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Luis Alejandro García Pérez (29/Octubre/2019)

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Luis Alejandro García Pérez, guitarra

29-10-2019

 20:15 H
 TEATRO EL ALBÉITAR

 

Este guitarrista canario es el último ganador de su modalidad del Concurso de JM España. “Lazos sobre el Atlántico” nace del vínculo que une a Canarias con los tres continentes que la rodean: África, América y Europa.

Como piedra angular, dada su ubicación en el Océano Atlántico, el archipiélago se ha nutrido y se nutre de un amplio espectro cultural. La llamada tricontinentalidad ha inspirado este proyecto que despierta y evoca sentimientos a través de la música que emana de las cuerdas de la guitarra en un recorrido por las composiciones de autores de Cataluña, España e Hispanoamérica.

Natural de Tenerife, es titulado en Guitarra por el CSMC con Matrícula de Honor, así como en Musicología con el Premio Extraordinario de Fin de Carrera, se ha formado con diversos profesores de talla internacional como Leo Brouwer, David Russell, Zoran Dukic o Carlo Marchione. En 2017 completó sus estudios de máster con matrícula de honor en la Esmuc de Barcelona, bajo la tutela de Àlex Garrobé. Como intérprete de guitarra clásica ha logrado más de 20 premios nacionales e internacionales, tales como: Primer Premio y Premio Festival d’Ordino en el 89º Concurso de Juventudes Musicales de España (Madrid, 2018), Primer Premio en el Concurso Internacional de Guitarra “José Tomás – Villa de Petrer” 2019 o Primer Premio, Premio del Público y Premio Llobet en el Certamen Llobet 2017 (Barcelona). Ha dado conciertos e impartido masterclass por gran parte de la geografía española, Alemania, Chile, Argentina o Estados Unidos, y ha colaborado con diferentes orquestas, como la OST o la OSLP. En 2018 publicó su primer CD, “Lazos sobre el Atlántico”, producido por el sello JSM Guitar Records. Sus futuros compromisos incluyen giras y masterclass en lugares como Brasil, México, Argentina, Barcelona o Girona, entre otros. Es componente de Canary Guitar Quartet, con el que ha sido premiado internacionalmente, además de haber publicado su primer trabajo discográfico, “21”, en septiembre de 2018.

PROGRAMA

  1. Lecuona: Danzas afrocubanas M. Llobet: Romanza
  2. J. Manjón: Aire Vasco
  3. Lauro: 3 valses venezolanos
  4. M. Ponce: Sonata Romántica A. Tansman: Variaciones sobre un tema de Scriabin
  5. Turina: Fantasía Sevillana

Supertramp (Breakfast in America) 40º Aniversario

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“Breakfast in America” cumple 40 años. Este álbum de Supertramp fue compuesto y grabado después de que el grupo británico se mudara a Los Ángeles. Al igual que sus álbumes anteriores, las labores de composición se dividieron entre los miembros fundadores Rick Davies y Roger Hodgson, que tienen estilos musicales y vocales contrapuestos, pero tienen la habilidad de combinar estos estilos de una forma cohesiva. Aquí, la química y el talento alcanzan un punto culminante, y el resultado es el álbum más vendido, el más aclamado por la crítica y el que llegó más alto en las listas de éxitos de Supertramp.

Las raíces de Supertramp se encuentran en el rock progresivo. La banda británica absorbió influencias de sus contemporáneos progresivos de la época y, como no, de Los Beatles. Sus primeros álbumes a principios de los 70 fueron álbumes estrictamente progresivos, pero a medida que continuaron encontrando más y más éxito comercial, se movieron a un sonido mucho más pop. Sin embargo, los teclados progresivos permanecieron, mantuvieron sus instrumentos de viento como una parte inmensa y vital para la identidad musical de la banda, y las duraciones de las canciones excedieron los estándares normales del pop, la mayoría terminando en más de 5 minutos.

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Supertramp en 1979: Dougie Thomson, Bob Siebenberg, John A. Helliwell, Roger Hodgson y Rick Davies. Fotografía: Michael Ochs Archives / Getty Images.

Después del lanzamiento en 1977 de “Even in the Quietest Moments”, que contenía el primer éxito mundial del grupo: “Give a Little Bit”, la banda decidió mudarse permanentemente a la costa oeste de Estados Unidos, y allí encontraron nuevas influencias en la prolífica escena pop que estaba en auge a finales de los años setenta en Los Ángeles.

los singles son generalmente las canciones más difundidas de un álbum, ya que son, teóricamente, las únicas canciones que pueden tener el gancho necesario para el gran público. Los 4 singles: “The Logical Song”, “Goodbye Stranger”, “Breakfast in America” y “Take the Long Way Home” son grandísimas canciones y son reconocibles al instante. Pero el resto del  álbum está repleto de gemas ocultas, como “Child in Vision”.

Antes de las sesiones de grabación definitivas, el grupo grabó un par de sesiones de prueba para definir el mejor material. Originalmente, Davies y Hodgson estaban planeando hacer un álbum conceptual, que examinaría sus personalidades en conflicto y sus visiones del mundo divergentes, llamado “Hello Stranger”. Sin embargo, el grupo finalmente decidió abandonar este concepto y centrarse más en las canciones que consideraban más divertidas de interpretar. Junto con el productor Peter Henderson, el grupo forjó un sonido fantástico para el álbum al centrarse más en la grabación en si, que en las técnicas de mezcla y masterización. Este proceso llevó meses, y solo se completó cuando llegó la fecha límite de diciembre de 1978.

Fotografía: Michael Putland / Getty Images

“Breakfast in America” ganó dos premios Grammy en 1980, y encabezó las listas de álbumes en varios países, incluida Francia, donde se convirtió en el álbum en inglés más vendido de todos los tiempos. El grupo promocionó el álbum con una gira mundial de 120 fechas que batió récords de asistencia a conciertos en Europa y Canadá. En 1980, la banda lanzó el álbum doble en vivo “París”, otro gran éxito en todo el mundo. El grupo no siguió a “Breakfast in America” con otro lanzamiento de estudio hasta que “Famous Last Words” fue lanzado a fines de 1982, casi cuatro años después. Aunque ese álbum fue un éxito comercial, la gira posterior condujo a la salida de Hodgson del grupo, rompiendo la formación clásica de Supertramp.

Hay álbumes en los que todo se une, lo mejor de la composición de canciones, lo mejor de los arreglos, lo mejor de la interpretación, la esencia de lo que un artista o una banda quiere contar. “Breakfast in America”, simplemente estaba destinado a tener éxito debido a su calidad. Lo único que era necesario para hacerlo era confianza, melodías memorables, letras sorprendentes y mucha personalidad.

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Enlace a la Lista de Reproducción del Álbum

Sugar Daddy and The Cereal Killers (17/Octubre/2019)

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17-10-2019

 21:00 H
 TEATRO EL ALBÉITAR

 

Entradas (8 €): a partir de una hora antes del concierto en la  taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carnet  universitario y DNI.

Sugar Daddy and The Cereal Killers son una locomotora de Rhythm & Blues que en sus conciertos no olvida el Swing ni el Boogie Woogie. Ver a estos siete italianos en directo es transportarse a la Norteamérica de los años 40: elegancia sobre el escenario y gotas de sudor en la pista de baile.

La banda Sugar Daddy and The Cereal Killers nace en 2009 en la ciudad norteña de Milán. Es ese año cuando Simone Caputo, conocido comúnmente como Sugar Daddy, empieza a desarrollar junto al baterista Francis Needham y al bajista Roberto Boldi una propuesta personal partiendo del Blues que ya practicaban en proyectos anteriores. Clave en su sonido será la sección de viento integrada por Luigi Napolitano, Roberto Dibitonto y Cosimo Pignataro a los que finalmente se uniría el virtuoso pianista John Bramley.

Intercalando composiciones propias, incluidas en su lp “Thirteen Days”, con versiones de grandes clásicos como Muddy Waters, Little Richard, Ray Charles o Louis Prima estos trabajadores músicos han compartido escenarios por toda Europa con bandas como Ray Collins Hot Club, Polecats o The Limboos.

Video: “Easy Tiger” http://bit.ly/1Jt0YrI

Video: ”Voodoo Lady” http://bit.ly/2rdUz2c

Video: “King Kong” http://bit.ly/2rUycR8

Web: www.cerealkillers.it

Joy Division (Unknown Pleasures) 40º Aniversario

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Unknown Pleasures (CD, Album, Reissue) album cover

La icónica cubierta de Peter Saville para “Unknown Pleasures”, basada en la frecuencia de radio en zig-zag de una estrella moribunda.

La recta final de la década de los setenta fue una época extraña, pero muy enriquecedora para la música. Muchos de los artistas y de las bandas que triunfaron y revolucionaron la industria musical en los años sesenta y principios de los setenta, comenzaron a desaparecer o a quedar relegados poco a poco en el olvido.

Sin embargo, así como se fueron apagando estas estrellas, empezaron a surgir un sinfín de géneros musicales que renovaron para siempre la escena musical. Uno de estos nuevos movimientos fue el punk, encabezado por bandas como The Clash, Ramones y, por supuesto, los Sex Pistols. Y aunque el punk tuvo una vida bastante breve, su energía, su pasión y su rebeldía contagió a toda una generación de jóvenes británicos, que después tomaron y perfeccionaron estas influencias para crear un sonido más complejo y experimental: El post-punk.

En este caldo de cultivo, el guitarrista Bernard Sumner y el bajista Peter Hook decidieron formar su propia banda llamada Warsaw, a la que poco después se sumó el batería Stephen Morris y un joven y melancólico vocalista, llamado Ian Curtis. Tan solo un año después, el cuarteto cambiaría su nombre a Joy Division y a principios de 1978 la banda firmó un contrato con RCA Records.

Joy Division en 1979: (desde la izquierda) Stephen Morris, Ian Curtis, Peter Hook y Bernard Sumner. Fotografía © Paul Slattery / Retna

Joy Division en 1979: (de izquierda a derecha) Stephen Morris, Ian Curtis, Peter Hook y Bernard Sumner. Fotografía: Paul Slattery / Retna

La música de Joy Division es muy difícil de describir. Puede sonar extraña, aburrida y deprimente al principio, pero te acaba seduciendo. Es como una niebla helada y desoladora, que acaba siendo adictiva.

En 1979, la mayoría de las bandas de punk hicieron música muy agresiva para poner de manifiesto su ira. Joy Division hizo una variedad más lenta y emocional, donde el bajo y la batería eran más importantes que la guitarra: era el comienzo del post-punk.

A principios de 1979, el desconocido productor Martin Hannett se unió a la ecuación para producir el disco debut de Joy Division. El proceso de grabación fue bastante sencillo y se realizó durante tres fines de semana en el mes de abril. A pesar de ello, el lanzamiento de “Unknown Pleasures” se retrasó bastante tiempo debido al complejo y sofisticado proceso de producción y postproducción que realizó el inexperto, pero ambicioso, Hannett.

Bernard Sumner, Ian Curtis y Peter Hook de Joy Division actuando en vivo en Bowdon Vale Youth Club. Fotografía: Martin O'Neill / Redferns

Joy Division actuando en vivo en el Bowdon Vale Youth Club. Fotografía: Martin O’Neill / Redferns.

El impacto en las listas del álbum fue mínimo (nº 71 en las listas del Reino Unido, y no hubo publicación en el extranjero), no tanto porque la discográfica tuviera recelo del sonido, como por la falta total de promoción: la banda ni siquiera lanzó algún single para promocionar el disco.

Pero la historia del rock está repleta de finales absurdos, estúpidos y trágicos para comienzos prometedores (accidentes aéreos, sobredosis, disparos). En algún momento de la mañana del 18 de mayo de 1980, Ian Curtis, a la edad de 23 años, se ahorcó en la cocina de su casa.

Es fácil decir, mirando hacia atrás, que la gente más cercana a él deberían haberlo visto venir. Su matrimonio se estaba desmoronando, su epilepsia empeoraba y, en su mejor momento como banda, las letras de su segundo álbum, “Closer”, mostraban suficientes pistas del diabólico cóctel que se estaba agitando en su interior. De la paranoia y la depresión que se estaba creando.

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Joy Division en Manchester. Enero 1979. Fotografía: Kevin Cummins / Getty Images

Sin embargo, “Closer”, sería mucho más afortunado, pero su popularidad fue indudablemente impulsada por el destino de Ian. Siendo cínicos, nada como un buen suicidio para vender tus canciones.

Con los años, la fascinación macabra con el suicidio de Curtis ha disminuido un poco, aunque probablemente nunca desaparecerá por completo. A medida que se fue desvaneciendo, “Unknown Pleasures” ocupó su lugar entre los grandes álbumes de la historia del rock. Un disco atemporal, fuera de los patrones del tiempo y el espacio y que introduce al oyente en una realidad única, ajena a todo lo exterior.

Algún crítico lo definió como: “el álbum más deprimente de la historia”. En todo caso, lo correcto sería decir: el “más deprimido”. No obstante, a lo largo de la historia de las artes, hay multitud de ejemplos de infinidad de obras maestras, surgidas de las brumas que atenazaban las mentes de muchos creadores.

Enlace a la lista de reproducción del álbum

La televisión online para la formación del profesorado sigue adelante con las aportaciones del alumnado de Educación Musical de la ULE

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El nuevo curso supone sumergirnos en nuevos proyectos y otros que continúan para ampliar objetivos y ofrecer nuevas experiencias. El alumnado de Cuarto Curso de la Mención de Educación Musical sigue a todo ritmo desde la Facultad de Educación de la Universidad de León (ULE). Y estamos de enhorabuena porque este semestre participamos de nuevo en el Proyecto de Innovación Docente, internacional y multidisciplinar, “La televisión on-line en la formación del profesorado: un recurso educativo multilingüe y multidisciplinar”, que coordina la profesora Marta García-Sampedro, desde la Universidad de Oviedo.

Según os contamos en entradas anteriores del blog, el proyecto pretende integrar el uso de la televisión a través de dispositivos móviles en la formación del profesorado para crear un canal televisivo multilingüe y multidisciplinar, con el objetivo de fomentar el aprendizaje a través del uso de las tecnologías móviles en educación. Para ello, seguimos profundizando en el uso de las TIC de manera reflexiva y creativa para la elaboración de recursos con fines, en nuestro caso, didáctico-musicales. En este caso, los videos del alumnado se integran en la elaboración de unidades didácticas de Educación Musical para Educación Primaria, dentro de las prácticas de la asignatura de Didáctica de la Expresión Musical, la cual imparte la profesora Diana Díaz.

La idea es desarrollar herramientas pedagógicas y comunicativas para mejorar los procesos de enseñanza-aprendizaje en educación musical. De este modo, seguiremos ampliando los recursos audiovisuales de nuestro canal en YouTube: DidacTic MUSICART ULE. Este canal se une a otros canales “hermanos” del proyecto, que podéis consultar en la siguiente web principal del proyecto: https://didactictac2018.wixsite.com/didactictac-tv

Enlace a nuestro canal en YouTube, con vídeos didácticos, musicogramas…

¡Seguimos con ritmo!

Rupak Kulkarni Trío (04/Octubre/2019)

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04-10-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Entradas (3 €): a partir de media hora antes del concierto en taquilla
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carnet  universitario y DNI.

De Shrimati Annapurna Devi, hija del Gurú de Ravi Shankar Allaudin Khan, vino el legendario maestro de la flauta Hariprasad Chaurasia, y de este maestro vino su principal discípulo Rupak Kulkarni, quien ha imprimido a esta gran tradición un nuevo sabor con una pasión y creatividad únicas. Donde otros han realizado ragas, Rupak ha recreado ragas. Mientras que otros han tocado composiciones a través de la flauta, Rupak ha escrito composiciones a través de la flauta. Donde otros nos han recordado la sensualidad del instrumento de Krishna, Rupak nos ha demostrado la sensualidad del instrumento de Krishna. Rupak es simplemente un viejo maestro de la música disfrazado de artista joven.

Como un niño prodigio con la música soplada en su aliento por su padre Malhar Rao Kulkarni, Rupak ha florecido bajo la mejor tutela de la mano de la leyenda de la flauta HARIPRASAD CHAURASIA para convertirse en un destacado exponente de MAIHAR GHARANA. Como primer GANDA BANDH Shagird de Chaurasia desde los 9 años, Rupak, con entrenamiento arduo y trabajo duro, ha dominado los estilos Dhrupad, Khayal y Tantrakari igualmente bien. Su recital es siempre una delicia rara que combina Dhrupad y Khayal Gayaki, el melodioso Aalap y el centelleante Tatkar (técnica del lenguaje utilizada para Jhala), una improvisación innovadora con el fascinante Layakari, un magnífico control de la respiración y un hábil trabajo con los dedos.

Artista de alto nivel de todas las radios de la India, la primera actuación en solitario de Rupak fue a la edad de 11 años en Darbar Hall, Baroda, donde cautivó a unos 1500 amantes de la música. Desde entonces ha actuado en casi todas las salas de música de prestigio en toda la India y en el extranjero.

Actuaciones en los principales festivales de música:

Darbar Festival (Reino Unido), Asian Super Flautist Festival (Japón), Tansen Samaroh (India), Peshkar World Music Festival (India), Vishnu Digamber Paluskar Samaroh (India), Harvallabh Music Festival (India), Times of India 150 years celebration concerts, Ustad Amir Khan Samaroh (India), Sawai Gandharv Festival (India), Uttarpara Sangeet Chakra (India), Saptak Music Festival (India), Gunidas Sammelan (India), Hirabai Barodekar Smruti Samaroh (India), Sawai Gandharv Music Festival (India), Shruti Mandal (India) y muchos otros festivales de música destacados en la India y en el extranjero. Rupak tiene su propia marca distintiva y también seguidores y fans. Sus conciertos de flauta se transmiten regularmente en All India Radio, World Space Radio y varios canales de televisión como Doordarshan, STAR TV, Zee TV y CNN-IBN, In Sync.

Premios / Logros:

– Premio “Sangeet Prakarsh” otorgado por Bhavan’s Mumbai por su contribución en la música.

– TOP Grade (All India Radio).

– Invitado por el prestigioso Trinity College of Music de Londres para dar una conferencia demostrativa.

– Concierto en el Asian Super Flautist Festival en Japón.

Su primer álbum musical fue a los 18 años, titulado TENDERLY, acompañado por el maestro de tabla Anindo Chatterji. Desde entonces, Rupak ha publicado sus álbumes a través de las principales compañías de música como Times Music, HMV, Navras, Plus Music, Rhythm House, Ninaad, Big B de ABCL, Sense World (Londres), World Wide Records, etc.

Ha trabajado con muchos directores de música de Hollywood y Bollywood para componer música de fondo en las películas.

El Club de Música de la ULE inaugura el curso con una actividad dedicada al Blues, con música en directo.

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La Facultad de Educación acoge una nueva actividad del Club de Música de la Universidad de León (ULE), organizada por la Biblioteca Universitaria, a través del blog PartitULE, y el Área de Didáctica de la Expresión Musical. El miércoles 2 de octubre, se celebrará una charla-coloquio bajo el título: “Cruce de caminos: orígenes e influencia del blues”. Esta charla, que incluirá música en directo, será impartida por dos prestigiosos músicos de la escena musical leonesa. El pianista John Bramley, y el guitarrista Mario J. Delgado.

John Bramley (Italia) es licenciado por la Accademia Internazionale della Musica, Civici Corsi di Jazz en Milán. Pianista virtuoso, forma parte de la escena nacional jazz en Italia, en diversos combos y bandas como “Paolo Tomellerini Swing Band”, “Sugardaddy and the Cereal Killers” algunas de las cuales le han llevado de gira por toda Europa. Actualmente reside y trabaja en León formando parte del “John Bramley Trio”, “Dr Bogarde” y “Downtown Alley” desarrollando en todas ellas un gran estilo de corte jazz, swing, bebop, blues o experimental entre otros estilos.

Mario J. Delgado (Madrid) integrante de diferentes grupos en la escena nacional y leonesa, donde está afincado desde hace años. Mario J. Delgado combina elementos de corte tradicional basados en potentes sonidos de guitarra eléctrica, que beben del blues de los setenta y el alt country independiente de finales de los noventa, teniendo entre sus referentes grupos como: Whiskeytown, Songs: Ohia y la innegable sonoridad en sus guitarras de Hendrix, Ray Vaughan o Peter Green entre otros. Actualmente su principal proyecto es la banda “Forman’s Driveaway”, editando en 2017 el primer álbum de la misma.

Juntos han creado un nuevo proyecto de piano, voz y guitarra eléctrica, denominado “Downtown Alley”, que rinde un indudable tributo al Jazz de principios del siglo XX y el blues que deriva de las sucesivas ramificaciones de este género, combinando en sus directos temas propios con covers de Muddy Waters, Pinktop Perkins o Peter Green por citar algunos.

Esta nueva sesión del Club de Música tendrá lugar el próximo miércoles 2 de octubre, a las 12 horas, en el Aula de Música de la Facultad de Educación. Entrada libre hasta completar aforo.

Chico Pérez Quinteto (26/Septiembre/2019)

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26-09-2019

 21 horas
 Teatro El Albéitar ULE

Muestra del nuevo Jazz – AIE. Jazz-flamenco

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

Chico Pérez (Jaén, 1994) es pianista, intérprete y compositor. Nace en el seno de una familia de músicos, lo que hace despertar en él un gran interés y amor por la música, que le llevará a subirse al escenario a la temprana edad de 6 años.

En el año 2016 obtiene la Titulación Superior de Música en la especialidad de Piano en el CSM de Jaén.

Aparte de los estudios realizados en el Conservatorio, ha recibido clases del maestro David Peña Dorantes, Antonio López, Sergio Albacete, Guillermo González, Alberto de Paz, Israel Sandoval, Pepe Rivero, Joaquín Chacón, German Kucich, Jesús Lavilla, entre otros.

Reconocido como uno de los artistas emergentes y con más proyección del panorama flamenco nacional, en sólo un año ha sido galardonado, entre otros, con el Premio a Mejor Artista por el Instituto RTVE (2018) , Premio Talento Joven (2018) 1º Premio Composer (2018) y elegido recientemente para la gira AIEnRuta Flamencos 2019. Su reconocimiento ha traspasado nuestras fronteras siendo invitado por la prestigiosa Universidad de Oxford, dentro del festival “The World’s Music at Oxford”, que tendrá lugar el próximo mes de mayo.

Dentro de la gira de conciertos en los que se encuentra inmerso por diferentes teatros y festivales de la geografía española ha compartido cartel con artistas de la talla de Diego Amador, Israel Fernandez, Alfredo Tejada, La Macanita, David Dorantes, Farruquito, Antonio Liana, etc.

Pianista del musical El Rey León (desde 2017) colabora con artistas como Tontxu, Sara Ráez, Inma Vilchez, Coraluna, Rafa Alvarez, Alma Mesa, Marem Ladson… tocando en festivales como Starlite de Marbella, Vida Festival, Dcode, Radio 3.

Como compositor obtiene el premio a la mejor Banda Sonora Original por el corto “Al Alba” en el Concurso Nacional de Cortos de Bailén (2017). Ha compuesto la BSO para piano del cortometraje “Corazón de Porcelana” para la Facultad de Comunicación de la EUSA de Sevilla (2016). Además, realiza la composición y grabación de un disco de música reflexiva para la Provincia Mediterránea de los H.H. Maristas.

https://www.chicoperez.es/

Festival Internacional de Órgano Catedral de León 2019

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PROGRAMA GENERAL “In memoriam Adolfo Gutiérrez Viejo y Jean Guillou”

CONCIERTO I
LUNES, 16 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Schola Antiqua (España)
Juan Carlos Asensio, director
Músicas de Requiem

CONCIERTO II
MARTES, 17 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Francisco Amaya, Javier Artigas, Miguel Bernal y Adalberto Martínez Solaesa, órgano (España)
Obras de Adolfo Gutiérrez Viejo, D. Buxtehude, J. S. Bach, J. Guridi, T. Dubois,
A. Guilmant y O. Messiaen

CONCIERTO III
VIERNES, 20 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Jean-Baptiste Monnot y Mathias Lecomte, órgano y órgano transportable (Francia)
Obras de J. Guillou, G. F. Haendel y W. A. Mozart

CONCIERTO IV
DOMINGO, 22 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Jean-Baptiste Monnot, órgano (Francia)
Obras de F. Liszt, J. S. Bach, J. Guillou y P. I. Tchaïkovsky

CONCIERTO V
JUEVES, 26 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Sarah Kim, órgano (Australia)
Obras de W. A. Mozart, F. Liszt, J. Guillou, J. S. Bach y M. Moussorgski

CONCIERTO VI
DOMINGO, 29 DE SEPTIEMBRE
Catedral de León, 21 h.
Zsigmond Szathmáry, órgano (Hungría)
Obras de J. S. Bach, C. Franck, Z. Szathmáry y F. Liszt

CONCIERTO VII
JUEVES, 3 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Olivier Latry, órgano (Francia)
Obras de A. Boëly, J. S. Bach, N. Grigny, W. A. Mozart, C. M. Widor, J. Guillou, O. Messiaen y O. Latry

CONCIERTO VIII
SÁBADO, 5 DE OCTUBRE
Iglesia de Santa Marina la Real, 21 h.
Miguel Angel Viñuela, órgano (España)
Obras de A. de Cabezón, M. Rodrigues Coelho, F. Correa de Arauxo, P. Bruna,
G. Frescobaldi, J. Cabanilles, J. Ximénez, F. Andreu, D. Zipoli, Á. Barja y A. Gutiérrez Viejo

CONCIERTO IX
DOMINGO, 6 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Raúl Prieto, órgano (EE.UU.)
Obras de F. Liszt

CONCIERTO X
JUEVES, 10 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Oscar Candendo, órgano (España)
Obras de J. Langlais, C. Franck, J. Rheinberger, J. Guridi, A. Gutiérrez Viejo y
J. L. Turina

CONCIERTO XI
SÁBADO, 12 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Hampus Lindwall, órgano (Suecia)
Obras de J. Demessieux, J. Guillou, J. S. Bach, R. Falcinelli, J. Cage y H. Lindwall

CONCIERTO XII
JUEVES, 17 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Winfred Boenig, órgano (Alemania)
Obras de W. Byrd, S. Barber, C. Debussy, W. A. Mozart, J. S. Bach, C. M. Widor, J. Guillou
y S. Karg-Elert

CONCIERTO XIII
DOMINGO, 20 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Ensemble de Cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (España)
Raúl Prieto, órgano
Obras de M. Duruflé, L. van Beethoven y D. Shostakovich

CONCIERTO XIV
JUEVES, 24 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Giampaolo Di Rosa, órgano (Italia)
Obras de Alberto Carretero*, Iluminada Pérez Frutos*, Israel López Elteche*, J. S. Bach,
O. Messiaen y G. Di Rosa
*Estreno absoluto. Encargo del XXXVI FIOCLE

CONCIERTO XV
VIERNES, 25 DE OCTUBRE
Catedral de León, 21 h.
Giampaolo Di Rosa, órgano (Italia)
Obras de C. Debussy, O. Messiaen y J. Guillou

32º Festival de Música Española. León 2019

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Viernes, 13 de septiembre | 20:00 h – Auditorio Ciudad de León
ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN
Solista: DMYTRO CHONI, piano | JOSÉ LUIS TEMES, director invitado
Música de Mª Teresa Prieto, Pedro Blanco, S. Lanchares y María de Pablos.
Precio: 12€ (50% descuento a estudiantes, sólo en taquilla)

Sábado, 14 de septiembre | 20:00 h – Teatro El Albéitar
LUZ 5: “Caín y Abel”, sobre “Obertura dramática” de Evaristo Fernández Blanco.
LUZ 6: “El mismo cielo”, sobre “Cantos de Ziryab” de Santiago Lanchares.
Con la presentación de su director José Luis Temes.
Entrada libre y gratuita hasta completar el aforo.

Lunes, 16 de septiembre | 20:00 h – Auditorio Ciudad de León
ORQUESTA DE CÁMARA IBÉRICA
Solistas: GUILLERMO RODRÍGUEZ, saxofón, ALDO MATA, cello,
DAVID MATA ,violín.
Música de María de Pablos, S. Bacarisse, J. Turina, E. Villani-Côrtes y estrenos de G. Loidi y F. Chaviano.
Precio: 12€ (50% descuento a estudiantes sólo en taquilla)

Miércoles, 18 de septiembre | 20:00 h. – Auditorio “Ángel Barja”
Duo Concêntrico:
JOSEFINA ALCAIDE, violín y GONÇALO SIMOES, piano
Música de L. Freitas Branco, P. Blanco, I. Albéniz y Blanca Selva.
Precio: 5€

Viernes, 20 de septiembre | 20:00 h – Auditorio “Ángel Barja”
SONOR ENSEMBLE
Solistas: Gudrún Olafsdóttir, mezzosoprano | Sebastián Mariné, piano
Música de L. Boccherini, R. Alís, Jesús Á. León, J. Rodrigo, Consuelo Díez y estreno de Ileana Pérez.
Precio: 5€

Lunes, 23 de septiembre | 20:00 h – Auditorio “Ángel Barja”
ENOL ENSEMBLE:
Adolfo Rascón, violín | Cristina Gestido, viola |
Teresa Valente, violonchelo | Mario Bernardo, piano
Música de E. Granados, Louise Heritte-Viardot, S. Brotons y J. Turina.
Precio: 5€

Miércoles, 25 de septiembre | 20:00 h – Auditorio “Ángel Barja”
Presentación del libro AÑORANZAS Y SAUDADES. Descubriendo al músico Pedro Blanco de José A. Martínez-Pereda.
Recital de piano: JULIA FRANCO
Música de Pedro Blanco.
Entrada libre y gratuita hasta completar el aforo.

Viernes, 27 de septiembre | 20:00 h – Auditorio “Ángel Barja”
MANUEL GÓMEZ RUIZ, tenor | IGNACIO CLEMENTE, piano
Música de Pedro Blanco y en torno a Rosa García Ascot.
Precio: 5€