hubo un punto de inflexión, y fue Camarón. Y lo fue sobre todo por un  álbum: “La Leyenda del Tiempo”. Uno de los mejores discos creados en este país. Un trabajo ignorado en su día, pero que como en otros muchos casos, el paso de los años no ha hecho sino reivindicarlo, hasta ser reconocido como uno de los dos o tres mejores discos de la historia de la música española.

Antonio Sánchez Pecino, padre de Paco de Lucía, fue el descubridor de Camarón y ejerció de productor al principio de su carrera. Hablar de producción en el flamenco tradicional de aquella época, es una guitarra y palmas. Camarón se sentía atascado artisticamente, quería evolucionar. Estaba fascinado con los innovadores arreglos de los primeros trabajos de Lole y Manuel.

Ricardo Pachón, productor de Lole y Manuel, hace una selección muy acertada de diversos textos de Federico García Lorca que musicaliza y presenta a Camarón, después de que este le hubiera dicho que no tenía ninguna canción de momento para su nuevo disco. Pero que José Monge dijera que no tenía ninguna canción, no significaba que no tuviera ninguna idea, tenía muy claro que quería hacer algo diferente, que quería salir de los estándares del flamenco (voz, guitarra y palmas) y abrir un nuevo horizonte.

Camarón y Ricardo Pachón

Ricardo Pachón fue el productor visionario que descubrió y grabó algunos de los mejores artistas del rock underground andaluz, especialmente sevillanos. Su figura, junto con la de Gonzalo García Pelayo, es fundamental para entender la evolución del rock español de los setenta.

Si esto fuera Estados Unidos, el chalet de Ricardo en Umbrete sería un centro de peregrinación. Los apasionados de la fusión flamenca se acercarían al lugar y, conteniendo la respiración, pisarían arrobados el suelo que pisaron Camarón, Lole y Manuel, los Pata Negra o Kiko Veneno, en la época más inspirada de sus vidas creativas. Allí Camarón desarrolló esta obra maestra, muy bien acompañado. Nunca se ha juntado tanto talento en este país para realizar un disco.

Camarón y Ricardo Pachón juntaron a un conjunto de músicos de tan difícil gobierno como rebosante genialidad. Estos imprimieron a la grabación el carácter revolucionario que todavía hoy desprende, acompañando la voz flamenca de Camarón con guitarras y bajos eléctricos, batería y percusión latina, sitar y saxofón. Una “maná de locos”, como los definió Tomatito, compuesta por personajes como Raimundo y Rafael Amador, el propio Tomatito, Juan el Camas, Jorge Pardo, Rubem Dantas, Manolo Rosa, Rafael y Manuel Marinelli, Pepe Roca, Gualberto García, Kiko Veneno…

Ricardo Pachón, Camarón y Raimundo Amador durante la grabación de “La leyenda del tiempo”. Foto de Mario Pacheco

Ricardo Pachón siempre cita el disco “Sabicas, Rock Encounter with Joe Beck” (1970), como aquel que le sirvió de inspiración y de modelo para investigar y profundizar las posibilidades de fusión del flamenco con el rock y el blues. Sabicas, recordemos, era un guitarrista flamenco exiliado, que por aquel entonces residía en EEUU, y que se convirtió en el maestro de la nueva generación de guitarristas comandados por Paco de Lucía.

“La Leyenda del Tiempo” presenta canciones flamencas de estilo tradicional como “Romance del Amargo” y “Homenaje a Federico”. Otras piezas como ‘La Leyenda del Tiempo’ y ‘La Tarara’ cuentan con solos de piano eléctrico y sintetizador de Manuel y Rafael Marinelli y guitarra eléctrica de Pepe Roca, los tres miembros de la banda de rock andaluz Alameda. Y por supuesto, “Volando Voy” de Kiko Veneno, La canción más conocida del álbum.

El último corte, la sobrecogedora “Nana del Caballo Grande”, cuenta con Camarón acompañado por Gualberto en el sitar. Gualberto es una leyenda de la música underground andaluza (fue miembro de Smash). Sus discos en solitario, especialmente “Vericuetos” son grabaciones imprescindibles. 

“La leyenda del Tiempo” marcó un antes y un después en la música española. Abrió el camino de la renovación y la fusión en el flamenco, después tantas veces trillado tanto para bien como para mal. Sentó las bases incluso para su internacionalización. Y si a día de hoy, multitud de especialistas consideran a Omega, disco que en 1996 grabara el llorado Enrique Morente junto a Lagartija Nick, una de las cimas de la historia musical española, quizás no venga mal recordar que posiblemente aquel no hubiera sido posible, sin que unos años antes Camarón y Ricardo Pachón unieran su talento para dar forma a “La leyenda del Tiempo”.

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

Camarón Interpretando el Tema Central del Álbum en TVE

“Tiempo de Leyenda”. Documental Coproducido por TVE en 2009 sobre la Grabación del Álbum

Telemann fue y sigue siendo uno de los compositores más prolíficos de la historia, y fue considerado por sus contemporáneos como uno de los principales músicos alemanes de la época. Fue comparado favorablemente con su amigo Johann Sebastian Bach, que hizo a Telemann padrino de su hijo Carl Philipp Emanuel, o con Georg Friedrich Händel, a quien Telemann también conocía personalmente. La música de Telemann incorpora varios estilos nacionales (francés, italiano) e incluso es influenciada a veces por la música popular polaca. Se mantuvo a la vanguardia de todas las nuevas tendencias musicales y su música es un vínculo importante entre el barroco tardío y los inicios  del clasicismo. El 25 de junio se cumple el 250º aniversario de su muerte.

Nacido en Magdeburgo en 1681, Georg Philipp Telemann pertenecía a una familia que había estado vinculada durante mucho tiempo con la Iglesia Luterana. Su padre era un clérigo, su madre era hija de un clérigo, y su hermano mayor también tomó las órdenes, un camino que él también podría haber seguido si no fuera por su excepcional habilidad musical. De niño, mostró un considerable talento musical, dominando el violín, la flauta, la cítara y el teclado a los diez años y componiendo una ópera (“Sigismundus”, sobre un texto de Postel) dos años después para consternación de su familia, que desaprobaba la música. Sin embargo, tal resistencia sólo sirvió para reforzar su determinación de perseverar en su vocación musical. Después de los estudios preparatorios en Hildesheim, se matriculó (ante la insistencia de su madre) en la Universidad de Leipzig en 1701.

Mientras era un estudiante en la Universidad de Leipzig, Su carrera en la música se hizo inevitable. Al principio se pretendía que estudiara lengua y ciencia, pero ya era tan capaz como músico, que en el año de su llegada fundó el Collegium Musicum con el que dio conciertos públicos (y que más tarde Bach dirigirá), Escribió óperas para el Teatro de Leipzig y en 1703 se convirtió en director musical de la Ópera de esa misma ciudad y fue nombrado organista en la Neue Kirche en 1704.

Telemann no se quedó mucho tiempo en Leipzig. En 1705 aceptó una oferta como Kapellmeister en la corte del conde Erdmann II de Promnitz en Sorau, donde la moda de los estilos franceses e italianos le proporcionó un nuevo desafío. Además, la proximidad a Berlín y el contacto con la música popular polaca resultaron estimulantes. Pero el mandato de Telemann fue interrumpido por la inminente perspectiva de invasión por parte del ejército sueco, causando la desbandada del corte. Visitó París en 1707.

Su próxima parada fue en Eisenach como el Konzertmeister a cargo de los cantantes. Su nombramiento (en algún momento entre 1706 y 1708) se superpuso con la presencia de Bach, que partió en 1708 para ocupar puestos en la corte de Weimar. Telemann tenía todas las razones para suponer que éste sería un período de relativa estabilidad y, por consiguiente, se sumergió en la composición de cantatas de iglesia, piezas ocasionales, música de cámara orquestal e instrumental. Su matrimonio terminó trágicamente con la muerte de su esposa en 1711.

Un cambio de escena se hizo necesario y así fue a la ciudad imperial libre de Frankfurt-am-Main para asumir funciones como Director de Música Municipal y también como Kapellmeister de la Barfüßerkirche. Junto con sus actividades como director de la “Frauenstein”, una sociedad musical de esa misma ciudad, que presentaba conciertos semanales, los nuevos puestos de Telemann se adaptaban muy bien a su talento. Compuso música para ceremonias cívicas, ciclos de cantatas de iglesia, oratorios, música orquestal y una gran cantidad de música de cámara, la mayor parte de la cual fue publicada; Sólo faltaba la oportunidad de producir ópera, aunque siguió suministrando obras a la Ópera de Leipzig. Durante este período también fue nombrado Kapellmeister del Príncipe de Bayreuth. Se casó de nuevo y se convirtió en un hombre de familia.

En 1721 quedó vacante el codiciado puesto de Kantor del Johanneum de Hamburgo, puesto que tradicionalmente llevaba consigo las responsabilidades docentes y la dirección de las cinco principales iglesias de Hamburgo, y Telemann fue invitado para suceder a Joachim Gerstenbüttel. Aquí, por fin, era un puesto de prestigio que le proporcionaría oportunidades aparentemente ilimitadas para componer y actuar. Como Kantor, se vería obligado a componer dos cantatas semanales, y anualmente, producir una nueva Pasión, y crear obras para ceremonias religiosas y civiles.

Telemann redobló sus actividades en Hamburgo, aumentando el número de conciertos públicos que se daban en las iglesias, en la que se realizaba una gran variedad de música sagrada y secular. Fue patrocinado por ciudadanos prominentes de Hamburgo. Más aún, fue nombrado director musical de la Ópera de Hamburgo, permaneciendo en ese puesto hasta su cierre en 1738. Produjo obras serias y cómicas, muchas de las cuales se han perdido, o han sobrevivido sólo como extractos publicados en “Der getreue Musikmeister”. Además de las propias óperas de Telemann y las de Reinhard Keizer, las óperas de Londres de Handel fueron realizadas allí durante el mandato de Telemann.

Telemann permaneció en Hamburgo hasta su muerte en 1767, siendo sucedido en su puesto por su ahijado, Carl Philipp Emanuel Bach, hijo de Johann Sebastian.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)

Una forma musical que Telemann practicó con notable asiduidad fue la suite orquestal, la “Ouverture”, que se originó con Lully en Francia, pero que en realidad fue cultivada casi exclusivamente por compositores alemanes. Un crítico alemán contemporáneo, Johann Adolph Scheibe, declaró incluso en 1745, que Telemann era el principal responsable de la enorme popularidad de la suite orquestal en Alemania, habiendo comenzado por imitar el estilo francés, pero pronto se hizo más experto en él que los franceses mismos. En un artículo autobiográfico escrito en 1740, Telemann calculó que ya había compuesto seiscientas suites, de las cuales una cuarta parte ha sobrevivido, casi todas en manuscrito.

Factores clave en la ascensión meteórica de Telemann al poder y la riqueza como el músico más famoso de Alemania fueron su sentido del humor y su simpatía personal. Tuvo la suerte de ser admirado y envidiado por su incesante búsqueda y adquisición de importantes cargos en la Corte y en la Iglesia. No sólo tuvo el coraje de desafiar a sus superiores cuando interfirieron con sus planes de obtener actuaciones frecuentes y la publicación de sus obras, sino que parecía no haber límite al número de encargos que estaba dispuesto y capaz de cumplir como compositor. Sus ingresos en Hamburgo eran unas tres veces lo que ganaba Johann Sebastian Bach en Leipzig, y obtuvo un beneficio sustancial en sus muchas obras publicadas para su venta a entusiastas de la música.

G.P. Telemann (Conciertos para Trompeta)

G.P. Telemann (Conciertos para Oboe)

G.P. Telemann (Sonatas para Flauta)

G.P. Telemann (Tafelmusik)

G.P. Telemann (Amplia Selección de su Obra)

Sir James Paul McCartney cumple 75 años el 18 de junio. Su carrera se extiende a lo largo de sesenta años. Desde aquel lejano 1957 cuando conoció a John Lennon, y se integró en su banda de entonces, The Quarrymen, que en 1960 adoptarían el nombre de The Beatles, ya con George Harrison en sus filas.

McCartney es uno de los músicos más injustamente tratados en la historia de la música popular. Ha escrito, o coescrito, 32 canciones que han alcanzado el número uno en el Billboard Hot 100. Su composición “Yesterday”, ha sido versionada por más de 3.000 artistas. Señalar también, que ha sido uno de los mejores bajistas de la historia. Muchos méritos para la consideración habitual que se tiene de él. Ese chico tan simpático siempre a la sombra del gran Lennon.

De esos mencionados sesenta años de carrera, parece que solo cuenta su etapa en los Fab Four, 13 años con diversas denominaciones. Algo haría en los 47 años restantes que lleva sobre los escenarios. Precisamente, el objetivo de esta entrada es dar a conocer lo que ha sido su carrera musical desde 1970. Reivindicar a un músico excelso, que a mayores, formó parte de la mejor banda de la historia.

The Beatles con Martha, la Perra de Paul McCartney

La ruptura como banda de Los Beatles en 1970, hundió a McCartney en una depresión. Lo que más le pesaba, era básicamente, lo desalentador que era el futuro para alguien como él. Habiendo logrado tanto, con la mayor parte de su vida todavía por delante, se sintió abrumado por las expectativas de poder alcanzar el éxito que obtuvo con el grupo de Liverpool.

Linda McCartney, el gran amor de Paul, fue francamente heroica durante el tiempo en el que apenas podía funcionar. “No sé cómo alguien podría haber vivido conmigo”, dice McCartney.

Pero ese mismo año se produjo su primer lanzamiento en solitario, “McCartney”, un álbum Nº 1 en los Estados Unidos. Aparte de algunas contribuciones vocales de Linda, “McCartney” es un álbum de un solo hombre, con Paul realizando las composiciones, instrumentación y voz. En 1971, colaboró ​​con Linda y el batería Denny Seiwell en un segundo álbum, “Ram”, Nº 1 en Reino Unido y uno de los cinco mejores de los Estados Unidos. Ese mismo año, el ex- guitarrista de los Moody Blues, Denny Laine, se unió a los McCartney y Seiwell para formar la banda Wings.

Denny Laine, Denny Seiwell, Linda & Paul McCartney

En marzo de 1973, Wings logró su primer single número uno en los EE.UU., ” My Love”, incluido en su segundo LP, “Red Rose Speedway”, también número uno  en los EE.UU. y en Reino Unido en el top 5. La colaboración de Paul con  el ex productor de Beatles, George Martin, dio lugar a la canción ” Live and Let Die “, tema central de la película de James Bond del mismo nombre. Nominado para un Oscar, la canción alcanzó el número dos en los EE.UU. y el número nueve en el Reino Unido. También le valió a Martin un Grammy por su arreglo orquestal.

A finales de 1973, Wings grabaron “Band on the Run”. El álbum fue el primero de siete LPs de platino. Fue Nº 1 en los Estados Unidos y en el Reino Unido. Fue uno de los lanzamientos más vendidos de la década, permaneció en las listas del Reino Unido durante 124 semanas. Ganaron el Premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop por la canción “Band on the Run”.

Wings siguió a “Band on the Run” con los discos “Venus y Mars” (1975) y “Wings at the Speed ​​of Sound” (1976). En 1975, comenzaron los catorce meses del Wings Over the World Tour, que incluía paradas en el Reino Unido, Australia, Europa y los Estados Unidos. En esta gira fue la primera vez que McCartney interpretó canciones de Los Beatles en vivo con Wings. Después de la segunda etapa europea de la gira y amplios ensayos en Londres, el grupo emprendió una ambiciosa gira por territorio estadounidense que se plasmó en el triple álbum Nº 1 en Estados Unidos, “Wings over America”.

En 1978, Wings lanzó “Mull of Kintyre”, que se convirtió en el single británico más vendido de todos los tiempos, vendiendo más de dos millones de copias. Wings siguió con el álbum “London Town”, que se convirtió en otro disco de platino. Después Wings lanzó “Back to the Egg” en 1979. Aunque el disco fue platino también, no produjo grandes éxitos.

Wings desapareció a comienzos de 1981. Entretanto McCartney grabó “McCartney II”. En 1981, entró en el estudio con el productor de Los Beatles, George Martin, para grabar “Tug of War”. 

Lanzado en la primavera de 1982, “Tug of War” recibió las mejores críticas de cualquier disco de McCartney desde “Band on the Run” y generó el single número uno con “Ebony and Ivory”, un dúo con Stevie Wonder que se convirtió en el mayor hit estadounidense de McCartney. En 1983, cantó “The Girl Is Mine”, el primer single del “Thriller” de Michael Jackson. A cambio, Jackson hizo un dueto con McCartney en “Say Say Say”, el primer single del álbum de 1983 “Pipes of Peace” y el último número uno de su carrera. La relación entre Jackson y McCartney se deterioró considerablemente, cuando Jackson compró los derechos de publicación de las canciones de Los Beatles en 1985.

McCartney dirigió su primer largometraje en 1984, “Give my Regards to Broad Street”. Mientras que la banda sonora, que incluía canciones nuevas y canciones de Los Beatles re-grabadas, fue un éxito, generando el sencillo “No More Lonely Nights”, la película fue un fracaso, generando críticas terribles. 

En 1989, publicó “Flowers in the Dirt”. Recibió las mejores críticas de cualquier lanzamiento suyo desde “Tug of War”, y fue apoyado por una extensa gira internacional, que fue capturada en el doble álbum en vivo “Tripping the Live Fantastic” (1990). Para la gira, McCartney contrató al guitarrista Robbie McIntosh y al bajista Hamish Stuart, que formarían el núcleo de su banda durante el resto de los años noventa.

McCartney se aventuró en la música orquestal en 1991 con “liverpool Oratorio”, cuando la Real Sociedad Filarmónica de Liverpool le encargó una pieza musical. Los comentarios fueron negativos. A partir de 1994, McCartney se tomó un descanso de cuatro años de su carrera en solitario para trabajar en la “Beatles Anthology” proyecto con Harrison, Starr y Martin. 

Paul y Linda McCartney en 1967

El 17 de abril de 1998, Linda McCartney murió después de una lucha de tres años con el cáncer de mama. Un Paul afligido guardó un perfil bajo durante los siguientes meses. 

En 2005 grabó “Chaos and Creation in the Backyard”. El álbum alcanzó el Top Ten en más de una docena de países, incluyendo Los Estados Unidos y el Reino Unido.

Más tarde, en 2011, McCartney lanzó su primer ballet, “Ocean’s Kingdom”, y un año después, su primera colección de standards anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Este último trabajo, titulado “Kisses on the Bottom”, encabezó las listas de jazz de Estados Unidos y llegó a los Top 5 en siete países diferentes.

En este año 2017, McCartney apareció en la película “Piratas del Caribe: La Venganza de Salazar” en un papel secundario.

McCartney (1970)

Ram (1971)

Red Rose Speedway (1973) (Wings)

Band on the Run (1973) (Wings)

London Town (1978) (Wings)

McCartney II (1980)

Tug of War (1982)

Pipes of Peace (1983)

Give My Regards to Broad Street (1984)

Flowers in the Dirt (1989)

Flaming Pie (1997)

Chaos and Creation in the Backyard (2005)

Kisses on the Bottom (2012)

New (2013)

El 8 de junio de 1967 llegó al Nº 1 de las listas inglesas el tema de Procol Harum, “A Whiter Shade of Pale”, más conocido en España como “Con su Blanca Palidez”. Permaneció seis semanas en este puesto. Mantener esa posición en aquel verano de 1967, quizás el año más importante de la historia de la música popular, refleja la calidad y el impacto popular que obtuvo esta canción. En Francia estuvo tres meses liderando las listas. Es más, la frase “a whiter shade of pale” consta en el Diccionario Oxford de locuciones modernas por su amplia utilización en el lenguaje coloquial, al margen de la canción.

Según estimaciones de la BBC, ha sido la canción más radiada de la historia. A nivel popular pocas canciones pueden rivalizar con este maravilloso tema inspirado en una pieza de Bach, con una letra totalmente surrealista, con un desarrollo musical casi sinfónico, que ya anunciaba la llegada del rock progresivo.

La balada producida por Denny Cordell, con música del cantante y pianista Gary Brooker y letra de Keith Reid. Fusiona el sonido psicodélico del momento y el barroquismo clásico de Johann Sebastian Bach. Es uno de los 30 singles que han vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo.

Reid creó el título y el punto de partida de la canción en una fiesta. Oyó a alguien decirle a una mujer: “Te has vuelto un tono más pálido que el blanco”, y la frase se le metió en la cabeza. La letra original tenía cuatro versos, de los cuales sólo dos se escuchan en la grabación original. Ante lo enigmático de la letra, Claes Johansen sugiere que la canción “trata en forma metafórica una relación hombre / mujer que después de un coqueteo termina en un acto sexual”. Esto es apoyado por Tim de Lisle en “Vidas de las Grandes Canciones”, quien remarca que las letras se refieren a una seducción, que se describe a través de referencias al sexo como una forma de viaje, usando lugares míticos y literarios. Otros observadores también han comentado que las letras se refieren a una relación sexual.

La canción fue grabada en los estudios Olímpic, con Gary Brooker en la parte vocal y en el piano, Matthew Fisher en el órgano Hammond, David Knights en el bajo y Ray Royer en la guitarra. La batería fue tocada por el músico sesión Bill Eyden. Unos días más tarde, la canción fue re-grabada con el entonces recién reclutado batería Bobby Harrison , pero esa versión fue descartada, y una de las grabaciones mono originales fue elegida para su lanzamiento.

Matthew Fisher, el organista del grupo, creó la fenomenal intro y que crea esa atmósfera que domina todo el tema, así como la marca de reconocimiento de la canción desde el segundo uno.

La autoría de la canción ha sido objeto de una amarga disputa entre los miembros fundadores de Procol Harum. Los créditos de la canción son de Reid como letrista y de Brooker como compositor musical, pero, después de un largo proceso legal, se añadió a Matthew Fisher a los créditos de la canción. En 2006 un juez dictaminó que los autores reconocidos hasta el momento, debían compartir el 40% de los derechos con el organista de la banda, Matthew Fisher, por haber compuesto la melodía de la canción en su órgano.

Es uno de los temas más versionados de la historia incluyendo a Glenn Hughes, Joe Cocker, Engelbert Humperdinck, Phil Lynnot (de Thin Lizzy), Percy Sledge, Sarah Brigthman, el tenor Helmt Lotti o Willie Nelson. En España la versión más conocida es la de los Pop Tops, que además supuso el lanzamiento de la banda.

Posición alcanzada en listas en diferentes países:

Australia              1

Austria                 4

Bélgica                1

Canadá               1

Francia               1

Alemania            1

Irlanda                1

Italia                   1

Holanda             1

Nueva Zelanda  1

Noruega             3

Polonia               2

España              1

Reino Unido       1

EE. UU.              5

Vídeo Original de la Canción (Subtitulado en Inglés y Castellano)

Actuación en la TV Francesa (11/06/1967)

En estos días se celebra el cincuenta aniversario del lanzamiento del álbum “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, obra cumbre para muchos de la discografía de los Fab Four.

Sacralizado como el mejor álbum de todos los tiempos, aunque algunos críticos consideran que este trabajo está sobrevalorado. La larga sombra del estratosférico “Pet Sounds” de los Beach Boys, siempre ha sobrevolado sobre el “Sargento Pimienta”.

Sin embargo, lo que está fuera de toda duda, es que uno de los temas del disco, “A Day in the Life”, es la mejor canción de The Beatles. Yo añadiría más, es la mejor canción de la historia. La mejor banda de todos los tiempos, en medio de su cumbre creativa, dejaron esta joya absolutamente excepcional para la eternidad. Nunca nadie llegó tan lejos, y dudo mucho que alguien pueda llegar otra vez.

La relación compositiva entre John Lennon y Paul McCartney se había transformado drásticamente desde los primeros días del grupo, cuando escribían canciones cara a cara. Ahora era mucho más común que uno de ellos escribiera una canción por su cuenta y luego la trajera para que el otro pudiera editar, criticar y tal vez embellecer la materia prima suministrada.

En el caso de “A Day in the Life”, la colaboración vino de la fusión de partes aparentemente dispares de canciones que los dos habían escrito por separado. Como dijo Lennon a Playboy poco antes de su muerte en 1980, “Yo estaba leyendo el periódico un día y anoté dos historias. Uno era sobre el heredero de la cervecera Guinness que murió en un accidente de coche. Esa fue la principal historia. En la página siguiente había una historia sobre unos cuatro mil baches en las calles de Blackburn, Lancashire, que necesitaban arreglar”.

Cualquier historia en manos de los Beatles, suena interminablemente fascinante y reveladora. “A Day in the Life” es el epítome de este fenómeno.

Es una producción elaborada, llena de sofisticados trucos musicales de George Martin y Geoff Emerick (distorsión, eco, doblaje, reverberación). Una orquesta toca, y luego la voz de un cantante da paso a la de otro. De las reflexiones mundanas de John pasamos al esbozo de memoria doméstica de Paul. Y después del cataclismo orquestal, un lugar de descanso, ese solo de piano final.

Lennon y McCartney con el Productor George Martin

Es una canción, no de desilusión con la vida misma, sino de desencanto con los límites de la percepción de la realidad. “A Day in the Life” representa el mundo “real” como una construcción que reduce, deprime y, en última instancia, destruye. En el primer verso, basado, como el último, en una noticia publicada en el Daily Mail del 17 de enero de 1967. Lennon se refiere a la muerte de Tara Browne, un joven millonario amigo de los Beatles. El 18 de diciembre de 1966, Browne, un entusiasta de la contracultura londinense y, al igual que todos sus miembros, un usuario de fármacos que expanden la mente, falleció en un accidente de tráfico. Leyendo el informe del juez de instrucción, le inspiró a Lennonn los versos iniciales de “A Day in the Life”, tomando la visión de los lectores, cuyo único interés estaba en la celebridad del muerto. Así, travestido como un espectáculo, la tragedia de Browne  y la tristeza de la música que Lennon creó para su letra, muestra una distancia que vira de lo desapasionado a lo insensible.

En la página siguiente del mismo periódico encontró un artículo cuya absurda temática complementaba la historia de Tara Browne: “Hay 4,000 baches en la carretera de Blackburn, Lancashire”, se convirtió en el último verso.

ENLACE A LA CANCIÓN

Los Beatles comenzaron a grabar la canción dos días después de que Lennon se inspirase para escribir sus versos. McCartney agregó una sección intermedia. Una breve canción, recuerdo de sus días escolares que, en su nuevo contexto, se convirtió en un reflejo de una vida vacía, saturada por la rutina. La grabación fue construida posteriormente durante las tres semanas siguientes, hasta obtener el efecto deseado.

“A Day in the Life” representa el culmen de los logros creativos de los Beatles. Con una de sus letras más impactantes, su expresión musical es impresionante, su estructura a la vez totalmente original y completamente natural. La vocalización flotante de Lennon, con un sonido cercano al de una cinta magnetofónica, contrasta idealmente con la vivacidad de McCartney. La aportación de Starr en la batería sosteniendo la canción. Las contribuciones de McCartney en el piano y (particularmente) en el bajo, coloreando la música y de vez en cuando proporcionando el foco principal. Una brillantísima producción de George Martin, esta canción no sería lo mismo sin sus ideas, completa una pieza que sigue siendo una de las creaciones artísticas más penetrantes e innovadoras de su época y de todos los tiempos.

Ella Fitzgerald (1917-1996), es una de las pocas cantantes cuya obra trasciende generaciones y géneros musicales. En el transcurso de su carrera, que duró seis décadas, “The First Lady of Song” acumuló una discografía casi sin rival.

Hace cien años, Temperance y William Fitzgerald tuvieron una niña en Newport News, Virginia. La llamaron Ella Jane. Los orgullosos padres no podían saber que su hija crecería hasta convertirse en una artista idolatrada, una arquitecto principal del jazz y, como es ampliamente reconocido, la mejor vocalista femenina del siglo XX.

La carrera de Fitzgerald se puede dividir en cinco períodos. Durante su etapa en las Big Band (1935-1941), cantó con la Chick Webb Orchestra (renombrada después de la muerte de Webb en 1939 como Ella Fitzgerald y Orquesta). A la edad de 20 años, Fitzgerald era la cantante más popular de América, y en 1938 escribió y cantó uno de los éxitos más grandes de toda la década, “A Tisket, A Tasket”. Sus años con Decca Records (1941-1955) fueron una mezcla de grabaciones innovadoras y discos más cercanos al pop. A principios de los años cincuenta, quedó claro que Decca no sabía cómo utilizar mejor los talentos de Fitzgerald. Norman Granz, manager de Ella, formó Verve Records en gran parte como vehículo para Fitzgerald.

Sus años en Verve (1956-1966) marcaron la transición de Fitzgerald de la cantante estelar al icono cultural. Trabajando en el pico absoluto de sus poder creativo, Fitzgerald grabó una impresionante colección de álbumes en vivo y de estudio, incluyendo su legendaria serie Song Book. A mediados de los años sesenta, Fitzgerald se encontró insegura de cómo lidiar con la revolución que supuso el rock. Durante estos años de transición (1967-1973), ella se movió entre los sellos discográficos e hizo algunos esfuerzos cuestionables buscando un sonido más contemporáneo. Finalmente, a principios de los años setenta, Norman Granz formó Pablo Records. Durante sus años en Pablo (1973-1989), Ella volvió a grabar los estándares clásicos en la compañía de grandes músicos de jazz. Durante los últimos quince años de su carrera, la edad y la disminución de la salud erosionaron lentamente las extraordinarias habilidades vocales de Fitzgerald.

Ella Fitzgerald, Louis Armstrong y Duke Ellington

Fitzgerald apareció en el cine y como invitada en los programas de televisión más populares de la segunda mitad del siglo XX. Sus colaboraciones musicales con Louis Armstrong, Duke Ellington y The Ink Spots fueron algunos de sus actos más notables fuera de su carrera en solitario. En 1993, Fitzgerald coronó su carrera de sesenta años con su última actuación pública. Tres años más tarde, murió a la edad de 79 años, después de años de un grave declive en su salud. Después de su fallecimiento, la leyenda de Fitzgerald pervivió a través de sus catorce Premios Grammy, la Medalla Nacional de las Artes, la Medalla Presidencial de la Libertad y homenajes en forma de sellos o festivales de música.

Fitzgerald hizo más que cualquier otro cantante para establecer el álbum en vivo como un formato comercial viable. Más importante aún, sus grabaciones en vivo son el mejor lugar para escuchar a Ella. Nadie la igualaba cuando se trataba de improvisar.

En 1979, la cantante Peggy Lee observó que cuando se pregunta a los expertos, “¿Quién es el mejor cantante de jazz de nuestro tiempo? . . . . La primera reacción es siempre, ‘Bueno, te refieres a aparte de Ella, ¿verdad? “Lee continuó: “Ella se ha convertido en la norma por la que todos los demás somos medidos”.

Amplísima Selección de sus Grandes Temas

En 1967 el coreógrafo Maurice Béjart  encargó a Pierre Henry la composición de la música que iba a acompañar a su próxima creación, Henry pidió la colaboración del músico Michel Colombier para componer las partes instrumentales, mientras que el se dedicaría a la parte electroacústica.

Para este ballet Bejart utilizó música tradicional india y japonesa, e incluso marchas militares, pero su enorme popularidad se debió sobre todo a los temas pop que firmaron Pierre Henry y Michel Colombier. Henry era un destacado compositor de música contemporánea, conocido por ser el fundador junto con el otro Pierre (Schaeffer) de la escuela de música concreta. Colombier, por su parte, era compositor de bandas sonoras y arreglista de discos de pop (colaboró en muchos de los de Serge Gainsbourg, por ejemplo).

El Coreógrafo Maurice Béjart

La música concreta está ligada a la posibilidad de des-contextualizar un sonido (sea un sonido instrumental o del ambiente) grabándolo en un soporte analógico o digital con el fin de tratar este sonido de manera separada cortándolo, pegándolo, superponiéndolo y luego combinar los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y definitiva, una especie de partitura. Por esta razón, se habla igualmente de “música de sonidos fijados”, fijados en un soporte: cinta, CD, computadora.

Esta revolución de sonidos hizo explotar toda la estructura habitual de la música, porque la forma musical dada al escuchar el sonido de una puerta resulto de la misma importancia que la de una melodía tocada al violín.

Pierre Henry

“Messe Pour le Temps Présent” se convirtió rápidamente en superventas en las listas de pop y clásica, sirvió para romper las infranqueables barreras entre los estilos y contribuyó a la popularización de la música contemporánea. “Psyché Rock” fue la pieza más difundida, pero el resto de los temas no desmerecen. Y aunque casi todo el mérito se lo llevó Pierre Henry, hay que reconocer que la mayor parte le corresponde en realidad a Colombier, responsable de esos ritmos y líneas melódicas pegadizas y del toque psicodélico. Henry “sólo” aportó los efectos electrónicos que daban a los temas una espectacularidad desconocida hasta ese momento. De hecho otras incursiones de Henry en el terreno pop no fueron tan afortunadas.

Estamos pues ante un disco mítico, cuya leyenda está totalmente justificada. Algunos críticos lo ven como los primeros balbuceos de la música electrónica o como muestra del pop más avanzado de aquella época, sea como fuere, es un disco excepcional, con una influencia en otros músicos que no ha hecho sino crecer con el paso de los años. Recordar especialmente el tema “Psyché Rock”, verdadero mascarón de proa del álbum. Cincuenta años después de su publicación suena tan actual como entonces, y se siguen haciendo remezclas del mismo. Sirvió como sintonía durante muchos años para el programa “Estudio Abierto” de José María Íñigo. En los últimos años ha cobrado nueva fama remezclado por “Fatboy Slim” en 1997, además de inspirar el tema de cabecera de la serie “Futurama”.

Selección de Temas del Disco

Aunque otros artistas han vendido más discos y son más famosos, pocos han tenido un impacto tan profundo en la música contemporánea como Emmylou Harris. Bendecida con una voz cristalina, un don notable para el fraseo, y un espíritu creativo inquieto, ella ha tenido una trayectoria artística singular, llevando orgullosa la antorcha de la música americana pasada por su mentor Gram Parsons. Pocas estrellas de la música han creado un cuerpo musical tan extenso como consistentemente, iconoclasta, ecléctico o atrevido; Después de casi cinco décadas de carrera, sus últimos trabajos son tan sinceros, visionarios y vitales como sus primeras grabaciones. El domingo 2 de abril cumplió 70 años.

Harris nació el 2 de abril de 1947, en una familia, cuyo padre militar estaba destinado en Birmingham, Alabama. Después de pasar gran parte de su infancia en Carolina del Norte, se trasladó a Woodbridge, Virginia, donde se graduó en la escuela secundaria. Después de ganar una beca para la Universidad de Carolina del Norte, comenzó a introducirse seriamente en la música, aprendiendo a tocar canciones de Bob Dylan y Joan Baez. Pronto Harris estaba actuando en un dúo con su compañero de estudios Mike Williams, abandonando la Universidad para mudarse a Nueva York, para encontrar una comunidad de músicos de folk languideciendo a causa de la psicodelia.

Sin embargo, Harris permaneció en Nueva York, actuando en el circuito de salas del Greenwich Village antes de convertirse en un habitual de Gerdes Folk City, donde se unió con otros amigos folkies. Después de casarse con el compositor Tom Slocum en 1969, grabó su LP de debut, “Gliding Bird”. El álbum contiene cinco composiciones folk de Harris, influidas por Joan Baez y Joni Mitchell, así como versiones de temas country de Bob Dylan y Fred Neil. Poco después del lanzamiento del disco, la discográfica de Harris se declaró en bancarrota, y mientras esperaba su primer hijo, su matrimonio comenzó a desmoronarse. Después de mudarse a Nashville, ella y Slocum se divorciaron, dejando sola a Harris para criar a su hija Hallie por su cuenta. Después de varios meses de lucha y pocos recursos económicos, regresó con sus padres, que habían comprado una granja a las afueras de Washington.

Gliding Bird (1969) Enlace al Álbum

Allí ella volvió a actuar, formando un trío con los músicos locales Gerry Mule y Tom Guidera. Una noche de 1971, mientras tocaba en un club llamado Clyde’s, el trío tocó a una multitud que incluía a miembros de los pioneros del country rock, los Flying Burrito Brothers. A causa de la salida de Gram Parsons, el fundador de la banda, los Burritos estaban liderados por el ex Byrd Chris Hillman, que estaba tan impresionado por el talento de Harris que consideró invitarla a unirse al grupo. En cambio, Hillman los dejó para unirse a Stephen Stills en su proyecto de Manassas, pero le recomendó a Parsons, que quería una vocalista femenina para completar el sonido de su primer trabajo en solitario. Su conexión fue instantánea, y pronto Harris se fue introduciendo en la música country cantando en el debut en solitario de Parsons , el álbum “GP” de 1972, y en 1973 regresaron al estudio para grabar el siguiente LP de Parsons “Grievous Angel”.

Gram Parsons & Emmylou Harris (Love Hurts) 1973

El 19 de septiembre, pocas semanas después de que terminaran las sesiones del álbum, la mala vida de Parsons le pasó factura, y lo encontraron muerto en una habitación de hotel en el parque nacional de Joshua Tree en California. En ese momento, Harris estaba de vuelta en Washington, recogiendo a su hija para un traslado planeado a la costa oeste. En cambio, permaneció allí, reuniéndose con Tom Guidera para formar la Angel Band. El grupo firmó con Reprise y se trasladó a Los Ángeles para comenzar a trabajar en el 2º álbum de Harris, después del anecdótico “Gliding Bird”. “Pieces of the Sky” es una impecable colección de canciones compuestas en gran parte por diversas influencias que iban desde Merle Haggard hasta los Beatles. Fue producido por Brian Ahern, que se encargaría de dirigir los siguientes trabajos de Harris,  tanto como para convertirse en su segundo marido.

En este maravilloso álbum, Emmylou Harris establece rápidamente el patrón que seguiría la gran mayoría de sus trabajos posteriores: “Pieces of the Sky” es valientemente ecléctico, está impecablemente realizado y es dolorosamente hermoso. En medio de una colección de canciones impresionante, emerge la pieza central del disco, y quizás la canción más icónica de Harris,”Boulder to Birmingham”, que es su sentido homenaje a Gram Parsons.

Boulder to Birmingham (1975)

Pieces of the Sky (1975) Enlace al Álbum

¿Qué más se puede decir sobre el primer álbum de The Velvet Underground, “The Velvet Underground & Nico”, que no haya sido dicho ya incontables veces en el pasado, por músicos, melómanos y miles de críticos de rock?. Usted probablemente ha encontrado muchas citas sobre esta banda.Y aunque nunca haya escuchado el álbum, probablemente ha escuchado versiones de sus canciones de REM, Nirvana y David Bowie, y gente como Bono describiendo los méritos de los Velvets. Además, ha visto la famosa cubierta de Andy Warhol. Todo es suficiente para hacer pensar: ¿cuál es la razón de todo ello?

El hecho es que, The Velvet Underground eran, y siguen siendo un gran negocio. De hecho, aparte de Los Beatles, ninguna banda en la historia del rock and roll ha tenido más influencia sobre las bandas posteriores que los Velvets, y esa influencia ha durado más de 40 años, ayudando a evolucionar a gente como David Bowie, Roxy Music, The Sex Pistols, U2, Joy Division, New Order, REM, Nirvana, y más recientemente, The Strokes. The Velvet Underground sólo lanzó cinco álbumes, pero cubren casi todas las facetas del rock, tanto musical como temáticamente: rock and roll como expresión artística, experimentación, catarsis, redención y celebración. Sencillamente fue el nacimiento del rock alternativo.

The Velvet Underground en 1967: Nico, Maureen Tucker, Sterling Morrison, Lou Reed y John Cale

“The Velvet Underground & Nico” nos llevan a un acuerdo de drogas en Manhattan (” I’m Waiting for the Man “), nos arrastra a una habitación oscura donde una chica con botas de cuero está azotando a un hombre arrodillado con un cinturón (“Venus in Furs”), y nos permite ver una jeringa que entra en un brazo en tiempo real (“Heroine”). Condenado en 1967 por romper todos los tabúes con sus letras, este álbum fue una víctima de una concatenación de desgracias: pérdidas de las cintas con el máster de la grabación, recortes presupuestarios, distribución insignificante, nula presencia en los medios. Pero estoicamente sobrevivió a todas estas adversidades

Posteriormente “The Velvet Underground & Nico” disfrutaba de un reconocimiento póstumo. El álbum siempre ha resistido los intentos de imitarlo. La música es demasiado idiosincrásica para ser el modelo de cualquier grupo en cualquier época. Las atmósferas de las canciones son demasiado matizadas, demasiado retorcidas: la delicada paranoia (“Sunday Morning”), la tragedia heladora (“All Tomorrow’s Parties”), para que otra banda sea capaz de crearlas. La idea de Lou Reed y John Cale al crearlo es observar a la gente. Nadie es condenado por sus actos. El oyente se debe presentar con una mente abierta. Y así, medio siglo después, “The Velvet Underground & Nico” todavía atrae a los visitantes a su museo amoral.

Pero al margen del aspecto musical, hay que destacar el carácter icónico de su cubierta debido al diseño realizado por Andy Warhol. Las primeras copias del álbum invitaban al propietario a “Peel slowly and see” (Pelarlo lentamente y ver); pelando el plátano se podía observar otro de color carne, eminentemente fálico, por debajo. Una máquina especial fue necesaria para la elaboración de estas carátulas (una de las causas de la demora de la salida de esta producción), pero la discográfica pagó los costes añadidos pensando que cualquier cosa que estuviera vinculada a Warhol elevaría las ventas del álbum.

La modelo alemana Christa Päffgen (Nico), apadrinada por Warhol

En pocas palabras, no puede llamarse a sí mismo un fanático del rock, a menos que posea este disco. Puede cambiar su vida, o puede que no, pero le garantizo que escuchará la música de manera diferente después de oírlo.

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