A Day in the Life (The Beatles): 50 Años de la Mejor Canción de la Historia

En estos días se celebra el cincuenta aniversario del lanzamiento del álbum «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band», obra cumbre para muchos de la discografía de los Fab Four.

Sacralizado como el mejor álbum de todos los tiempos, aunque algunos críticos consideran que este trabajo está sobrevalorado. La larga sombra del estratosférico «Pet Sounds» de los Beach Boys, siempre ha sobrevolado sobre el «Sargento Pimienta».

Sin embargo, lo que está fuera de toda duda, es que uno de los temas del disco, «A Day in the Life», es la mejor canción de The Beatles. Yo añadiría más, es la mejor canción de la historia. La mejor banda de todos los tiempos, en medio de su cumbre creativa, dejaron esta joya absolutamente excepcional para la eternidad. Nunca nadie llegó tan lejos, y dudo mucho que alguien pueda llegar otra vez.

La relación compositiva entre John Lennon y Paul McCartney se había transformado drásticamente desde los primeros días del grupo, cuando escribían canciones cara a cara. Ahora era mucho más común que uno de ellos escribiera una canción por su cuenta y luego la trajera para que el otro pudiera editar, criticar y tal vez embellecer la materia prima suministrada.

En el caso de «A Day in the Life», la colaboración vino de la fusión de partes aparentemente dispares de canciones que los dos habían escrito por separado. Como dijo Lennon a Playboy poco antes de su muerte en 1980, «Yo estaba leyendo el periódico un día y anoté dos historias. Uno era sobre el heredero de la cervecera Guinness que murió en un accidente de coche. Esa fue la principal historia. En la página siguiente había una historia sobre unos cuatro mil baches en las calles de Blackburn, Lancashire, que necesitaban arreglar».

Cualquier historia en manos de los Beatles, suena interminablemente fascinante y reveladora. «A Day in the Life» es el epítome de este fenómeno.

Es una producción elaborada, llena de sofisticados trucos musicales de George Martin y Geoff Emerick (distorsión, eco, doblaje, reverberación). Una orquesta toca, y luego la voz de un cantante da paso a la de otro. De las reflexiones mundanas de John pasamos al esbozo de memoria doméstica de Paul. Y después del cataclismo orquestal, un lugar de descanso, ese solo de piano final.

Lennon y McCartney con el Productor George Martin

Es una canción, no de desilusión con la vida misma, sino de desencanto con los límites de la percepción de la realidad. «A Day in the Life» representa el mundo «real» como una construcción que reduce, deprime y, en última instancia, destruye. En el primer verso, basado, como el último, en una noticia publicada en el Daily Mail del 17 de enero de 1967. Lennon se refiere a la muerte de Tara Browne, un joven millonario amigo de los Beatles. El 18 de diciembre de 1966, Browne, un entusiasta de la contracultura londinense y, al igual que todos sus miembros, un usuario de fármacos que expanden la mente, falleció en un accidente de tráfico. Leyendo el informe del juez de instrucción, le inspiró a Lennonn los versos iniciales de «A Day in the Life», tomando la visión de los lectores, cuyo único interés estaba en la celebridad del muerto. Así, travestido como un espectáculo, la tragedia de Browne  y la tristeza de la música que Lennon creó para su letra, muestra una distancia que vira de lo desapasionado a lo insensible.

En la página siguiente del mismo periódico encontró un artículo cuya absurda temática complementaba la historia de Tara Browne: «Hay 4,000 baches en la carretera de Blackburn, Lancashire», se convirtió en el último verso.

Sotheby's / Canciones del Norte / Daily Mail / Guinness / Hulton Archive, Getty Images (x2)

ENLACE A LA CANCIÓN

Los Beatles comenzaron a grabar la canción dos días después de que Lennon se inspirase para escribir sus versos. McCartney agregó una sección intermedia. Una breve canción, recuerdo de sus días escolares que, en su nuevo contexto, se convirtió en un reflejo de una vida vacía, saturada por la rutina. La grabación fue construida posteriormente durante las tres semanas siguientes, hasta obtener el efecto deseado.

«A Day in the Life» representa el culmen de los logros creativos de los Beatles. Con una de sus letras más impactantes, su expresión musical es impresionante, su estructura a la vez totalmente original y completamente natural. La vocalización flotante de Lennon, con un sonido cercano al de una cinta magnetofónica, contrasta idealmente con la vivacidad de McCartney. La aportación de Starr en la batería sosteniendo la canción. Las contribuciones de McCartney en el piano y (particularmente) en el bajo, coloreando la música y de vez en cuando proporcionando el foco principal. Una brillantísima producción de George Martin, esta canción no sería lo mismo sin sus ideas, completa una pieza que sigue siendo una de las creaciones artísticas más penetrantes e innovadoras de su época y de todos los tiempos.

Pauline en la Playa (02/Junio/2017)

PAULINE EN LA PLAYA

Viernes, 2 junio, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria previa presentación del carnet universitario y DNI.

Pauline en la Playa utiliza el pop como base de su música, pero solo como punto de partida de un particular mundo sonoro lleno de recovecos donde habitan diferentes estilos musicales. Por eso, cuando hablamos de Pauline en la Playa no podemos hablar únicamente de un grupo de pop, sino de una banda que está aplicando constantemente otros lenguajes musicales al género pop, lo cual dota al proyecto de una enorme riqueza sonora. Además, a la parte musical hay que sumar unas cuidadísimas letras, responsables en gran medida de la identidad del grupo; un imaginario propio en el que los objetos se llenan de vida, las personas se transforman en gatos de Cheshire y la cotidianeidad se convierte en un espacio impredecible que explorar. Un pop para paladares exquisitos.

Pauline en la Playa son Mar y Alicia Álvarez. Nacidas en Gijón, estas hermanas iniciaron su carrera musical en los años noventa, en pleno apogeo del denominado Xixón Sound. Líderes y compositoras del grupo de pop íntegramente femenino Undershakers, llegaron al conocido sello independiente Subterfuge en el año 1995. Allí editaron tres discos de larga duración y dos mini C.D que pronto situarían a la banda entre las más importantes del movimiento independiente español de la época.

Sin embargo y todavía con Undershakers en activo, Mar y Alicia comienzan a trabajar en otras composiciones que acabarán presentando al concurso de maquetas de 1997 de la mítica radio libre gijonesa Radio Kras. Lo hacen bajo el nombre de “Enfants Terribles” y con la compañía a la batería de Xabel Vegas (Manta ray) y al bajo de César Rendueles (Detritus X), resultando ganadoras del primer premio. Esta será el primer paso hacia su nuevo proyecto musical, que se termina de perfilar cuando las hermanas Álvarez entran en contacto con otros estilos musicales en la Escuela de Música Creativa de Madrid, donde cursarán estudios de armonía, composición e instrumento moderno.

Nace así Pauline en la Playa; nombre con el que Mar y Alicia firman en 1999 su primer trabajo discográfico que edita Subterfuge Records bajo el título “Nada como el Hogar”. La excelente acogida de público y crítica consolida rápidamente el proyecto y coincidiendo con la retirada de Undershakers, las hermanas Álvarez se vuelcan por completo en esta nueva andadura.

Desde el primer mini C.D Pauline en la Playa ha publicado: “Tormenta de Ranas” (Subterfuge, 2001), “Termitas y otras cosas” (Subterfuge, 2003),”Silabario” (Subterfuge, 2006), “Física del equipaje” (siesta 256, 2010) y “El mundo se va a acabar“(siesta 266, 2013).

Lista de Reproducción de sus Mejores Canciones

 

The Detroit Cobras (Tied & True) 2007

The Detroit Cobras nos lleva de vuelta a los días del vinilo de 45 revoluciones o al Top 40 de las emisoras en onda media. El cuarteto ha hecho del sonido Motown y del rock & roll de los sesenta su especialidad. 

Son una banda de versiones. Pero su enfoque inventivo, intenso y absolutamente emocionante de material que (décadas después de su lanzamiento inicial) cayó en sus manos, sigue siendo revolucionario.

Formado en 1994, The Detroit Cobras vienen de las profundidades de la ciudad de Detroit, la ciudad industrial que fue la cuna de muchos movimientos musicales: el alma de la Motown, techno, y lo que aquí nos ocupa, el garaje rock. Verdaderamente empapados en estas influencias, The Detroit Cobras se han afanado desde su debut, en desenterrar tesoros con un fervor casi religioso.

«Tied & True» sugiere que las Cobras se han convertido en una de las mejores bandas de covers. No ven ninguna distinción en este álbum entre blues, rockabilly, country, garage rock, soul, R & B y pop, y así son libres de mezclar todo a voluntad. Todo gracias a la preciosa voz de la cantante Rachel Nagy y las grandes habilidades musicales (indudables) de la banda girando alrededor de su carismática guitarrista Mary Ramírez.

Un poco más de media hora donde se celebra su amor por las raíces del rock & roll: la música negra tocada en clubs sórdidos, en sótanos en las noches calientes del sur, y la multitud bailando alrededor. Es un viaje a través del tiempo, corto, ¡pero tan divertido!.

Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

Radio Cos (26/Mayo/2017)

RADIO COS (FOLK CONTEMPORÁNEO)

Viernes, 26 mayo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas 8 €: a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del Teatro

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carnet universitario y DNI.

Radio Cos son unos famosos pandereteros que han hecho evolucionar la música gallega de manera natural. Xurxo Fernandes y Quique Peón, ambos cantantes y percusionistas del grupo, son dos referentes en el mundo de la investigación etnográfica en Galicia.

Las melodías utilizadas en este proyecto pertenecen a archivos de grabaciones de campo propios, un trabajo que llevan haciendo por toda Galicia desde hace más de tres décadas.

Radio Cos han estado casi nueve años recorriendo escenarios por Bélgica, Inglaterra, Escocia, Bretaña y Galicia, transmitiendo su modo de entender nuestra música tradicional.

Este primer disco suyo, homónimo, contiene una enorme variedad de música de raíz que conjuga la sonoridad más arcaica con distintos diversos elementos de la propia tradición, pero también con melodías ajenas que guardan relación con Galicia.

La banda de Radio Cos la conforman tres prestigiosos músicos: Pedro Lamas (a la gaita y el saxo soprano), Nikolay Velikov ( al violín) y Xan Pampín ( al acordeón).

Este trabajo, concebido con fuerza y alegría, quiere reivindicar la invisibilidad que sufren las llamadas “culturas minoritarias”, a pesar de estar ahí permanente y constantemente, de rodearnos, y de ser verdades habituales manifiestamente palpables.

Página de YouTube de Radio Cos

http://www.radiocos.gal/

Chris Cornell: El Otro Apóstol del Grunge (1964-2017)

Chris Cornell, vocalista de los iconos del grunge Soundgarden y ex vocalista del supergrupo Audioslave, murió el pasado miércoles 17 de mayo por la noche, según informes de la prensa.

Cornell, de 52 años, estaba en Detroit actuando con Soundgarden, que se habían embarcado en una gira por Estados Unidos. Un representante del músico definió su fallecimiento como «repentino e inesperado» en un comunicado. El rockero había actuado el miércoles por la noche en el Fox Theatre de Detroit.

«Su esposa Vicky y su familia se sorprendieron al enterarse de su fallecimiento repentino e inesperado, y estarán trabajando estrechamente con el médico forense para determinar la causa», en declaraciones a la CNN. «Les gustaría agradecer a sus fans por su continuo amor y lealtad y pedir que su privacidad sea respetada en este momento».

Soundgarden (Superunknown) 1994

Soundgarden estaban entre los grupos que surgieron en Seattle a finales de los años ochenta que definieron el sonido de la música grunge. Sus álbumes de 1991 a 1996, «Badmotorfinger», «Superunknown» y «Down on the Upside», vendieron un total de 8 millones de copias y todos fueron disco de  platino. «Superunknown» alcanzó el primer puesto en la lista de álbumes de Billboard.

Obtuvieron 10 Top 15 durante ese tiempo, incluyendo los hits Nº 1 «Black Hole Sun», «Burden in my Hand» y «Blow up the Outside World».

La banda se separó en 1997 y Cornell se integró en Audioslave, que vendió 4,5 millones de copias de sus tres discos de 2002 a 2006. Su disco de debut homónimo vendió 3 millones de copias, y el trabajo de 2005 «Out of Exile» fue Nº 1.

Audioslave (Álbum de 2002)

Audioslave también tuvo 10 Top 10 hits, incluyendo los números 1: «Like a Stone» y «Be Yourself».

Cornell también había lanzado cuatro discos en solitario, todos los cuales llegaron al Top 20. Su último fue «Higher Truth» en 2015.

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Chris Cornell (Higher Truth) 2015

Audioslave se separó en 2007, y Soungarden se reunió en 2010. Lanzaron un álbum en vivo, «Live on the I-5», en 2011 y un disco de estudio, «King Animal» en 2012.

Cornell también cantó con Temple of the Dog, una banda cuyos miembros pasaron a formar otras influyentes bandas grunge. Temple of the Dog se reunió en 2016 para hacer una gira de celebración del 25º aniversario de su único álbum publicado.

temple

Temple of the Dog (Álbum de 1991)

 

Ana Alcaide (19/Mayo/2017)

ANA ALCAIDE (FOLK CONTEMPORÁNEO)

Viernes, 19 mayo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar ULE

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carnet Universitario y DNI.

Ana Alcaide es una intérprete y compositora de Toledo que desarrolla una actividad investigadora en torno a antiguas tradiciones y culturas.

Mientras estudiaba Biología, viajó a Suecia y allí conoció la Viola de Teclas, un instrumento medieval minoritario que en sueco se llama ‘Nyckelharpa’. Ana se enamoró de él y lo aprendió a tocar de forma autodidacta en las calles de Toledo, fuera y lejos de su tradición original. Así se convirtió en una pionera introduciendo y divulgando la nyckelharpa en España.

Su música es habitualmente descrita como la ‘banda sonora de Toledo’. Es una creación nueva inspirada en antiguas tradiciones que sintetiza estilos musicales de diferentes culturas. Desde el marco de inspiración que le brinda esta ciudad, Ana comenzó escribiendo y produciendo sus canciones, añadiendo composiciones y adaptando su instrumento a melodías ancestrales que han viajado por el Mediterráneo y que tuvieron su origen en la España medieval.

Conquistó la escena internacional con su tercer disco «La Cantiga del Fuego» y su singular reinterpretación de las músicas antiguas, permaneciendo 5 meses en los ‘World Music Charts’ (lista de referencia internacional de las músicas del mundo) y siendo considerado uno de los mejores discos de 2012 por la crítica especializada.

Alcaide ha presentado su trabajo en escenarios de Francia, Italia, Alemania, Marruecos, Canadá, Bulgaria, Indonesia, Corea del Sur, Uzbekistán, Argentina y Uruguay. En España ha tocado en festivales como Getxo Folk, Folk Plasencia, Folk Segovia, Parapanda Folk, Etnohelmántica y Festival de las dos Orillas, entre otros.

Su evolución artística y personal le han llevado a ampliar su campo creativoen los últimos años.

En el 2015 inaugura la serie «Tales of Pangea», proyecto fruto de sus colaboraciones y experiencias personales con músicos de otras partes del mundo. La primera entrega discográfica- «Gotrasawala ensemble», ha tenido lugar en la isla de Java (Indonesia) tras prolongadas estancias de intercambio musical y cultural con músicos locales., y ha permanecido en los ‘WorldMusic Charts’ desde junio hasta septiembre de 2015.

En 2016 estrena «LEYENDA» un proyecto musical y escénico inspirado en leyendas y mitologías de mujeres ancestrales que explora la fuerza de lo femenino con una mirada actual, y que supone una evolución en la presentación de su música.

Su personalidad y particular forma de difusión le han situado como referente musical en su ciudad y para aquel que visite Toledo. En 2013 recibió el premio popular cope de Castilla la Mancha por su trabajo artístico en la región, y fue sido seleccionada por RNE como representante española para actuar en el festival europeo de la UER.

Formación:

Ana Alcaide: Voz, Nyckelharpas, Violín de Hardanger, Atmósferas

Rainer Seiferth: Guitarra española y acústica

Bill Cooley: Psalterio, Ud, Percusiones

Página de YouTube de Ana Alcaide

http://www.anaalcaide.com/

Noé Rodrigo (17/Mayo/2017)

NOÉ RODRIGO (PERCUSIÓN)

Miércoles, 17 mayo, 2017 – 20:15 H.

Teatro el Albéitar ULE

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla

CONCIERTOS A.I.E. PERCUSIÓN

NOÉ RODRIGO GISBERT – Percusión

Nació en Altea (España) en 1992. Empezó sus estudios musicales a los 8 años en el Conservatorio Municipal Profesional de Altea, donde terminó en 2010 obteniendo las máximas calificaciones y el Premio Extraordinario de Grado Medio. Continuó sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA), bajo la tutela de los profesores César Peris, Lorenzo Ferrándiz, Verónica Cagigao, Ignacio Molins y Francisco Inglés. Durante sus estudios en Altea, fue miembro de la Nexeduet  Academy, formada por los percusionistas Jordi Francés, Pedro Carneiro, Jean Geoffroy y Christian Dierstein.

Ha asistido a diversas masterclass con importante percusionistas internacionales como Marc Pino, Gustavo Gimeno, Anton Mittermayr, Guido Rückel, Wieland Wetzel, Raymond Curfs, Oliver Madas y Bill Linwood en el ámbito de la percusión orquestal; y Josep Vicent, Markus Leoson, Isao Nakamura, Nuno Aroso, Philippe Spiesser, Nancy Zeltsman, JereHuei Chen y Peter Sadlo en el ámbito de la percusión solista.

Como percusionista de orquesta, es miembro de la Alumni-Orchester der Lucerne Festival Academy, de la EUYO (European Union Youth Orchestra), Lucerne Festival Academy Orchestra, JONDE (Joven Orquesta Nacional de España), NJO (Netherlands Youth Orchestra), Penderecki Musik, Academy Westfalen y SOAP (Symphony Orquestra Academy of The Pacific) en Canadá; entre otras. Colabora con la Netherlands Philharmonisch Orkest, Netherlands Kamerokest y la próxima temporada con la Royal Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam. Como intérprete solista, obtuvo el primer premio en el Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes de Juventudes Musicales de España (2015), y un premio especial de la European Union of Music Competitions for Youth (EMCY) por su interpretación en esta competición. Anteriormente, ganó el Concurso de interpretación Musical del Conservatorio de Altea (2007 y 2009), y Mención de Honor por la máxima puntuación de todas las categorías (2009). En 2016 ofrecerá un recital en la Sala de Concerts del Palau de la Música dentro del ciclo El Primer Palau. También participará en la competición de percusión TROMP (International Percussion Competition Eindhoven 2016. En el ámbito de la música de cámara y ensemble, ha sido miembro de la Academia para la Nueva Música en Zaragoza, Percusiones del CSMA, Aldeburgh Contemporany Ensemble, NJO Steve Reich Ensemble y actualmente es miembro activo de MBira-dúo, The Score Collective Ensemble y colabora con el Oerknal! Ensemble, Nieuw Ámsterdam Peil, Slagwerk Den Haag, Asko Schönberg Ensemble y New European Ensemble. Forma parte también de la producción Young Performance Divamania, de Lucerne Festival.

Ha trabajado personalmente con compositores actuales como Steve Reich, Luis de Pablo, Antón García Abril, Jesús Torres, James Wood, Louis Andriessen, Matthias Pinstcher y Wolfgang Rhim. En los últimos años, ha trabajado con compositores jóvenes, estrenando obras tanto en España como en Holanda. Recientemente, estrenó el primer solo escrito especialmente para él, SHIFT-Fajrant!, para percusión y electrónica, del compositor polaco Tomasz Arnold.

El pasado mes de junio, finalizó un programa de Máster en el Conservatorio de Ámsterdam con algunos de los mejores percusionistas del panorama europeo e internacional, Peter Prommel, Arnold Marinissen, Mark Braaghart, Nick Woud, Ramón Lormans, Richard Jansen y Bence Major.

IRENE GONZÁLEZ

Nació en Ribadeo (Lugo), donde comenzó sus estudios a los 6 años y completó el Grado Elemental en percusión. Realizó el Grado Profesional en el Conservatorio de Lugo, y continuó sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA), bajo la tutela de los profesores César Peris, Lorenzo Ferrándiz, Verónica Cagigao, Ignacio Molins y Francisco Inglés, donde finalizó en 2014.

Ha asistido a diversas master clases con importantes percusionistas internacionales como Marinus Komst, Gustavo Gimeno, Anton Mittermayr, Maarten van der Valk ,Guido Rückel, Wieland Wetzel, Raymond Curfs, Oliver Madas y Bill Linwood en el ámbito de la percusión orquestal; y Pius Cheung, Markus Leoson, Isao Nakamura, Nuno Aroso, Philippe Spiesser, Nancy Zeltsman, Jer-Huei Chen y Tchiki-duo en el ámbito de la percusión solista.

Como percusionista de orquesta, es miembro algunas de las mejores orquestas jóvenes de Europa, como la SHMF (Schleswig-Holstein Musik Festival), GMJO (Gustav Mahler Jugendorchester), NJO (Nederlands Jong Orkest), entre otras; y SOAP (Symphony Orchestra Academy of the Pacific) en América (Canadá). Colabora con orquestas profesionales como la Royal Concertgebouw Orchestra, la Nederlands Philharmonisch Orkest y la Nederlands Kamerorkest en Ámsterdam; la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Royal Flemish Philharmonic, la Frankfurt Radio Symphony Orchestra y la Orchestra del Teatro Massimo di Palermo.

En el ámbito de la música de cámara y ensemble, ha sido miembro de la Academia para la Nueva Música en Zaragoza, Percusiones del CSMA y actualmente es miembro activo de Mbira-dúo y ha colaborado con Slagwerk Den Haag (grupo de percusión de La Haya).

El pasado mes de junio, Irene finalizó un programa de máster en el Conservatorium van Amsterdam con algunos de los mejores percusionistas del panorama europeo e internacional: Nick Woud, Mark Braafhart, Bence Major, Peter Prommel, Arnold Marinissen, Ramon Lormans y Richard Jansen.

PROGRAMA

I

«Asventuras»          Alexej Gerassimez  (Dúo de cajas)

«Totem I &II»            Arnold Marinissen (Marimba)

«Passacaglia»         Ana Ignatowics      (Dúo de maromba y vibráfofo)

«Temascal»             Javier Álvarez         (Marcas con electrónica)

II

«Schwarse Wölken »         Edison Denissow  (Vibráfono)

«Tactus»                             Polo Vallejo (4 congas y 2 bogos)

«Toccata»                          Anders Koppel (Dúo de marimba y vibráfono)

Noè Rodrigo Gisbert (Marimba) Moi, Jeu…

Top 10 Eurovisión (las 10 Mejores Canciones de la Historia del Festival)

El próximo 13 de mayo, se celebrará en Kiev la gran final del Festival de Eurovisión 2017. Idolatrado y vilipendiado a partes iguales, este Festival organizado por la UER, a pesar de estar lejos de sus años dorados (sesenta y setenta), sigue concitando grandes audiencias televisivas, y algunas de las canciones ganadoras se han convertido en éxitos inmediatos con una popularidad y difusión enorme.

Hacer una lista es algo muy subjetivo, aunque se intente no serlo. La que presento, creo que es representativa  de la historia del festival. Algunas canciones no lo ganaron, pero tuvieron tal impacto, que han quedado en el recuerdo mucho más que otras que si lo hicieron.

Paul Harrington & Charlie McGettigan (Rock & Roll Kids) Irlanda 1994

Nº 10: «Rock & Roll Kids», interpretado por Paul Harrington y Charlie McGettigan, fue el primer dúo masculino en ganar el Festival y consiguió para Irlanda su sexta victoria en Eurovisión. Con 226 puntos, fue la primera canción que recibió más de 200 puntos en la historia del Festival. La actuación fue única debido al hecho de que no había ningún acompañamiento orquestal añadido. las letras fueron apoyadas por los propios cantantes; Harrington tocando el piano mientras McGettigan estaba en la guitarra.

The Common Linnets (Calm After the Storm) Holanda 2014

Nº 9: Algo peculiar ocurrió en la edición de 2014.  Y no tenía nada que ver con divas hirsutas. «Rise Like a Phoenix», la canción ganadora, es simplemente otra balada exagerada e histriónica compuesta en un estilo que estaba pasado de moda mucho antes de que su cantante, de 25 años de edad, Conchita Wurst, naciera. Los Países Bajos casi consiguen la victoria, de la que eran totalmente merecedores, con una canción que sonaba como algo que podrías escuchar en el mundo real, interpretada por músicos consumados que parecían tomar en serio lo que están haciendo. Una deliciosa balada country, con una puesta en escena sobria e intimista, que si obtuvo el éxito popular que le negaron las votaciones.

Vicky Leandros (L’Amour Est Bleu) Luxemburgo 1967

Nº 8: Otra canción no ganadora que pasó a convertirse en un estándar con muchas versiones. «L’Amour Est Bleu» es probablemente mejor conocida hoy por la versión instrumental de Paul Mauriat, que se convirtió en un número uno en los EE.UU. Hit que se ha utilizado ampliamente en la televisión y el cine desde entonces. Jeff Beck también alcanzó el top 40 del Reino Unido con su interpretación más influenciada por el blues en 1968. La cantante de origen griego Vicky Leandros, no disfrutó tanto éxito con su grabación original de la canción, pero ganó el concurso en 1972, otra vez representando a Luxemburgo, con la canción «Après Toi» . Una versión en inglés de esa canción, retitulada «Come What May» alcanzó el puesto nº 2 en las listas británicas.

France Gall (Poupee de Cire, Poupee de Son) Luxemburgo 1965

Nº 7: Durante la primera década de su existencia, Eurovisión se inclinó por canciones de estilo chanson francesas que se parecían poco a la música rock y pop que dominaba las listas. Pero «Poupée de Cire, el Poupée de Son», escrito por el genial Serge Gainsbourg, ayudó a arrastrar el concurso a la realidad musical de los años sesenta, abriendo la puerta a artistas que sintonizaban más con el público joven como Sandie Shaw, Lulu y Cliff Richard. Como muchas de las composiciones de Gainsbourg, «Poupée de Cire» es una canción superficialmente espumosa de pop bubblegum francés con capas de ironía y doble significado oculto en las letras, que parecen ser una crítica del mismo género de música que representa.

Domenico Modugno (Nel Blu Dipinto di Blu: Volare) Italia 1958

Nº 6: A pesar de terminar tercera en el Festival de 1958. «Volare» probablemente se puede afirmar que es la canción de Eurovisión más exitosa comercialmente de todos los tiempos. Una balada italiana clásica con un gancho instantáneamente reconocible. La versión original pasó cinco semanas en el nº 1 de las listas de EEUU, ganó dos Grammys y ha sido versionada por artistas tan diversos como Dean Martin, Gipsy Kings, Luciano Pavarotti y David Bowie. Modugno, que también escribió la canción, volvió al certamen en 1959 y de nuevo en 1966.

Brotherhood of Man (Save Your Kisses for Me) Reino Unido 1976

Nº 5: Hay canciones que es imposible que no ganen, y la representante del Reino Unido en 1976 es un claro ejemplo. Con una letra deliciosa, y pegadiza como pocas, y esa singular coreografía que se marcaron los intérpretes, todo ello sólo podía conducir a la victoria. Antes del Festival ya era un gran éxito en su país de origen. Después del concurso, la canción no sólo acaparó las listas en el Reino Unido, sino que también se convirtió en un éxito en el resto de Europa, Estados Unidos e incluso llegó a lo más alto de las listas en Australia.

ABBA (Waterloo) Suecia 1974

Nº 4: La victoria de Suecia en Eurovisión 1974 lanzó al estrellato a ABBA, quien logró el triunfo con su hit mundial «Waterloo». La canción se convirtió en uno de los singles más vendidos de todos los tiempos, también figurando en la lista de los diez mejores en los Estados Unidos. En 2005, cuando el Festival de la Canción de Eurovisión celebraba su 50 aniversario, «Waterloo» fue elegida como la mejor canción del concurso desde su creación.

Mocedades (Eres Tú) España 1973

Nº 3: Ninguna de las dos canciones ganadoras de la Eurovisión de España disfrutó de una vida excesivamente larga después del certamen, aunque «La La La» de 1968 a tenido más difusión con el paso de los años. «Eres Tú», extraordinaria composición del gran Juan Carlos Calderón, fue segunda clasificada en 1973. Es mucho más conocida, y sigue siendo la única canción interpretada íntegramente en español en llegar al Top 10 de las listas de EE.UU., donde sigue siendo un elemento básico de la música latina y es frecuente escucharla en las emisoras de radio. En 2013, fue inscrita en el Grammy Latin Hall of Fame, para grabaciones que se juzga puedan tener «importancia cualitativa o histórica».

Loreen (Euphoria) Suecia 2012

Nº 2: Una canción sencillamente perfecta, Un tema pegadizo, muy comercial, pero de una calidad incuestionable. Sumado a una puesta en escena espectacular, solo podía dar el triunfo a Suecia en esa edición del festival. Encabezó las listas en 17 países tras su victoria. También pasó varios días en la parte superior del catálogo de iTunes del Reino Unido, alcanzando el puesto número 3 en las listas de singles y vendiendo más de 250.000 copias, a pesar de ser casi universalmente ninguneada por las principales emisoras de radio.

Alice & Franco Battiato (I Treni di Tozeur) Italia 1984

Nº 1: A comienzos de 1984 la televisión pública italiana (RAI), que perseguía la victoria en el Festival de Eurovisión desde hacía tiempo, pidió a Franco Battiato que representara al país en el evento musical de ese año. “I Treni di Tozeur” es muy diferente a la mayoría de canciones de Eurovisión, que entonces solían ser composiciones pop. Battiato se basó en la historia del tren de Tozeur para componer la canción cuando, de vacaciones en Túnez, vio una línea férrea en mitad del desierto e imaginó el paso de un tren real. Escribió la letra junto con Rosario Cosentino, y pidió actuar con la cantante Alice, que ya ganó el Festival de Sanremo de 1981 con una canción compuesta por Battiato. Aunque partían como favoritos, Italia finalizó en quinta posición con 70 puntos. Aunque no ganó el Festival de Eurovisión, “I Treni di Tozeur” fue el tema que más repercusión tuvo a nivel europeo ese año. En su país, Franco Battiato obtuvo el número uno en ventas un mes después del festival, y permaneció entre los sencillos más vendidos durante varias semanas. En 2005, la canción fue recordada por la Unión Europea de Radiodifusión dentro del programa especial “Congratulations”, como una de las más relevantes en la historia de Eurovisión.

Rafael Del Zambo (11/Mayo/2017)

RAFAEL DEL ZAMBO (FLAMENCO)

Jueves, 11 mayo, 2017 – 21:00 H.

Teatro el Albéitar

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla.

CONCIERTOS A.I.E. Flamenco

RAFAEL DEL ZAMBO, cante

ANTONIO JERO, guitarra

Rafael Del Zambo es de Jerez y pertenece a una de las familias cantaoras más importantes del flamenco nacida en la calle la Sangre, en el barrio de Santiago, lugar por siglos testigo del cante jondo gitano. En tan sólo dos años ha participado en importantes citas destacando sus actuaciones en el Festival  Potaje  de  Utrera  la  Fiesta  de  la  Bulería,  Veladas  de  las  Nieves,  en  el emblemático Casa Patas o el Teatro Conde Duque de Madrid.

Sus  inicios  son  junto  a  su  familia  los  Zambos  en  fiestas  y festivales  flamencos,  donde  brota  de  forma  espontánea  el compás  y  cante,   creando  los  elementos  esenciales   para  el duende y quejío de una de las sagas más emblemáticas de Jerez. Durante el Verano de 2016 además viaja por América actuando en San  Francisco,  New  York   o  en  el  Teatro  Mayor  de  Bogotá  en Colombia con un éxito rotundo. En  mayo  de  2016  ha  recibido  el  premio  al  cante  del  Festival Alcobendas  Flamenca  Nuevos  talentos.

Su  cante  es  jondo, directo, puro, por derecho. A Rafael Del Zambo se le puede oír con el acompañamiento de la  guitarra  flamenca  por  solea,  de  palmeros  o  en  una  fiesta flamenca por bulería,  pero también tiene la jondura y le basta solo  el  eco  de  su  voz  como  llama  de  fuego  para  marcarse  un martinete que sabe a gloria. En  la  actualidad  además  de  sus  actuaciones  forma  parte  del elenco  de  diversos espectáculos como el del guitarrista  Gerardo Núñez o la Fiesta Flamenca del Barrio de Santiago.

Rafael Del Zambo (Actuación en el Festival Alcobendas Flamenca) 2016

Ella Fitzgerald (1917-1996): Un Siglo del Mejor Swing

Ella Fitzgerald (1917-1996), es una de las pocas cantantes cuya obra trasciende generaciones y géneros musicales. En el transcurso de su carrera, que duró seis décadas, «The First Lady of Song» acumuló una discografía casi sin rival.

Hace cien años, Temperance y William Fitzgerald tuvieron una niña en Newport News, Virginia. La llamaron Ella Jane. Los orgullosos padres no podían saber que su hija crecería hasta convertirse en una artista idolatrada, una arquitecto principal del jazz y, como es ampliamente reconocido, la mejor vocalista femenina del siglo XX.

La carrera de Fitzgerald se puede dividir en cinco períodos. Durante su etapa en las Big Band (1935-1941), cantó con la Chick Webb Orchestra (renombrada después de la muerte de Webb en 1939 como Ella Fitzgerald y Orquesta). A la edad de 20 años, Fitzgerald era la cantante más popular de América, y en 1938 escribió y cantó uno de los éxitos más grandes de toda la década, «A Tisket, A Tasket». Sus años con Decca Records (1941-1955) fueron una mezcla de grabaciones innovadoras y discos más cercanos al pop. A principios de los años cincuenta, quedó claro que Decca no sabía cómo utilizar mejor los talentos de Fitzgerald. Norman Granz, manager de Ella, formó Verve Records en gran parte como vehículo para Fitzgerald.

Sus años en Verve (1956-1966) marcaron la transición de Fitzgerald de la cantante estelar al icono cultural. Trabajando en el pico absoluto de sus poder creativo, Fitzgerald grabó una impresionante colección de álbumes en vivo y de estudio, incluyendo su legendaria serie Song Book. A mediados de los años sesenta, Fitzgerald se encontró insegura de cómo lidiar con la revolución que supuso el rock. Durante estos años de transición (1967-1973), ella se movió entre los sellos discográficos e hizo algunos esfuerzos cuestionables buscando un sonido más contemporáneo. Finalmente, a principios de los años setenta, Norman Granz formó Pablo Records. Durante sus años en Pablo (1973-1989), Ella volvió a grabar los estándares clásicos en la compañía de grandes músicos de jazz. Durante los últimos quince años de su carrera, la edad y la disminución de la salud erosionaron lentamente las extraordinarias habilidades vocales de Fitzgerald.

Ella Fitzgerald, Louis Armstrong y Duke Ellington

Fitzgerald apareció en el cine y como invitada en los programas de televisión más populares de la segunda mitad del siglo XX. Sus colaboraciones musicales con Louis Armstrong, Duke Ellington y The Ink Spots fueron algunos de sus actos más notables fuera de su carrera en solitario. En 1993, Fitzgerald coronó su carrera de sesenta años con su última actuación pública. Tres años más tarde, murió a la edad de 79 años, después de años de un grave declive en su salud. Después de su fallecimiento, la leyenda de Fitzgerald pervivió a través de sus catorce Premios Grammy, la Medalla Nacional de las Artes, la Medalla Presidencial de la Libertad y homenajes en forma de sellos o festivales de música.

Fitzgerald hizo más que cualquier otro cantante para establecer el álbum en vivo como un formato comercial viable. Más importante aún, sus grabaciones en vivo son el mejor lugar para escuchar a Ella. Nadie la igualaba cuando se trataba de improvisar.

En 1979, la cantante Peggy Lee observó que cuando se pregunta a los expertos, «¿Quién es el mejor cantante de jazz de nuestro tiempo? . . . . La primera reacción es siempre, ‘Bueno, te refieres a aparte de Ella, ¿verdad? «Lee continuó: «Ella se ha convertido en la norma por la que todos los demás somos medidos».

Amplísima Selección de sus Grandes Temas