Archivo por meses: marzo 2016

Romy Schneider & Michel Piccoli (La Chanson d’Hélène) 1970

Posted on by
Responder

Romy Schneider fue uno de los rostros más bellos del cine de los años sesenta y setenta. Trabajó con grandes directores como Siodmak, Visconti, Welles, Preminger, Clouzot o Costa-Gavras.

Su pasado familiar estuvo ligado estrechamente a la Alemania nazi; destacan sus fallidos romances y matrimonios a pesar de su fama y belleza y quizás lo más duro de su vida y de lo que nunca se recuperó, la trágica muerte de su hijo de 14 años, la llevaron desolada y solitaria a una prematura muerte a los 43 años víctima de una crisis cardíaca o quizás de un suicidio.

Lanzada al estrellato gracias sobre todo a su interpretación de la joven emperatriz Sissi en una serie de películas en los años cincuenta, que le abrió las puertas a algunas producciones internacionales, es a partir de la década de los setenta cuando empieza a desarrollarse como verdadera actriz dramática.

En 1970 rueda «Les Choses de la Vie» de Claude Sautet, que fue la primera película de una trilogía de historias de amor que Sautet realizó, protagonizadas por Romy Schneider. La película desarrolla una historia sencilla e intimista sobre un hombre que en una encrucijada de la vida, pasa revista a la relación que ha mantenido con sus dos amores, su esposa y su amante. Tanto la dirección, el guión, como la buena química entre la pareja protagonista, Romy Schneider y Michel Piccoli hizo creíble esta emotiva historia y contribuyó en buena manera al éxito de la película.

La banda sonora supuso el debut en el cine de su compositor Philippe Sarde, con una partitura intimista, romántica y de una sensibilidad exquisita. Tras este comienzo, la carrera de Philippe Sarde quedaría estrechamente ligada al cine de Sautet, con el que colaboraría  en numerosas ocasiones en la filmografía del director. La banda sonora contiene una inolvidable y maravillosa canción interpretada por la propia Romy Schneider y Michel Piccoli, «La Chanson d´Helene» que se convirtió en todo un acontecimiento y obtuvo un gran éxito.

Esta canción es tan bella, tan intensa y tan dramática como fue la propia vida de esta maravillosa mujer. Además muchas de las películas en las que intervino sobre todo en su última etapa parecían explotar esa tristeza y amargura que arrastró desgraciadamente en su vida personal.

ENLACE A LA CANCIÓN

Johann Sebastian Bach (La Pasión Según San Mateo)

Posted on by
2

La segunda esposa de Bach, Ana Magdalena, confiesa en su Diario que su admirado Sebastián, así le llamaba, fue la persona más sensible a los valores religiosos que conoció en su vida.

De esa profunda y sincera piedad surgieron sus dos inigualables Pasiones: «la Pasión según San Juan» (1724) y «la Pasión según San Mateo» (1729).

«La Pasión según San Mateo» es, posiblemente, la más grande obra religiosa de la historia de la música: texto y música, fidelidad al relato evangélico, elevada creación poética, piedad…, se unen en ella de manera que no podemos separar ningún aspecto como más sobresaliente.

La Pasión según San Mateo, representa el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de San Mateo. Con una duración de más de dos horas y media (en algunas interpretaciones incluso más de tres horas), es la obra más extensa del Bach.

«la Pasión según Mateo» fue interpretada el 15 de abril de 1729 (Viernes Santo) en la iglesia de Santo Tomás en Leipzig bajo la dirección del compositor, en una representación para la cual Bach no pudo disponer de los recursos idóneos (en un memorándum al Consejo de la ciudad de Leipzig, se quejó de que únicamente 17 de los 54 miembros del coro hubieran estado a la altura).

La obra no fue muy estimada en su tiempo por su estilo “operístico”.  Bach revisó algunas de las partes de la obra varias veces, la última de ellas en 1736, en donde incluyó un grupo de continuo con órgano para cada uno de los dos coros.

Tras la muerte de Bach, la obra cayó en el olvido (como, en general, toda la obra del compositor) y no fue hasta 1829 cuando el compositor y director Felix Mendelssohn volvió a interpretarla con la Sing-Akademie de Berlín en una versión abreviada.

ENLACE A LA OBRA COMPLETA

Jethro Tull (Aqualung). 45º Aniversario

Posted on by
Responder

Si hay en la historia del rock un grupo inclasificable ese es Jethro Tull. Unos juglares tocando rock duro con toques de blues, de jazz, de folk inglés, de música isabelina. Cualquier cosa cabe en la fastuosa coctelera que nos han regalado durante más de cuarenta años Ian Anderson y sus chicos. Por mucho que busquen, no encontrarán nada parecido. Tal vez por eso se han convertido, con el paso del tiempo, en una de las bandas más legendarias de la historia del rock.

El disco al que dedicamos esta entrada, «Aqualung», según Anderson, no es conceptual, aunque gira entorno al tema de la fe y la religión, y sobre todo cómo las religiones organizadas pervierten la relación de las personas con Dios. De hecho sus ataques directos a la Iglesia le supusieron problemas con la censura en la España de la época (no se publicó hasta 1976). Tampoco ayudó mucho la frase que adornaba la maquetación del disco: «en el comienzo, el hombre creó a Dios, y lo hizo a su imagen y semejanza». Por no hablar de que el protagonista del disco sea un vagabundo pedófilo o que la segunda canción hable sobre una prostituta menor de edad (y además bizca).

Tras tres discos que jugaban con el blues y el folk, Jethro Tull se metieron de lleno en una obra mucho más ambiciosa tanto lírica como estilísticamente. El salto hacia el folk rock que empezaron en su trabajo anterior, se confirma aquí, produciendo varios temas totalmente acústicos con partes claramente influenciadas por la música medieval. El hard Rock también está muy presente, aunque tenga menos peso que en anteriores entregas. También se dejan ver rasgos progresivos y sinfónicos que serían mucho más evidentes en los posteriores «Thick As a Brick» y «A Passion Play»

El álbum está dividido en dos partes bien diferenciadas en las caras A y B, Aqualung y My God respectivamente. La cara A habla de la parte más humana del espíritu del hombre, representada en un vagabundo llamado Aqualung, viejo y harapiento, con una tos que suena como un silbido de la que toma su nombre, es el estrato más bajo de la sociedad y el lugar en el que habría que buscar a Dios. La cara B habla de la religión y es un ataque mucho más directo hacia el cristianismo organizado y hacia la iglesia, el lugar, según Anderson, donde difícilmente nadie puede encontrar a ningún Dios que no sea el egoísmo y la hipocresía.

«Aqualung» salió a la venta el 19 de marzo de 1971. Desde el punto de vista comercial, obtuvo buenos resultados en las listas. En el UK Albums Chart, alcanzó la cuarta posición y, en los Estados Unidos, llegó al séptimo puesto en la lista Billboard También se situó entre los cinco álbumes más vendidos en países como Alemania, Australia, Canadá, Italia y Noruega.

«Aqualung» recibió buenas críticas por parte de los críticos musicales. Ben Gerson de Rolling Stone alabó su «buena musicalidad» y lo calificó como «serio e inteligente». Bruce Eder, de Allmusic, le otorgó cuatro puntos y medio de cinco, lo calificó como «una declaración audaz». Por su parte, Sean Murphy de PopMatters le concedió una puntuación de diez sobre diez y comentó que Aqualung «es la piedra angular del por aquel entonces naciente rock progresivo, pero que lo hizo desde los términos propios de un gran álbum de rock». Diego Manrique del diario El País señaló que «marca la maduración de Ian Anderson como creador ambicioso. Musicalmente, llama la atención su yuxtaposición de riffs roqueros y melodías folk».

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO + TEMAS EXTRA

ENLACE AL CATÁLOGO DE LA ULE

Welcome Back my Friends to the Show That Never Ends. Keith Emerson (1944 – 2016)

Posted on by
Responder

De nuevo traemos a este espacio otra noticia luctuosa relacionada con el mundo de la música, otra pérdida irreparable que nos ha sacudido en este año especialmente cruel, donde la sensación de ir quedándose poco a poco sin referentes musicales se acrecienta cada día.

Esta vez se nos ha ido definitivamente el extraordinario teclista Keith Emerson, cabeza visible de aquel proyecto, a veces megalómano, pero siempre cargado de interés, que fue Emerson, Lake & Palmer.

Perteneciente a la que podíamos llamar «Santísima Trinidad» de los teclistas del rock junto con Rick Wakeman (Yes) y Jon Lord (Deep Purple). Su formación clásica siempre estuvo presente en sus composiciones, solía tocar con una partitura de J. S. Bach en su teclado, y siempre adjuro de la etiqueta de estrella del rock que muchos le adjudicaron.

Emerson, Lake & Palmer, grupo capital del Rock Progresivo, aquella corriente que se adueñó de gran parte de la década de los setenta, con una música que aspiraba a llegar lo más lejos posible, a romper barreras y tender puentes, a redefinir la concepción musical imperante hasta entonces. Amado y odiado por igual, este género dio frutos gloriosos y uno de los más significativos fueron ellos.

Pero la andadura musical de Emerson, no comenzó en esta banda, antes dio forma a otro grupo, uno de los que marcaron el camino a seguir a las futuras bandas progresivas, nos referimos a The Nice.

The Nice fue una banda carácterízada por sus mezclas de rock, jazz y música clásica. Su álbum de debut, «The Thoughts of Emerlist Davjack», fue lanzado en 1967, y al momento logró un gran éxito. A menudo se considera el primer álbum de Rock Progresivo. El LP sirvió para que The Nice se dieran a conocer entre el público inglés, conocimiento asentado también en las espectaculares actuaciones en directo en las que Emerson emergía como el auténtico protagonista. Vestido de forma llamativa y con movimientos sensuales, tocaba el órgano con cuchillos, entre otras excentricidades, en unas ceremonias que eran celebradas con alborozo por los asistentes al acto.

The Nice (America) 1968

En aquella época, Emerson había descubierto el sintetizador creado por Robert Moog, quedó fascinado por sus posibilidades cuando escuchó las versiones de temas de J. S. Bach realizadas por Wendy Carlos y adquirió uno. Un monstruo de 250 Kg. de peso y tres metros de altura.

Emerson compró el segundo sistema modular Moog, teniendo problemas con el ensamblado y la afinación, conoció y colaboró con Moog ayudándolo a desarrollar osciladores más estables y nuevas funciones para la presentación en vivo. Esto llevó a una comercialización completa de varios tipos de sintetizador en la siguiente década y trajo nuevos fabricantes al mercado.

En 1970 abandonó The Nice para unirse al bajista y cantante de King Crimson, Greg Lake, y al batería de Atomic Rooster, Carl Palmer. La química entre los tres músicos fue inmediata. Eran tres virtuosos de sus respectivos instrumentos que además tenían ganas de explorar otros territorios, de dejarse llevar por su inmensa capacidad creativa y fortalecerse cada uno con la presencia de los otros. En agosto de ese mismo año aparecieron en el festival de la Isla de Wight y nada más terminar su actuación el presidente de Atlantic Records les propuso firmar con contrato con su discográfica.

El disco homónimo de debut se publicó en noviembre del 1970 y la mitad de los cortes eran temas instrumentales con una gran influencia de la música clásica. El Lp tuvo una muy buena acogida y el trío se convirtió desde ese momento en uno de los máximos exponentes del rock sinfónico y progresivo y Keith Emerson en toda una leyenda de la experimentación con los teclados y de los sintetizadores en particular. La discografía de EL&P, a pesar de no ser nada fácil, consiguió llegar a lo más alto de las listas de ventas y algunos de sus discos, como “Tarkus”, “Brain Salad Surgery”, “Pictures At An Exhibition” se convirtieron en obras imprescindibles para los seguidores del género y para los melómanos en general.

EL&P se separaron en 1979, y volvieron a reunirse en 1991. Después sus integrantes se volvieron a separar y se reunieron por última vez para una gira en 2010.

EL&P (Hoedown) 1972

EL&P (Karn Evil 9) 1973

EL&P (Fanfare for the Common Man) 1977

Según le explicó el propio Emerson a “The Guardian” en 2002: «querían crear una banda de tres piezas con el mayor sonido posible, una especie de orquesta eléctrica de tres hombres. Teníamos un ambicioso repertorio de clásicos “rockeados” basados en Bach, Bartok, Janacek, Mussorgsky y Ginastera intercalado con blues, boogie, rock & roll, y experimentábamos, extemporizábamos, cualquier cosa».

Emerson, que se reunió en proyectos distintos con sus antiguos compañeros, grabó discos en solitario y bandas sonoras, como la de “Inferno”, de Dario Argento y una desconocida y aceptable película de Sylvester Stallone, “Nighthawks”. Actualmente lideraba la Keith Emerson Band, que debía iniciar una gira por Japón el mes que viene.

Keith Emerson (B.S.O. Nighthawks) 1981

El título de esta entrada alude al título de un triple álbum en directo de EL&P editado en 1974. El será bienvenido siempre, aun reconociendo todos sus excesos musicales, nos queda la figura de un creador que siempre quiso ir un paso más allá, un virtuoso de su instrumento como ha habido pocos y alguien, que a pesar de su triste final, dejará un recuerdo imborrable en los buenos aficionados a la música.

Descansa en paz Keith, y gracias por hacer nuestra vida un poco mejor gracias a tu música.

La Musgaña (18/03/2016)

Posted on by
Responder

Viernes, 18 marzo, 2016 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del Teatro

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI

La Musgaña se funda en 1986 por Enrique Almendros, José María Climent, Rafael Martín, Jaime Muñoz y Carlos Beceiro con la intención de formar un grupo folk centrado en la música tradicional de la Meseta.

Con su álbum de debut, “El Diablo Cojuelo”, ganaron el 1º Premio Folk Actual de la Muestra Nacional de Folk para Jóvenes Intérpretes de 1988, celebrada en Santiago de Compostela.

Gracias a este premio, se les ofrece la posibilidad de grabar su segundo álbum, “El Paso de la Estantigua”, con el sello de Radio Nacional de España en 1989. Su tercer trabajo de estudio, “Lubicán”, editado en 1993 bajo el sello Xenophile-Green Linnet, fue su primer lanzamiento en Norteamérica, lo que comienza a darles fama internacional. Ese mismo año dos de los miembros fundadores, Climent y Martín, abandonan el grupo, siendo reemplazados más tarde por Cuco Pérez y Luis Delgado.

El cuarto álbum, “Las Seis Tentaciones”, fue editado en 1995, de nuevo con la discográfica Green Linnet. En esta ocasión la formación queda reducida a cuatro integrantes: Almendros, Beceiro, Muñoz y Delgado, y aparece Kepa Junkera como artista invitado.

En 1997 graban su primer álbum en directo, titulado simplemente “En Concierto”. Editado por el sello Resistencia y registrado en sendos conciertos celebrados en Madrid y Baracaldo con motivo del décimo aniversario de la banda, en los que cuentan con la colaboración de antiguos integrantes del grupo así como con renombrados artistas de la escena folk, como Amancio Prada, Kepa Junkera, Radio Tarifa, Manuel Luna, Johnny Cunningham y Javier Paxariño.

Tras seis años sin grabaciones, pero con una intensa actividad de proyectos y conciertos entre los que destaca su colaboración con la Compañía Ibérica de Danza, aparece en 2003 un nuevo álbum, “Temas Profanos” que la crítica ha considerado el trabajo más “elaborado, minucioso y excitante” de su trayectoria. Editado en Lubicán Records, sello creado por el propio grupo, cuentan de nuevo con la colaboración de varios artistas invitados, como la cantante Carmen París y el reconocido etnógrafo, folclorista y músico Joaquín Díaz. En agosto de 2004, Enrique Almendros, deja los escenarios por motivos de salud y entran a formar parte del grupo dos nuevos músicos, Diego Galaz al violín y e arandino Jorge Arribas al acordeón. La Musgaña retoma de nuevo su actividad internacional a finales del 2006 con actuaciones en Estados Unidos, Italia y Francia.

Dos años después, en 2008, publican su último disco hasta la fecha, “20”, un disco recopilatorio donde revisan su repertorio tras 20 años de trayectoria musical.

En 2009 publican el álbum “Idas y Venidas” y en 2013, “Entre dos”, el último publicado hasta la fecha.

JAIME MUÑOZ (Flauta travesera y de tres agujeros, acordeón diatónico, kaval búlgaro y tamboril)

CARLOS BECEIRO (Bajo eléctrico y bouzouki)

SEBASTIÁN RUBIO (Batería y percusión)

ANTONIO TOLEDO (Guitarra y laúd)

MARTA DE LA ALDEA (Voz)

Romance de la Loba y los Perros

Romance de La Gallarda

Habas Verdes

George Martin in Memoriam (1926 – 2016)

Posted on by
Responder

“Dios bendiga a George Martin, paz y amor para Judy y su familia. Cariños de Ringo y Barbara. Se echará de menos a George”, escribió Ringo Starr en su cuenta de Twitter el pasado día nueve de marzo. Así dio a conocer la muerte, a los 90 años, del productor George Martin, considerado “el quinto Beatle”, y arquitecto del sonido del cuarteto de Liverpool.

No se puede concebir el sonido de Los Beatles sin la presencia de George Martin, sobretodo a partir de 1966, cuando dejaron de actuar en directo y centraron su trabajo únicamente en el estudio.

Nacido el 3 de enero de 1926, hijo de un carpintero del barrio de Holloway, en el norte de Londres; alumno de la Escuela Guildhall de Música y Drama, donde entre 1947 y 1950 estudió piano y oboe; empleado en el departamento de música clásica de la BBC, y más tarde de la discográfica EMI. Su vida cambió para siempre el mismo día de 1962 en el que un tal Dick Rowe, jefe de Repertorio y Artistas de la discográfica DECCA, rechazó a un desconocido grupo de rock que buscaba su primer contrato discográfico.

La formación la integraban cuatro muchachos de Liverpool, y se hacían llamar The Beatles. “No son muy buenos”, le dijo Rowe a Brian Epstein, el manager de la banda. “Y además, los grupos con guitarra ya pasaron de moda”, aseguró, en la que puede ser considerada la peor decisión tomada por alguien a lo largo de toda la historia de la industria de la música.

Tras la negativa, Epstein probó suerte en la discográfica rival, EMI, donde sería recibido por George Martin, a cargo, por entonces, de Parlophone, el sello especializado en música clásica. A diferencia de Rowe, Martin vio en los chicos de Liverpool un extraordinario potencial de entrada, y enseguida organizó una sesión de grabación, de la que saldría «Love Me Do». Además, recomendó al sello que les hicieran contrato.

Martin, produjo a Los Beatles desde su primer single, «Love Me Do», hasta el álbum “Abbey Road”, de 1969, participando activamente con el grupo y siendo imprescindible para configurar su sonido y ayudándolos en las investigaciones que desarrollaron en el estudio desde que se retiraron de los directos. Su papel en las grabaciones fue tan destacado y esencial como el de los cuatro componentes del grupo, aportando ideas y animándolos en un viaje sonoro que, por entonces, era inédito pero que estaba revolucionando la música pop y rock. Tras discos como “Revolver” (1966) nada volvería a ser igual.

Pero nadie mejor que alguien tan cercano a Martin en lo profesional y personal como Paul McCartney, para que nos recuerde su figura: «Me produce una gran tristeza enterarme del fallecimiento del querido George Martin. Tengo tantos recuerdos maravillosos de este gran hombre que estarán conmigo para siempre. Era un verdadero caballero y fue un segundo padre para mí. Guió la carrera de los Beatles con tal habilidad y buen humor, que se convirtió en un verdadero amigo para mí y para mi familia. Si alguien se ganó el título del quinto Beatle fue George. Desde el día en que nos proporcionó a Los Beatles nuestro primer contrato de grabación hasta la última vez que lo vi, fue la persona más generosa, inteligente y musical que he tenido el placer de conocer».

Además de producir a los Beatles, Martin trabajó con Gerry and the Pacemakers, Shirley Bassey, Cilla Black, Elton John, America, John Williams o Ultravox, entre otros, sin olvidar que Paul McCartney contó con sus servicios en diversas ocasiones. Martin también fue compositor y arreglista.

Tener que elegir entre todo el trabajo desarrollado por Martin, no solo con Los Beatles, es misión casi imposible; pero si es cierto que hay un puñado de canciones donde la influencia de este productor fue vital para el resultado final de las mismas:

In my Life (1965)

John Lennon, compositor de «In my Life», no sabía muy bien qué hacer con el puente musical de la canción. Algo sí tenía claro, y es que quería que sonara barroco. George Martin se remangó, afinó el oído y creó un solo para el tema con influencias de Bach. Su composición fue grabada en medio tiempo y se incluyó en el álbum «Rubber Soul» (1965) con velocidad doblada para dar al solo un timbre parecido al de un clavicordio.

Yesterday (1965)

Se grabó el 14 de junio de 1965. La historia es sabida: McCartney había soñado con la melodía y tenía dudas sobre ella. Le puso de nombre Scrambled Eggs y la tuvo en la cabeza durante meses. Ese día decidió mostrarla al resto de la banda en el estudio 2 de Abbey Road.  Martin Compuso un arreglo para un cuarteto de cuerdas especialmente para la canción, a pesar de las quejas del propio compositor. Se convirtió en el mayor éxito de la carrera de los Beatles.

Eleanor Rigby (1966)

Paul la empezó y el resto la terminó en la casa de John Lennon. Detrás de la historia de soledad que cuenta la letra, George Martin percibió que había allí una oportunidad más para hacer unos arreglos poco frecuentes para la estructura básica de una canción de pop. Martin vuelve a llevar a The Beatles su experiencia en la música clásica y compone para el tema un arreglo de cuerdas que incluye cuatro violines, dos cellos y dos violas. Pegó los micrófonos a los instrumentos para captar mejor el sonido de las cuerdas y convenció a McCartney de la virtud de este giro hablándole de Vivaldi. John Lennon comentó a la revista Playboy en 1980, que «Eleanor Rigby» era “el hijo de Paul que George Martin educó e hizo crecer”.

Shirley Bassey (Goldfinger) 1964

En el año 1964 George Martin produjo la canción «Goldfinger», el tema principal de la película homónima de la saga de James Bond. Interpretado por Shirley Bassey, la canción se convirtió en un éxito más allá del cine y a día de hoy es considerada una de las mejores bandas sonoras de la saga 007.

Paul McCartney & Wings (Live and Let Die) 1973

De nuevo George Martin volvía a ponerse «al mando» de la canción principal de una nueva película de James Bond. Lo hacía en 1973 con el tema «Live And Let Die» de la película «Vive y deja morir». La canción fue compuesta por Paul y Linda McCartney e interpretada por Paul McCartney And The Wings.

Elton John (Candle In the Wind) 1997

En 1997 George Martin produjo una nueva versión del tema «Candle In The Wind» que en 1973 había sido compuesta como homenaje a Marilyn Monroe. Una reedición de la canción grabada por Elton John para el funeral de la Princesa Diana de Gales, y que logró convertirse en la canción más vendida de la historia hasta la fecha.

Cristobal Halffter. Libertad Imaginada / Presentación del Documental (16/03/2016)

Posted on by
Responder

Miércoles, 16 marzo, 2016 – 20:15 H.

Teatro el Albéitar ULE

ENTRADA GRATUITA,  retirar invitación a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

«Libertad Imaginada» es el documental que cuenta la vida de Cristóbal Halffter, uno de los representantes más importantes de la Generación del 51.

Dirigido por el periodista y documentalista bilbaíno Asier Reino, se nos muestra todas las facetas del autor que renovó el panorama musical español en el momento en el que introdujo técnicas de la vanguardia europea, como el dodecafonismo y el serialismo.

El documental se apoya en entrevistas a su mujer, sus hijos, a los amigos más íntimos y también a personajes destacados de la cultura y el arte actuales.

El rodaje: 20 semanas a caballo entre Madrid, Villafranca del Bierzo, Ponferrada y Kiel.

ENLACE AL DOCUMENTAL

Albert Coronado (Viola) / Carlos Marín (Piano) 15/03/2016

Posted on by
Responder

Martes, 15 marzo, 2016 – 20:15 H.

Auditorio del conservatorio profesional de música de León

CICLO JUVENTUDES MUSICALES

ENTRADA LIBRE, hasta completar aforo

Albert Coronado Daza, nacido el 11 de enero de 1996, Albert Coronado Daza empieza su formación musical a la edad de 6 años en la Escola de Música Enric Granados, situada en la localidad barcelonesa de Sant Joan Despí, con el profesor Victor Petre en la especialidad de violín, complementándola paralelamente con el estudio de la viola. En 2008 comienza definitivamente su carrera con la viola, bajo supervisión del gran pedagogo Luis Martínez. Su primera clase magistral la imparte con el catedrático Ashan Pillai en el Curs de Música de Cervera, profesor que le guía desde su entrada al Conservatori Professional de Música de Badalona en 2009 hasta la actualidad en el Conservatori Superior de Música del Liceu. Además, ha participado en importantes cursos como los Cursos Superiores de Música de Málaga (2010/2011), Forum Musikae (2013) y Música en Compostela (2015), así como en masterclasses con el profesor estadounidense Donald McIness (2009/2013). En verano de 2014 asiste a la Gustav Mahler Akademie en Bolzano con el profesor Wolfram Christ.

Albert Coronado Daza ha sido premiado en relevantes concursos a nivel nacional e internacional, tanto de solista como con música de cámara, de los cuales se destacan el certamen Jugend Musiziert de Alemania (2005-2013), el Concurs de Cordes de Barcelona (2009/2012), el Concurs Arjau (2013), el Certamen Intercentros (2012), el Concurso Internacional de Viola Villa de Llanes (Asturias, 2010/2013), el Juventudes Musicales de España (2ºPremio, 2014) y el Concurs de Cambra de Barcelona (2014) con el Quartet Colom y ha dado sus primeros recitales como solista invitado en Asturias en 2014 en importantes teatros de Oviedo y Gijón. Además ha colaborado con diversas orquestas jóvenes y profesionales como la Gustav Mahler Jugendorchester (2013/2014), la OBC (Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, 2014), la Orquestra Simfònica de Cadaqués (2015) y la Orquestra Amics de la UNESCO Barcelona (viola solista desde 2015).

Tras acabar su etapa en el Conservatori Professional de Música de Badalona con matrícula de honor, atualmente cursa tercer curso de superior de viola becado desde 2013 por la Fundació Ferrer Salat en el Conservatori Superior de Música del Liceu con el maestro Ashan Pillai. En el curso Música en Compostela (2015) se le otorga el premio extraordinario de música de cámara y viola.

Toca una viola italiana de Olvino Domini (Roma, 1968) y un arco moderno de la arquetera Montse Solé (Barcelona, 2013).

Carlos Marín Rayo (Madrid, 1994) finaliza el grado profesional en 2010 con matrícula de honor. Ha recibido clases de profesores y maestros como Joaquín Soriano, Eldar Nebolsin, Nino Kereselidze, Mariana Gurkova, Alexander Kandelaki, Claudio Martínez Mehner, Joshua Edelman, César Viana, Arild Suárez, Marta Zabaleta y Graham Jackson. Además ha actuado como repetidor orquestal para los maestros Borja Quintas y George Pehlivanian y en instituciones como la ORCAM.

A los 11 años recibió el primer premio en el concurso Hazen – Arturo Soria y desde entonces ha sido premio en varios concursos nacionales: Música en el Río del Oro (primer premio 2008 y 2011), Marisa Montiel (segundo premio 2013) y Santa Cecilia de la fundación Don Juan de Borbón (2º premio, mejor interpretación de una obra de J. S. Bach y mención a la mayor personalidad artística). Recientemente recibió el premio del público al mejor intérprete en el festival de piano Bell Arte Europa.

Ha actuado en numerosos festivales y salas de prestigio nacional: Festival Joven de Segovia, Teatro Calderón de Valladolid, Auditorio Ciudad de León, ciclo Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid, ciclo Jóvenes Maestros Internacionales de la fundación Eutherpe, teatro Góngora de Córdoba, el Festival de Música Contemporánea de Tres Cantos, Festival Rafael Orozco en Córdoba, Fundación Botín, Ateneo de Santander, Auditorio Nacional, Teatros del Canal, Fundación Juan March, Museo Nacional del Romanticismo y palacio de Cibeles en Madrid, Real Fábrica de Cristales y Casa de las Flores del Real Palacio en la Granja de San Ildefonso. Además ha actuado como solista con agrupaciones orquestales como la Joven Orquesta Provincial de Málaga, Orquesta Valladolid Ensemble, Orquesta Sinfónica JMJ, Orquesta Allegro Ciudad Lineal, Orquesta Joven de Córdoba, Camerata Eutherpe, Orquesta del FIM, the Solosits of London, entre otras; y además es pianista titular en la JORCAM. Recientemente ha interpretado el concierto nº1 de Schostakovich junto a Concerto Moderno y César Viana en el palacio de Ajuda y el CCB en Lisboa. Además ha realizado grabaciones para Eurodeltamusic, RNE y RTVE; siendo protagonista en una ocasión del programa “Música Joven”. Entre sus recientes actuaciones se encuentran conciertos en Sigüenza, Badajoz, Pamplona, la interpretación de la Fantasía Coral para piano, coro y orquesta de Beethoven (grabado por CyL TV), de obras de Saint Saens y Chopin con la Josva en el auditorio Miguel Delibes de Valladolid y para la Fundación Reina Sofía (con la asistencia de S.M. la Reina Doña Sofía).

PROGRAMA

1a parte

Sonata-Shostakovich

2a parte

Suite-Bach y Sonata-Hindemith.

Vishwa Mohan Bhatt (Concierto Leyendas de la música Hindú) 13/03/2016

Posted on by
Responder

Domingo, 13 marzo, 2016 – 20:15 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (3 €): a partir de media hora  antes del concierto en la taquilla del Teatro

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI

El músico indio Vishwa Mohan Bhatt, que estará acompañado sobre el escenario por el músico de tabla Himanshu Mahant, nos presentará un programa musical con su elegante y versátil estilo, en el marco del Año de la India en España, en conmemoración por los 60 años de relaciones diplomáticas entre España y la India.

Vishwa Mohan Bhatt, ganador del premio Grammy y creador de la Mohan Vina, ha cautivado al público a través de su música pura y delicada. Con su genial creación, la Mohan Vina (instrumento de cuerda), Mohan Bhatt ha conseguido alcanzar lo más alto del panorama de la música clásica india. Las apasionantes interpretaciones del discípulo de Ravi Shankar, que han llegado a más de noventa países, siempre se han ganado al público de todo el mundo.

Su gira en España, organizada por la Embajada de la India, la Casa de la India y el Consejo Indio de Relaciones Culturales (ICCR),en el marco del Año de la India en España, en conmemoración por los 60 años de relaciones diplomáticas entre España y la India,le llevará el domingo 13 de marzo al Teatro El Albéitar (León), el martes 15 de marzo al Paraninfo de la Universidad de Valladolid y el miércoles 16 de marzo al Centro Cultural Conde Duque (Madrid).

Vishwa Mohan Bhatt ha destacado a nivel internacional gracias a su increíble forma de “indianizar” la guitarra hawaiana, en la que ha incorporado a la perfección las técnicas del sitar, el sarod y la vina. Además de la Mohan Vina, ha creado también el instrumento Vishwa Vina. Mohan Bhatt posee una velocidad brillante y un ligado impecable a la hora de tocar, que le han convertido en uno de los músicos más expresivos, versátiles e impresionantes del mundo. En 1994 ganó  el mayor premio musical del mundo, el Grammy, junto con Ry Cooder por su álbum en la categoría de música del mundo “A Meeting by the River”, con lo que aumentó su fama como músico y gran compositor.

Aparte del Grammy, Vishwa Mohan Bhatt ha recibido numerosos galardones por su música a lo largo de su carrera, entre los que destacan el Padmashree en 2002 en Nueva Delhi, Gobierno de la India, el Sangeet Natak Academy en 1999 en Delhi, India, el Musical Scientist Award en 1996 en Bangalore, India, el de Ciudadano Honorario de Canadá en 1990 en Toronto, Canadá, y el de Ciudadano Honorario de los Estados Unidos en 1989 en Maryland, EEUU.

Vishwa Mohan Bhatt (Crossroads Guitar Festival) 2004

Tuenda (11/03/2016)

Posted on by
Responder

Viernes, 11 marzo, 2016 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del Teatro

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI

Tuenda es un trìo de música tradicional asturiana que nace en el invierno del año 2003, en el marco del ciclo de «Los Conciertos Del Museo», en el apartado de «Folk de Cámara», por idea de Igor Medio, que consiste en juntar músicos de otras formaciones, que en muchas ocasiones ni siquiera habían tocado juntos, en formato de trío acústico.

Resultante de este concierto y gracias al resultado alcanzado y la gran aceptación del público, Tuenda graba los diecisiete temas de aquel concierto en lo que será su primer trabajo discográfico,»Tuenda», publicado por «Tierra Discos» en diciembre de 2005.

La reelaboración que este grupo hace de la música tradicional es lo más fiel posible a las fuentes originales, respetando melodías y estructuras. Estas fuentes de donde bebe Tuenda están sacadas del Archivo de Tradición Oral d´Ambás, que desde hace más de quince años viene recogiendo el cantante del trio, «Ambás». En su repertorio no sólo hacen un repaso a toda la geografía asturiana, sino que también lo hacen al riquísimo cancionero de este País, tocando diferentes temáticas que van desde la religiosa pasando por los sones para bailar, entre otros.

El repertorio de Tuenda es también un atlas sonoro de la Lengua Asturiana (Asturianu/Llingua Asturiana) cantando en las diferentes variantes lingüísticas de nuestro idioma.

En el tiempo de vida que tiene la formación han hecho muchos conciertos por toda la geografía asturiana, con muy buena acogida. El grupo tiene especial interés en llevar su labor al mundo rural, donde están las fuentes de su repertorio y los verdaderos protagonistas de esta música.

La Molinera

Danza de Cortes

Florentina